Earticle

본 연구는 영상의 시퀀스를 앙리 베르그송의 지속의 개념, 또한 질 들뢰즈의 전체 개념과 관련하여 고찰 해 보고자 시작되었다. 지속을 왜곡 없이 파악하기 위해서는 의식이 도약을 통해 과거 일반으로 위치 지 어지는 과정을 시퀀스의 상황 안에서 이해해야 하는 것이 요구된다. 무엇보다 시퀀스가 제기하는 강력의 순간 즉, 동적 단면이나 층위라고 일컬어지는 지속의 구조가 선명하게 감지되는 순간을 고찰할 필요가 있 다. 본인과 수잔 힐러 그리고 부르스 나우먼의 비디오 작품에서 제시되는 시퀀스의 속성은 공통적으로 동 시성을 드러내며 층위들 간의 공존, 그 안에서의 운동이라 할 수 있는 잠재성을 담지하고 있다. 이러한 잠 재성의 문제에 확연히 접근하기 위해 고정적 단면으로서의 포즈를 대척점에 두어 고찰하였는데, 비-포즈 라는 변증법적인 반 개념을 가정함으로써 전체와 지속의 개념이 보다 선명해질 수 있었다. 시퀀스는 열려 있는 구조를 지향하므로 외재적 요인을 우연적으로 끌어들이는 방법으로 관계항들 간의 조우가 언제든 발 생할 수밖에 없다는 것 또한 알게 되었다.

The purpose of this study is to examine the problem of the sequences from video works which is relating this subject to the Henri Bergson’s concept of duree(duration), and Gilles Deleuz’s concept of Tout(the total). For examining duree without misunderstanding, it is required to conceive the process that the conscious becomes to be located in ‘the past in general’ through ‘leaping’ in the context of situations within sequences of video works. Most of all, it is necessary to scrutinize the moment with intensity when the structure of duree, which can also be called ‘mobile section’ or ‘layers’, is clearly noticed. The characteristic of sequences from video works by Susan Hiller, Bruce Nauman and myself has simultaneity in common, symbiosis among layers and the potentiality which is the movement happening within the spaces between layers. The fixated section as an oppositional concept of mobile section helps me clearly understand the problem of potentiality. It was possible to get closer to the concept of ‘the total’ and ‘duree’ through the dialectically supposed anti-concept: ‘non-pose.’ Finally, I become to recognize that each referent or coordinate can encounter each other anytime when the coincidence as an exterior cause happens to get involved in inner circle of structure of sequences, since they are usually inclined to be coincidental.

본 논문은 미디어 생태계(Media Ecology)에서 테크놀로지의 의미 및 진화과정을 살펴보고, 미디어와 테크 놀로지의 결합으로 인한 새로운 사용자 경험 사례를 관찰함으로써 미디어 생태계 안에서 테크놀로지가 주 는 메시지는 무엇인지 예측해 보고자 한다. 이제 미디어는 단순히 형식적인 매체로서의 존재가 아니라 인 간의 지각, 감각, 가치판단에 영향을 끼치며 인간의 삶과 상호 교류하는 환경으로써 존재하고 있다. 이러 한 미디어 생태계는 자연 생태계와 마찬가지로 생물학적 생태계의 연속성을 가지며, 미디어와 사회, 기술 간의 상호작용과 커뮤니케이션으로 구성되어 있다. 즉, 새로운 미디어가 도입되면 미디어 생태계의 변화가 나타나면서 인간의 삶에 영향을 주고 있다는 것이다. 그런데 이 부분에서 놓치지 말고 주목해야할 부분이 바로 테크놀로지의 진화이다. 테크놀로지는 인간의 의지가 반영된 일종의 도구이며 수단일수도 있으나, 때 로는 중요한 역사의 전환점이 되기도 한다. 특히, 디지털 컨버전스로 인해 가속화된 IT기술은 다양한 제품 과 서비스를 내놓으며 새로운 경험과 문화를 만들어 내고 있다. 하지만 이러한 테크놀로지의 발달이 단순 히 생활을 편리하게 하거나 사람들에게 더 많은 기회를 주는 것 이상으로 진화하고 있다는 것에 대해서 주목할 필요가 있다. 이제 테크놀로지는 인간이 제어할 수 있는 범위를 벗어나 스스로 생명력을 가지고 진화하는 과정을 거치고 있기 때문이다. 이 시점에서 우리는 진화과정을 통해 테크놀로지가 전하는 메시 지가 무엇인지 차분히 고찰해 볼 필요가 있다.

This study aims at not only to examine the meanings in the development of technology but also to predict what would be the messages from technology regarding the examples of user experiences in the aspect of Media Ecology. We have to regard digital media as a biological environment which brings forth mutual exchanges with human beings instead of looking at just useful implements of our life. Thus, media environment can be defined as an ecological environment of nature itself, which brings forth mutual communication with humans. The important notice we have to pay attention, however, is the development of technology as an important transitional point with the fact that IT technology based on digital convergence has been evolved beyond human beings can reach, even though it ceaselessly shows newer experiences and culture of our life. This study suggests to careful examine the messages from this kind of new technology.

공연예술에서 사용되어졌던 기존의 무대장치는 시간적, 공간적 표현의 한계를 가지고 있다. 이를 해결하기 위하여 공연예술에서도 영상매체를 무대장치의 도구로써 적극적으로 활용하고 있다. 공연예술에서 영상매 체의 활용은 매우 다양한 형태로 발전되고 있다. 본 논문은 무대영상 디자인의 기능적 유형 분석을 통하 여 공연예술에서 활용되어지고 있는 무대영상 디자인의 기능적 잠재성을 살펴보고자 한다. 본 논문에서는 무대영상을 활용한 국내 무용 공연을 중심으로 사례들을 분석하고자한다. 2000년대부터 무용 공연에서도 무대영상을 활용하기 시작하였다. 무대 배경을 영상 매체로 대체하기도 하고 무용의 상징적 의미를 시각 적으로 설명하는 도구로 활용하기도 한다. 더 나아가서 실제 배우가 보여줄 수 없는 연기를 가상의 배우 를 활용하여 표현하기도 한다. 움직임에 대한 기능이 없었던 기존의 무대장치와는 달리 움직임을 표현할 수 있는 영상매체를 무대장치로 활용함으로써 무용공연에서 훨씬 다양한 방식으로 관객들의 감성을 자극 할 수 있게 되었다. 이를 통하여 무대영상은 점점 무용의 표현력을 다양하게 발전시키는 중요한 요인이 되고 있다.

A traditional stage setting used in the performing arts limits temporal and spatial expressions. To solve this problem, visual media is being incorporated in the stage settings. Visual media in the performing arts has been developing in diverse ways. This paper aims to analyze the functions and portention of visual media design for stage settings in the performing arts. Domestic dance performances that use visual media for their stage settings were studied. Since around 2000, visual media started to function as stage settings in performances. Actors use visual media as the stage backgrounds and use it as a tool to visually explain the symbolism of the performance. Virtual actors can replace real ones when the physical limits of the latter limit the performance. A traditional stage setting cannot display motion as visual media can. Visual media can stimulate the audience's emotion and can facilitate the incorporation of important elements in performances.

영상설치작업인 <펼쳐진 도시, 떠다니는 기호들>은 ‘유기체로서의 도시’전에 출품된 작품으로써, 이전의 작 품인 <길동맵핑>을 재작업하여 만들어진 것이다. 재작업의 관점은 크게 두 가지로 구분되는데, 첫째는 도 시적 삶의 풍경이란 측면에서 지하철의 노선도를 살펴보는 것이고, 둘째는 간판상호명이 갖는 내면고백적 성격을 찾아내는 것이다. 이로부터 지하철 노선도와 간판명은 상징적 차원에서 유기적으로 연결될 수 있 음을 확신하게 된다. 이제 상징적 의미생성으로서의 지하철 노선, 즉 경로가 구체적으로 어떠한 모습을 드 러내는지 실례를 바탕으로 살펴보게 된다. 그리고 그 결과, 경로는 살아있는 세포처럼 유기체적으로 성장 하며 심리적으로는 장소의 상실을 전제로 하고 있음을 발견하게 된다. 이러한 개념전개는 작품을 통해 시 각화되며, 네 가지 측면 즉, 복제와 증식, 단절과 연장, 분산과 굴절, 마지막으로 수직수평의 겹침을 드러 내게 된다.

The Media Installation, <Unfolded Cities, Floating Signs> derives from the late piece of <Gildong Mapping> in 2009. Through a reworking process, <Unfolded Cities, Floating Signs> accomplishes the complete execution at a conceptual level. The process of reworking follows two ways in which subway maps relates to the urbanscape and the words on the signboards to poetic languages. Therefore subway maps and signboards end up being organically intersected with. In terms of the visualization of this concept, several graphic works and diagrams are investigated. They presuppose that subways increase like living cells as much as we lose the places where we have been located before. Finally, the installation, <Unfolded Cities, Floating Signs> embodies the concept of organic subway pathways as animated urbanscapes through the progress of 'copying/proliferation, disconnected/prolonged, disperse/refraction, and the crossing'

빛을 이용한 조형예술의 새로운 표현방법 제안을 위해 태양빛을 실내공간에 도입한 피드백효과를 연구하 였다. 빛의 속성을 이용한 조형표현의 사례를 살펴보고 개인전시회 ‘빛으로부터’를 통해 빛의 피드백작용 에 의한 독창적인 조형표현을 구체적으로 제시하고자 하였다. 피드백효과에 의해 태양빛을 무한대로 증폭 시키는 실험은 빛으로 형태, 색감, 움직임을 자유롭게 표현할 수 있는 통제력을 갖추는 것에 다름 아니다. 빛이 대상을 밝히는 이차적 존재에서 사물을 구성하는 일차적인 형상 요소로 변환시키기 위해 어두운 벽 면의 구멍으로 최소한의 태양빛을 유입하고 빔프로젝트와 캠코더의 기계적 장치를 이용해 태양빛을 효율 적으로 증폭시켰다. 증폭된 빛은 다양한 영상이미지로 거듭남으로써 새로운 미적공간을 창출하였으며, 이 렇게 탄생한 빛의 공간속에서 관객의 참여로 인한 인터랙티브 효과를 체험할 수 있었다. 태양빛의 개입에 의한 피드백효과는 인공적인 영상매체의 재생기술만으로는 표현하기 어려운 독창적인 빛의 형상을 연출하 였고 태양빛과 영상매체의 피드백효과를 이용한 조형연구가 새로운 영역의 조형표현으로 정착될 수 있음 을 확인할 수 있었다.

This research is a study of feedback effect for a proposal to suggest a new way of presenting art that use luminous sources, by adopting sunlight as the new source of media. After researching various cases which uses light as the source of presentation, and with my solo exhibition From Light, I attempted to propose a detailed and a unique way of presenting light by using the feedback effect. This experiment of infinitely amplifying sunlight by the way of feedback effect is no different from having complete and flexible control over form, color and movement of light. In transforming light from the secondary existence—a source of brightening an object—to primary existence—a source that is the form and the object itself—the sunlight was brought into the space with a very small hole, and amplified with the mechanical aid of a camcorder and a beam projector. Thus, the sunlight was reborn into different and various visual images, creating a new aesthetical space. And in this newly created space, the viewers were able to experience the interactive effects of light. The feedback effect gained from this experiment allowed visualizing the unique properties of light which is usually difficult to express with artificial video projections, and also validated that this artistic research using sunlight and the feedback effect of visual media could become a foundation for a new domain of art.

본고는 영화적 시간배열을 바탕으로 영화인물과 관객이 이루는 극적이입과 자아성찰의 개념파악을 통해 관객의 자아성찰이 영화감상을 통해서 어떻게 이루어지는지에 대해 주목한다. 또한, 감정을 통한 극적이입 은 감상자가 타인에 대해 동일시를 느끼는 상황이며 이것은 감상자 스스로의 자아성찰과도 관련지어진다. 본고에서 스크린 상영시간을 통한 관객의 회귀가 영화 속 인물과의 극적 소통을 통해 어떤 식으로 발현 되는지를 알며, 영상의 내러티브 속 반복에서 드러나는 차이와 암시를 통해 나타나는 대안을 토대로 감상 자는 지속적인 내면세계의 고찰이 가능함을 알 수 있다. 왜냐하면, 니체의 '영원회귀'를 통해 반복의 의의 와 마이클 화이트의 '대안이야기'를 통해 암시의 토대를 연구할 수 있기 때문이다. 이 결과로 관객의 카타 르시스는 영화 ‘냉정과 열정사이’에서 발생한 반복과 암시를 통해 유기적 회귀와 지향적 회귀가 가능함을 고찰한다.

With cinematic time as its backdrop, this paper addresses how the audience’s Self-reflection is made through a film-Arrangement procedure by finding the concept of dramatic empathy and Self-reflection. In addition, the dramatic empathy through emotion is the situation in which the audience identifies themselves with others, and is also related to their Self-reflection. This paper enables us to see in what way the recurrence of the audience is manifested by dramatic communication with the figures in a film throughout the running time on the screen, and that it is possible for the audience to make a continuous meditation on the internal world based on differences and implications out of repeatedly exposed image narrative. It is because it is possible to study the meaning of repetition through ‘the Eternal Recurrence’ by Nietzsche and the foundation of implication through ‘Alternative Stories’by Michael White. As a result, we conjecture that the catharsis of the audience is made possible with organic recurrence and oriented recurrence through the repetition and implications generated in the film ‘Between Calm and Passion’.

이 글은 올해 서울시립미술관에서 4월 26일에 개막하였던 《한국·호주 수교50주년 기념교류전: 호주_디지 털 도시초상》展에 대한 한국작가들의 응답으로 호주 골드코스트 시티갤러리에서 열린 《한국·호주 수교 50주년 기념교류전: 한국_도시 다시 상상하기》展의 도시 개발과 도시 공간에 대한 우리나라 미디어 아 트 작가들의 시선을 고찰해보는 연구이다. 특히 서울의 근대적인 공간들과 건물들이 도시개발을 통해 변 모되고 있는 현실에 주목하고 그 순간을 어떻게 작가들이 포착했는지에 주목하였다. 그리고 현재의 도시 공간에서 느끼는 부조리함이나 어려움에서 벗어나려는 작가들의 상상이 도시공간을 새롭게 인식하게 만드 는지에 대해 살펴보았다. 주제에 있어서는 호주에서 이루어지고 있는 이 한국 미디어아트 작가들의 도시 에 대한 전시는 개발이 한창 진행 중인 골드코스트시와 근대적 건물들을 리모델링하고 균형적인 발전을 꾀하고 있는 서울시 모두에게 도시공간 개발에 대해 생각해볼 수 있는 기회를 제공하였으며, 형식적으로 는 근현대의 역사 속에 존재하는 공간이 어떻게 영상과 사진에 담겨져 보일 수 있는지에서 부터 3D입체 영상을 바탕으로 한 상호작용 미디어 아트 작품을 통해 도시와 인간 사이의 상호작용의 중요성, 실시간 데이터를 바탕으로 하여 도시에서 일어나고 있는 일들을 시각화하는 데이터비주얼라이제이션 미디어 아트 작업을 통해 지금 현재의 공간이 어떻게 담아질 수 있는지를 보여주었다.

This article is to study the Korean media artists' view on urban development and urban spaces dealt in Korea·Australia Exchange Exhibition: Korea_Re-Imagining the City which is responding to Korea·Australia Exchange Exhibition: Australia_Digital Urban Portraits held on April 26 at Seoul Museum of Art. The Korean exhibition is held at Gold Coast City Gallery in Queensland, Australia. In particular, the writing examines how Korean media artists capture the moment of the reality in which modern spaces and modern buildings were transformed through urban development. Also, the writing speculates how artists' imagination getting out of difficulties and irrationality in the city make urban spaces newly recognised. In the thematic aspect, this Korean media art exhibition about the city in Australia provides opportunities to reconsider the development of urban spaces to both Gold Coast, which is now booming with new construction, and Seoul, which remodels modern buildings such as Seoul City Hall or Dongdaemoon Stadium and tries to make a balance among urban spaces. In the formal aspect, the exhibition presents from how the space where modern buildings and structures still exist was captured in video works and photos to how the present space can be given shape to by the interaction based on 3D stereoscopic images and data-visualisation medie art.

본 논문은 특별히 진화하고 발전하고 있는 디지털 미디어 사회를 되돌아보며 디자인 산업 부분에서의 생 태계의 변화 양상을 짚어보고자 한다. 미디어 그 자체의 고유한 특성이나 힘에서 비롯되는 영향력에 앞서 미디어 간의 융합 그리고 그것이 만들어내는 제2, 제 3으로 확장되는 요인들이 어떠한 변화의 흐름 속에 서 장단점을 창출하고 있는지에 주목했다. 디자인 생태계는 미디어의 발달에 따른 확장과 컨버전스 (convergence)로 인해 시공간의 제약을 넘어서 글로벌 네트워크를 창출하며 업무의 효율성을 높여가고 있 으며, 미디어의 발달은 생산과 유통에 이르는 전 과정을 1인 체제로 가능하게 하는 새로운 디지털 생산 환경을 열어나가고 있다. 이로 인해 생산자와 소비자의 구별은 모호해졌고, 시공간의 초월은 개인의 영역 과 자유를 침해 할 만큼 새로운 개념의 구속을 낳고 있다. 어느 때보다 미디어와 인간의 우호적인 상호작 용을 고려해야 할 때라고 할 수 있다.

The main purpose of this study is to evaluate Media Ecology in the field of Design Industries. The convergence between various media and continuously evolving effects from media convergence are closely examined through the examples in the real digital media design field. As the result of digital media convergence, various pros and cons have been arrived in design industries. While transcendence of limit in time and space, global network system, work efficiency, and one-stop business system are evaluated as pros caused by digital media expansion, there are also various kinds of cons like 24-hours working system, no more private time and space and etc. This study is expected to suggest any connotation for our future media life by exploring real examples of digital media design as well as media ecology.