Earticle

영화사 초기에 소비에트 영화감독들이 개념화한 몽타주는 인접한 쇼트들의 관계이다. 대표적인 소비에트 몽타주 이론가 에이 젠슈타인과 베르토프는 몽타주에 대한 상반된 입장을 가지고 있지만 그들의 몽타주 이론은 여전히 인접한 쇼트들의 관계를 탐구한다. 에이젠슈타인과 베르토프의 시대가 국가 이데올로기의 벽에 부딪혀 멈추고 이들의 클래식 몽타주는 현재까지 몽타 주의 일반개념을 사용된다. 풍부했던 몽타주에 대한 사유는 클래식 몽타주 이론들의 자장 안에 멈추어 있다. 펠레시안의 ‘거 리가 있는 몽타주’는 멈추어 있는 몽타주에 대한 사유를 다시 깨운다. 펠레시안의 몽타주는 클래식 몽타주 이론가들이 주목했 던 인접한 쇼트의 관계에서 벗어나 먼거리에 존재하는 쇼트들의 관계를 탐구한다. 펠레시안의 몽타주가 만드는 ‘거리가 있는 몽타주’는 하나로 모이지 않는 다양한 의미를 담아내고 이미지가 표현하는 정서를 관객들에게 전달한다. 우리의 현실이 그런 것처럼 명확하게 하나의 의미로 정의되지 않고 정서로 느껴지는 펠레시안의 현실은 새로운 영화의 시작이라고 할 수 있다.

The concept of the 'montage', conceptualized by Soviet film directors in the early era of film history, is about the relationship between successive shots. The leading Soviet montage theorists, Eisenstein and Vertov, had conflicting positions about montages, but their montage theories still explored the relationship between adjacent shots. The era of Eisenstein and Vertov ended when they hit the wall of national ideology, but their classical montage concepts form the general concept of montages at present. The richness of montage theory is caught by the magnetic field of classical montage theory. Artavazd Pelechian's 'Montage-at-a-Distance' reawakens the richness of montages, halted in the past. Pelechian's Montage creates a distance between the shots and the interaction between them through numerous links. Pelechian created a disjunction in the relationships between successive shots, on which classic montages focused. Pelechian uses long distances between shots to convey multiple meanings in the film. 'Montage-at-a-Distance' captures multiple meanings that do not come together and yet can convey the emotions expressed by the images to the audience. The film aesthetics of Pelechian, which are not clearly defined as a single meaning as in reality, but are felt as an emotion, and can be said to be the beginning of new cinema.

<김군>(2019)은 1980년 5·18 광주항쟁 당시 이름도 없이 김군으로만 기억되던 한 사람을 기록 사진들과 불분명한 증언에 기 대어 추적해가는 다큐멘터리 영화이다. <김군>은 기존 영화들과 달리 포스트메모리의 정동적 측면으로 접근하며 5·18을 현재 진행형의 사건으로 구현하고 있다는 측면에서 주목받았다. 이 연구는 이와 같은 의미를 도출시킨 제작방식으로 초점화하여 이 영화가 트라우마적 역사를 구현하고 있는 형식, 그리고 그 형식이 동시대 다큐멘터리에 부여하는 의미를 탐구했다. <김군> 의 플롯은 예견되는 ‘실패’를 중심으로 구성된다. 제작자들은 ‘김군 찾기’라는 프로젝트를 제시하고 ‘사진 보기’라는 매개 행위 를 활용하여 5·18 광주항쟁의 당사자들로부터 획일화되고 정형화되었던 증언이 아니라 그들이 지니고 있던 억압된 감정들과 기억들을 환기하게 한다. 이와 같이 관찰과 기록이 아닌 상호적이고 수행적인 실천을 통해 이 영화는 청년, 넝마주이, 행방불 명자와 같이 주류 기록에서 배제되거나 주변화되어 있던 쟁점들을 끌어낸다. 특히 실패의 순간을 알리는 가시적 교차편집은 해결되지 않은 역사적 비극이 어떻게 개인을 통해 지속되고 있는지를 강조하고 동시대 다큐멘터리의 역할에 질문을 남긴다.

KIM-GUN (2019) is a documentary film in which a person who was only remembered as "Kim Gun" during the 1980 Gwangju Uprising is tracked down, relying on recorded photos and vague testimonies. Unlike traditional films, KIM-GUN approaches the emotional aspect of post-memory generation and portrays the 5·18 Uprising as an ongoing event in the present, attracting attention in this regard. This study focuses on the production method that derives such meaning, exploring the form in which this film embodies traumatic history and the significance that it places on contemporary documentary films. The plot of KIM-GUN revolves around an anticipated"failure." The filmmakers present a project called "Finding KimGun" and use the medium of "viewing photos" to evoke the suppressed emotions and memories of those involved in the Gwangju Uprising, rather than relying on uniform and standardized testimonies. Through interactive and performative practices, rather than just observation and recording, this film draws out issues that have been excluded or marginalized from mainstream records, such as youth, street vendors, and missing persons. In particular, the visible cross-editing that signals the moment of failure emphasizes how unresolved historical tragedies continue through individuals, raising questions about the roles of contemporary documentary films.

본 연구는 인간과 인공지능의 공동 창의성의 의의를 상호 영향을 주는 지속적인 공진화의 가능성으로 상정한다. 인간은 예술 의 본질을 정의하기 위해 끊임없는 연구와 개념화를 이어왔다. 예술이 인간의 본성과 밀착되었기 때문에, 예술의 언어는 시대 와 인종과 지리적 거리감을 초월하여 범인간적으로 향유할 수 있는 대상일 수 있다. 인간 본질의 하나인 예술 창작의 문제를 두고 근래 인공지능의 성취는 인상 깊은 결과를 초래했다. 오늘날 인공지능 개발자의 궁극적 목적은 가장 인간적인 기계로 향해 있는데, 본 연구는 그 한 맥락에서 인간-인공지능의 상호작용과 공동 창의성에 초점을 맞추었다. 인간과 인공지능 사이 의 정보 처리량이나 속도에 집중하지 않는다면, 이미 존재하는 정보의 재배치나 해체와 혼성을 통해 발생하는 인공지능의 창 의성은 인간 창의성이 발휘되는 구조와 닮아있다. 공동 창의성은 인간과 인공지능이 각자의 영역에서 각자의 몫을 처리하되 실시간 공동으로 실행되는 즉흥성에서 출발한다. 이 특성을 바탕으로 예술 제작에서 인간과 인공지능의 공동 창의성이 발생 할 수 있음을 살펴보았다. 인공지능과 실시간 상호작용하고, 인공지능의 편차 반응에 상응하여 대처하면서 인간은 더 새로운 방식으로 문제를 해결할 명령어와 코딩 방식을 연구한다. 또한 인공지능은 인간이 다룰 수 없는 많은 양의 자료를 다루기 때 문에 인간이 주목하지 못한 대목에 집중하도록 돕거나 일반적인 경향에 신선한 시각으로 접근한다는 대안을 마련해 줄 수도 있다. 인간에게 창의의 불꽃이 될 수 있는 인공지능의 역할은 전체적 문제를 통제하는 것으로 결말짓는 무엇이 아니라 인간의 혜안을 넓히는 실마리를 제공하는 요소이기에 그 의미가 크다. 인간의 능력을 기계화하거나 기계를 인간화하려는 시도가 아 니라 인공지능을 매개로 팽창하는 인간의 의식을 바탕으로 한 인간 문화는 한 차원 높은 단계로 나갈 수 있을 것이다.

This study suggests the significance of the co-creativity of humans and artificial intelligence as a possibility of continuous co-evolution that mutually affects each other. To define the nature of art, humans have constantly researched and conceptualized its properties. Given that art is closely related to human nature, an art language can be an object enjoyed pan-humanly over time and beyond races and geographical distances. The recent achievement of AI has impressive results with regard to the issue of producing artworks, particularly human nature. The ultimate goal of AI developers is to make the most humanized machines, and this study focuses on human-artificial intelligence interaction and co-creativity in this context. Not focusing on the amount of data processed or the speed between humans and AI, the creativity of AI, which occurs through the pastiche, destruction, hybridization or rearrangement of existing information, resembles the structure of human creativity. Co-creativity is established with improvisation in which humans and AI process their respective shares in their respective areas, with these factors jointly executed on a real-time basis. Based on this characteristic, I investigated the possibility of co-creativity between humans and AI in art production. By interacting with AI in real time and responding correspondingly to the deviation actions of AI, humans explore various scripts and coding systems to solve problems in better ways. AI proposes creative clues to interacting humans while approaching the task by reconstructing typical information or providing new perspectives, from which human perception can gain expansion opportunities. Human culture based on human consciousness that expands through AI, rather than attempting to mechanize human capabilities or humanize machines, will be able to reach a higher level.

가상공간에 분리되어 존재하던 가상의 캐릭터는 마치 실존하는 인간과 같이 소셜 미디어를 통해 대중들과 상호작용하면서 가 상인간으로 발전하고 있다. 가상인간은 실제 인간 친구에게서 느낄 수 있을 것 같은 공감대를 형성하며 대중에게 다가온다. 또한 가상인간 스스로의 관점을 가지고 사회적 메시지를 전달하기도 하며, 스스로의 신념과 취미를 공유하며 대중과 인간관 계를 형성하기도 한다. 각종 미디어에 등장하는 기존 캐릭터는 해당 캐릭터를 중심으로 한 스토리, 외형적 디자인이 갖는 상 징 및 색채, 비율 및 소품 등의 가상 세계에 이미 만들어져 존재하는 요소들을 중심으로 연구되었다. 오늘날의 가상인간은 이 미 만들어진 결정된 세계관 속에 존재하지 않으며 대중과 소통하며 외형을 바꾸고 적시성 있는 메시지를 가지고 대중과 소통 하는 능동적 인간이다. 따라서 가상인간의 선호도 연구는 실존하는 인간에게서 형성되는 호감도와 인상형성과 닮아있다. 따 라서 본 논문은 대면 커뮤니케이션 상황에서 대인인상 형성을 설명하는 인상형성 이론에 기초하여 가상인간의 디자인을 분석 하였다. 소셜 미디어에서 선호도 높은 대표 가상 캐릭터를 선정하여 분석하였다. 사회적으로 범주화 되는 성별, 나이, 국적, 인종, 직업을 조사하였고, 상대적 특징인 가상인간의 외모, 메시지, 키워드를 정리하였다. 브라질 출신의 라틴계 가상인간이 높은 선호도를 보이고 있었고, 자신의 신념을 바탕으로 분명한 주관을 가지고 대중과 소통하는 가상인간이 높은 선호도를 보 이고 있었다. 자기 생각을 표현하는 가상인간은 대중과의 이해관계가 깊어지고 관계가 친밀해지면서 적극적인 의사소통으로 긍정적인 인상을 형성한다.

Virtual characters that exist separately in the virtual space are developing into virtual humans by interacting with the public through social media, identical to real humans. Virtual humans approach the public by forming a bond of sympathy that can be felt with real human friends. In addition, virtual humans convey social messages with their own point of view, share their own beliefs and hobbies, and form human relationships with the public. Existing characters appearing in various media have been studied, focusing on elements that have already been created and exist in the virtual world, such as a story centered on a character and the symbols and colors of the external design, proportions, and props. Today's virtual human does not exist in a pre-determined world view but is an active human who communicates with the public, changes its appearance, and provides timely messages when communicating with the public. Therefore, research on the preferences of virtual humans also focuses on the likeability and impression formation formed in real humans. Therefore, this paper analyzes the design of virtual humans based on the theory of impression formation, which explains the formation of interpersonal impressions in face-to-face communication situations. Representative virtual characters with high preference in social media were selected and analyzed. Socially classified gender, age, nationality, race, and occupation were investigated, and the relative characteristics of virtual human appearances, messages, and keywords were organized. A Latino virtual human from Brazil had a high preference, and a virtual human who communicated with the public with clear subjectivity based on his or her beliefs had a high preference. Virtual humans expressing their thoughts form a positive impression through active communication as the relationship with the public deepens and becomes intimate.

본 연구에서는 ‘여행예능’ 장르의 창시자인 나영석PD가 제작한 <신서유기>시리즈가 방송하는 동안 <마포멋쟁이>, <송민호의 파일럿>, <언제까지 어깨춤을 추게 할거야>, <내어깨를봐 탈골됐잖아>, <강식당>시리즈, <삼시세끼-아이슬랜드간 세끼>, <나홀로 이식당>등 다양한 장르의 스핀오프(Spinoff) 예능 콘텐츠가 파생된 점에 주목했다. <신서유기>의 스핀오프 콘텐츠를 제임스 W.캐리(James W.Carey)가 제시한 ‘의례 커뮤니케이션(ritual communication)’의 관점에서 출발하여 <신서유기> 스 핀오프 프로그램과 시청자들의 커뮤니케이션 과정 그리고 그 의미를 분석한다. ‘커뮤니케이션은 메시지의 전송과 수신’이라는 보편적인 전달 커뮤니케이션의 관점과 달리, 의례 커뮤니케이션은 ‘커뮤니케이션은 공통의 믿음을 창조한다’는 문화적인 시각 으로 심리학, 사회학, 신학 등의 분야에서 커뮤니케이션을 재구성하고 정의하도록 이끌었다. 본 연구에서는 ‘의례 커뮤니케이 션’의 관점에서 나영석PD가 <신서유기>를 중심으로 시청자와 긴밀한 커뮤니케이션을 통해 일련의 스핀오프를 만들어낸 내용 과 과정을 분석한다. <신서유기>의 출연진과 시청자들은 <신서유기>의 문화에 익숙해지면서 커뮤니티를 구성하고 이를 통해 스핀오프 프로그램이 파생될 수 있는 다양한 동력원과 환경을 제공하기에 이르렀다는 결론을 사례분석을 통해 도출했다.

During the broadcasting of the New Journey to the West series, which was produced by PD (program director) Na Young-Seok, the founder of the 'traveling entertainment' genre on which this study focuses, various genres of spin-off entertainment content were derived, including Mapo hipster, MINO's Pilot, How Long Will You Make Me Dance with My Shoulders, Look at My Shoulder, It's Dislocated, Kang's Kitchen, Samseoksiki-Three Meals in Iceland and Lee’s Kitchen Alone. This study analyzes the communication process and meaning of the spin-off contents of New Journey to the West from the perspective of 'ritual communication' as proposed by James W. Carey. Unlike the universally recognized view that ‘communication is the transmission and reception of messages,’ ritual communication takes a cultural perspective that ‘communication creates common beliefs,’ which has led to the re-conceptualization and definition of communication in fields such as psychology, sociology, and theology. Starting from the perspective of 'ritual communication', this paper attempts to focus on the communication between the spin-off content of New Journey to the West and the viewers and analyzes the process by which Na Young-Seok created a series of spin-offs through close communication with the viewers, centered on New Journey to the West. The conclusion of the study is that a successful ritual communication in this case provided cultural energy and an environment for spinoff contents to be created and prosper.

최근 한국 TV 드라마의 한 특징은 빌런을 주인공으로 내세우는 악의 서사화 전략이다. 그런데 주목할 문제는 악의 축에 선 주인공이 악의 방식으로 사회 거대 악을 처단하는 악의 서사가 새로운 드라마 포맷으로 자리매김하고 있다는 점에 있다. 영상 서사에서 빌런이 지닌 악의 매혹에 대한 호기심이 악의 서사를 형성한다는 현상은 전통적인 선악의 문제를 미궁에 빠지게 한 다. 고전적 인식 속에서 선의 결핍과 존재의 불완전성은 곧 악이었기 때문이다. 악한 성향을 지닌 인간을 기형적 존재로 묘사 해 왔던 이유가 바로 여기에 있다. 이처럼 악을 결핍을 지닌 비실재로 간주하는 철학적 전제들은 플라톤 이후 라이프니츠에 이르기까지 지속되었다. 그러나 칸트 이후부터는 악을 실재성을 지닌 대상으로 간주하며 악을 근대적으로 이해할 수 있는 관 점들을 제공하게 된다. 본 연구에서는 먼저 선이 배제하는 악이 아닌 선과 경쟁하는 악이라는 관점을 형성해 온 악에 대한 철학적 의미를 고찰하고, 이를 통해 드라마 <빈센조>에서 주인공으로 등장하는 빌런이 지닌 악의 의미를 분석하고자 한다. 사적 복수를 자행하는 빌런이 오히려 시청자들을 통쾌하게 하는 현상은 악을 선의 결핍이라고 규정한 라이프니츠의 이론을 완전히 뒤집은 것이나 다름없다. 악을 적극적 실재로 간주한 칸트와 키에르케고어의 이론 속에서 빌런은 도덕 법칙을 일탈시 키는 존재에 불과하지만, 다른 한편으로는 사회의 잘못된 관습적 질서를 재생산하는 상징체계에 의문을 제기하는 존재로 해 석될 수 있다. <빈센조>에서 바벨그룹의 괴물화된 카르텔은 법과 제도로 응징하지 못하는 현실을 상징하기 때문이다.

One of the characteristics of recent Korean TV dramas is the narrative of evil strategy, which positions the villain as the main character. However, one problem to note is that the narrative of evil, in which the protagonist stands on the axis of evil and punishes social evils in an evil way, is establishing itself as a new drama format. In the drama narrative, the phenomenon of curiosity about the fascination with the evil of the villain forming the narrative of evil makes the traditional problem of good and evil fall into a labyrinth, as the lack of goodness and the imperfection of existence in the classical perception are evil. This is why humans with evil tendencies have been described as deformed beings. The philosophical premise that regards evil as non-reality with such a deficiency continued from Plato to Leibniz. However, after Kant, evil is regarded as an object of reality, and perspectives to understand evil in a modern way are provided. This study initially examines the philosophical meaning of evil, which has formed the view that evil competes with good, not evil that good excludes, and through this analyzes the meaning of evil possessed by the villain who appears as the main character in the drama Vincenzo. The phenomenon of a villain who commits private revenge rather delights viewers is tantamount to completely overturning Leibniz's theory of defining evil as a lack of good. In the theories of Kant and Kierkegaard, who regarded evil as an active reality, villains are mere beings who deviate from moral law but on the other hand are interpreted as beings that question the symbolic system that reproduces the incorrect customary order of society. This arises because the cartel that became a monster of the Babel group in Vincenzo symbolizes reality, which cannot be punished by laws or systems.