Earticle

디지털 기술과 생성형 인공지능의 확산은 창작과 저작권의 개념에 대한 근본적인 재고를 요청하고 있다. 본 연구는 “AI 시대, 저작권은 누구의 것인가?”라는 문제의식을 중심으로 ‘분산된 저작권(Distributed Copyright)’이라는 개념과 창작 주체의 해체, 그리고 그에 대한 윤리적·존재론적 재구성을 다층적으로 고찰한다. 이를 위해 부리오의 ‘포스트프로덕션’ 개념을 비판적으로 분석하고, 게티 이미지 소송, ChatGPT의 지브리 스튜디오 화풍복제 사건, 미국작가협회와 OpenAI의 법적 분쟁 등 생성형 AI 관련 저작권 사례를 분석함으로써, 창작의 책임과 권리를 어떻게 새롭게 배분할 수 있는지를 윤리적·제도적으로 탐색한다. 나아가 발터 벤야민의 󰡔기술복제 시대의 예술작품󰡕을 재해석함으로써, 그의 아우라 개념 이 알고리즘 기반 복제 환경 속에서 어떻게 변형되고 귀환하는지를 ‘유령적 아우라(Spectral Aura)’라는 이론적 틀을 통 해 정식화한다. 또한 로지 브라이도티의 포스트휴먼 윤리를 통해 창작 주체의 관계적 재정의를 제안한다. 본 논문은 AI 시대의 창작이 단일한 주체의 독점적 권리에서 벗어나, 관계적·분산적·공동체적 책임 구조로 나아가야 함을 주장한다.

The rapid expansion of digital technologies and generative AI requires a fundamental rethinking of authorship and copyright. This paper poses the following central question: “In the age of AI, whose copyright is it?” It critically examines Nicolas Bourriaud’s notion of postproduction and analyzes pertinent key cases, including the Getty Images lawsuit, ChatGPT’s replication of Studio Ghibli’s visual style, and the legal conflict between the Writers Guild of America and OpenAI. Reinterpreting Walter Benjamin’s The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction, the study introduces the concept of the “Spectral Aura” to explain how the aura transforms under algorithmic reproduction. It further employs Rosi Braidotti’s posthuman ethics to propose a relational redefinition of creative subjectivity and copyright. Ultimately, the paper argues that creativity in the AI era must move away from the isolated originality of the singular author toward a distributed ethics of shared responsibility and multiple subjectivities.

이 연구는 EBS 다큐멘터리 <위대한 인도>(2024)에서 나타난 다큐멘터리 재연 형식의 성찰적 기능을 고찰한다. 이 작품은 인 도 역사 전반을 설명하는 시사·교양 프로그램이지만, 생성형 AI와 B급 코미디 양식을 결합하여 전통적 역사 다큐멘터리의 사 실주의적 재현 관습을 전복하는 실험적 형식을 제시한다. 특히 이 작품에서 재연은 단순히 과거를 복원하는 보조적 장치가 아니라 다큐멘터리 담론의 권위와 위계를 가시화하고, 형식 전반에 대한 환기를 촉발하는 핵심적 장치로 작동한다. 코미디와 패러디를 활용한 재연의 양상은 역사적 사실을 유일한 진실로 가정해 온 다큐멘터리의 관습을 풍자하고, 그 근엄한 어조와 객관성의 기반을 환기한다. 역사적 인물들을 익살스럽게 형상화한 AI 캐릭터들은 프리젠터, 인터뷰 등에 구조화되어 있는 제 작자-대상 간의 위계적 관계를 겨냥하면서 그 권위적 위치를 조롱한다. 무엇보다 재연의 캐릭터들이 프리젠터와 소통하는 방 식은 다양한 목소리가 공존할 수 있는 대화의 장을 형성한다. 나아가 과거와 현재의 중첩적 배치는 역사를 고정된 사실이 아 니라 해석과 상상력이 교차하는 열린 과정으로 드러낸다. 이처럼 <위대한 인도>의 도전적 재연은 다큐멘터리 형식의 기초를 노출하는 성찰적 기제로 작동하면서 다큐멘터리에서 수행할 수 있는 기능과 의미를 새로운 각도로 조명한다.

This study examines the reflexive function of documentary reenactment as observed in the EBS documentary The Great India (2024). While this program presents itself as a cultural and educational series explaining the span of Indian history, it adopts an experimental form that challenges the realist representational conventions of traditional historical documentaries by combining generative AI with B-movie comedy aesthetics. In this work, reenactment functions not merely as a supplementary device for reconstructing the past but as a crucial mechanism that reveals the authority and hierarchy embedded within documentary discourse and provokes reflection on the form as a whole. The modes of reenactment employing comedy and parody satirize the documentary convention that assumes historical facts as singular truths, thereby questioning its solemn tone and supposed objectivity. AI characters that humorously embody historical figures target the hierarchical relations structured between producer and subject in the roles of presenter and interviewee, exposing their authoritative positioning. Above all, the way these reenacted characters communicate with the presenters establishes a discursive arena in which multiple voices coexist. Furthermore, the overlapping temporalities of past and present render history not as a fixed set of facts but as an open process in which interpretation and imagination intersect. In this way, the documentary’s daring use of reenactment operates as a reflexive device that reveals the foundations of documentary form and reconsiders the potential functions and meanings that the documentary medium can perform from a new critical perspective.

이 연구는 중국 포스트 6세대 영화감독들의 다양한 영화적 경향을 분석하는 것을 목적으로 한다. 포스트 6세대는 이전 세대 에 비해 획일화된 특성을 찾아보기 어렵다. 이 글에서는 그들의 경향을 크게 신주류 영화(新主流電影)와 로컬 영화(地方电 影)의 두 축으로 구분하여 고찰한다. 신주류 영화는 기존 주선율 영화가 상업성과 첨단 기술을 결합하여 변모한 형태로, 국가 주의와 스펙터클을 혼합한 중국식 블록버스터의 특징을 보이며, 포스트 6세대 다수가 제작에 참여하고 있다. 다른 한 축인 뉴웨이브 로컬 영화는 광활한 중국 영토 내 특정 지역의 독특한 문화와 정서를 담아 주류와 차별화된 흐름을 형성하며, 특히 내몽골 뉴웨이브, 티베트 뉴웨이브, 남방영화 뉴웨이브(구이저우, 항저우)가 주목받는다. 이들 로컬 뉴웨이브 감독들은 자신의 지역성을 영화적 언어로 전면화하며 국제 영화계에서 두각을 나타내고 있다. 포스트 6세대는 통일된 목표는 없으나, 신주류 영화를 통한 양적 성장 기여와 로컬 뉴웨이브를 통한 질적 다양성 확보라는 두 가지 방식으로 중국 영화 문화의 다양성과 풍 성함을 증대시키는 중요한 동력으로 작용하고 있다.

The aim of this study is to analyze the diverse cinematic tendencies of China's Post-Sixth Generation filmmakers. As the Post-Sixth Generation, unlike their predecessors, does not exhibit uniform characteristics, their trends were broadly examined under two main axes: the New Mainstream Cinema (新主流電影) and the Local Cinema (地方电影) New Wave. The New Mainstream Cinema is a transformation of the existing Main Melody Films (主旋律电影), combining commercialism and advanced technology. Characterized as Chinese-style blockbusters blending nationalism and spectacle, a majority of the Post-Sixth Generation participates in its production. The other axis, the New Wave Local Cinema, captures the unique culture and sensibilities of specific regions within China's vast territory, forming a counter-current distinct from the mainstream. The Inner Mongolia New Wave, the Tibet New Wave, and the Southern Cinema New Wave (Guizhou and Hangzhou) are particularly noteworthy. These Local New Wave directors are gaining prominence in the international film community by foregrounding their 'locality' as a cinematic language. Although the Post-Sixth Generation lacks a unified objective, they serve as a crucial driving force for enhancing the diversity and richness of Chinese film culture in two ways: by contributing to quantitative growth via the New Mainstream Cinema and by securing qualitative diversity through the Local New Wave.

신자유주의 체제로 아래 한국 사회는 극단적 사회적 양극화를 겪고 있고, 일상과 사회화 과정에도 시장의 논리가 강화되어 경쟁과 분열에 몸살을 앓고 있다. 특히 모든 자원이 집중되는 서울과 소외되는 지역의 격차는 점차 벌어지면서, 지역의 청년 들은 서울로 향하고 있다. 이러한 ‘서울 상경’의 경향 가운데 눈에 띄는 것은 여성청년의 상경 증가이다. 이러한 맥락에서 이 연구는 드라마 <나의 해방일지>와 <미지의 서울>을 주목했다. 두 드라마는 공통적으로 여성 주인공들을 내세워 지역의 집을 떠나 서울로 이동·이주하는 경험을 다루고 있다. 두 드라마의 여성 주인공들은 집을 애정과 안정 및 보호의 공간으로, 서울을 경쟁, 차별 및 소외만의 공간으로 경험하지 않는다. 이들은 두 공간을 모순적으로 경험하지만 이동하면서 자신을 깊이 성찰하 고 존중하며, 타자를 이해하고 수용하며, 자신의 해방과 꿈의 의미를 새롭게 구성한다. 이 두 드라마의 서사는 여성청년이 공 간 경험을 경험하고 이동하는 주체로서 존재하는 법을 배우는 과정을 보여준다. 즉 여성청년이 스스로 공간의 주체가 되어 자신의 장소를 만들고, 진정한 자신을 찾고, 타자와의 소중한 관계성을 만드는 여정을 보여주는 것이다. 두 드라마의 서사를 통해 서울로 이동·이주하는 동시대의 여성청년이 어떻게 주체로서 자신의 공간 경험을 생산하고 해석하면서 자기 자신, 가족, 일, 사랑, 정체성 형성, 관계의 형성을 재구성할 수 있을지 그려볼 수 있다.

Due to the neoliberal system of Korea, Korean society is experiencing extreme social polarization, and competition and division have been strengthened as the logic of the market has been strengthened during everyday life and socialization. In particular, young women from all localities want to go to Seoul and are on the move. In this context, this study focused on the TV dramas ‘My Liberation Notes’ and ‘Our Unwritten Seoul’. The two dramas deal with the experience of mobility and migration to Seoul, centering on female protagonists. The female protagonists of the two dramas perceive neither home as a space of affection, stability, and protection nor Seoul as a space of competition, discrimination, and alienation. They reflect deeply on and respect themselves while moving between the two spaces, also seeking to understand and accept others, and newly constructing the meaning of their liberation and dreams. The narratives of these two dramas show that the spatial experience, mobility, and migration of young women can be a process of subjectification. The narratives in both cases present some solutions to the issue of how young women who move and migrate to Seoul can reconstruct themselves, their family, and their work, while also managing love, identity formation, and relationship formation while producing and interpreting their spatial experiences as subjects.

본고는 21세기 예술에서 나타나는 예술 구성원의 소통과 관계의 재구성에 대한 한 예술가의 고찰이다. 현재 예술은 더 이상 전통적인 ‘예술가-작품-관객’ 구조에 머무르지 않으며, 개인적 창의성과 표현을 넘어서서 사회정치적 맥락 속에서 다원적 소 통과 상호작용적 관계 형성을 지향한다. 본고에서 저자는 서양 역사 진행에 있어 세계 구성원 간의 소통과 관계의 변화 양상 을 살펴봄으로써, 우리가 새로운 예술의 창달을 위해서 예술 구성원의 소통과 관계의 재편성과 지향점을 제언한다. 이 논고는 먼저 예술과 기술의 어원적 관계를 고찰함으로써 예술과 기술의 관계에 대해 논의한다. 이를 바탕으로 서양의 역사 진행에서 세계 중심과 주객체 개념의 변화와 세계 구성원들의 소통과 관계의 변화 양상에 대해 논의함으로써, 이성 중심의 과학기술이 존재자의 소통과 관계에 어떤 영향을 주어왔는지 탐색한다. 더불어 역사 진행에 있어 예술 세계 구성원 간의 소통과 관계의 양상을 살펴본다. 이를 위해 본고는 근대 이전의 현상과 근대-과도기적 탈근대-탈근대-탈인간주의 철학과 예술의 주체성 변 화에 대해 종합적으로 고찰한다. 결국 서구 철학의 수많은 죽음과 해체가 발견한 것은 불확정(미분화)에서 확정(분화)으로, 그 리고 또 다른 차원의 불확정적 혼종으로의 ‘되돌아옴’이다. 새롭게 재통합된 기(技)와 예(藝)의 융합에 의해 전 우주적 시공간 차원에서 비인간의 자율성과 행위력을 수용하면서 인간과 비인간이 공동 구성한 지속가능한 예술. 이것이 예술에 있어서 재 편성된 민주적 소통과 관계이다.

This essay presents an artist’s reflection on the reconstitution of the communication and relationality among art constituents in 21st-century art. Contemporary art no longer remains within the traditional structure of ‘artistartwork- audience.’ Still, it seeks to transcend individual creativity and expression toward the formation of pluralistic communication and interactive relationality within socio-political contexts. By examining the changing patterns of communication and relationality among world constituents in the Western historical progression, the author proposes the reorganization and orientation of communication and relationality among art constituents for the development of new art. This essay begins by exploring the relationships between art and technology, examining their etymological connections. Based on this foundation, it explores how reason-centered science and technology have influenced the communication and relationality among beings by reviewing changes in world-centered and subject-object concepts in the Western historical progression, as well as the transformation patterns of communication and relationality among world constituents. Additionally, it examines the aspects of communication and relationality among art world constituents throughout the progress of history. To achieve this, the study comprehensively considers the phenomena of pre-modernity and the changes in subjectivity within modern, transitional postmodern, postmodern, and posthumanist philosophy and art. Ultimately, what numerous deaths and deconstructions of Western philosophy have revealed is the ‘recursion’ from uncertainty (undifferentiated) to certainty (differentiated), and then to another dimension of uncertain hybridity. Through the renewed integration of technology(技) and art(藝), we embrace the autonomy and agency of the nonhuman at a cosmic spatiotemporal scale, so that humans and nonhumans co-constitute a sustainable art. This is the reconstituted democratic communication and relationality in art.

본고는 AI 시대에 이미지가 있는 그대로를 재현한다는 믿음이 여전히 유효할 수 있는가, 그리고 오늘날 AI 이미지는 재현에 기반하는가 혹 시뮬레이션에 기반하는가 질문한다. 먼저 아날로그 ‧ 디지털 시대의 이미지가 카메라 앞 현실을 있는 그대로 재현한다는 믿음을 임의로 악용한 사례에 대해 살펴보며, 과거의 재현 가운데서도 조작되고 만들어진 재현이 있었음을 논한 다. 이후 재현과 시뮬레이션의 차이점을 비교하여 효과적으로 설명한 비디오게임 디자이너이자 이론가인 프라스카의 논의를 통해 재현과 시뮬레이션의 특성을 파악한다. 그에 따르면 재현은 현실을 이해하기 위해 묘사 혹은 내러티브 형식이기에 과거 를 바탕으로 하는 반면, 시뮬레이션은 역동적인 변화를 전제로 한 다양한 결과를 낳을 수 있는 힘을 가졌다고 말한다. 본고는 이를 바탕으로 AI 생성 이미지의 실제적 사례를 통해 점검하며 분석을 이어가는데, 이들이 과거의 재현된 결과물을 바탕으로 학습했기에 재현에 가까운지, 혹은 학습된 결과물을 바탕으로 새로운 이미지를 산출하기에 시뮬레이션에 가깝다고 볼 수 있 을지 고찰한다. 그 첫 번째 사례는 카르만의 <Paragraphica>(2023) 작업이다. 그는 카메라 형체를 닮은 AI 이미지 생성 기계 를 들고 실재 거리에서 사진을 찍고, 또 뒤에 보이는 실재의 재현을 위해 구글 스트리트뷰의 데이터와 텍스트 매개변수를 조 정하여 생성한 AI 이미지를 만든 후 이들을 서로 비교하도록 유도한다. 또 다른 사례로는 보사트의 <ROMAN EMPEROR PROJECT>(2021) 작품을 분석하는데, 이는 동전이나 초상화로만 남아 있는 실재하지 않는 로마 황제의 얼굴 ‘복원’을 시도 한다. 이 사례들은 오늘날 AI 생성 이미지는 단순한 재현이나 시뮬레이션에 머물지 않음을 보여주며 그 사이의 복잡한 관계 를 형성하고 있음을 보여준다. 이를 통해 본고는 오늘날의 생성형 AI 이미지는 재현된 이미지를 학습하여 또 다른 재현을 시 도하는 ‘재현의 재현’이자, 사람들이 현실을 바라보며 갖는 이상과 욕망의 정형을 바탕으로 재현 자체를 시뮬레이션하는 ‘시 뮬레이션 된 재현’일 수 있음을 밝히며, AI 이미지 시대에 기존의 재현과 시뮬레이션의 의미는 한층 더 급격히 다변화하고 있음을 주장한다.

This paper asks whether, in the age of AI, the belief that images reproduce reality “as it is” still holds, and whether today’s AI images are grounded in representation or in simulation. First, the paper reviews analog and digital cases that abused claims of unmediated reproduction, showing that past “representations” were often constructed and manipulated. It then adopts video-game designer and theorist Gonzalo Frasca’s distinction: representation is a descriptive, past-oriented form, whereas simulation, premised on dynamic change, can yield multiple outcomes. Building on this, the paper examines specific AI-image works to consider whether such images—trained on prior representations—lean toward representation or, because they generate new images from learned results, toward simulation. The first case is Bjørn Karmann’s Paragraphica (2023), which invites comparisons between a street photograph taken with a camera-like AI device and an AI image generated by tuning Google Street View data and textual parameters. Another is Daniel Voshart’s Roman Emperor Project (2021), which attempts to “restore” the nonexistent from coins and portraits. These examples suggest that AI images form a complex relationship between representation and simulation. Accordingly, the paper argues that generative AI images may be both a ‘representation of representation’ and a ‘simulated representation,’ and that, in the AI image era, the meanings of representation and simulation are undergoing rapid diversification and expansion.

본 연구는 동시대 미디어 환경의 지배적인 시간성으로 자리 잡은 '실시간(Real-Time)'이 기술 발전의 자연스러운 결과가 아닌 특정 시대의 사회정치적 요구와 결합하여 역사적으로 구축된 '정치적 구성물'임을 밝히는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 본 연구는 미디어 고고학을 핵심 방법론으로 폴 비릴리오의 속도론을 주요 분석 렌즈로 채택하여 '실시간'의 계보를 추적하고 그 안에 내재된 시간 정치학을 분석했다. 연구 결과 '실시간'은 19세기 전신이 공간을 정복하며 발명한 '준 실시간'에서 시작하여 20세기 방송 미디어가 구축한 대중적 '동시성', 21세기 네트워크 미디어가 가속한 개인화된 '현재성'을 거쳐 AI 장치가 구현하 는 '즉각적 생성'의 단계에 이르기까지 점진적으로 급진화되어 왔음을 확인했다. 이러한 가속화의 역사는 비릴리오가 통찰했듯 이 비판적 사유의 시간을 소멸시키고 현실 감각을 붕괴시키는 '지각의 위기'를 초래한다. 결론적으로 본 연구는 '실시간'의 지배 가 기술적 편리를 넘어 우리의 주체성 자체를 위협하는 정치적 문제임을 논증하고 그에 맞서는 대안적 실천이 후기 자본주의 의 상품 논리에 포섭될 위험을 경계하며 ‘디지털 단절’과 같은 비판적이고 주체적인 시간성 실천의 필요성을 제언한다.

This study aims to demonstrate that 'real time,' the dominant temporality of the contemporary media environment, is not a natural outcome of technological progress but a 'political construct' historically shaped by the specific socio-political demands of each era. Adopting media archaeology as its core methodology and Paul Virilio's dromology as its primary analytical lens, this research traces the genealogy of 'real time' and analyzes the politics of time inherent within it. The archaeological analysis reveals that 'real time' has been progressively radicalized through four stages: from the 'quasi-real time' invented by the telegraph's conquest of space in the 19th century; to the mass 'simultaneity' constructed by broadcast media in the 20th century; to the accelerated and individualized 'nowness' of network media in the 21st century; and finallyto the 'instantaneous generation' actualized by AI apparatuses. This history of acceleration, as Virilio foresaw, leads to a 'crisis of perception' by eliminating the time for critical reflection and collapsing the sense of reality. In conclusion, this paper argues that the dominance of 'real time' is a political issue that threatens our subjectivity beyond mere technological convenience. It warns against the risk of alternative practices being co-opted by the logic of late capitalism and, moving beyond simply engaging with 'slow media,' suggests the necessity of critical and subjective temporal practices such as 'digital disconnection.'

본 연구는 필자의 영상 작품 <악수>(2018)를 사례로, 동일한 창작 의도를 전통적 창작과 AI(Sora) 협업 창작 두 환경에서 수 행했을 때 나타나는 경험 구조의 차이를 비교·분석한다. 전통적 영상 창작에서는 재료와 도구의 물리적 상호작용을 바탕으로 한 체화된 실천이 중심이 되었으며, 즉각적 피드백이 창작자의 판단을 이끌고 몰입을 강화하였다. 촬영과 편집 과정은 손과 눈의 리듬으로 연속되었고, 우연적 사건은 현장에서 즉흥적 조정을 통해 작품에 흡수되었다. 반면 AI 협업에서는 ‘문장 입력- 대기-출력 판독-재지시’의 단속적 루프가 기본 단위가 되었다. 창작자는 모델의 해석적 저항에 대응하며 선택과 큐레이션을 수행하는 위치로 이동하였고, 지연된 피드백은 몰입의 연속성을 단절시켰다. 체화된 실천을 통해 축적되는 암묵적 지식은 시 스템의 작동 논리를 이해하는 명시적 지식으로 전환되었으며, 우연성은 물리적 현장의 돌발이 아닌 알고리즘의 확률적 탐색 결과로 나타났다. 본 논문은 이러한 차이가 창작자의 행위주체성을 재배치함을 논증한다. 본 논문은 이러한 차이가 창작자의 행위주체성을 재배치함을 논증한다. 전통적 창작에서 행위주체성이 과정에 내재된 체화된 판단으로 작동했다면, AI 협업 창 작에서는 결과 이후의 선택과 평가로 분절되었다. 이를 통해 두 창작 방식의 특성을 가늠할 수 있는 진단적 근거를 제공하며, 과업의 성격에 따라 적합한 접근 방식을 선택하거나 두 방식을 전략적으로 결합할 수 있는 실천적 시사점을 제시한다.

This study analyzes how the experiential structure of creation changes when the same artistic intention is realized in two different environments—traditional video production and AI (Sora)-assisted creation—using the author's video work Handshake (2018) as a case study. In traditional video production, embodied practice grounded in physical interaction with materials and tools formed the core of the creative process. Immediate sensory feedback guided the creator's judgment and sustained immersion. The shooting and editing processes flowed as a continuous rhythm between hand and eye, while serendipitous events were absorbed into the work on-site through improvisational adjustments. In contrast, AI-assisted creation unfolded through a discontinuous loop of prompting, waiting, output reading, and re-prompting. The creator's role shifted from performer to selector and curator, responding to the model's interpretive resistance. Delayed feedback disrupted the continuity of immersion. Tacit knowledge accumulated through embodied practice was replaced by explicit knowledge of the system's operational logic, and serendipity emerged not from contingent physical events but from algorithmic probabilistic explorations. This study demonstrates that these differences relocate artistic agency. In traditional creation, agency operated as embodied judgment inherent in the process, whereas in AI-assisted creation, it became fragmented into post-hoc selection and evaluation. The study offers a diagnostic framework for understanding the distinct characteristics of each approach and provides practical implications with regard to choosing appropriate methods based on the nature of creative tasks, or for strategically combining both approaches.