Earticle

이 연구는 2000년대 후반 독립다큐멘터리 영화장에 진입한 여성 감독을 주목해 이들의 집합적인 위치와 문화 실천의 의미를 살펴본다. 다큐멘터리 장의 특수성과 사회적 조건의 교차지점에서 여성 감독들의 제작에서부터 일상적 경험을 주목하는 것이다. 이를 위해 다양한 배경의 여성 다큐멘터리 감독들을 만나 심층인터뷰를 실시했으며, 집단적 경험을 현재의 시점을 중심으로 재구성했다. 먼저 여성 감독들의 다큐멘터리 장 진입 경험과 정체성 형성과정을 살펴보았다. 그리고 장의 구조적 변화에 따라 전문화되고 복잡해지는 제작방식과 다양한 갈등 양상을 알아보았다. 또 젠더적 요소가 기존 다큐멘터리 장의 미학과 하비투스와 결합할 때 일부 갈등적 관계가 형성될 수 있음을 살펴보았다. 이 갈등은 상징투쟁의 일환으로 다큐멘터리 장을 다채롭게 하는 데 이바지한다. 한편 독립다큐멘터리 장은 경제논리 강화에 따른 경쟁의 심화와 양극화의 위기에 있다. 그러나 이를 타계할 창작 시스템은 부재한 상태에서 상위의 미디어 장의 확대에도 영향을 받고 있다. 이러한 위기 속에서도 여성 감독들은 자신의 작업관을 강력하게 견지하려 하지만 그 위치는 공고하지 않다고 생각하는 편이다. 하지만 이미 다큐멘터리 장내 여성 감독들은 서로에게 영향을 주는 존재가 되고 있다. 다큐멘터리의 스타일과 상관없이, 비판적인 지식인의 위치에서 여성 감독들은 ‘여성’‘들’로 감각하는 문화실천으로 다큐멘터리 장에 기여 중이다.

This study focuses on female filmmakers who entered the independent documentary film field in the late 2000s and explores their collective position and the meaning of their cultural practices. It examines the intersections between the specificity of the documentary field and the social condition of the daily experiences of female filmmakers from the point of production. In this study, in-depth interviews were conducted with female documentary filmmakers, and their collective experience was reconstructed based on the present point of view. First, the experience of entering the documentary field and the process of identity formation as experienced by the female filmmakers were examined. In addition, documentary productions that were commercialized and complicated according to structural changes were investigated. In addition, how certain conflicting relationships can form when gender elements are combined with the aesthetics and habitus of the hegemonic documentary field was explored. However, this conflict contributes to diversifying the documentary field as part of a symbolic struggle. The field of independent documentaries is at risk of intensifying competition and polarization due to the strengthening of economic logic. However, in the absence of a production system, it is also affected by the expansion of the upper level of the media field. Even in such a crisis, female filmmakers strive to keep their perspectives strong, but I tend to think that their position is not firmly established. However, female filmmakers in the documentary field are already influencing each other. Regardless of the style of the documentary, from the position of critical intellectuals, female filmmakers are contributing to the documentary filed by creating cultural practices that are perceived as those of ‘women’.

본 연구는 영화도시 속에서 폐허의 풍경에 퇴적된 국가적 트라우마를 통해 한 개인이 공식적 역사와 만나는 과정을 탐색하고 그 의미를 폐허의 시학과 알레고리를 통해 고찰한다. 연구대상은 영화 <벌새>(김보라, 2018)에서 재현된 1994년 서울과 성수대교 붕괴 현장, 그리고 그 장면을 목격한 은희(박지후)와 그녀의 시선을 통해 다시 재구성되는 풍경이다. 연구 방법은 폐허의 시학과 알레고리로 구성된다. ‘폐허의 시학’은 18세기 프랑스 폐허의 풍경화에 대한 드니 디드로의 비평 개념이며 ‘폐허의 알레고리’는 발터 벤야민이 자연사 속 퇴적된 고통의 형상화 된 개념이다. 본 연구는 폐허와 관련된 개념들을 각각 시간-이질성이라는 아크로니시티, 그리고 세대전의적 트라우마인 포스트메모리를 통해 고찰하였다. <벌새>는 서울의 영화적 무대화를 통해서 압축적 근대화 속에서 이질-시간성으로 구성된 서울의 한 소녀의 정신적 풍경을 폐허의 풍경을 통해 드러내고 있다. 본 연구에서는 식민지, 전쟁, 산업화, 민주화라는 한국 현대사 속의 압축적 근대화 과정이 퇴적된 서울의 이질-시간성을 논의한다. 은희는 1994년 빛나는 시간과 고통의 시간을 함께 경험하는 특정 세대이자 동시에 한 개인이다. 이 영화의 서사는 은희의 현재의 기억에 기반을 두고 세대전이적 트라우마를 통합하여 포스트메모리로 확장되어 구성된다. 재개발을 위해 철거된 지역과 같은 폐허의 풍경은 은희의 새로운 세계 인식과 함께 내면의 균열을 만들어낸다. 그리고 은희는 성수대교 붕괴와 같은 폐허의 풍경을 바라보면서 그녀 자신의 사적인 개인사를 넘어서 공식적인 역사와 만난다. <벌새>에서 드러난 폐허의 풍경은 고통의 세계사 속에서 세대를 초월한 ‘함께 있음’을 성찰적으로 형상화하는 알레고리인 것이다.

This study examines how the allegory of ruins is constructed through the romance narrative of a girl who (in)directly experiences the Seongsu Bridge Collapse in 1994. The subject of the study is the scenery of Seoul, as walked through by Eun-hee (Park Ji-hu) in House of Hummingbird (2018). Throughout the cinematic staging of Seoul, the cityscape is embodied as a landscape with ruins as a symptom in the wake of the Seongsu Bridge collapse and Eun-hee's daily life before the event. The research methods are based on the poetics of ruins and the allegory of ruins. In House of Hummingbird, the landscape with ruins is a visual expression of the shaping of a girl's mental landscape throughout the stageization of Seoul. Achronicity explains the time in a city where has undertaken compressed modernization. The landscape with ruins then reveals Eun-hee's mental landscape, which allegorically takes the shape of togetherness, 'being with,' throughout an ambivalent emotion concerning a shining moment and a traumatic moment. House of Hummingbird reveals the mental landscape of the young girl Eun-hee in Seoul, which undergoing the process of compressed modernization, through the landscape of ruins. It includes transgenerational trauma, that is, post-memory, based on the memory as a generation and as an individual, experiencing the shining and painful times of Seoul. For example, the landscape of ruins, such as an area demolished for redevelopment, creates a crack inside Eun-hee. She then briefly encounters the official history beyond her own personal story to mourn a historical loss and suffering through aesthetic means. The landscape of ruins in House of Hummingbird can be an allegory that reflexively reveals togetherness in the suffering of humanity's history.

웹툰은 인터넷의 보급과 함께 나타나 성장하여 지금은 우리나라의 만화를 대표하는 형태로 자리 잡았다. 웹툰의 지배적인 형식인 무한히 이어지는 세로 스크롤 캔버스는 출판만화와 확연히 다른 특성으로서 크게 주목받았고 그에 관한 많은 연구가 이루어진 데 반해 웹툰을 읽을 때 스크롤이 정지되는 순간 하나의 이미지로서 나타나는 ‘페이지’는 그다지 중요하지 않은 것으로 인식되거나 나아가 하나의 온전한 ‘페이지’는 아예 없는 것으로 간주되었다. 그러나 웹툰을 읽는 행위에는 스크롤을 내리는 것과 그림을 보고 글자를 읽기 위해 멈추는 것, 두 행위가 존재한다. 독자가 스크롤을 멈추는 순간에 드러나는 이미지가 출판만화의 페이지와 유사함을 근거로 하여 이를 ‘웹툰의 유동적 페이지’라고 부르고자 한다. 이 연구를 통해 하나의 유동적 페이지라 부를 수 있는 웹툰의 단위에 대해 정의하고, 페이지를 이루는 요소가 웹툰 페이지에 어떻게 프레이밍되는지 고찰하였다. 이어서 이흰이 쓴 웹소설 <악당의 미학>을 원작으로 하여 연구자가 연출한 웹툰 <악당의 미학>을 분석함으로써 유동적 페이지를 고려한 연출이 제작의 단계에서 어떻게 적용되었는지 설명하였다. 이 연구를 통해 스크롤 시 발생하는 유동적 페이지라는 개념적 단위가 웹툰의 제작과 감상, 그리고 비평에 필요한 역할을 담당하고 있음을 말하고자 한다.

Currently, webtoons, which appeared and developed with the spread of the Internet, are a representative type of cartoon in our nation. As a dominant form of webtoons, the vertical scroll canvas, which continues infinitely, has attracted much attention due to its distinctly different characteristic from that of published cartoons, leading to much related research. Therefore, a ‘page’ shown as a single image when scrolling is stopped while reading a webtoon and is regarded as insignificant, and it is even assumed there is no complete ‘page’. However, when reading a webtoon, the two main activities are scrolling down and stopping to look at the pictures and read the text. This study found that the image shown when a reader stops scrolling is similar to a page of a published cartoon, referring to such imagery as a ‘flexible page of a webtoon’. The research thus defines the unit of a webtoon and investigates how the elements that make up the page are framed. Subsequently, a case study of the webtoon "A Most Virtuous Villain" directed by the researcher based on the web novel “A Most Virtuous Villain” written by Lee Huin is used, with an explanation of how the flexible page of a webtoon is applied at the stage of production. We discuss how this flexible page generated when scrolling and reading webtoons is the conceptual unit necessary for the production, appreciation, and criticism of webtoons.

허실론은 중국 전통문화에서의 중요한 논제로써 중국의 민족적 특징을 담고 있다. 허실론의 표현 기법인 ‘허실상생’이 어떻게 서양에서 시작된 영화 스토리텔링을 표현을 하는데 있어서 적절하게 활용될 수 있는가에 대한 연구이다. 중국의 전통적인 미학의 관점에서 영화적인 표현기법에 대한 연구를 통하여 중국 영화가 더욱 민족적 특색을 가지고, 한 단계 나아가 중국 영화의 다양성과 완벽성을 실현할 수 있다고 본다. 본 논문은 중국 전통 시화 속의 ’허실상생’의 활용을 분석하여 중국 시화와 영화의 공통점을 찾아내며, 영화의 화면과 스토리텔링 2가지 측면에서 ‘허실상생’의 기법이 영화에서 어떻게 활용될 수 있는지 분석했다. ‘허실상생’에 대한 철학적 배경과 발전 그리고 ‘허실상생’의 창작 과정에 대해 상세히 논했다. 영화는 시공간이 융합된 예술이다. 영화 화면 속 ‘허실상생’은 2단계로 구분했다. 첫 단계는 물질적 요소의 사실성과 화면 언어의 허구성의 결합이다. 영화는 광학으로 만드는 예술이며, 빛은 물질적 요소의 형상을 변화시키기에 이러한 단계는 영화 속 빛의 ‘허실상생’을 통해 설명했다. 두 번째 단계는 화면의 구도, 배치로 만들어지며, 화면 속 실제 경치, 사물, 사람, 사건 등의 이미지 요소와 화면의 여백으로 생겨난 ‘허실상생’이다. 이러한 단계는 주로 화면의 구도와 배경화면의 단순화로 실현된다. 그리고 영화에는 공간과 시간의 차원이 있으며 상호 조화를 이룬다. 영화의 서사는 영상 공간의 완전한 표현에 기초를 두고 있고 선형적인 시간으로 연결하고 있다. 영화의 서사 방식은 몽타주 등 영화 표현 기법을 ‘허실상생’의 개념으로 분석하여 관객의 영화 스토리텔링 표현에 있어서 새로운 미학을 제시하고자 한다.

The rule of juxtaposition of truth and fiction theory is significant to Chinese traditional culture with its ethniccharacteristics. As the embodiment method of the rule of juxtaposition of truth and fiction theory, how to flexibly utilize it in western exotic movies is the paper’s research direction. Studying from the perspective of Chinese classical aesthetics can make Chinese movies have more ethnic characteristics, to further realize the diversity and completion of Chinese movie aesthetics. The paper chooses to utilize and analyze the ’the rule of juxtaposition of truth and fiction reciprocity’ in Chinese traditional poems and paintings, to observe the common aspects between Chinese poems and paintings and movies, and respectively analyze the application of ‘the rule of juxtaposition of truth and fiction’ method in movie creation from the movie images and narrative ways. Firstly, the paper summarizes the aesthetic theories of ’the rule of juxtaposition of truth and fiction’, and has made simple description on the basic symposiums, philosophical background and development and the creation process of it. Next, movies and poems and paintings are the art integrated with time and space. The integration between the ’the rule of juxtaposition of truth and fiction reciprocity’ in movie images and Chinese paintings can be divided into two levels. The first level is the ’the rule of juxtaposition of truth and fiction’ between the solid material elements and the void shooting language. Light can change the forms of material elements, so this level is described through the analysis of ’the rule of juxtaposition of truth and fiction’ in movie lights. The second level comes from the image composition and layout, that is, to form the ’the rule of juxtaposition of truth and fiction’ through the solid scene, objects, people, things in imagesand other image elements and the blank image space. The narrative method of the film was to present a new aesthetic that allows the audience to be immersed in the storytelling of the film by analyzing the film expression techniques such as montage with the concept of ‘the rule of juxtaposition of truth and fiction’.

본 연구는 다다 작가 라울 하우스만이 1922년에 발명한 옵토폰에 주목한다. 옵토폰은 소리의 신호를 빛의 신호로 변환하거나, 빛의 신호를 소리의 신호로 변환하는 장치이다. 제1차 세계대전의 파괴를 경험하고 바이마르 독일의 격변기를 살았던 하우스만은 전통적인 예술에서 탈피하고 현대 기술의 원리를 수용한 새로운 예술을 창작하고자 했다. 그는 인체와 감각의 한계를 직시하고 발전된 기술의 도움으로 이를 보완하고 극복하고자 했다. 그의 옵토폰 이론은 기계와 예술의 결합, 기계 예술을 통한 감각의 확장이라는 두 축을 포함하였다. 하우스만은 예술이 과학 기술과 결합해야 한다고 주장했고, 변화와 충돌 안에서 균형을 갖추고 사회의 변화를 이끌어 갈 새로운 인간을 전망했다. 옵토폰은 다양한 지각의 상호보완 작용을 활성화함으로써 예술의 경험 가능성을 극대화하려는 하우스만의 미래적인 희망을 담고 있다. 하우스만이 한 세기 전에 예견했던 예술은 기술과 결합하여 인간 경험의 한계를 극복하고 궁극적으로 세계를 인지하는 폭을 확장하는 데 기여하는 예술이었다. 본 연구는 옵토폰을 미디어 고고학적인 장으로 발굴하고자 하며, 이를 통해 다양한 매체로 전개되고 있는 동시대 예술 실험의 정신적인 유산의 한 축을 드러내고자 한다.

This paper examines the Optophone invented by the Dadaist Raoul Hausmann in 1922. The Optophone is an apparatus designed to transform sound signals into light signals, and vice versa. Having gone through the devastation of the WWI and the drastic changes in Weimar Germany, Hausmann turned away from traditional art and intended to produce a new art by embracing modern technology. Being aware of the limits of the human body and senses, Hausmann aimed to overcome these limits with the aid of advanced technology. His theory of the Optophone is twofold. First, its intention is the union of machine and art. Second, it effectuates the extension of senses with machine art. Claiming the need for a new art allied with technology, Hausmann believed that new art would contribute to the birth of a 'New Man' who would lead social changes. By invoking the interaction between senses with technological aids, Hausmann wanted to maximize artistic experiences. The Optophone alludes to his pioneering vision to overcome the limits of human senses, thereby broadening our views to perceive the world. This paper intends to excavate the Optophone as a media archaeological site, from which contemporary art experiments across media are yet to draw inspiration.