Earticle

이 논문의 목적은 뷔를레스크 영화인 버스터 키튼의 작품들을 중심으로 물질적인 신체가 어떻게 세계지각에 이르는가를 연구하는데 있다. 무성영화는 언어와 소리가 부재하기 때문에 배우의 신체는 음성, 언어와 동일시될 정도로 중요시되었다. 무성영화 중에서 뷔를레스크 영화는 인물중심의 사건들로 구성된 선형적인 구조의 서사와 신체언어가 만들어내는 상황극이 이질적으로 공존하는 장르이다. 이 영화 속 신체는 아크로바틱한 움직임을 통해 도약, 추락, 비상, 정지 같은 돌출된 행동과 파편화된 상황들을 연출하고 웃음을 유발한다. 뷔를레스크 영화의 대표적 감독인 키튼의 영화는 연극적인 공간상에서 아크로바틱한 몸짓, 연기에 의존하는 동시대의 상황극과 차별화된다. 그의 영화의 특징은 비재현적인 무표정한 얼굴, 신체의 기계적·물리적인 운동, 공간의 기하학적 구성이다. 신체의 기계적, 물리적 운동은 신체를 내적 정서의 재현으로 인식하던 동시대의 신체관을 벗어나 의식을 발생시키는 원초적 지각으로 작용한다. 이러한 신체는 세계에의 지향성을 본질로 하는 신체적 의식으로 인간존재가 경험적인 상황 속에 놓여있는 실존임을, '세계-내-존재‘임을 드러낸다. 또한 기하학적 공간은 무한한 직선운동을 계속하는 신체의 물리적 운동과 만나면서 추상적 공간에서 돌출하는 예기치 않은 사건들과 만나는 체험적 공간으로 변화한다. 여기서 물질적, 기계적 신체는 무한히 낯선 현실과 대면하는 현상학적 신체가 된다. 키튼의 영화에서 신체의 물리적인 운동과 기하학적인 공간 구성은 기계적인 자동성, 추상적·형식적인 공간의 한계를 벗어나 세계에 대한 지각을 가능하게 한다는 점에서 존재론적 반성이 된다. 키튼 영화의 독창성은 뷔를레스크 영화의 신체성에 대한 새로운 해석을 통해 인간과 사회와의 관계에 대한 현상학적 반성을 던지는 데 있다.

The purpose of this paper is to study how the physical body achieves ontological perception, focusing on the films of Buster Keaton. Because silent films lack language and sound, a body plays an important role in that it must account for speech and language. Burlesque refers to a genre in which a narrative in a linear structure is composed of events centering on characters and a situation drama created by the acrobatic movements of the body. Through these movements, the body produces stunning and splintered actions, such as leaps, falls, emergences, and stops, and causes laughter. Keaton's films are characterized by an expressionless face, a geometric configuration of space, and the mechanical and physical movement of the body rather than the acrobatic gestures found in the theatrical space. The mechanical and physical movements of the body represent primordial perception that enables us to relate to the world and to access consciousness beyond the body's role as a representation of inner emotion. The body appears to a type of ‘coporeity’ of consciousness based on intentionality to the world, revealing that human beings are 'beings-in-the-world'. Moreover, the geometric space implies an existential space where the body encounters unexpected events. In Keaton's films, the geometrical spatial composition and the physical movement of the body reveal an ontological reflection in that perception of the world beyond the limits of the abstract and formal space and mechanical automatism is permitted. The originality of Keaton's films lies in the phenomenological reflection on man and society through a new approach to the body.

본 연구는 2017 지역사회 환경개선 방안 도출 교육프로그램 사업에 지역과 K대학교 예술전공 학생들이 참여한 ‘살기 좋은 공동체’에 대한 교육프로그램개발 연구이다. 이 프로젝트는 2017년 10월~12월 중 프로젝트를 위한 기초-심화-응용 및 현장실습-마무리 단계를 수업에 적용하여 충주시 옛 관아가 있는 관아공원 일대와 청년사업이 시작하는 일대를 잇는 지역에서 실행되었다. ‘살기 좋은 공동체’ 프로젝트의 목적은 지역과 연계된 전공 관련 프로그램을 개발하고 이를 통해 지역사회의 환경을 개선하는데 있다. 그러므로 본 연구는 ‘살기 좋은 공동체’의 진행과정과 그 결과를 소개하고 교육적‧사회적 활용 가능성을 살펴보는데 있다. 이 프로젝트는 16주 동안 주차별 과정을 통해 단계별로 진행되었을 뿐 아니라 학생들에게는 수업에서 배운 이론을 현장에서 적용하고 또한 지역에 기여한다는 교육적 효과를 갖고 있다. 기존 공공미술 연구에 있어서 이미 많은 벽화 프로젝트에 대한 연구가 있었지만 대체로 기존 벽화 프로젝트에 대한 분석과 주민 참여 사례 연구를 중심으로 진행되었다. 이미 실행된 벽화 프로젝트에 대한 연구는 객관적인 자료 수집이 용이하고 이론적인 분석이 가능하지만, 지역 분석 연구가 동일하게 적용되지 않으므로 한계가 있는 것이 사실이다. 이런 점에서 본 연구는 이론과 실제가 적용된 교육방법안을 제시하여, 전공 수업 교육 프로그램과 지역 연계라는 의의를 가질 수 있었다. 그리고 수업에 그 내용을 적용할 수 있도록 주차별 내용을 구체적으로 소개하였다. 이 점에 비추어 이 연구는 앞으로 대학 수업과 연계하여 지역연계 프로젝트를 수행할 교수자와 학생들 그리고 공공단체 지역주민들에게 실질적인 교육적 모델이 될 수 있을 것으로 기대한다.

This paper is a study of the development of educational programs for "A Good Living Community," in which the art students of K University participated in the project entitled "Education Program for the Improvement of the Community Environment in 2017." This project lasted from October to December of 2017 in involved basic coding-decoding applications and finishing phases in the classroom. The project was carried out in an area between the old Gwana Park in Chungju-si and a youth mall where youth businesses are started. The purpose of the project was to improve the environment of the community by developing programs related to the majors of the students, aiming to develop programs through their major classes and improve the environment of the local community through them. A mural project was conducted in Chungju-si, with residents attempting to transform their areas into more youthful areas in order to find local vitality. One educational effect was not only to realize the project in a step-by-step manner in the sixteen-week program but also to apply theories learned in the classroom on site and to contribute to the local area. There are many studies of mural paintings in the existing research on public arts, but mainly focus on analyzing mural projects and on case studies involving resident participation. It is true that the former type of research collects objective data and undertakes theoretical analyses, but it is limited because regional studies are not applied equally. In this respect, the present study presents an education methodology and offers significance given the combination of a major education program and a local connection. I also introduced the concept of state discrimination when applying the content to the class. Hence, I hope that this study will become a practical educational model for professors, teachers, students, and local community members who carry out community-related projects in connection with college classes in the future.

본 연구는 라즐로 모홀리-나기가 예술, 과학, 기술의 접점을 모색하면서 ‘빛’을 독자적인 매체로서 주목하고 인간의 삶과 사회를 변화시키려는 전망을 제시했던 점에 주목한다. 그리고 그가 제시한 ‘빛 건축’의 전망을 발달된 과학기술과 네트워크를 기반으로 동시대의 다양한 경험과 논제를 다루는 로자노-헤머의 “관계적 건축”과의 대화적 관계 안에서 재조명한다. 모홀리-나기가 중요시한 빛의 투명성이라는 특성은 관습적인 인식의 경계를 허물고 개인과 공동체 간의 조화를 창출하려는 철학적 사고에 연계된다. 빛이 우리의 지각과 시각을 확장하여 변화시키게 하는 잠재력이 있음에 주목하고 이를 인식의 성장에 연결시킨 모홀리-나기의 입장은 로자노-헤머가 자가생성 개념에 근거하여 관계적 건축 개념과 실행을 전개한 점에 비견된다. 공공장소에 투사되는 로자노-헤머의 관계적 건축은 예측 불가한 빛의 개입을 통해 건물과 도시 환경에 대한 문화적, 역사적, 정치적 고정 관념에 도전함으로써, 참여자와 도시 공간이 새롭게 관계하는 생경한 상황을 만들어 관습적 사고를 재고하게 한다. 두 작가의 빛에 대한 관심은 새로운 형태와 양식의 작품이 주는 시각적이고 미학적 새로움을 모색하는 데 있지 않다. 그들은 빛을 매개로 하여 일상과 관습을 비판적으로 성찰하게 함으로써 우리의 의식을 확장시키려는 예술적 전망을 공유한다. 그리고 현대 기술 매체와 이로 인해 변화된 기술적 환경을 적극적으로 수용하면서 변화에 개방적인 역동적인 작업을 통해 관습적으로 지각하던 감각을 일깨워 과거와 현재, 개인과 공공성의 관계를 새롭게 하고자 하였다.

This paper examines László Moholy-Nagy’s vision to transform human life and society by utilizing light as a medium in search of the juncture where art, science and technology are combined. It also looks into Rafael Lozano-Hemmer’s relational architecture, in which Moholy-Nagy’s vision with light architecture is realized while addressing diverse contemporary experiences and issues. For Moholy-Nagy, the transparency of light is associated with the philosophical reflection of the need to challenge preconceived conventions and to create harmony between the individual and the community. This paper contends that Moholy-Nagy’s view, which emphasizes the potential of light to change our perception and vision, thereby being conducive to our growth, resonates with Lozano-Hemmer’s concept and practices of relational architecture, which draws on the concept of autopoiesis. By challenging preconceived cultural, historical, political notions pertaining to buildings and the urban environment with the unpredictable intervention of light, Lozano-Hemmer’s relational architecture creates alien situations in which participants are provoked to reconsider their relationship with the public space. Light for the two artists is not a medium by which to create visual and aesthetic novelty in a new form or style. Rather, both artists envision that art can increase awareness while instigating critical views of the mundane and the conventional by utilizing light. With their dynamic work embracing changes in technological environments brought about by contemporary technologies, they intend to reawaken perceptions and transform the relationships between the past and the present, the individual and the public.

도시는 한 사회가 시간에 따라 겪는 변화가 압축적으로 가시화되는 장소이며, 변화하는 도시의 이미지는 여러 예술장르에 다양한 방식으로 나타난다. 특히 사진은 근대 도시의 발달과 함께 태어났고, 객관적으로 순간을 기록하는 사진의 재현 방식은 생성과 소멸이 끊임없이 반복되는 근대 도시의 면모들을 기록하기에 적합했다. 그로 인해 사진은 오늘날에 이르기까지 수많은 도시 이미지를 생산하는 주된 매체가 되어왔다. 사진 매체와 근대 도시의 관계성에서 출발한 이 연구는 압축성장의 과정 속에 고도발전을 이룩한 서울의 변화 이미지에 주목하였다. 사실 시간에 따른 변화를 경험하는 것은 인간이고, 카메라라는 기계는 순간을 멈추게 하여 영구하게 지속시키는 장치이다. 그러나 그런 초시간적인 카메라의 속성이 역설적으로 시간의 흐름에 대한 감성을 더욱 예리하게 부각시킨다. 이 논문에서 다룬 세 명의 사진가, 김기찬, 안세권, 강홍구는 도시의 풍경이 변화하는 과정을 삶 속에서 꾸준히 관찰하였고, 시간의 흐름에 대한 인간의 경험을 카메라의 시선으로 변환시키고자 했다. 세 작가는 도시의 변화를 추적함에 있어 주관적인 감정 표현이나 인위적인 조작을 절제하고 기록매체로서의 사진의 기능에 집중하였다. 다큐멘터리적인 카메라의 시선을 시각적 전략으로 삼아 이들은 변화란 오직 한 순간일 뿐 결코 되돌릴 수 없는 진실이라는 메시지를 극대화했다. 변화하는 도시 이미지는 시간경험의 주체인 인간을 시간경험의 목격자로 만든다는 점에서, 사진적 시선을 가장 잘 드러낸 재현이라고 할 수 있다.

The city is a place where society's changes over time are compressed and materialized, and images of changing cities have appeared in various forms across diverse artistic genres. Photography, whose birth coincided with the advent of modern cities, has been the preferred medium for the portrayal of cities due to its ability to capture and reproduce moments with objective detachment, making it an ideal tool for documenting the endless cycle of creation and destruction that characterizes urban landscapes. This study was inspired by an investigation of the relationship between photography and the modern city, and it focuses on changing images of Seoul, a city that has achieved remarkable development through the process of compressed growth. It is a fact that the passage of time is a phenomenon only experienced and felt by humans — the camera is merely a tool that ceases these moments and makes them permanent. However, ironically the transcendental property of the camera can intensify the sentiments associated with the passage of time. This study examines three photographers: Ki-chan Kim, Se-kwon Ahn, and Hong-goo Kang, who have patiently observed the changing landscape of their city during their lives and who have attempted to transform the human experience of time through the camera's gaze. The three artists abstained from the expression of subjective emotion or manipulation, instead focusing solely on the photography's function as a recording medium. Through the strategic use of the camera's documenting properties, they amplified the message that change is a momentary and irreversible truth. The changing urban image may be the most accurate reproduction of the photographic perspective in that it relegates humans, who are typically the active agent in the experience of time, to the position of observer.

현대 예술에서 디지털 매체를 이용하면서 적극적이고 다양한 예술 표현이 이루어지고 있다. 현대 미술의 주요 소재로 다루던 오브제에서도 테크놀로지 미디어 장치와 기술을 활용하면서 기술과 아트의 상호보완적 관계 속에서 마치 새로운 종을 탄생시키는 듯하다. 이에 본 저자는 뉴미디어 아트에서 오브제 활용의 분석을 통하여 오브제로 확장된 예술표현을 분석하는 기회를 마련하고자 한다. 이는 단순히 현대미술에서의 오브제 아트의 의의와 의미를 이어 뉴미디어아트에서의 디지털 매체를 매개로한 오브제 아트로서의 맥락만을 잇고자함은 아니다. 뉴미디어 아트에서의 오브제에 대한 고찰은 다양하고 급속히 진화해 갈 뉴미디어 아트의 모습에 확장된 오브제로서의 가능성을 조망할 수 있다. 본 논문은 뉴미디어 아티스트의 오브제 활용의 분석과 함께, 본 연구자의 빛언어를 내재한 오브제 “틱-톡 토크” 작품분석으로 오브제로서의 선택적 요인과 디지털 매체와의 심층적 매개 과정을 통해 확장된 새로운 매체로서의 역할이 가능함을 기술하였다. 작품 “틱-톡 토크”는 발견된 사물의 디지털 매개과정을 통해 빛이라는 시각적 언어를 통해 인간과 감정을 소통하는 오브제로 거듭난다. 오랜 시간의 흔적을 가진 발견된 사물은 본질적 사물의 관념에서 벗어나 관객과의 소통을 위해 빛이라는 언어를 내재하게 되며, 이 빛은 언어적 유희를 가진다. 뉴미디어아트에서의 오브제 이용에 디지털 층위를 더함으로써 새로운 종으로 탄생되는 사물들은 앞으로 펼쳐질 우리의 생활공간 속에서 생명력 있는 문화적 매개자로 그 역할을 함께 할 수 있으리라 기대한다.

As contemporary art utilizes digital media, various expressions of art are actively realized. The objet, referring to the main subject of contemporary art, appears to create a new species in the complementary relationship between technology and art while utilizing technological media devices and technology. Therefore, the author intends to create an opportunity to analyze the extended expression of art through objet analysis in the area of new media art. This is not merely a link to the meaning of objet art in contemporary art, instead defining the context of objet art through digital media in the new media art. The consideration of the objet in new media art can provide an overview of the possibilities of an objet undergoing extended appearances in the diverse and rapidly evolving new media art. This paper analyzes the utilization of new media artists' concepts of objet and conducts a study of the objet art "Tick-Tock Talk" work to expand the selective factors as an objet and a possible deeper media coverage process with digital media. The work "Tick-Tock Talk" is created through a digital mediation process of an objet found in the visual language of light, i.e., as an objet communicating with human beings and emotions. An objet with a long time trail will be free from the notion of an essential thing, embracing the language of light for communication with the audience, and light in this case has a linguistic part. By adding a digital layer to the use of an objet in New Media Art, we hope that objet, born as new species, will serve as a lifelong cultural intermediary in our future living spaces.

과학이 발달함에 따라 기존 생물학이 세워놓았던 생명체의 기준은 혼란 위에 놓이게 되었다. 놀라운 기술력으로 인공적으로 세포를 합성하는 것조차도 가능해졌다. 우리의 몸은 분석되고 해체된다. 본 논문은 예술 분야의 소재로도, 구현방법으로도 적극적으로 기술을 사용하는 인공지능과 로보틱스(robotics) 관련 예술 작품에 대해 이야기한다. 그중 피노키오를 모티브로 제작된 인터렉티브 작품 "제페토의 꿈"을 중심으로 인공지능 로보틱스 작품에 접근한다. 위 작품은 인간이 타이핑으로 기계와 대화를 시도하는 반면 기계는 사람처럼 입을 벌려 대답을 하는 설치구조로 이루어져 있다. 관객은 이 작품을 경험하며 과학의 발전에 따라 우리가 전통적으로 생각해오던 생명의 기준에 대하여 질문받는다. 본 논문은 "제페토의 꿈" 작품이 보여주는 철학적 지향점을 인간과 기계의 공진화(共進化)의 관점에서 살펴본다. 인간화되어가고 있는 기계와 기계화되어가고 있는 인간이 서로를 향해 공진화하고 있다고 기술한다. 그리고 관객과의 인공지능 대화형으로 제작된 위 작품의 기술적 구현방법을 다룬다. 이 작품은 관객과 기계 사이보그가 서로 질의응답을 하며 센서와 모터를 이용해 동작 반응을 하는 등의 작동을 한다. 작품의 작동 원리를 분석하고 대화 시스템의 구조 및 구현방법에 대하여 기술하여 인공지능 로보틱스 작품의 제작 방법을 알아보고 그 의미를 찾는다.

The criteria of life as established by biology in history have been challenged by technology developments such as the analysis and disassembly of what are known as organisms and even more by the artificial composition of organisms. The human body has been analyzed and disassembled. This paper presents artworks related to artificial intelligence and robotics, which are highlighted as a new means of implementation and as new subject matter through technology developments. Specifically, the humanization of machines and the mechanization of humans are discussed while considering "Geppetto's Dream," an interactive artwork which uses Pinocchio as motivation. The artwork's interaction was implemented with keyboard-based questions input by the viewer, with synthetic voice-based answers output by the artwork. The artwork presents questions related to the criteria of life to viewers. This paper demonstrates the philosophical viewpoint and contribution of the artwork with respect to the co-evolution of humans and machines considering that the humanization of machines and the mechanization of humans are different directions of evolution. The technological implementation of the dialog system between the viewers and the mechanical cyborg is described, with the latter consisting of hardware such as sensors and servo motors and software to operate the question-answer system and a dictionary based on regular expressions. The implementation of artificial intelligence robotics artwork is shown through an analysis of the how the artwork operates and of the structure and implementation of the dialog system.

드론은 기존의 문화 콘텐츠와 다르게 실제 3차원 공간상에서 운동이 이루어지는 새로운 형태의 공연 소재이며 드론에 대한 대중의 관심도가 지속적으로 높아지고 있어 로보틱 아트의 새로운 콘텐츠로서 가능성을 가지고 있다. 최근 국내외적으로 드론을 활용한 많은 공연이 성공적으로 시도되고 있으며 관중들에게 새로운 감동을 주고 있다. 하지만, 작가가 아닌 기술엔지니어가 주도하고 있어 문화콘텐츠로서의 한계를 가지고 있으며 무엇보다도 공연은 상설이 아닌 이벤트성으로 진행되고 있다. 본 연구에서는 군집비행 제어기술을 활용한 드론공연에 대해 새로운 상설 문화 콘텐츠로서 실현될 수 있는 지에 대한 검증을 진행하였다. 드론 공연의 상설화 가능성을 검증하기 위해, 이번에 진행된 드론 공연은 드론의 실제 3차원 모션을 음악, 비디오와 동기화하여 구현되었다. 이를 통해 드론 공연이 관객에게 주는 예술적인 감동의 핵심은 공간 활용과 동기화임을 알 수 있었으며 현재의 공연 기술로는 관객의 감동을 증가하기 위한 작가의 의도를 충분히 반영하기에는 한계가 있음을 확인하였다. 또한 상설 공연을 위해서는 작가의 의도를 반영할 수 있는 스토리텔링 환경, 관객에게 피해를 주지 않는 공연시스템의 안정성, 그리고 항상 같은 결과를 만들어 낼 수 있는 재현성 등이 필수적임을 확인하였다. 선행 연구 결과를 반영한 새로운 공연시스템은 개발 단계부터 기술개발자와 공연 작가의 협업을 통해 진행 중이며, 무대 후면 외 무대 바닥면의 미디어 요소와 드론 운동과의 동기화를 진행 중이다. 새로운 로보틱 문화 콘텐츠로서 예술성을 확보하고 상설 공연을 진행할 목적으로 후속 연구를 진행 중이다.

The drone is a new type of performance object in which motion is performed in actual three-dimensional spaces, in contrast to existing performance content. Given that the popularity of drones is steadily increasing, drone performance factors are suitable as a new robotic content. Recently, numerous performances using drones have been successfully attained both in Korea and abroad, and new impressions have been disseminated to audiences. However, the performance capabilities of drones are limited as cultural content because most instances are driven by technical engineers and not by storytellers or writers, and drone performances are temporary events rather than any type of permanent performance. In this study, the feasibility of drone performance based on a formation flight control scheme as new permanent cultural content is discussed. To verify the possibility of permanent performances with drones, drone performances in the form of actual three-dimensional motions were synchronized with music and video. Through this type of drone performance, it was found that the core of artistic impression by the performance to the audience consists of space utilization and synchronization. However, the technical environments associated with drone performances are limited in their suitability for reflecting artists' intentions to increase the artistic impression. The most important aspects of drone performance are the storytelling environment which reflects the intention of the artist, the stability of the performance system so as not to harm the audience, and repeatability by which the performance can always be performed identically. The new performance system which reflects the results of previous research is being created through collaboration between technology developers, storytellers and writers in the development stage with synchronization of drone movements with media elements on the stage floor. Further studies are also underway on the topic of permanent performances to create artistic value as new robotic cultural content.