Earticle

본 연구는 2차 세계대전 이후 독일이 분단된 60년대부터 ‘라이프치히 국제 다큐멘터리 영화제’의 ‘회고전 프로그램’ 분석을 통해 다큐멘터리 영화의 사회적 반영성에 대해 알아보고, 현대 다큐멘터리 영화미학과의 연관성을 살피고자 한다. 이를 위해 본고는 라이프치히영화제의 40년간 회고전 목록을 분석한다. 60년대에 국제화되기 시작한 라이프치히 영화제는 ‘소비에트 사회주의 미학’을 토대로 ‘시네마베리떼’의 새로운 물결, 그리고 라틴 아메리카의 ‘시네마 노보’까지 포괄하는 모습을 보였다. 이처럼 자신을 외부에 소개하고 외부의 것을 받아들이려는 영화제의 내적 욕망은 발전적 자세이라 평할 수 있다. 한편 70년대에 이르러 라이프치히는 ‘동시대 다큐멘터리의 경향을 소개하는 장’으로서의 역할을 본격적으로 소화해낸다. 카르멘과 윌덴한의 작품 분석을 통해 본고는 ‘문화적 국제화’에 대한 7,80년대 영화제의 초기 프레임 설정에 대해 이해하게 된다. 단순히 사회적인 주제를 넘어 사회학적 테마에서 이들의 영화는 자기반영성을 보이고 있다. 이어서 90년대 회고전 프로그램에서 우리는 ‘사회학적인 관점’에서 ‘일상의 리얼리티’라는 테마를 재발견하는 ‘순환의 순간’을 발견한다. 오랜 컴플레이션 필름을 재매개하는 다큐멘터리 작업을 통해, 극영화가 아닌 다큐멘터리로서 더 유리한 ‘사유의 경험으로서의 영화’에 대해 이해할 수 있다. 시대를 지나며 다큐멘터리의 미학은 변화했고, 세계의 질서를 꾀하는 근원적 원리도 바뀌었다. 뉴글로벌리즘이 도래한 21세기에 이르러 다큐멘터리 영화미학은 새로운 지표를 찾게 되었다. 라이프치히 회고전 프로그램 분석을 통해 이렇듯 자기반영적인 현대 영화미학의 흐름을 관찰할 수 있다.

This study analyzes the ‘retrospective program’ of the Leipzig International Documentary Film Festival from the 60s to the 90s after the Second World War. Through this study, we can understand the self-reflexivity of documentary films and the aesthetics of modern documentary films. The Leipzig Film Festival in East Germany, which began in 1955, was a political and societal cultural event based on the ‘Soviet early documentary style’ of the programming of the retrospective. This study refers to the political and social invisible influences of the festival, through the retrospective program of Leipzig Film Festival, and analyzes a series of phenomena that occurred during the formation process of modern Western documentary film aesthetics. As a result, this study finds that the documentary genre, after the impulsive and diverse aesthetic events of the 1960s, participated in the new trend toward ‘sociological documentaries’ in the 70s and 80s, ultimately revealing that the programming of the retrospective became the surface of ‘New Globalism’ beyond ‘Cultural Internationalism’ in the 90s. Over time, the aesthetics of documentaries have changed, and the fundamental principle of the world order has also changed. As New Globalism arrives in the 21st century, documentary film aesthetics may find new indicators. The ultimate goal of a retrospective program analysis of the Leipzig International Documentary Film Festival is also to observe the flow of this self-reflective modern cinematic aesthetics.

본 연구는 노먼 맥라렌의 비주얼 뮤직 작품 “캐논(Canon)”을 중심으로 ‘반복’기법이 가져다주는 영상의 음악성에 대해 탐구하였다. 연구자는 “캐논”의 제작과정을 살펴보며 본 작품이 어떻게 만들어졌는지에 대해 분석하고 비주얼 뮤직에서의 영상기법과 음악성의 관계를 고찰하였다. 연구방법으로는 3부 옴니버스 형식의 “캐논”을 각 섹션 별로 분석하였다. 본론에서는 섹션 별로 나타난 반복기법을 분석하고, 사용된 반복기법의 특징을 고찰 및 정의하여 음악성과 비교하였다. 문헌이나 이론 연구보다는 연구자의 고유방식을 통해 작품을 관찰하고 해체하여, 반복기법을 데이터화, 도식화하였고, 그 반복기법의 의의는 무엇인지, 어떻게 영상에서 음악성을 모색하였는지를 발견하고자 하였다. 영상에 어떤 반복기법을 사용하느냐에 따라 창의적 가능성과 음악적 표현이 무한하다. 본 논문이 반복기법이 가진 비주얼 뮤직에 대한 구성의 원리와 함께 음악을 시각화한 작품의 한 예시로서 실용적이고 도움이 되는 참고자료로 활용되기를 바란다.

This research concerns the musicality of moving images by repetition, focusing on the visual music in Norman McLaren's "Canon." I considered the relationships between the technique of the moving images and the musicality in visual music, seeking the production process of "Canon" with regard to how this piece was created. As a research method, I analyzed the three-part omnibus "Canon" by each section. In this paper, I analyzed each section's characteristics of the repetition techniques applied and identify and compare them to the musicality. I attempt to observe and dismantle the work through my own viewpoint rather than through a literature review or via theoretical research, and attempt to discover the meaning of the repetition technique and the musicality in the moving images. Depending on which types of repetition techniques are used in the moving images, creative possibilities and musical expressions are infinite. I hope that this paper can serve as a practical and helpful reference and as an example of the visualization of music with the composition principle of visual music through a repetition technique.

드론이 대중화되면서, 많은 사람들이 레저용 드론을 즐기기 시작하였고 이에 따라 드론 레이싱 대회나 관련 단체들이 전 세계적으로 많이 생기고 있다. 하지만 국내에서의 레이싱 드론에 대한 관심은 다른 나라에 비해 많이 떨어져있다. 또한 레이싱 드론은 속력의 극대화를 위해 중량을 최소화 하다 보니 드론이 일정 고도를 유지하는 호버링(Hovering)을 수동으로 해야 하고 드론의 기울기 또한 수동으로 모두 조작해야하는 등 초보자에게는 진입장벽이 높은 편이다. 더군다나 드론 자체가 충격에 약해 연습하는 도중 발생하는 충격에 취약하여, 고가의 드론을 가지고 파손의 위험을 무릅쓰고 초보자가 연습을 시작하기도 어려운 실정이다. 현재 이러한 어려움을 극복하기 위해 드론 교육 기관에서는 가상현실 기반의 드론 시뮬레이터들을 드론 교육에 활용하고 있지만 일부 드론에 관심 있는 소수의 사람들만 사용하는 마이너한 콘텐츠인 것이 현실이다. 본 연구에서는 레이싱 드론에 대한 일반 대중들의 관심을 유도하고자 이러한 가상현실기반의 드론 시뮬레이터에 게임요소를 추가하여 게임을 하듯 자연스럽게 드론을 접하고 사용자들이 드론 시뮬레이터를 통한 드론 조종연습을 할 때, 게임 콘텐츠의 특징인 자발적 사용 동기가 향상되어 사용자들이 질리지 않고 드론 연습을 즐길 수 있도록 콘텐츠를 제작 하였다.

As drones became more popular, many people have begun to enjoy leisure drones, and naturally and there are now many drone racing competitions and related organizations around the world. However, the level of interest in racing drones in Korea is much lower than it is in other countries. Racing drones have minimized weight to maximize their speed, and the barriers are high for beginners as these drones require manually adjusted hovering to maintain their altitude and manually manipulated tilting as well. Moreover, because the drone itself is vulnerable to collisions, it is vulnerable to the impacts that occur during practice. Thus, it is difficult for a novice to start practicing while taking the risk of such breakage events with expensive drones. To overcome these difficulties, a drone education institute uses virtual-reality=based drone simulators for drone training. In this study, we added soccer game contents to virtual-reality-based drone education contents so that when users practice drone manipulation through the drone simulator, the motivation for spontaneous use, which is a characteristic of game content, is improved, The content was created so that users would enjoy drone practice.

본 연구에서는 영화 <추격자>, <소셜포비아>, <내부자들>을 중심으로 2000년대 이후 한국사회가 보여주는 여성에 대한 사회적 인식과 한국영화에서 여성인물을 재현하는 방식 사이의 관계를 분석한다. 이 세 영화는 사실에 기초하여 만들어진 영화들로 연쇄살인, 인터넷 마녀사냥, 부패한 권력 등 사회적으로 커다란 이슈가 되고 있는 주제들을 다룬다. 이들은 주제적 측면과 미학적 측면에서 주목할 만한 영화들임에도 불구하고 여성인물을 구축하고 그 이미지를 재현하는데 있어서는 가부장적이고 남성중심적인 시선에 경도되어 있다. 이들은 여성의 순결에 대한 전형적인 가치관을 반복하며, 여성의 신체를 제거하거나 혹은 물화시키고 관음적 대상이자 볼거리로 전락시킨다. 2000년대 이후 여성에 대한 사회적, 법적 보호가 확장되고 여성들이 자신의 목소리를 낼 수 있는 기회가 확장되어 가고 있음에도 불구하고 여성인물의 재현이 폭력적이고 가학적인 양상을 보이는 것은 사회 안에 존재하는 여성에 대한 적대감을 반영하는 것이다. 여타의 문화적 현상과 마찬가지로 영화 또한 사회의 집단적 의식/무의식을 드러낸다고 볼 때, 뿌리 깊은 남성중심적 사회에서 여성들의 사회적 지위가 상대적으로 향상되어 가는 사회로의 변화가 남성들에게는 커다란 내적 갈등을 자아내는 요소가 되고 있으며 이것이 여성에 대한 극단적인 테러의 형태로 재현되고 있다는 것을 영화텍스트를 통해 읽어낼 수 있기 때문이다. 사회적 관계 변화로 인한 남성들의 내적 갈등은 영화와 같은 대중문화물의 담론적 형식 안에서 남성주체의 상실과 결핍에 대한 상상적 해결을 도모하려는 욕망으로 표현되고 있다. 문제는 이것이 현실적 공간과 영화적 공간을 넘나들며 서로 상호 작용하고 있다는 점이다. 사회관계망 속의 여성들이 여전히 하나의 인격체이자 총체적인 인간의 모습으로 인식되지 못하고 있는 것처럼, 영화 속 여성인물들은 자신만의 서사를 가지지 못하고 영화적 플롯의 일부로서 혹은 영화적 재미를 극대화시키는 요소로서만 존재하고 있을 뿐이다.

In this study, we analyze the relationship between the social perception of women and the methods used to reproduce female characters in Korean movies, as presented in Korean society since the 2000s, focusing on the movies <The Chaser>, <Socialpobia> and <Inside Men>. These three films are based on facts and deal with topics that are becoming major social issues, such as serial killings, Internet witch hunts, and corrupt power. These films are very good movies in terms of thematic and aesthetic aspects, but they are hardened by patriarchal and male-centered viewpoints with regard to how they construct female figures and reproduce their images. They repeat the typical values of female chastity and the removal of the body of a woman, or turn the body into a voyeuristic object of attraction. Female characters do not have their own narratives; they only exist as a part of the cinematic plot or as an element maximizing the degree of ‘cinematic fun’. Hence, like other cultural phenomena, film also reveals the collective consciousness/unconsciousness of society, and the shift to a society in which the social status of women is improved from a deeply male-centered society has become a major internal conflict for men which in fact can be read through film texts as being reproduced in the form of extreme terrorism against women. Men's internal conflicts due to changes in social relations are expressed in the discursive form of popular culture, such as movies, with a desire to imagine the loss of male subjects and their lack of deficiency. It appears that women in social networks and women in the cinematic space still require much time to be perceived and reproduced as persons and total human figures.

연구의 목적은 근로자와 예술가로서의 혼재된 정체성을 지닌 많은 영화제작인력의 특성에 주목하면서, 영화제작 인력의 삶의 만족에 이들의 예술가로서의 정체성이 미치는 직접효과, 근로조건 및 직무에 대한 만족의 매개효과, 그리고 직급의 조절효과를 실증적으로 밝히는데 있다. 조사대상자는 영화제작 현장에서 근무하고 있는 다양한 직종 및 직급의 종사자들(402명)들이다. 자료분석은 구조방정식 모델에 기초하여 Amos를 사용하여 분석하였다. 매개효과는 Sobel 방법으로 검증하였고, 다집단분석(multi group analysis)을 통하여 조절효과를 규명하였다. 자료분석 결과 밝혀진 주요 내용은 다음과 같다. 첫째, 영화제작인력의 예술가 정체성은 이들의 삶의 만족에 저직급에서나 고직급에서 모두 직접적으로 유의한 효과를 미치지는 않았다. 둘째, 예술가의 정체성이 삶의 만족에 미치는 효과에 직무만족 및 근로조건이 각각 미칠 수 있는 매개효과는 저직급에서만 유의하였다. 그러므로 영화제작인력의 삶의 만족에 이들의 예술가로서의 정체성이 긍정적인 효과를 미치기 위해서, 이들의 직무만족 뿐 만 아니라, 근로조건이 결정적으로 중요한 매개요인들임을 입증하였다. 셋째, 예술가로서 정체성이 강할수록 근로조건에 대한 만족도 증가하는 현상은 저직급 에서만 발견되었다. 영화제작 인력의 삶의 만족에 예술가의 정체성, 직무만족 그리고 근로조건의 직간접효과가 이들의 직급 수준에 따라 상당히 상이한 양상을 보여주어, 직급의 조절효과를 실증적으로 규명하였다. 분석결과의 주요 발견점과 이에 따른 함의를 논의하였다.

This study focused on the characteristics of many film crews with mixed identities as laborers and artists. The main concerns of this study are (1) the direct effects of film crews' artistic identities on their degrees of life satisfaction, (2) the double-mediating effect of satisfaction with their jobs and working conditions, and (3) the moderating effect of the staff level. An empirical study was attempted with 402 film crew members. Structural equation models were explored and a variety of tests were conducted, including the Sobel test and a multi-group analysis with AMOS. The notable findings are as follows. First, the identity of the artist in a film crew does not have a direct effect on life satisfaction regardless of the staff level. Second, the mediating effect of job satisfaction and working conditions is significant with regard to the effect of the artist's identity on job satisfaction but only at low level. To have a positive effect on life satisfaction for film crew members, identity as an artist indicated that not only their job satisfaction but also their working conditions are crucial mediating factors. Third, as an artist, the greater the identity, the greater the level of satisfaction with working conditions as well, but only at a lower level. The direct and indirect effects of the artist's identity, job satisfaction, and working conditions differ significantly according to the staff level; therefore, a moderating effect of the staff level is proved. Based on the main findings here, several practical implications are discussed.