Earticle

본 논문은 2018년 본인의 개인전 <자화상의 재료: 타자, 파티클, 시간>에 선보인 영상설치작품 <320개의 자화상>과 인터랙티브 작품 <자화상을 그리는 법>을 분석하여 미디어아트 자화상에 드 러난 존재론적 관점과 그 미학적 가능성을 고찰하려는 목적을 가진다. 본고에서 다루는 두 작품의 제작과정에서 작가가 미디어를 이해하고 다루는 방식은 ‘나’에 대한 해답을 찾아가는 과정과 맞닿아 있기에 작품의 개념과 함께 제작과정, 구현방법 등을 최대한 상세히 살펴보고자 한다. 디지털 알고 리즘을 이용하여 제작한 영상작품 <320개의 자화상>은 고정불변의 단일한 주체로서의 ‘나’가 아닌 끊임없이 해체되고 재조합되는 다중적 구조의 ‘나’, 쪼개질 수 있는(dividual) 존재로서의 ‘나’를 보 여주고 있다. 작품의 제작과정을 수집, 조율, 해체 및 조합, 설치의 네 과정으로 세분화하여 ‘나’에 대한 해답을 찾는 작가 나름의 과정을 기술하였다. 실시간 웹캠을 이용한 인터랙티브 미디어 작업 <자화상을 그리는 법>은 ‘나’의 존재를 정의하는 데에 있어 필수불가결한 존재인 타자와 나의 관계 를 되짚어 본다. 인터랙티브 작품의 하드웨어 및 소프트웨어적 구현방법을 상세히 살펴봄으로써 타 자와 나의 관계가 형성되는 과정을 고찰해본다. 가변적 존재로서의 주체는 디지털 미디어 안에서 무 수히 작은 파편들로 해체되고 혼합되어 새로운 주체를 재구성한다. 그리고 지속적인 움직임을 보여 주는 시간 기반 매체 안에서 존재는 한순간도 고정되지 않고 끊임없이 새롭게 생성된다. 관객과의 상호작용을 통해 완성되는 인터랙티브 미디어는 타자와의 관계 안에서 정당성을 찾는 존재의 불완 전성을 더 극대화한다. 이처럼 미디어아트의 가변적, 유동적 그리고 상호작용적인 특성들은 작가가 현대사회의 다변화된 주체 개념을 이해하고 표현하는 데에 중요할 역할을 수행하며 새로운 자화상 의 미학적 가능성을 제시하고 있다.

The purpose of this paper is to explore the ontological perspectives and aesthetic possibilities in media art self-portraits. To do this, I will analyze my video installation work <320 Self-Portraits> and interactive media work <How to Draw a Self-Portrait> which were presented at my 2018 solo exhibition <Ingredients for a Self-Portrait: Others, Particles and Time>. Since how I deal with media and the processes of the works have important meanings in relation to the process of finding answers pertaining to my 'being', it is necessary to explore the processes of these works in detail as well as the concept of the works. <320 Self-portraits> produced using digital algorithms represents 'I' as a ‘dividual’ being that is continuously disassembled and recombined. The paper examine how the artist approaches to the concept of multi-layered ‘I’ through the subdivided 4 processes: collecting, tuning, disassembly-assembly, and installation. <How to Draw a Self-Portrait> interactive media work using real-time webcam, deals with the relationships between ‘I’ and ‘other’ who is indispensable to define ‘I’. The paper will explore how these relationships are built and conveyed in the work by analyzing its hardware and software implementation. Digital media make it possible to disassemble and recombine existence. In time-based media which show continuous movement, existence is not fixed at any moment but is constantly being recreated. Interactive media, completed through interaction with the audience, further maximize the imperfections of beings who seek legitimacy in their relationships with others. As such, the variable, fluid and interactive features of media art play an important role in the artist's understanding and expression of the diversified concept of being in modern society and suggest new aesthetic possibilities.

동시 발견의 사례에 해당하는 사진술은 한쪽에서는 그림을 대신할 기술로, 한쪽에서는 과학연구의 결과 물로 등장했다. 화가이자 기술자였던 프랑스의 다게르는 자신의 다게레오타입을 그림을 대신해 외부 세계를 정확하게 옮겨낼 수 있는 신기술로 인식했으며, 자연 철학자였던 영국의 탤벗은 자신의 포토 제닉 드로잉을 광학 연구의 부산물로 생각했다. 이 기술을 바라보는 사회의 관점도 달랐다. 프랑스 에서는 국가의 자랑거리이자 유용성이 큰 기술로 사진술을 바라본 반면, 영국에서는 개인의 과학연 구 성과 정도로 여기고 있었다. 이러한 점에서 볼 때 사진술의 초기 역사는 사진이라는 영상 매체의 융합적 특성을 이해하는 데는 물론이고 과학기술과 예술, 그리고 사회의 관련성을 이해하는 좋은 주 제가 될 수 있다. 본 논문에서는 사진술의 역사적 특이성을 살펴본 후, 각기 다른 두 가지 방식으로 진행되었던 구체적인 발명 과정의 역사를 다양한 요인들을 종합하여 살펴볼 것이다. 이 연구를 통해 사진술이 태초부터 과학기술과 예술의 융합이라는 가능성을 내포하고 있었음을 알 수 있게 될 것이 며, 기술을 바라보는 사회의 시각이 사진술의 다양한 정체성 정립에 영향을 주고 있었음을 확인하게 될 것이다.

Photography, a typical example of a simultaneous discovery, appeared in two different ways: one as a new technology to replace classic paintings, and the other as a result of scientific research to deepen our understanding of the nature of light. The French painter and technician Louis Daguerre saw the Daguerreotype as a new technology, putting the world onto an ionized silver plate, while the British natural philosopher Henry Fox Talbot considered photogenic drawings as a byproduct of his optics research. It is noteworthy that there were different points of view on these issues in each country. France took pride in Daguerre’s findings and acknowledged their usefulness, whereas England considered Talbot’s work simply as a personal research result. In this respect, the history of early photography is a good starting point to understand the unique features of visual media, including photography, as characterized by convergence, and to determine the relationship between science and technology and art and society. This article touches upon the historical uniqueness of photography and looks into the detailed history of these two different inventions in connection with various factors. The study will also help us to understand that photography had the potential to merge science and technology with art from its very beginning and that the society’s perspective on this technology wielded a strong influence that shaped different identities of photography in society.

본 연구는 테크놀로지를 바탕으로 하는 스마트 텍스타일 분야를 키네틱 아트의 표현 요소인 운동감과 예 술적인 조형성을 바탕으로 하여 새로운 관점에서 해석할뿐더러, 그 기능적인 의미 이외에도 조형성 및 예술성, 그리고 디자인의 범주에서 이를 해석하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 키네틱 아트와 스 마트 텍스타일의 개념과 특징에 관해 연구하고 10년 내외의 서적과 전시에 소개된 다양한 스마트 텍스타일 디자인의 활용사례를 통해 그 흐름과 특징을 분석한다. 이 연구에서 소개한 예시들은 테크 놀로지가 반영된 스마트 텍스타일에서 키네틱적 특성이 반영된 사례들에 관한 연구이다. 스마트 텍 스타일을 기능에 따라 Passive, Active, Super로 분류하여 분석하였고 자극에 대해 반응을 하는 움 직임, 동적 에너지를 발견하였는데 이 움직임을 본질로 하는 키네틱 아트와의 상관성을 밝히려 하였 다. 이에 따라 다양한 스마트 텍스타일 디자인 사례에서 키네틱아트의 조형적 특징을 분석하였다. 스마트 텍스타일이 개발됨에 따라 초기 단편적인 변화에서부터 현재의 복합적인 반응으로 움직임의 양상이 다양하게 나타났다. 본 연구에서는 테크놀로지의 사용범주가 넓어짐에 따라 키네틱 아트의 범주 또한 넓어졌음을 알 수 있었다. 또한 텍스타일 분야에서도 이러한 기술적인 발전과 함께 새로 운 가능성을 찾을 수 있었다. 기술과 기능에만 초점이 맞추어져 있던 스마트 텍스타일 분야를 키네 틱 아트의 조형적 요소를 기반으로 확장해서 해석할 수 있었으며, 스마트 텍스타일이 지닌 예술적 가치가 연구될 가능성을 제시하며 이 분야에 관한 후속 연구가 진행되기를 기대한다.

The development of technology has enabled a type of fusion between digital technology and textiles, thereby creating the field of smart textiles. It is necessary to go beyond the field of textiles, which have only technological and scientific value, and to approach the subject from the perspectives of art and shapes. This study will compare and analyze the interconnections between kinetic art, in which the movement of visual effectiveness could become a type of artwork, and the dynamic elements possessed by smart textiles. In doing so, it intends to differentiate from the existing smart textile research that emphasizes practical and technological development. Additionally, it will prioritize the figurative features which appear in smart textiles, and intends to prepare a case-analysis framework by analyzing and understanding the elements of kinetic art expressions that appear in smart textile design by studying artwork in relation to the intentions and characteristics of designers and authors. The contents as well as various elements, such as kinetic art expression methods and formative characteristics, which appear in the selected designs, will be analyzed to suggest the directionality and experimental phrasing that indicate the future direction of smart textile design. Smart textiles have been grouped and analyzed according to their functions (passive, active, and super). It was discovered that kinetic art and smart textiles have in common movement and interactivity. In this study, it is shown that the scope of kinetic art has broadened, in keeping with the wider usage of technology. This also means that new possibilities due to technological advancements can also be found in the textile field. Whereas previously the focus of smart textiles was on technology and functions only, this focus can now be expanded on the basis of the formative elements of kinetic art.

사회경제와 애니메이션 기술의 발전으로 브랜드 캐릭터는 경제성, 안정성, 특이성, 제작 수월성 등 의 이점으로 기업 마케팅의 대표적인 상징 중 하나가 되었다. 본 논문은 중국의 대표적인 전자 상거래 기업의 브랜드 캐릭터를 연구대상으로 문헌분석법, 사례분석법, 비교연구법, 심층 인터 뷰법, 정성연구법을 결합해 연구를 진행하였다. 티엔마오(天猫), 징동(京东), 쑤닝(苏宁) 3개 기업의 구체적인 마케팅 사례를 살펴보았으며 브랜드 캐릭터가 전자상거래 기업의 수익 증대에 효과적이며 브랜드 캐릭터를 활용하면 브랜드 서비스에 효과적이라는 결론에 이르렀다. 또한, 중국의 디자인 전문가 6명을 심층적으로 인터뷰한 후, 티엔마오는 기존 미디어 컨버전스를 유 지하면서 다양한 브랜드 캐릭터를 활용해 티엔마오 브랜드 상표를 주변 산업으로 확장하고 전 자상거래 기업의 산업구조를 다양화하고 있다는 것을 알 수 있었다. 징동은 Joy를 집중적으로 브랜드 캐릭터 스타로 만드는 과정에서 전자상거래 플랫폼 그 자체와 더 긴밀하게 연계하여 전 자상거래 플랫폼에서 선보이는 마케팅 활동에서 소비자가 브랜드 캐릭터의 힘을 직접적으로 느 낄 수 있도록 하였다. 쑤닝은 오프라인 홍보의 장점을 계속 살리는 동시에 온라인 마케팅 활동 에도 지속적으로 힘을 쏟고 있으며, 브랜드 캐릭터를 활용하여 전자상거래 기업이 보다 광범위 한 브랜드 이미지를 형성하도록 하였다. 본 연구를 통해 더 많은 기업이 홍보 가치가 있는 브 랜드 캐릭터를 만들 수 있기를 바란다. 또한, 브랜드 캐릭터를 마케팅 전략으로 기업의 경쟁력 이 강화되고 기업의 이익이 향상된다면 기업의 영향력으로 국가의 경제성장을 촉진할 수 있을 것이다.

Under the development background of the social economy and given the development of animation technology, brand character has become a typical symbol of enterprise marketing owing to its advantages of economy, stability, specificity, and plasticity. In this paper, with the brand character of typical Chinese e-commerce enterprises as the research object combined with a literature review, a case analysis, comparative research, in-depth interviews and a qualitative research method, and starting from the specific marketing cases of Tmall, JD.com, and Suning.com, it was concluded that brand characters can effectively help e-commerce enterprises gain more profits and better serve their brands. Meanwhile, in-depth interviews were carried with six competent Chinese designers and experts, ultimately showing that for Tmall, on the basis of maintaining its existing convergence media interaction, a brand character was used more to expand the surrounding industries with the Tmall brand mark and enrich the industrial structure of e-commerce enterprises. It was also found that during the process of building the character Joy into a brand star, JD should be more closely associated with the e-commerce platform itself so that consumers can directly feel the power of the brand character during the marketing activities launched by the e-commerce platform. While continuing to give full play to its advantages in offline publicity, Suning should also continue to make efforts regarding online marketing activities and should use its brand character to help its e-commerce enterprises build a broader brand sales image. It is hoped that through this study, more enterprises will become motivated to create brand characters with promotional significance. The marketing strategy of a brand character can enhance the competitiveness of enterprises and bring benefits to them, with the enterprises then serving as a type of leverage to promote economic growth in the entire country.

리들리 스콧(Ridley Scott)의 <델마와 루이스 Thelma &Louise>는 여성의 일상을 지배하는 남성과 이러한 남성 권력의 유지를 위한 가부장제 이데올로기를 고발하는 페미니즘 영화이다. <델마와 루 이스>에는 사회가 요구하는 남성성과 여성성의 전복이 두드러지게 나타난다. 이 영화에서 여성 주 인공 델마와 루이스는 희생자로서의 여성의 이미지에 머물지 않는다. 오히려 적극적으로 남성들의 폭력과 남성 중심의 질서에 저항하는 존재로 변신한다. 이러한 젠더 정체성의 변화는 서사적 저항일 뿐만 아니라, 관객들이 젠더 정체성의 변화를 경험할 수 있도록 하는 일종의 영화적 장치로 읽을 수 있다. 본 논문은 이러한 주장을 펼치기 위해 리들리 스콧이 델마와 루이스를 피해자에서 범죄자로 다양한 서사적 장치과 재현의 장치로 그려나가는 과정을 젠더 정체성을 횡단함을 통해 분석하고자 한다.

Ridley Scott’s 1991 film Thelma & Louise is a feminist film that bitterly criticizes masculinity and the patriarchal system set up to sustain male power. The film visualizes the subversion of masculinity and femininity. Thelma and Louise as the female main characters no longer are represented within the regime of woman as victim but rather go beyond the male-centered boundary and transform their roles as subjects to resist male violations and the male-centered system. For this reason, Ridley Scott transforms Thelma and Louise into law breakers. Focusing on the concepts of violation and power, this paper analyses the ways in which the movie Thelma and Louise criticizes and overturns the system of female representation in classical Hollywood films by exploring how the characters of Thelma and Louise become law breakers.