Earticle

장애인은 사회적으로 노동, 교육, 정치참여, 이동 등 각 분야에 있어 차별의 대상이 되어 왔다. 이러한 차별의 이면에는 미디어에 의한 장애인 이미지가 특정방향으로 고착화되었음을 발견할 수 있다. 대중매 체의 등장 이후 장애인에 대한 사회적인 인식을 개선하기 위해 많은 노력들이 이루어져 왔다. 하지만 몇 몇 노력들은 장애인에 대한 신파적인 미담발굴, 서번트 신드롬 등 극히 예외적인 현상의 일반화, 특정 이미지의 강요 등에 의해 그 의도와는 상관없이 장애인 인식개선에 효과적이지 못할 수 밖에 없었다. 가 장 심각하게는 장애인이 가진 욕망, 꿈 등을 사회가 요구하는 것으로 대치시키고 강요하는 현상도 많은 사례를 통해 찾아볼 수 있다. 한편 매체가 장애인을 인식하는 방법과 방향을 장애이론에 따라 유형화할 수 있고 이에 따른 프레임 구성방식에 따른 영상콘텐츠들을 분석하려는 선행연구를 많이 찾아볼 수 있 다. 영화, 방송, 인터넷 동영상 등 매체의 특성에 따라 의료-한계모델, 의료-다양성모델, 사회-한계모델, 사회-다양성모델의 4개의 프레임의 분포를 추적해보는 연구들이 그것이다. 이러한 노력을 통해 각각의 매체가 가지는 특성과 한계를 조망할 수 있었으며, 연구에 따라서는 바람직한 모델을 제시하는 등 가치 명제의 도출도 이루어질 수 있었다. 여기에서는 일련의 장애인올림픽 출전선수의 이야기와 장애인올림픽 의 역사, 우여곡절 등을 담아낸 Ian Bonhote과 Peter Ettedgui 연출의 2020년 작 다큐멘터리 <불사조, 비상하다 (Rising Phoenix)>의 서사구조를 분석함으로써, 위에서 제시한 4개의 프레임이 한 다큐멘터리 안에서 어떻게 작용하는지 고찰해보도록 한다. 각각의 작품들을 하나의 프레임으로 분석하는 기존의 연 구와 차별화하여, 한 다큐멘터리 안에서 장애인식의 프레임이 서사전개에 따라 어떠한 역할을 하며 이동 하는지 분석해보도록 한다. 이러한 노력은 장애 이론과 프레임이 서사적으로 기능할 수 있음을 검증하는 동시에 미디어가 바람직한 장애인식의 이정표 역할을 할 수 있도록 방향을 제시해줄 수 있다.

Persons with disabilities often suffer from social discrimination in labor, education, political participatio n and transportation. We find that their image is set in a certain style by the media. Various efforts h ave been made to improve this type of social perception, especially after the introduction of mass medi a. Some of those attempts, however, did not work very well because they unintendedly relied on distor ted images of these people, such as being melodramatic, or being a super-hero with savant syndrome, which is not as common as we are led to believe. In the worst case, they are often forced to have de sires in a way that society wants. Meanwhile, several studies have attempted to categorize disability m odels according to how the media perceives the disabled and analyze video contents in this framework. Researchers have attempted to track down how content in this area is produced through four models: the medical-limitation model, the medical-diversity model, the social-limitation model and the social-d iversity model according to certain media characteristics, such as whether the content appeared in film s, on TV and/or in internet videos. There studies enable us to discover the nature of each form of me dia and the limitations of each as well. Some studies successfully proposed desirable models for society. Here, we analyze the narrative structure of a documentary film, Rising Phoenix, produced by Ian Bonh ote and Peter Ettedgui in 2020 and by doing so examine how the aforementioned four frames work w ithin a film. We focus on how a certain frame transforms into another in the narrative structure, follo wing previous studies in which only one framework was found to exist in each set of contents. This a pproach can allow us to examine how disability models and media frames can work for narrative pur poses and provide directions for more advanced and desirable disability acceptance by the media.

<고양이를 부탁해>, <여자, 정혜>, 그리고 <이리>에서 여성 주인공들은 정체된 도시 공간을 배회하는 고 독한 산책자로 등장한다. 그녀들의 도시 걷기는 자신의 정체성을 묻는 과정이자, 동시대 도시 공간에 대 한 진술이다. 이 세 편의 영화들에서 걷기라는 역동적 운동에 따라 도시 공간은 단지 배경으로서만 펼쳐 지지 않고, 또 다른 주인공이 되어 그녀들과 동행자가 된다. 배회와 관찰이라는 ‘걷고 보는’ 행위를 통해 도시의 내부가 속속들이 펼쳐지고, 도시는 계속해서 그녀들에게 말을 건넨다. 걷는 이의 시선과 상황 속 에서 이 공간적 언술은 주인공의 정체성을 묻고 갈구하는, 내면세계로의 여행으로 확장된다. 본 논문은 이 세 편의 영화에서 공통적으로 나타나는 이러한 여성의 도시 걷기의 수사학에 대해 분석하고, 이를 2000년대 제작된 여성의 삶을 중점적으로 다룬 한국영화의 지형도를 특징짓는 중요한 층위로 보고자 한다.

In Take Care of My Cat (2001), This Charming Girl (2004), and Iri (2008), the female main characters are portrayed as solitary strollers wandering deserted and empty cities. Following Michel de Certeau’s definition of walking as a space for enunciation, this paper will show that city walking in these cases is a form of spatial enunciation by which these characters can search for their identities while attempting to overcome an existential crisis. In these films, the active mobility of how the female characters walk transforms their urban space from a background to an acting character accompanying them. The female walkers’ acts of wandering and observing the environment surrounding them are their particular means by which to reveal the hidden stories of the spaces in relation to their past and present as they communicate with the city. Finally, their act of walking continues and becomes a journey to their inner spaces, leading them to question their identity. In this regard, the walking by the females characters in the urban space is referred to here as ‘spatial enunciation’ following the definition by Michel de Certeau in The Practice of Everyday Life.

본 연구는 원에 대한 조형적 관점에서의 논의를 토대로 미술치료에서 원의 중심이 함축하고 있는 치료적 의미를 고찰하였다. 원은 모나지 않게 동글고 원만하며. 그 둘레를 따라 무한하게 반복, 순환하고, 내부 에 반드시 중심을 갖는 시각적 속성을 지닌다. 동질적이며 완전한 형태를 만들기 위해 원은 하나의 분명 한 중심을 형성하게 되는데, 이러한 원의 중심은 물리적으로 만들어지는 도형의 중심이자. 심리적, 신체 적, 우주적 중심이라는 중요한 상징성을 함께 내포한다. 미술치료에서 원의 ‘중심성'은 집중과 명상으로 중심의 의미를 내면화시켜 내담자의 내면의 힘을 발견하게 하고, 개인의 자율적 기능을 활성화하여 자기 조절과 심리적 균형을 가능하도록 돕는다. 본 연구는 원의 '중심성'이 미술치료에서 내담자들의 긍정적 심리적 변화를 어떻게 이끌어낼 수 있는지 그 치료적 근거를 마련하는 데 의의가 있다.

This study examines the therapeutic meanings of the center of the circle in art therapy based on a discussion about the circle from a formative perspective. The circle is not angular but round; it infinitely repeats and circulates along its circumference, and it always has a center inside. To create a form that is homogeneous and complete, the circle inevitably contains a clear center, which has significance as the psychological and physical center as well as the figurative center. In art therapy, the ‘centrality’ of the circle helps clients to discover their inner strength by internalizing the meaning of the center through concentration and meditation, while eliciting self-regulation and a psychological balance by activating the clients’ individual autonomous functions. This study will be of significance to those establishing therapeutic bases with regard to how the ‘centrality’ of the circle can lead to positive psychological changes in art therapy clients.

본 연구는 가상과 실재 공간의 융합으로 구현된 자연 풍경의 공간 경험에 대한 것이다. 구현한 미디어 설치 작품들을 유형화하여 분석함으로써 자연 공간으로 확장된 뉴미디어아트 표현 방식의 다양성과 의미 를 모색하고자 한다. 환경문제가 대두되면서 인간 중심의 자연관에 대한 반성과 함께 인간과 자연의 새 로운 관계 구축이 요구되고 있다. 자연풍경 설치작품은 도시공간에 길들여진 현대인들의 감성을 자극하 며 환경에 대한 인식 전환을 유도할 것으로 기대한다. 가상과 실재 공간의 결합을 통한 자연 풍경을 설 치 방식과 공간의 성격에 따라 3가지 유형으로 분류하였다. 풍경의 유형은 닫힌 공간에 비물질적인 자연 현상이 결합된 ‘펼쳐진 풍경’, 자연 생태환경에 이미지를 투영 및 발광을 통한 ‘겹쳐진 풍경’ 그리고 땅 과 하늘의 사이 공간인 대기층에 시간의 흐름에 따라 움직이는 알고리즘에 의한 ‘내재된 풍경’으로 구분 하여 제시하였다. 자연 풍경의 경험을 가능하게 한 미디어아트 설치 작품은 동질적 공간에 길들여진 현 대인들에게 단절된 획일적 사고로부터 벗어나 거대한 인터페이스가 된 자연환경을 경험하게 한다. 또한 감각의 확장과 몰입을 통한 실제와 상상의 경계에서 자유로운 경험의 기회를 제공한다. 동시대의 예술 경향 중의 하나인 자연환경과의 결합은 새로운 예술 방식의 가능성을 모색하고, 향후 미디어아트 분야에 서 다양하게 진화하고 있는 예술 표현의 사례로 제시될 수 있을 것으로 본다.

This study focuses on the spatial experience of natural landscapes as realized through the fusion of virtual and real spaces. By categorizing and analyzing implemented media installation works, I intend to explore the diversity and meaning of new media art expression methods that have been expanded into natural spaces. As environmental issues emerge, a new relationship between humans and nature is required to reflect on the human-centered view of nature. The installation works of natural scenery are expected to stimulate the sensibility of modern people, who have been tamed in urban spaces, and induce a change in the perception of the environment. The natural landscape through the combination of virtual and real spaces is classified into three types according to the installation method and the nature of the space. The types of landscapes are the ‘unfolded landscape', combining immaterial natural phenomena in a closed space; the 'overlapping landscape', defined through the projection and light emission of images in the natural ecological environment; and the space between the earth and sky in the atmosphere, depending on the passage of time. The natural landscape is presented by dividing it into 'embedded landscapes' using a moving algorithm. Media art installation works that enable the experience of natural scenery allow modern people, tamed in homogeneous spaces, to experience the natural environment, which has become a major interface, free from disconnected uniform thinking. In addition, this process provides an opportunity for a free experience at the boundary between reality and imagination through the expansion of the senses and immersion. This combination with the natural environment, a contemporary art trend, seeks the possibility of a new art method and can be presented as an example of art expression that will evolve in various ways in the field of media art in the future.

본 논문은 연구자의 공연작품을 바탕으로 효과적인 무대영상디자인에 대한 고찰을 전개하였다. 연구자의 최근 작품들을 사례로 제작과정을 분석하면서 무대영상의 의의와 디자이너로서의 철학을 모색하려는 것 이다. 연구자는 제작을 통해 다양한 시행착오를 겪었고, 그 가운데 효과적인 영상디자인이 무엇인지에 대해 몇 가지 예를 획득하였다. 사례를 분석해 보면서 공통된 용어로 해석하고 자료화 가능하다는 것을 발견할 수 있었다. 본론에서는 ‘극의 이해를 돕는 영상’, ‘의미 있는 1차 소재를 사용한 영상’, ‘무대요소 와 시공간적으로 교감하는 영상’, ‘무대미술 및 미장센을 돕는 영상’을 주요 요소로 기술하였다. 이는 관 객이 ‘공연에 몰입’하도록 이끌고, ‘예술가로서의 책무’를 지니며, ‘새로운 시도로 무대요소와 소통’하고 ‘표현의 한계를 극복’하게 해주는 것이라고 할 수 있다. 오늘날 무대영상은 융복합형 공연 콘텐츠 개발에 중요한 요소로 자리 잡고 있다. 이와 같은 모색이 비단 연구자 개인을 위해서만이 아닌 앞으로도 더욱 제작이 활발해질 무대영상의 업계에 도움이 되는 것이 연구의 목표이다. 본 연구가 융합예술 및 창작자 들에게 유용한 자료가 되기를 기대해 본다.

This paper presents a study of effective stage video designs based on performing arts in which the author participated. I explore the significance of stage video and philosophy as a designer by analyzing the production process through the lens of my recent works. I underwent numerous trial-and-error experiences during these productions, and among them, I present several cases as examples of effective factors in video design. By analyzing these cases, I found that they can be interpreted and documented in common terms. In the main articles, entitled ‘videos that help one to understand plays’, ‘videos using meaningful primary materials’, ‘videos that communicate space-time with stage elements’ and ‘videos that help with stage design and mise-en-scène, I describe the major elements. In other words, the paper discusses how design ‘leads the audience to immerse themselves in the performance’, helping them to ‘take responsibility as an artist’, ‘communicates with stage elements through new attempts’, and ‘overcomes the limitations of expression’. Currently, stage video is becoming an important factor in the development of convergence performance content. The goal of this study is to help the entire stage video industry, as it becomes more active over time, in addition to individual researchers. Hence, I expect this study to provide useful data for those involved in intermedia arts and content creators.

글로벌화 시대에 들어서면서 애니메이션 분야의 소재가 다양해졌으며, 애니메이션의 소재 또한 자국 문 화에 국한하지 않고 다른 나라의 문화 요소를 활용하여 창작하는 경우가 많아졌다. 문화적 전통은 동질 성을 부여하여 문화적 정체성을 확립하는 근거로 작용하기도 하는데, 다양한 문화의 조화와 공존은 문화 의 폭을 넓혀주는 역할을 하기도 한다. 디즈니 애니메이션의 경우 다양한 문화와의 융합을 통해 작품에 참신성을 더하며 생기와 활력을 불어넣어 왔는데, 애니메이션 산업의 경우 문화가 다른 나라에서도 공감 대를 형성할 수 있도록 글로벌 콘텐츠로 제작하는 것은 매우 중요한 부분이다. 따라서 본 연구에서는 다 양한 로컬 문화(Local Culture)를 활용하여 글로벌 문화(Global Culture)로 성공시킨 디즈니 애니메이션 사례를 통해서 글로벌 요인들을 도출해보고자 하였다. 특히 동양의 이질적인 문화를 서양의 시각에서 어 떻게 글로벌 문화로 재창작하였는지를 알아보기 위하여, 중국문화를 소재로 한 애니메이션<뮬란>을 분석 하여 글로벌 요인을 도출하였다. 연구 결과 다음과 같은 네 가지 유형의 글로벌 요인을 도출하였다 : ① 서사구조의 재구성 ②중국 이미지를 보편화한 캐릭터의 설정 ③서양적 가치관과의 융합 ④로컬 문화의 신비로운 분위기를 활용한 연출. 본 연구 결과가 향후 로컬 문화를 활용하여 글로벌 애니메이션을 제작 할 때 도움이 되기를 바란다.

Animation materials are no longer confined to the domestic cultures of the producing country given the trend toward globalization. Instead, the creation process is gradually enriched by foreign cultural factors. Cultural traditions are endowed with homogeneity and occasionally serve as the basis for recognizing cultural identities. Furthermore, the harmonious co-existence of various cultures broadens our cultural breadth. Disney animation makes its works novel, energetic and vivid by stressing the integration of various cultures. The creation of global contents is critical to the animation industry so as to make culture recognizable in other countries. Therefore, this paper attempts to infer these globalization factors by analyzing the successful globalization of Disney animations, which use various local cultures during the creation process. In particular, by analyzing Mulan, an animation film based on Chinese culture, this paper attempts to understand methods by which to recreate the oriental heterogeneous culture from the perspective of the west and finally define the globalization factors. The following four types of globalization factors are finally inferred from the research result: ① restructuring of the narrative structure, ② role settlings that generalize the Chinese image, ③ integration with western values, and ④ performances based on the mysterious atmosphere of the local culture. It is hoped that the research results here bring some enlightenment to those involved in global animations produced with local cultures in the future.

필름에서 디지털로 영상 제작의 패러다임이 넘어옴에 따라, 포스트프로덕션 단계에서의 예술적 선택의 폭이 넓어짐은 물론, 규격화된 워크플로우를 이해하고 준수하는 직업 의식의 중요성 또한 증가하였다. 본 연구는 포스트프로덕션의 기술적 이해가 영상 제작자의 새로운 규범으로 자리 잡고 있는 시류에 맞 춰, 현대의 영상 산업 규격이 요구하는 포스트프로덕션 워크플로우를 대학 영상 교육의 커리큘럼 내에서 구현하고 실습하기 위한 대안적 포스트프로덕션 워크플로우 모델을 모색한다. 영상 제작의 포스트프로덕 션 단계 중 데이터 매니지먼트, 프록시 워크플로우, 색공간의 이해와 설정, 콘텐츠 완성본 생성과 아카이 빙의 중요성과 영상 산업이 이를 어떻게 규격화하고 있는지를 고찰하고 이를 대학 영상 교육 환경 내에 서 실현하기 위한 대안을 제시하는 과정에서 무료 라이센스 배포 및 유료 라이센스의 영구적인 업데이트 지원을 제공하는 블랙매직(Blackmagic Design) 사(社)의 영상 제작 소프트웨어 다빈치 리졸브(DaVinci Resolve)을 활용한 구체적인 방안을 제시하였다.

The importance of post-production in the film and broadcast industry has increased as the production of videos has been transferred from celluloid film to digital technology. Ultimately, from the time of celluloid film, digital filmmaking has brought a wider range of artistic choices at the post-production stage, while at the same time filmmakers at present are required to understand and comply with standardized workflows. This study explores an affordable post-production workflow model for use with the post-production workflows required in modern film and TV industry standards within the curriculum of film education at the university level. This study discusses the importance of post-production and how the video industry is standardizing these processes, presenting a feasible model of post-production within the environment of film and TV education by focusing on the data management, proxy workflows, the concept of the color space and its setting, and on the final delivery, including archiving. The workflow suggested here relies on the use of Blackmagic Design’s DaVinci Resolve.

본 논문은 아메리칸 드림의 시각에서 영화 <기생충>을 고찰하고자 한다. 이 영화는 칸국제영화제에서 황 금종려상뿐만 아니라 아카데미 시상식에서 4부문에서 수상했다. 봉준호는 오스카에서 감독상을 받은 첫 한국 감독이 되었다. 이 영화는 세 가족들을 통해 계급 갈등, 사회의 불평등, 그리고 빈부격차를 다룬다. 신자유시대인 지금 이 문제는 전 세계가 해결책을 모색해야 할 사회 문제다. 이 주제는 세계의 이목이 <기생충>에 집중함에 있어 중요한 역할을 했음에 틀림없다. 아울러 이 영화에 특히 미국 영화 제작자들 이 주목한 또 다른 이유가 있다. 그것은 할리우드 영화가 전통적으로 생산해 온 아메리칸 드림의 실체를 <기생충>이 고발하고 있기 때문이다. 이에 이 연구는 영화에 나타나는 아메리칸 드림의 시각적 언어를 고찰하고 어떻게 세 가족의 갈등을 통해 아메리칸 드림의 실체가 그 민낯을 드러내고 있는지에 대해 고 찰한다.

This article explores the film Parasite from the perspective of the American dream. The film won four prizes at the Academy Awards as well as the Palme d'Or at the Cannes Film Festival. Bong Joon-ho became the first South Korean director to win Best Director at the Oscars. This film deals with class conflict, social inequality and wealth disparity through conflict between three families. In the neoliberal era, the issue is a social problem for which the whole world must find a solution. This theme captured the world’s attention. Another reason why this film was attractive to American film-makers was that it levels accusations about the reality of the American dream as seen in traditionally produced Hollywood films. This paper attempts to examine the film from the perspective of the visual language of the American dream and how the reality of the American dream is revealed through the conflicts between the three families in the movie.