Earticle

노먼 맥라렌(McLaren)의 “파드되”는 발레안무와 영화기술을 융합한 실험영상으로 영화사에 중요한 영향 을 끼친 작품으로 평가된다. 무용영상에 있어서 영상기법의 역할을 이해하고 영상만이 가능한 무용표현 의 의의를 모색하는 것은 대단히 중요하다. 본 연구에서는 “파드되”에서 사용된 영상기법을 편집, 중첩, 시간조작을 중심으로 분석하였다. 연구자는 작품을 관찰, 해체하고 데이터화하여 기법이 사용된 부분의 체계와 형식을 파악하고자 하였다. 각 영상기법은 무용안무의 의도와 밀접하게 관계하고, 공연과는 다른 무용영상만의 차별성을 부여하는 기능을 하였다. 편집은 카메라의 움직임, 신체의 크기 등을 변화시켜 관객 시선의 몰입을 유도하였다. 중첩은 분리형, 거울형, 연쇄형의 타입으로 무용에 초현실적 경험을 부 여하였다. 시간조작은 슬로모션, 정지, 반복을 통하여 안무리듬을 재구성하는 기능을 하였다. 이러한 융 합예술에 있어서, 영상의 역할을 기법적 측면에서 고찰한 본 연구가 무용영상을 제작하기 위한 이 시대 의 작가들에게 도움이 되기를 기대한다.

Norman McLaren's "Pas de deux" is an experimental film that combines ballet choreography and film technology, and it is regarded as a work that has made an important impact on the history of the film industry. It is very important to understand the roles of cinematic techniques in dance films and to search for the significance of dance expressions that only moving images make possible. In this research, I analyze the cinematic techniques used in "Pas de deux" by focusing on editing, superposition and time remapping. The structures and forms of the parts where the techniques were used were analyzed by observing, disassembling and schematizing the works. Each of the cinematic techniques was closely related to the intentions of dance choreography and functioned to differentiate only dance films from stage performances. Editing led to the immersion of the viewer's gaze using techniques such as changes of camera movements and of the size of the body. Superposition resulted in surrealistic experiences of different types with regard to dance, including separation and mirrors and chains. Time remapping functioned to reconstruct choreography rhythms through slow motion, freezing and repetition. I hope that this research on the roles of moving images in intermedia art will be helpful for artists of this era who strive to produce dance films.

본 연구는 미국 내 아시아계 이민 청소년들의 문화동화(文化同化) 척도로서 그림검사의 활용 가능성을 분석한 것이다. 구체적으로, ‘문화동화 다리 그림(Acculturation Bridge Drawing: ABD)’이 이민자, 특히 아시아계 이민 청소년들의 문화동화 정도에 대한 적절한 척도로 활용될 수 있는가를 알아보았다. 문화동 화의 정도는 수인(Suinn), 아후나(Ahuna) & 구(Khoo)가 개발한 ‘Suinn-Lew 아시아계 자아정체성 문화 동화 척도(Suinn-Lew Asian Self Identity Acculturation Scale: SL-ASIA)’를 청소년들에 맞게 개정하여 측정하였다(1992). 6살부터 18살까지의 16명의 여자와 24명의 남자, 총 40명의 중국, 대만, 한국 출신의 아시아계 이민 청소년들을 대상으로 ABD와 개정 SL-ASIA 설문조사가 행해졌다. 그 결과, ABD와 개정 SL-ASIA 사이에 유의미한 상관관계가 있는 것으로 나타났다.

This study tested the use of drawing as a measure of the acculturation of Asian immigrant youth. The rationale of the study is to establish whether the Acculturation Bridge Drawing (ABD) is a valid measure of the level of acculturation in an immigrant population, particularly with regard to Asian immigrant youth. The level of acculturation was measured using the Suinn-Lew Asian Self Identity Acculturation Scale (SL-ASIA) developed by Suinn, Ahuna, and Khoo (1992), which was revised for children. A total of 40 Asian immigrant youths, 16 females and 24 males aged 6 through 18 from China, Taiwan, and Korea completed both the ABD and the revised SL-ASIA. A modest relationship between the ABD and the revised SL-ASIA scores was found.

본 서베이 연구는 영화 인센티브-영화 로케이션 유치-스크린 투어리즘의 발생의 일련의 선순환을 이루 기 위한 과정에서 이 중 스크린 투어리즘, 특히 이와 관련된 영화적 성공 요인들을 주로 다룬다. 먼저 다양한 선행 연구들을 바탕으로 하여 스크린 투어리즘의 정의와 개념, 성격과 역할, 그리고 여러 형식 등의 스크린 투어리즘에 관련된 다양한 과제를 서베이 분석하고 스크린 투어리즘의 주체로서의 스크린 투어리스트의 투어리즘의 동기 그리고 스크린 투어리즘의 성공을 위한 영화적 요인들을 제안한다. 특히 스크린 투어리스트가 스크린 투어리즘을 실행하게 되는 다양한 동기 요인들을 선행 연구 자료에 대한 서 베이 및 분석을 통하여 밝히고자 하며 다시 이들을 근거로 하여 스크린 투어리즘의 성공을 가능케 하는 영화적 요인들을 규명하고자 한다. 결론 부분에서는 스크린 투어리즘을 발생시키는 영화적 요인의 실례 로서 ‘외국영상물 로케이션 인센티브 사업’을 통해 관광진흥개발기금을 지원받은 두 편의 영화, <어벤져 스 : 에이지 오브 울트론>과 소규모 태국 영화인 <헬로우 스트레인저>의 스크린 투어리즘의 효과를 비 교한다. 본 서베이 연구는 주요 영화적 요소들과 스크린 투어리즘의 중요성에 대해 집중적으로 연구함으 로써 영화 인센티브-영화 로케이션-스크린 투어리즘의 선순환을 가능케 하는 것을 목적으로 한다.

This survey study suggests a practical approach to understanding screen tourism including its definitions, characteristic roles, forms, screen tourist's motivations and key cinematic factors for screen tourism. Among these issues, the key cinematic factors for higher screen tourism potential is the main in this study because big budget and world wide release movies in which contain many of the key cinematic factors for screen tourism have not always drawn screen tourists to destinations. These days, there were 2 movies released in Korea, related to the screen tourism issues, <Avengers : Age of Ultron> (2015) and <Hello Stranger> (2010). The one was typical hollywood movie with big budget and stars, and the other, from Thailand with small size production but filming mainly in Korea. And <Hello Stranger> has proven its higher potential than <Avengers : Age of Ultron> in terms of screen tourism because <Hello Stranger> had a core of the key cinematic factors, but <Avengers : Age of Ultron> had not. Several researches and studies of screen tourism have suggested key cinematic factors for screen tourism such as 'using historical buildings and rural village landscapes as locations', 'wide international distribution', 'amount exposure of time on the screen', etc, but the first of all, the factor in which 'place, real or fictional, plays a key role in the story and experience of the characters,' so has 'visual and dramatic potential within' should be considered as a core of the key cinematic factors. This survey study concentrating on the key cinematic factors and its importance for screen tourism aims to establish virtuous circle of film incentive system-filming location-screen tourism in Korea.

최근 들어 미술가들의 다큐멘터리 영화들을 극장에서 개봉되는 것을 어렵지 않게 볼 수 있게 되었다. 이 다큐멘터리 필름의 창작자들은 국내, 해외의 영화제에서 수상하였을 뿐 아니라, 베니스 비엔날레의 수상 이나 국립현대미술관의 올해의 작가로 선정되는 등 영화이자 미술로서 양 쪽 장르 모두에서 인정받고 있 다. 포스트모더니즘 이후 미술의 경계는 점점 더 와해되고 각 장르는 서로 섞이는 혼성과 모방의 형태를 띠고 있다. 다큐멘터리 영화도 예외는 아니어서 세계를 과학적으로 입증하고 계몽하는 고전적 다큐멘터 리 담론은 포스트모던 담론에 의해 크게 위협을 받았다. 일명 ‘포스트 다큐멘터리’ 라고 부르는 2000년 대 이후의 작품들 사이에서는 고전적 다큐멘터리가 주장하던 절대적 진리가 사라지고, 다큐멘터리 역시 세계를 보는 여러 접근 방법 중 하나일 뿐이라는 자각이 팽배해지기 시작한다. 형식적으로는 뮤직비디오, 영화적 재연, 퍼포먼스, 애니메이션 등의 장르가 섞인 혼성 적 양식이 나오게 된다. 경계를 가로지르는 미술가들의 다큐멘터리는 이러한 배경에서 미술의 가능성을 확장시키고, 다큐멘터리의 실험성을 더 풍부 하게 한다. 이 논문에서는 2000년대 이후 한국 현대 미술가들의 다큐멘터리 영화를 중심으로 미술과 다 큐멘터리의 교차점을 고찰해보고자 한다.

Recently, it has been much easier to see documentary films about artists released in movie theaters. These documentary films have been recognized as both as film and art, with their creators not only receiving awards in domestic and international film festivals but also winning an award at the La Biennale di Venezia and being selected as 'Artist of the Year' by the National Museum of Modern and Contemporary Art of Korea (MMCA). After postmodernism, the boundary of art has gradually collapsed, and each genre has experimented with mixture and imitation. Documentary films are no exception. Thus, the classical documentary discourse to prove aspects of the world scientifically and enlighten people was seriously threatened by postmodern discourse. The absolute truth emphasized by classical documentaries has disappeared in documentary films after the 2000s, also known as 'post-documentaries'. In addition, the perception that a documentary is merely one of many possible means of seeing the world has started to prevail. Hybrid genre forms such as music videos, cinematic presentations, performances, and animations have appeared. Based on this background, documentary films about artists who cross boundaries expand the potential of art and richen the experimental nature of documentaries. This paper focuses on documentary films about Korean contemporary artists after the 2000s to reconsider the intersecting point between art and documentary and the related possibilities.

본 논문은 4차 산업혁명의 시대를 맞이하여 예술학 박사과정인 ‘스튜디오 박사학위(doctoral degree in studio art)’ 과정의 개설이 가진 함의를 진단하고, 이론(연구)과 실기(제작)를 겸비한 ‘스튜디오 박사학 위’ 예술가들의 역할과 시대적 필요성에 대해서 밝히고자 하는 것을 연구문제의 초점으로 삼았다. 이에 대한 접근을 위하여, 첫 번째는 헤겔을 따르는 마르크스·엥겔스의 ‘변증법적 유물론’에 대해서 살펴보았 고, 두 번째는 ‘스튜디오 박사학위’의 선행연구인 티모시·엘킨스 등의 연구와 방향성을 알아보았으며, 세 번째는 20세기 예술가들과 그들의 심적 이미지 재현이 사회적으로 어떤 영향을 끼쳤는지 일련의 사례를 들어 확인해보았다. 끝으로 4차 산업혁명이라는 새로운 시대, 오늘날의 예술가들은 새로운 환경적·도구적 변화를 맞이하여 그들의 심적 이미지를 어떻게 아날로공(analogon)적으로 재현하고 있는지 ‘인터렉티브 미디어아트’ 분야에 한정해 살펴보았다. 따라서 본 논문의 연구자들은 모든 것이 초연결·초지능화 되는 뉴로 네트워크의 시대, ‘스튜디오 박사학위’의 예술가들이 ‘새로운 지식’(new knowledge)을 창출할 수 있는 통합의 열쇠이자 매개체가 될 수 있다는 점을 주장함으로써 연구를 마치고자 했다.

This research paper aims to clarify the implications related to the establishment of a new academic department to be known as 'Doctoral Degree in Studio Art', offering a doctorate degree in the science of art in relation to the age of the Fourth Industrial Revolution. Research in this area focuses on highlighting the roles of artists, and those undertaking this doctorate degree will be equipped with both theory and practical skills as needed during these times. As a means of approaching this matter, we initially examine Marx and Engels' 'dialectic materialism', following Hegel, while also investigating the work of Timothy and Elkins' and their directions as preliminary study related to the 'Doctoral Degree in Studio Art'. We then identify a series of cases which describe the impact of 20th century artists and how their psychological images have affected socially. Lastly, we study how artists today reproduce analogons, their psychological images, given the new environmental and instrumental changes in the age of the Fourth Industrial Revolution in fields limited to 'interactive media art'. The work concludes by asserting that the artists who complete the doctoral degree in studio art as part of this program can function as an integral key and as a medium to create 'new knowledge' in this age of the neuro-network, where everything is hyper-connected and hyper-intellectualized.