Earticle

이 글은 칸, 베니스, 베를린 영화제를 중심으로 AI, AI 기반영화 및 AI 영화가 영화제의 각종 프로그램을 통해 승인되는 양상을 살핌으로써 그것이 영화제 제도와 산업, 담론의 교차점에서 새로운 범주로 구성되는 과정을 추적하고 그 영화사적·산업적 의미를 논한다. 첫째, 영화제는 AI를 영화 산업과 미학, 제도 안으로 받아들이는 게이트 키퍼로 작동한다. 영화의 새로운 기술과 형식이 등장했을 때, 영화제는 변화를 기존 언어로 번역하고 배치하는 네트워크로 작동한다. 칸과 베니스는 AI를 기존 문법을 파괴하지 않는 범위에서 분리 수용한 반면, 베를린은 AI에 미학적 위치를 부여했다. 둘째, 영화제는 시상 제도를 통해 AI 기반영화와 AI 영화에 문화적 정당성을 부여하고 산업적 가치를 증대시킨다. 비평적, 산업적으로 중요한 칸, 베니스, 베를린에서의 수상은 AI 영화에 대한 제도적 인정이자 미학적 승인이며, 이후 생산과 유통을 촉진하는 계기로 작용한다. 셋째, 영화제의 AI 작품 선정과 배치는 미학적, 산업적 판단만이 아니라 권력과 위계의 문제이다. 각 영화제가 AI 수용 양상과 적극성에서 보이는 차이는 세계 영화제 회로 내에서의 위상과 권력 관계를 반영한 것으로 해석된다. 이는 영화제가 스스로의 위상과 경계를 조정하는 방식이다. AI의 제도화는 각 영화제가 AI를 어떤 범주로 호명하고 어떤 프로그램과 공간 및 절차 안에 배치할 것인가를 조정하는 협상의 과정이다. 그 과정에서 각 영화제가 선택한 방식은 영화제들의 자기 정체성 규정에 따른 정치적 판단의 산물로 평가될 수 있다.

This study examines how artificial intelligence (AI), AI-based films, and AI films gain institutional legitimacy through various programs at Cannes, Venice, and Berlin. It traces how they are constituted as new categories at the intersection of festival institutions, industry, and discourse, and discusses their historical and industrial significance. First, film festivals function as gatekeepers that incorporate AI into the film industry, aesthetics, and institutional frameworks. When new technologies and forms emerge, festivals translate and position them within existing cinematic languages. While Cannes and Venice have accommodated AI in separate forms without disrupting established conventions, Berlin has assigned AI a more explicit aesthetic position. Second, through awards, festivals confer cultural legitimacy and industrial value on AI-based films and AI films. Recognition at Cannes, Venice, and Berlin becomes a form of institutional validation and aesthetic endorsement, facilitating further production and circulation. Third, the selection and placement of AI works are not merely aesthetic or industrial judgments but also matters of power and hierarchy. The differences among festivals in how and to what extent they embrace AI can be understood as reflecting their respective positions and power relations within the global festival circuit. In this sense, the institutionalization of AI is a process of negotiation over how each festival names, categorizes, and positions AI within its programs, spaces, and procedures. This process also allows festivals to adjust their own status and boundaries, revealing political judgments shaped by their self-definition and institutional identity.

생성형 AI 비디오 모델의 보급은 영상제작 교육 현장에 하나의 긴급한 물음을 제기하고 있다. 촬영·조명·광학 이론으로 구성되는 시네마토그래피 교육은 AI 도구가 그 기능을 모방할 수 있는 시대에도 여전히 필요한가? 기존 응답들은 대부분 AI의 기술적 한계에 의존하지만, 이 논문은 보다 근본적인 주장을 제시한다. AI가 실사 영상의 광학적 외관을 완벽하게 시뮬레이션하더라도, 시네마토그래피 교육은 존재론적 이유에서 필수적이다. 그 이유는 역설적으로 AI의 발전 자체에서 온다. AI가 제공하는 선택지가 증가할수록, 그 선택을 지향하는 창작적 판단력의 중요성은 더욱 부각된다. 본 연구는 실사, 작화, AI 생성 영상을 배타적 매체 범주로 고정하기보다, 이미지 발생 원천, 기호론적 관계, 시간성의 차원에서 분석적으로 구분 가능한 세 이미지 형식으로 파악하고, 세 가지 논거를 제시한다. 첫째, 시네마토그래피 이론은 AI 생성 영상의 창작적 선택을 가능케 하는 심미적 기준점을 형성한다. 둘째, 세 영상 형식의 존재론적 표식을 식별하는 영상 리터러시 교육의 전제 조건이다. 셋째, 혼종적 제작 환경에서의 협업 언어를 이룬다. 이를 바탕으로 실사와 AI 생성 이미지의 비교 실습을 중심으로, 작화 영상을 이론적 분석 준거로 활용하는 삼분적 영상 리터러시 교육 모델을 제안한다.

The proliferation of generative AI video models raises a pressing question for moving-image education: Is cinematography—comprising camera practice, lighting, and optical theory—still necessary in an era when AI tools can plausibly simulate many of its functions? Existing responses to this question rely primarily on AI’s current technical limitations. This study proposes a more fundamental claim. Even if AI achieved a perfect optical simulation of live-action imagery, cinematography education would remain ontologically necessary because, as AI increases available choices, the creative judgment required to make meaningful choices becomes increasingly important. This study analytically distinguishes live-action images, drawn/animated images, and AI-generated images across ontogenetic, semiotic, and temporal dimensions, rather than treating them as mutually exclusive empirical categories. Based on this understanding, this study advances three arguments: cinematography theory forms the aesthetic reference point for creative selection among AI outputs; it constitutes the precondition for visual literacy, identifying each image form’s ontological signature; and it provides the collaborative language of hybrid production environments. The study distinguishes invariant and repositionable domains of cinematography education and proposes a tripartite visual literacy model structured around the comparative study of live-action, drawn, and AI-generated image formation.

본 연구는 Netflix 드라마 <기묘한 이야기>를 연구 대상으로 삼아, 직접 경험되지 않은 과거가 어떻게 향수의 대상이 될 수 있는지, 그리고 미디어가 그러한 향수의 대상을 어떤 방식으로 구성하는지를 탐구한다. 이를 위해 본 연구는 대리적 향수(Vicarious Nostalgia)를 핵심적인 이론적 출발점으로 설정하고, 향수 이론, 미디어 향수 연구, 그리고 텍스트 분석을 결합하여 <기묘한 이야기> 속 1980년대의 재현 양상을 고찰하였다. 연구 결과, <기묘한 이야기>에서 제시되는 1980년대는 역사적 현실에 대한 직접적인 재현이라기보다, 문화적 기호, 장르 서사, 그리고 정서적 분위기가 함께 작동하여 형성된 하나의 매개된 과거로 나타난다. 이 작품은 소비재, 시청각적 스타일, 장르적 패스티시를 통해 뚜렷한 시대감을 구성하고, 동시에 청소년기의 성장, 우정, 가족애와 같은 보편적인 정서 구조를 활용함으로써 1980년대를 경험하지 않은 관객 역시 인물들과 정서적 공명을 형성하고 그 과거에 정서적으로 접근할 수 있는 조건을 마련한다. 또한 이 드라마는 1980년대를 단순히 미화된 시대로만 제시하지 않고, 냉전의 그림자, 국가 권력의 확장, 신자유주의의 논리와 같은 정치적 요소들을 함께 포함시킴으로써, 그 시대에 보다 복합적인 역사적 질감을 부여한다. 따라서 본 연구는 미디어가 단순히 과거를 재현하는 데 그치는 것이 아니라, 특정한 서사 방식과 미학적 형식을 통해 직접 경험되지 않은 과거를 정서적 대상으로 구성하며, 이를 통해 동시대 관객이 그 과거를 향수의 가능한 대상으로 접근할 수 있게 한다고 주장한다.

This study analyzes the Netflix series “Stranger Things” and examines how a past that viewers have not directly experienced can become an object of nostalgia, as well as how media construct such nostalgic objects. Using vicarious nostalgia as its central theoretical point of departure, the study combines nostalgia theory, research on media nostalgia, and textual analysis to investigate the representation of the 1980s in Stranger Things. The findings suggest that the 1980s depicted in the series are not a direct representation of historical reality but a mediated past jointly shaped by cultural symbols, genre narrative, and emotional atmosphere. Through consumer goods, audiovisual style, and genre pastiche, the series constructs a vivid sense of period-specificity. Simultaneously, through universal emotional structures such as adolescent growth, friendship, and family affection, it creates conditions through which viewers who did not actually live through the 1980s may empathize with the characters and approach that past emotionally. However, the series does not present the 1980s as a simply idealized era. Instead, it incorporates political elements such as the shadow of the Cold War, the expansion of state power, and the logic of neoliberalism, thereby giving its version of the 1980s a more complex historical texture. This study argues that media do not merely reproduce the past; rather, through specific narrative and aesthetic operations, they construct a past that was not directly experienced as an affective object through which contemporary audiences may approach the past as a possible object of nostalgia.

디지털 기술 고도화에 따른 이미지 과잉 현상은 사진 창작의 패러다임을 고전적 ‘생산’에서 큐레토리얼 ‘재배치’로 전환시켰다. 본 연구는 기원과 맥락을 상실한 채 부유하는 ‘발견된 사진(Found Photography)’의 재맥락화 과정을 추적하고 그 공백에서 발생하는 수행적 권력인 ‘이차적 저자성(Secondary Authorship)’의 구조를 규명하는 데 목적이 있다. 이를 위해 움베르토 에코(Umberto Eco)의 정보이론과 루드비히 비트겐슈타인(Ludwig Wittgenstein)의 언어게임 규칙을 준거 삼아 요아힘 슈미트(Joachim Schmid)와 리 슐만(Lee Shulman)의 아카이브 실천을 고찰하였다. 분석 결과, 이들의 큐레토리얼 전략은 상호 배타적인 대립 항이 아니라 연속적인 미학적 스펙트럼으로 기능한다. 슈미트가 익명의 사진을 유형학적으로 배열하여 시각 문화 시스템을 노출하는 구조적 분석의 경로를 제시하는 양상과 슐만이 향수와 정서적 몰입을 구축한 뒤 사후적 개입을 통해 역사적 부재를 폭로하는 정서적 연출을 취하는 양상은 아카이브 실천의 진폭을 유기적으로 확장하는 상호보완적 양태다. 결과적으로 동시대 저자성은 고정된 실체가 아니라 전시 규칙을 능동적으로 설계하는 수행적 기능으로 재정의된다. 아울러 사진의 지표성 또한 과거의 물리적 흔적에 머무르는 것이 아니라 이차적 저자가 조직한 재배치 구조망 속에서 사후적으로 직조되는 ‘관계적 진실성(Relational Authenticity)’으로 재편됨을 입증한다. 본 연구는 발견된 사진 논의를 진실과 기억을 조직하는 권력 메커니즘 분석으로 확장하여 동시대 시각 문화 연구의 실천적 방향성을 제시했다는 점에서 의의를 지닌다.

The proliferation of images driven by advanced digital technologies has shifted the paradigm of photographic creation from classical “production” to curatorial “rearrangement.” This study traces the recontextualization process of “found photography”—images floating without clear origins or contexts—and examines the structure of “secondary authorship,” a performative power that emerges within this void. To this end, this paper explores the archival practices of Joachim Schmid and Lee Shulman, using Umberto Eco’s information theory and Ludwig Wittgenstein’s concept of language-game rules as primary analytical frameworks. The findings indicate that their curatorial strategies do not operate as mutually exclusive binaries, but rather function as a continuous aesthetic spectrum. Schmid’s approach presents a path of structural anatomy by typologically arranging anonymous photographs to expose the systems of visual culture, while Shulman’s method employs emotional direction to build nostalgia and affective immersion before destabilizing it through retrospective intervention to expose historical absence. These practices collectively expand the scope of archival practice as complementary modalities within the same spectrum. Consequently, contemporary authorship is redefined not as a fixed entity but as a performative function that actively designs exhibition rules. Furthermore, photographic indexicality is reconfigured; it no longer resides in past physical traces but is woven retrospectively as a form of “relational authenticity” within the network of rearrangement structured by the secondary author. By expanding the discourse of found photography into an analysis of the power mechanisms that organize truth and memory this study offers a practical compass for contemporary visual culture studies.

본 논문은 봉합 이론(Suture Theory)을 예능 프로그램 분석에 적용하여, MC의 기능을 이론적으로 재조명한다. 분석 대상은 <복면가왕>, <런닝맨>, <솔로지옥>이며, 각 프로그램은 MC와 관객 구조의 서로 다른 유형을 대표한다. 봉합 이론의 핵심 기제인 ‘결여-대리-위치됨’의 3단계를 분석 틀로 삼아, MC가 현장의 의미 단절 순간에 어떻게 빈자리를 점유하고 시청자를 안정적인 위치에 재배치하는지를 살펴본다. 연구 결과, 예능 프로그램의 봉합은 현장과 편집이라는 두 층위에서 작동하며, 이 구조를 본 연구는 ‘이중 봉합’으로 명명한다. 이를 통해 봉합 이론이 MC 기능 분석의 유효한 이론적 도구가 될 수 있음을 제안한다.

This study applies Suture Theory to the analysis of variety programs and theoretically reexamines the function of the MC. The analysis focuses on The King of Mask Singer, Running Man, and Single’s Inferno, each of which represents a distinct MC type and audience structure. Using the three-stage mechanism of “lack-stand-in-positioning,” which constitutes the core of Suture Theory, this study examines how the MC occupies an empty position at moments of on-site semantic rupture and repositions viewers in a stable viewing position. The findings show that suture in variety programs operates on two levels, which are as follows: on site and in editing. This study defines this structure as “double suture.” Through this analysis, the study suggests that Suture Theory can serve as a valid theoretical tool for analyzing the function of the MC.