Earticle

우리가 어떤 스토리를 기꺼이 따라가는 궁극적 이유는 결국 그 결말에 닿기 위함이다. 책이나 영화 같은 하나의 서사물은 감 상자가 스토리에 대한 기대와 질문을 갖도록 유도하고 그에 대한 충족과 해답을 유예하면서 그들을 결말로 이끈다. 이런 기대 의 충족 여부와 해답의 유무가 결말에서 결정되는 것이며, 이로 인한 최종적인 종결감의 정도가 닫힌 결말과 열린 결말의 판 단 기준이 된다. 열린 결말은 기대와 질문을 충족시킬 해답의 일부를 감상자의 몫으로 남겨놓음으로써 종결의 가능성을 엔딩 바깥으로 열어놓는다. 이는 충분한 종결감을 제공하지 못해 감상자 입장에서 텍스트와 관련된 인지적 노력과 긴장감을 계속 유지하게 하는 결말이다. 이러한 열린 결말은 우리의 완결 욕구를 자극하여 엔딩 이후에도 우리가 텍스트를 떠나지 못하고 잠재적인 스토리를 상상하며 작품의 여운에 젖게 하는 일종의 서사 전략으로서 기능한다. 본 연구는 2016년 방영 당시 시청 률과 평가면에서 고전했지만 열린 결말의 여운으로 인해 종영 이후 지금까지 시청자들의 뜨거운 반응이 이어지고 있는 <달의 연인-보보경심 려>의 사례를 기반으로, 열린 결말에 관한 판단과 그 효과는 서사구조를 구성하는 층위 각각의 종결 여부가 합쳐진 종합적 결과임을 밝힌다. 그리고 이를 통해 <달의 연인>의 열린 결말은 스토리 상에서의 닫힌 결말이 드라마라는 담 화 상의 클리프행어 기법으로 인해 다시 열리면서 창출된 결과임을 알 수 있다. 하지만 <달의 연인>의 클리프행어 기법은 TV 드라마 회차 간 접면으로서의 일반적 사용과는 달리 최종화의 엔딩에 쓰임으로써 다음 장면을 기약할 수 없는 절정의 정점 안에 영원히 시청자를 남겨놓는다. 즉 이로써 구조적으로는 열린 결말이지만 그 희망의 단서가 너무나 미약하고 모호하기 때 문에 여전히 닫힌 결말의 압도적인 자장에서 벗어날 수 없는 결말이 된다. 본 연구는 <달의 연인>의 결말에 대한 시청자 반응 이 이렇듯 닫힌 결말과 열린 결말의 효과가 복합적으로 작동하는 스토리와 담화 간의 역학관계 때문이라고 보고, 드라마의 여운을 창출하는 하나의 기제로서 서사의 역동적인 다층구조 및 연출기법으로서의 클리프행어 효과를 밝히는데 집중한다.

Why do we so willingly pursue a story? The ultimate purpose would be to arrive at its end. Narrative works such as books or movies promote expectations and questions regarding stories as they unfold, while suspending fulfillment until the very end. Fulfillment of the expectations and answers to questions in stories arrive at the end; therefore, the final extent of fulfillment the viewers' sense from the end distinguishes the 'open end' from the 'closed end'. The ‘open end’ method allows some of the resolutions to be answered by the viewer by leaving the closure beyond the ending. This keeps the viewer in suspense, longing for the final closure due to the insufficient sense of closure. The open end goes against our instinctive ‘closure principle’ and is therefore often taken as a narrative strategy to bind us to the text, making us add our imagination to the text and linger, even long after the story has ended. This study suggests that the definition and effect of the open end consist of the compounded outcome of every closure in a multi-layered narrative structure based on a case analysis of the Korean drama <Moon Lovers and Scarlet Heart Ryo>. Very close to the end of the story, the ending scene of the drama narrowly and abruptly contains a cliffhanger in the discourse. However, unlike most common usage examples in TV dramas, the cliffhanger in <Moon Lovers> is employed at the very end of the final episode and thus traps the viewer at the moment of climax, with no ensuing scene to resolve the tension. Focusing mainly on multi-layered narrative structures and the cliffhanger effect, this study shows that the lingering effect of the open end is the result of the working dynamics between the story and the discourse.

본 논문에서는 가상과 실재, 그리고 현실의 복합적인 관계를 기반으로 하는 증강현실 매체 기반 미디어아트를 해석할 수 있는 토대를 마련하고자 한다. 증강현실 매체는 가상의 이미지가 실재 공간에 병치(overlay) 되는 것이 가장 큰 특징인데, 이러한 기제는 이전의 VR 기술환경에서 탈신체화된 것으로 인식되었던 신체적 감각이 복귀되어 증강현실의 작동 기반이 된다. 따라 서 증강현실 기반 미디어아트에서는 이러한 지점을 ‘신체화’된 현상으로 다루어, 기술이 내재되어 있는 신체적 감각이 다변화, 다층화되고, 나아가 기술로 투영되는 신체의 이미지가 내화되는 지점에 이른다고 본다. 이러한 시각은 VR에서 논의되었던 가 상과 실재의 개념이 재배치되는 과정에서 신체적 잠재성이 드러나고, 결국 신체가 인터페이스가 된다는 관점을 기반으로 하 며, 나아가 신체와 매체, 그리고 세계가 맺는 관계를 확인하면서 세 집단이 혼재된 새로운 현실을 만들 수 있을 것으로 본다. 따라서 증강현실 매체 기반 미디어아트를 경험하는 신체를 ‘신체화’라는 코드로서 현상학적으로 살펴보는 것이 필요한 방법 이라고 보고, 메를로 퐁티의 신체 도식과 촉각적 이미지의 개념을 기반으로 접근하고자 한다.

This paper aims to lay the groundwork for interpreting AR art based on a complex relationship between the virtual, real and actual. Augmented reality media is most characterized by virtual images overlaid in real space, which is the basis for the operation of augmented reality by returning a bodily sense recognized as disembodied in the VR technology environment. Thus, AR art treats these points as a type of 'embodiment' and believes that the bodily sensibility implicated in the technology reaches the point where the image of the body is diversified, multilayered, and, furthermore, internalized. This view is based on this point that the body’s potential is revealed during the process of relocating the virtual and real concepts discussed in VR, eventually becoming interfaces, and further identifying the relationships between the body, media, and the world, creating a new reality in which the three groups are mixed. Therefore, we believe that it is necessary to facilitate phenomenological access at the body experiencing AR art as a code of "embodiment" and to approach this based on Maurice Merleau-Ponty's concept of body schema and tactile images.

TV드라마는 가부장제의 영향력 아래서 젠더 담론과 여성 이미지를 재현하고 성 역할 및 규범을 재생산해왔다. 특히 모성은 여성이라면 누구나 가지고 있는 보편 가치로서 여성의 성 역할과 가족 내 행위 규범으로 재현되었다. 하지만 사회문화적 변화 에 따라 모성과 가부장제 질서는 지속적으로 재편 중에 있고, 모성을 주요 가치로 삼았던 보수성 짙은 멜로드라마 역시 이러 한 변화를 일부 수용한다. 이 연구는 여성재현 연구의 맥락에서 모성 신화 해체를 시도한 것으로 평가받는 tvN 드라마 <산후 조리원>의 서사를 분석한다. <산후조리원>은 모성이데올로기와 갈등관계를 맺으면서도 성장하는 여성 캐릭터들의 서사를 다 종의 장르와의 결합으로 신선하게 제시했다. 드라마는 모성 이데올로기 해체와 가부장제 문화를 비판하는 다소 무거울 수 있 는 주제를 블랙유머로 만들어 대중들에게 소구력 있게 펼쳐놓았다. 여성서사에 등장하는 주체의 시각과 경험에 비록 모순과 부조리를 내재할 지라도 다양한 모성적 행위와 경험에 대한 서사는 필요하다. 마찬가지로 여성들이 참여하고 만들어낸 드라 마 텍스트를 주목하고 평가하는 것, 텍스트의 가치를 회자하고 가시화하는 것 역시 중요하다. 이 모든 일이 향하는 목표는 젠 더 불균형을 시정하는 일이기 때문이다.

Under the influence of patriarchy, TV dramas have reproduced gender discourse, female images, and reproduced gender roles and norms. In particular, motherhood is a universal value held by every woman, and it is reproduced as a gender role of women and a norm of conduct within the family. However, according to socio-cultural changes, the order of motherhood and patriarchy is continuously being reorganized, and conservative melodramas, which use the ideology of motherhood as its main value, also accept some of these changes. This study analyzes the narrative of the tvN drama <Postpartum Care Center> in the context of the study of female representation. <Postpartum Care Center> presented the narratives of female characters coming into conflict with maternal ideology in combination with various genres. The drama unfolded with black humor and by appealing to the public on a topic that could be somewhat heavy in that it criticizes the deconstruction of the ideology of motherhood and the patriarchal culture. A narrative describing various maternal behaviors and experiences is necessary, even if contradictions and absurdities are inherent in the perspectives and experiences of the subjects in the female narrative. Likewise, it is also important to pay attention to and evaluate drama texts in which women participate and that they create, and to circulate and visualize the value of these texts, as the goal of all this work is to rebuild the gender imbalance.

본 연구는 팩션과 미술비평의 관계를 모색했던 선행 연구를 잇는다. 이 연구에서는 팩션을 통한 큐레이팅을 ‘큐레이팅/팩션’ 이라는 이름으로 화용론과 연관된 여러 이론과 함께 실제적 방법론을 탐구한다. 제2장에서는 ‘미술비평/팩션’의 의미론 개념 과 그것을 잇는 ‘큐레이팅/팩션’의 화용론 개념을 언어학, 커뮤니케이션학, 기호학을 통해서 정의한다. 제3장에서는 쌍방형 커 뮤니케이션 모델인 ‘오스굿과 쉬람 모델(The Osgood and Schramm Model, 1954)’과 그것을 응용한 ‘큐레이팅/팩션 모델’을 통해서 화용론의 방법론을 탐구한다. 제4장에서는 기획전 전시기획자 P씨의 죽음을 실제적 사례로 분석하면서 관람자의 자유 로운 해석과 여러 ‘가능성의 세계’를 열어 두는 ‘큐레이팅/팩션’의 구체적인 화용론적 방법론과 그것이 견인하는 인코딩 효과 를 분석한다. 이러한 연구를 통해서 팩션을 테마로 한 큐레이팅의 실천적 방법론에 관한 한 모델을 제시한다.

This paper presents a study of 'curating through faction' and continues previous studies that researched the relationship between faction and art criticism. This study of 'curating/faction' explores a practical methodology along with several theories related to pragmatics. Chapter 2 defines the concept of the semantics of “art criticism/faction” and the pragmatics theory of “curating/faction,” connecting them through linguistics, communication studies, and semiotics. In Chapter 3, the methodology of pragmatics is explored through the “Osgood and Schramm Model,” two-way communication, and the applied “curating/faction model.” In Chapter 4, we analyze an exhibition entitled the "Death of Curator Mr. P" as an actual case study and explore the pragmatics methodology of 'Curating/Faction', which opens up various 'worlds of possibility' with the open interpretation of visitors and the encoding effect that it drives. Through these studies, an experimental model will be presented of the practical methodology of curating based on a faction theme.

광고의 주요 목적은 상품의 메시지를 효과적으로 소비자들에게 전달하고, 광고 이미지 디자인으로 소비자의 주의를 끄는 것 에 있다. 이 때문에 이미지는 광고의 가장 효과적인 전파 방식과 전파 경로 중 하나가 되었다. 본 연구의 목적은 광고 이미지 디자인 중 대비 수단의 활용 방식을 연구하고, 이미지학 이론에 근거하여 광고 이미지 디자인 중 대비 수단의 구조 관계와 의미의 맥락을 요약하는 것이다. 본 연구의 연구방법은 문헌분석법, KJ법, 전문가 그룹 토론 검증법이다. 이러한 방법을 사용 하여 구체적으로 광고 이미지를 분류하고, 요약분석한 후 대비 수단을 형식 대비와 내용 대비로 나누었다. 형식 대비는 주로 색채 대비, 크기 대비, 명암 대비, 재질 대비, 형상 대비, 밀도 대비로 나뉜다. 내용 대비는 종족 대비, 관념 대비, 정서 대비로 나뉜다. 그 중 색채 대비는 색상대비, 무채색 대비, 무채색+고채도, 무채색+저채도로 세분화할 수 있다. 크기 대비는 투시법, 면적배치법, 배경모호법, 중첩법, 명암 대비는 단일광원음영법, 교차음영법, 공간명암법으로 세분화할 수 있다. 재질 대비는 사실법, 추상법, 모조법, 형상 대비는 추상형, 기하형으로 세분화된다. 본 연구는 이러한 세분화를 대비 수단의 디자인 방법으 로 삼고, 이를 바탕으로 대비 수단의 분류와 방법의 상관구조를 수립했다. 본 연구 결과의 의의는 광고 디자인 분야의 디자이 너와 연구자들에게 참고를 제공하고, 대비 수단을 디자인에서 보다 현실적이고 정확하며 과학적으로 활용할 수 있도록 한 것 에 있다.

The main purpose of advertising is to convey the information of commodities effectively to consumers and attract their attention through the design of advertising images. Therefore, images are now among the most effective means of advertising communication. The purpose of this study is to explore the application of contrast means in the area of advertising image design and to summarize the structural relationship and meaning context of contrast means in advertising image design based on image theory. The research methods in this study are a literature summary analysis, the KJ method and the expert group discussion verification method. The correlation structure of the classification of comparative means is established on the basis of the design methods. The significance of this study is that it can be used as a reference for designers and researchers in the field of advertising image design, enabling them to use the contrast method more practically, accurately and scientifically in their creations.

본 연구는 체험형 사운드스케이프 설치작품 <Passing>(2018)을 설명하는 작품논문이다. 본 작품은 도로에 자동차들이 지나가 는 소리를 녹음하여 큰 음량으로 재생하고 이를 청취자가 듣는 체험을 하도록 하는 사운드 아트 작품이다. 본 작업은 소리를 내용으로 하는 사운드 아트 작업이며 그중에서도 소리와 결합된 공간을 형성하는 설치작업으로 볼 수 있다. 본 연구에서는 여러 차례의 현장 녹음에서 얻은 소리 클립들이 컴퓨터 프로그래밍을 통해 정해진 순서가 없이 예측할 수 없는 방식으로 끝 없이 재생되는 공간을 구성했다. 본 작업은 이를 통해 형성되는 비장소 가상공간의 사운드스케이프에 관한 작업으로도 설명 될 수 있는데, 특히 소리가 공간을 채우는 방식, 소리와 청자의 배치 관계 등의 요소를 통해 듣는 이로 하여금 소리를 단순히 듣는 것을 넘어 체험하도록 하는 상황을 구성하는 데 중점을 두었다. 주제적으로는 존 케이지의 소리에 대한 사유의 연장선에 서 자동차들이 운행하는 일상적인 소리로부터 우리들 삶의 본질이 끊임없이 다가오고 지나가는 현상 속에 있음을 소리를 통 해 체험하도록 하고자 했다. 본 작품은 완성되어 ICMC 2018에서 전시되었다.

This is a study of an experience-type soundscape installation <Passing> (2018), which is composed from the sound of passing cars. This work of art is a sound art piece in which field-recorded sound clips of passing cars are installed and played in a large volume for the participant to experience. This work can be classified as a sound installation piece which forms a non-site non-place environment via mixing an abstract gallery space with the site-specific realistic sounds of passing cars. This work can also be classified as a soundscape art piece in a semi-virtual space which is formed by randomly mixing various audio clips of passing cars recorded at various sites from various takes. This work especially strives to constitute an experience-type environment which lets the listener experience the sound instead of just simply listening to it by controlling the elements of installation, including the way the sound fills are played and the listening space, as well as the relationship between the sound and the listener. At the thematic level, this work finds its basis in John Cage’s Zen thoughts on sound and life and aims to provide an embodied experience for the participant in life’s essence, which here is an eternal continuation of the passing of uncontrollable energy, by hearing ironically enough the ordinary sounds of passing cars. This work uses computer programming to play the audio clips in a random manner to ensure that the situation is not predetermined and is unpredictable, like life itself, which it symbolizes and embodies. This piece was completed and shown at ICMC 2018.

본 논문은 디지털 미디어를 활용한 예술의 시각적 확장과 몰입에 관해 연구하고 본인의 작품과 전시를 통해 미디어 아트의 방향과 가능성을 고찰한다. 또한, 복잡하고 다양해진 현대미술의 지형 속에서 디지털 미디어 기술을 접목한 드로잉과 판화 작 품과 같은 아날로그 미디어 예술의 정체성과 그 방향을 가늠하는 데 도움이 되고자 한다. 이 논문은 크게 나누어, 이론적 배 경, 개념의 시각화, 시각적 확장과 몰입의 기술적 요소로 전개된다. 본인의 작품과 전시의 이론적 배경을 검토하면서 어떠한 목적과 현상이 드러나는지에 대해 확인한다. 작품을 통해서 시각적 확장과 몰입을 일으키는 현존감을 확인하고 재전유의 현 상을 다양한 측면에서 아우르면서 분석한다. 개념의 시각화를 다룬 장에서는 본인의 작품을 세 가지로 나누어, 판화의 원판과 프로젝션 맵핑과의 순환구조, 디지털 미디어와 아날로그 미디어의 결합방식, 가상캐릭터와의 상호작용을 통해 검토한다. 마지 막으로, 시각적 확장과 몰입의 기술적 요소들을 상세히 기술하고 분석하는 것이 연구의 한 부분인데, 이를 통해서 미디어의 융복합에 관한 필요성을 제시한다. 구체적으로, 클리핑 효과와 리얼타임 촬영에 의한 투사기법, 프로젝터 투사 거리와 해상도 의 최적화, 소리와 3D를 통한 직관적인 몰입의 유도, 현실과 가상의 동기화를 통해 현존감을 높이는 실감미디어의 방법론에 대해 다룬다. 이를 통해서, 예술과 기술의 간극을 줄이고, 디지털 미디어를 활용한 예술의 시각적 확장과 몰입의 경험을 새로 운 관점에서 제시하기 위한 경험적 실천에 관해 논한다.

This paper studies the visual expansion and immersion of art using digital media and considers the direction and possibilities of media art through the author’s works and exhibitions. In addition, it is intended to help determine the identity and direction of analog media art, such as drawing and printmaking works incorporating digital media technology in the complex and diverse landscape of contemporary art. This paper is largely divided and deployed as a technical element into sections that present the theoretical background, visualization of concepts, and visual expansion and immersion concepts. The theoretical background of my work is reviewed and exhibited to determine what purpose and phenomena can be revealed. Through this work, I identify the presence that causes visual expansion and immersion and analyze the re-exclusive phenomena in various aspects. In the chapter on visualizing concepts, the tasks are divided into three categories and reviewed through a circulation structure with the original edition of engraving and projection mapping, a combination of digital and analog media, and interactions with virtual characters. Finally, describing and analyzing the technical elements of visual expansion and immersion in detail are also parts of this study, suggesting the need for media convergence. Specifically, this deals with the clipping effect and with a projection technique via real-time shooting, optimization of the projector projection distance and resolution, the induction of intuitive immersion through sound and 3D, and realistic media methodologies that increase realism through virtual synchronization with reality. Through this, I discuss empirical practices that reduce the gap between art and technology and present the experiences of visual expansion and immersion in art using digital media from a new perspective.