Earticle

본 연구는 스티븐 크보스키 감독의 영화 <원더>를 중심으로, 안면 기형을 가진 주인공 어기와 그 주변 인물들이 겪는 심리적 고립 및 인물 관계의 변화가 어떠한 영화적 스타일을 통해 시각화되는지 고찰한다. 데이비드 보드웰의 형식주의 영화 이론과 로즈메리 가랜드-톰슨의 장애학적 ‘응시(Staring)’ 담론을 분석 틀로 활용하여, 미장센, 촬영, 사운드, 편집의 유기적 결합이 서사와 상호작용하여 주제 의식을 어떻게 강화하는지 실증적으로 규명하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 영화는 인물별 로 차별화된 ‘매개변수적 나레이션(Parametric Narration)’ 기법을 통해 내면의 고립을 형상화한다. 주인공 어기의 경우, 우주 인 헬멧이라는 미장센과 로우 패스 필터를 거친 사운드 디자인, 그리고 지각적 하향화를 보여주는 하이 앵글 POV 쇼트를 통 해 ‘응시로부터의 방어’와 ‘지각적 폐쇄성’을 시각화한다. 둘째, 인물 간의 관계는 카메라의 공간적 정위(Spatial Orientation) 변화에 의해 구조화된다. 영화 초반 교실 시퀀스에서 주류 집단의 모습은 카메라가 좌측 베이스(Camera Left)에서 인물들의 왼쪽 얼굴(Left Profile)을 주로 노출하며 시각적 질서를 형성하고, 주인공 어기의 모습은 카메라가 공간의 오른쪽 영역에서 인물의 오른쪽 얼굴(Right Profile)을 포착함으로써 기하학적 단절을 야기한다. 반면, 수학여행의 호수 장면에서는 나란히 서 서 같은 곳을 바라보고 있는 어기와 친구들의 백 쇼트(Back Shot)를 통해 인물들이 동일한 소실점을 공유하는 지각적 연대를 형성한다. 셋째, 소통의 최종적인 완성은 졸업식 시퀀스에서 카메라가 우측 베이스(Camera Right)로 전격 이동하는 것을 통 해 달성된다. 이러한 ‘공간적 정위의 전복’은 영화 초반부 교실 시퀀스에서 어기의 모습을 포착했던 특수한 시각적 양식(오른 쪽 얼굴)을 공동체 전체의 보편적 양식으로 격상시킨다. 이는 메를로-퐁티의 신체적 지각의 가역성과 레비나스의 타자 윤리 를 기하학적으로 구현한 것으로, 타자의 세계로 전향하는 공동체의 윤리적 결단을 시각화한다. 결론적으로 본 연구는 영화 양 식이 관객의 신체적 지각을 재배치함으로써 타자성을 포용하는 실천적 도구로 기능함을 입증한다.

This study examines how Stephen Chbosky’s Wonder (2017) visualizes the psychological isolation of its protagonist, Auggie, and the shifting interpersonal relationships through film style. Applying David Bordwell’s formalism and Rosemarie Garland-Thomson’s “staring” discourse, it empirically investigates how the combination of mise-en-scène, cinematography, sound, and editing reinforces thematic concerns. The findings are as follows. First, the film embodies isolation through character-specific “parametric narration.” For Auggie, it visualizes “defense against staring” and “perceptual closure” via an astronaut helmet, low-pass filter sound, and high-angle POV shots reflecting perceptual subordination. Second, relationships are structured by spatial orientation shifts. In the classroom, the majority forms visual order from the left camera base (left profile), while Auggie is captured from the right camera base (right profile), causing a geometric disconnection. Conversely, back shots in the lake scene establish perceptual solidarity through a shared vanishing point. Third, communication is finalized by a shift of the camera base to the right during graduation. This “subversion of spatial orientation” elevates Auggie’s specific style (right profile) to a universal norm. Geometrically implementing Merleau-Ponty’s perceptual reversibility and Levinas’s ethics of the Other, this shift visualizes the community’s ethical turn toward the Other. Conclusively, film style functions as a practical tool for embracing alterity by reorienting audience perception.

본 연구는 자전적 다큐멘터리에서 감독의 자아가 작품 속에서 어떻게 서술의 주체이자 객체로 구성되는지를, 자전적 애니메 이션 다큐멘터리 <가락>(2024)을 중심으로 분석한다. 자전적 다큐멘터리에서 감독은 현실의 인물이자 작품 속 인물 서술자로 중첩되며, 이 과정에서 서술의 주체는 단일하게 고정되기보다 분화된 층위로 나타난다. 본 논문은 이 지점에서 부스의 암시된 저자 개념과 채트먼의 영화적 서술자 개념을 다큐멘터리 맥락에서 활용하여 <가락>의 서술 구조를 분석한다. 분석 결과 <가 락>은 이야기 속 인물 서술자, 영화적 서술자, 암시된 저자, 실제 감독의 동일성을 작품 내부에서 곧바로 드러내지 않고 지연 시켜 노출하는 방식으로 구성되어 있으며, 이를 통해 관객이 특정 서술자의 진술을 즉각적으로 더 신뢰하거나 의심하기보다 이미지와 서사의 배열을 따라 작품이 세계와 맺는 관계와 의미를 해석하도록 유도한다. 이러한 서술 전략은 진실성이 하나의 결론이나 인과적 설명으로 제시되기보다, 허구와 기록, 애니메이션과 실사 이미지 등 작품의 의미를 구성하는 다양한 자료들 을 통해 점진적으로 확보될 수 있음을 보여준다. 본 연구는 주체의 다중적 구성과 서술 층위에 대한 분석이 동시대 자전적 다큐멘터리의 진실성과 재현 윤리를 사유하는 데 유효한 분석 틀임을 제안한다.

This study examines how the director’s self is constructed as both the subject and the object of narration in an autobiographical documentary, focusing on the autobiographical animated documentary String Pieces (2024). In this autobiographical documentary, the director overlaps with the narrator and the represented character, yet the speaking subject does not appear as a unified and fixed entity but rather as a differentiated and layered presence. Drawing on Booth’s concept of an implied author and Chatman’s notion of a cinematic narrator, this study analyzes the narrative structure of String Pieces within the documentary context. The analysis shows that String Pieces delays the explicit identification between the character narrator, the cinematic narrator, the implied author, and the actual director, instead gradually revealing their identities through the arrangement of images and narrative sequences. By withholding the immediate disclosure of the narrator’s authority, the film encourages the viewer not to simply trust or distrust a particular voice but to interpret the relationship between the work and the world through the composition of images and narration. This narrative strategy suggests that truth in an autobiographical documentary is not presented as a definitive conclusion or causal explanation but is progressively constituted through heterogeneous materials such as fiction and record, animation and live-action footage. This study argues that an analysis of layered narrative agencies provides an effective framework for rethinking truthfulness and the ethics of representation in a contemporary autobiographical documentary.

본 연구의 목적은 한국 드라마 속 피카레스크 서사의 작동 원리를 세계관 디자인 관점에서 분석하고, 이를 설명하기 위한 구 조적 모델을 구성하는 데 있다. 기존 연구가 반영웅을 주로 개인의 도덕성이나 일탈의 문제로 고찰했다면, 본고는 인물의 행 위성이 세계의 운영 논리 및 비용 구조 내에서 어떻게 합리화되는지 검토한다. 이를 위해 캠벨의 ‘영웅의 여정’을 비판적으로 참조하여, 피카레스크 특유의 비목적론적·비상승적 구조를 반영한 ‘8노드 순환 모델’을 새로운 분석 도구로 구축하였다. 사례 분석으로는 사법 체계와 연예 산업이라는 상이한 제도적 환경을 배경으로 한 <자백의 대가>와 <친애하는 X>를 선정하였다. 이를 통해 각각 사법 데이터와 평판 권력이라는 가치 자산이 세계관의 핵심 운영 원리로 기능하는 메커니즘을 비교 분석하였 다. 연구 결과, 두 텍스트는 제도적 실패를 구조적 상수로 설정함으로써 공식적 해결 경로를 차단하는 피카레스크적 세계관을 공유하고 있었다. 이 과정에서 반복적 운영 루프는 비공식 규범을 생존과 권력 획득을 위한 기술적 수행으로 전환시키며, 반 영웅의 비윤리적 선택을 합리화하는 기제로 작동함을 확인하였다. 두 텍스트는 점유하는 가치 자산의 성격에 따라 행위 전략 과 대응 방식에서 유형적 차이를 보였으나, 궁극적으로는 정의의 회복 없이 부조리한 체제가 영속되는 순환적 결말로 수렴한 다는 공통점이 도출되었다. 이러한 논의는 피카레스크 서사가 장르적 변주를 넘어, 동시대의 권력 작동 방식과 사회적 인식 구조를 투영하는 정교한 세계관 디자인의 산물임을 시사한다.

The purpose of this study is to examine the operational logic of picaresque narratives in Korean dramas from the perspective of world design and to propose a structural model that accounts for this process. While previous studies have largely considered anti-heroes in terms of individual morality or deviance, this article investigates how anti-heroic agency is rationalized within the narrative world’s operational logic and cost structures. To this end, it critically reworks Campbell’s Hero’s Journey and develops an “8-Node Cyclical Model” as an analytical tool that captures the non-teleological and non-ascending structure of the picaresque narrative. As a case analysis, The Price of Confession and Dear X were selected, as each is set within a distinct institutional environment—the judicial system and the entertainment industry, respectively. The analysis compares how value assets such as judicial data and reputational power function as core operational principles of the world. The findings show that both texts share a picaresque worldview that blocks official routes to resolution by treating institutional failures as a structural constant. In this process, the iterative operational loop transforms informal norms into technical performances for survival and the acquisition of power, thereby rationalizing the anti-hero’s unethical choices. Although the two texts exhibit typological differences in terms of their strategies and responses depending on the nature of the value assets at stake, they ultimately converge on a cyclical ending in which an irrational system persists without the restoration of justice. These findings suggest that picaresque narratives are not merely genre variations but products of a sophisticated world design that reflects contemporary power dynamics and the structures of social perception.

영화 <바빌론>은 소위 ‘광기의 시대’라 불리는 1920년대 할리우드의 화려한 모습과 그 이면에 숨겨진 어두운 그림자를 깊이 있게 투영한다. 특히 소리가 없는 무성영화에서 소리가 나오는 유성영화로 넘어가는 거대한 변화의 시기에 영화 산업이 보여 준 겉모습의 화려함과 그 뒤에 가려진 추악한 현실을 입체적으로 묘사한다. 데이미언 셔젤 감독은 당시 할리우드의 혼란스러 운 내면을 고대 도시 바빌론에 비유하며 영화 산업이 급격히 성장할 때 그 이면에서 번영과 쇠퇴가 어떻게 역설적으로 함께 나타나는지를 보여준다. 본 연구는 감독의 예술적 철학과 의도를 살펴보는 동시에 제1차 세계대전 전후의 다양한 예술 양식 과 사회적 변화를 분석하여 할리우드가 어떻게 탄생하고 발전했는지 그 과정을 면밀하게 고찰한다. 또한, 유성영화가 시작되 면서부터 영화 제작 방식이 어떻게 바뀌었는지 그리고 기술과 장비는 얼마나 비약적으로 발전했는지를 탐구한다. 아울러, 이 러한 기술적 토대 위에서 인물들의 서사가 병렬적으로 교차하는 구조를 다이아그램으로 만들어 서사의 특이점을 발췌하면서 영화적인 몰입감을 상승시키는 과정을 분석하였다. 특히 이 영화의 마지막 장면은 <바빌론> 속 장면들을 현대 영화의 역사적 흐름과 하나로 연결하며 주인공 매니의 시선과 관객의 시선이 마주치는 순간, 영화라는 예술이 얼마나 끈질긴 생명력을 가졌 는지 생생하게 보여주며 상징적으로 나타낸다. 결론적으로 본 연구는 1895년 영화 탄생 이후 무성에서 유성으로 바뀌던 시기 할리우드 영화만의 특징을 밝혀내고 이러한 역사적 경험들이 오늘날의 영화가 만들어지는 데 어떤 중요한 의미를 갖는지 되 짚어보고자 한다.

‘Babylon’ is a film that illuminates the light and shadows of Hollywood in the 1920s, called the ‘age of madness’, and depicts the splendor and dark side of the film industry as expressed in its process of changing to a meteor film. Damien Chazelle draws a vivid parallel between the hidden underbelly of 1920-1930s Hollywood and the ancient Mesopotamian city of Babylon. This paper introduces the director’s philosophy and vision, analyzing the artistic styles, cultural trends, and social changes that evolved before and after World War I. It also discusses the historical background of Hollywood’s birth and the development of the film industry, exploring the transformations in film production systems and the advancements in technology and equipment brought connects scenes from the film with Hollywood’s journey toward modern cinema, creating a moment in which Manny, gazing at these images, becomes one with the audience, together experiencing the grandeur and permanence of the cinematic art form. Accordingly, this study examines the characteristics of Hollywood cinema during the transition from silent to sound film after the birth of cinema in 1895, with the aim of reconsidering the historical experiences accumulated in the process through which contemporary cinema formed.

본 연구는 ChatGPT를 인간 언어에 내재한 비본래적 실존 양태를 가시화하는 관계적 실존 시뮬레이터로 규정하고, 생성형 인 공지능 ChatGPT의 언어 생성 및 응답 구조를 하이데거의 퇴락성(Verfallenheit)—잡담, 호기심, 애매함—개념을 통해 분석한 다. 본 연구의 핵심 주장은 AI와의 언어적 상호작용이 기계의 이해 능력을 드러내는 것이 아니라, 인간 언어에 내재된 비본래 적 실존 구조가 기술적 매개를 통해 반복·재현된다는 점에 있다. 실제 ChatGPT의 응답 사례를 개념적·해석학적으로 분석한 결과, 평균화, 맥락 이탈, 판단 유예의 언어적 패턴이 퇴락성의 구조와 긴밀히 상응함을 확인하였다. 또한 발화행위 이론과 수행성 논의를 통해, 이해 능력이 결여된 상태에서도 사용자가 AI의 언어를 ‘응답’으로 경험하며 이를 준-타자로 구성하게 되는 조건을 이론적으로 설명한다.

This study analyzes language generation by ChatGPT through Martin Heidegger’s concepts of Verfallenheit—idle talk (Gerede), curiosity (Neugier), and ambiguity (Zweideutigkeit). It argues that human–AI interaction does not demonstrate machine understanding but technologically reproduces inauthentic structures intrinsic to the human linguistic existence. Through a conceptual and hermeneutic analysis of actual ChatGPT responses, the study shows how produced patterns of averaging, contextual drift, and deferral correspond to Heidegger’s account of fallenness. Drawing on speech-act theory and performativity, it explains how users come to experience AI output as competent responses and addresses AI as a quasi-other despite an absence of understanding. The study concludes that ChatGPT functions as a relational existential simulator through which users reflexively re-encounter the structural conditions of their own linguistic existence.