Earticle

본 작품, ‘일심’ (One mind)은 2010년 오스트리아 비엔나, 2011년 런던 주영문화원에서 상영되었으며, 유럽 관객 들로부터 많은 관심과 호응을 불러일으켰다. 이는 새로운 영상재현양식인 애니메이티드 다큐멘터리 (Animated documentary) 형식을 이용하여 한국사찰에 내재된 불교사상과 건축의 아름다움을 제작자의 주관 적 해석과 재구성으로 사찰관련 사실정보전달과 종교적 신성함에 대한 감동을 전달 할 수 있었기 때문이 다. 본 연구는 본인의 영상작품이 전체연구의 중요한 연구활동 및 결과물로 전제하고, 애니메이티드 다큐멘터 리의 특성이 본인의 영상작품 ‘일심’ (One mind)에서 어떻게 구현되었는지 밝히기 위해, 문헌조사를 통해 이론적 배경에 대해 고찰하고, 이를 바탕으로 본 작품 ‘일심’에 대한 예술적, 이론적 분석과 본인의 작품과 주제가 유사한 두 개의 일반 실사다큐멘터리와 비교연구를 통하여 타당성을 검증하는 것을 목적으로 하였다.

My animated documentary film, ‘One mind’, was exhibited in London by the Korea Artists Association UK in 2011, and at the opening exhibition of the EU-Korea Conference on Science & Technology 2010 in Austria. These exhibitions of my film elicited positive responses from European audiences. This is because my artwork conveys the Korean Buddhist’s context related to monastery architecture and the philosophic idea embedded in the monastery environment using an animated documentary form which differs from the general style of documentary. The animated documentary form possibly conveys real information as well as representingsubjective truth through the animated visual form and the documentary tendency based on artistic interpretation and subjective intervention. This paper investigates the validity of the animated documentary by reviewing, ‘One mind’ in both a theoretical and a practical way. The paper also attempts to verify how ‘One mind’ has embodied the spiritual aspect of the Buddhist philosophic idea by adopting the characteristics of the animated documentary.

본 논문에서는 백남준이 세계적 비디오아티스트로서 보다 음악가로서의 면모에서 발견하는 사운드아티스 트로서의 선구자적 역할에 대하여 살펴보고자 한다. 사운드아트의 출현은 1910년경 무조음악에서부터 비롯되었다고 할 수 있다. 음악이 소음을 수용하면서 소 리에 대한 영역을 넓히고 음악의 경계를 해체 시켜나갔다. 또한 미술쟝르는 미디어아트에서 다양한 접목 과 실험을 해나가면서 사운드의 영역을 확장하며 음악과의 장르를 허물어가고 있다. 이런 과정 속에서 사 운드아트라는 새로운 장르영역이 자리 잡아 나가고 있으며 이는 바로 백남준의 초기 음악적 활동에 나타 나는 형태에서 그 개념적 기초를 찾을 수 있다. 그는 음악적 존재론을 고민하고 그의 작품세계에서 늘 탐 구의 변화과정을 담아내었다. 그 과정들 속에서 현대의 사운드아트의 방향을 찾아갈 수 있으며 예술과 일 상 그리고 대중과의 관계를 쉽게 풀어 나갈 수 있게 되었다. 백남준은 비디오아티스트로서 뿐만이 아니라 시대를 앞서간 사운드아티스트로서도 현대 사운드아트에 큰 영향을 주고 있다.

In this paper, an international video artist Nam June Paik found in the life of a musician than as an artist as a pioneer in the sound will be observed. The emergence of soundart could stem from atonal music around 1910. Accepting noises, the music has been expanding realm of sound and deconstructing boundary of music. Also Art genre has been deconstructing Music genre as expanded realm of sound over variety intersection and experiment in media art. In the process, soundart has been established itself firmly as a new genre and it could find foundation of concept in Baik Nam Jun's early music works. He agonized about 'musical ontology' and showed the transformation process of searching for all through his works. As the effect of his experiment, contemporary soundart is able to take its course, and understand of relationship between art and daily life and then the public. As a video artist Nam June Paik, as well as ahead of time as a sound artist is giving a big impact on contemporary sound art.

본 논문은 디지털미디어가 발전함에 따라 끊임없이 다양해지고 있는 디지털미디어의 속성 결합에 대해 주 목하여 연구를 진행하였다. 디지털미디어는 현대에 이르러 비약적인 발전을 하고 있으며, 콘텐츠를 수용하 는 범위 또한 탄력적으로 증대되고 있다. 미디어 콘텐츠의 이러한 증대는 새로운 광고매체가 증가되고 있 다는 사실을 대변하는 것이라 할 수 있다. 각 매체들은 그 활용성에 대한 다양한 속성을 지니게 되며, 그 속성들이 다시 결합하여 새로운 디지털미디어를 탄생시키게 된다. 이렇게 탄생한 매체들은 또 다른 속성 들의 결합으로 계속해서 재탄생을 끊임없이 되풀이 하며 그 영역을 넓혀가고 있다. 디지털미디어가 발전 하여 그 활용범위가 확대되고 세분화됨에 따라 미디어에 노출할 수 있는 광고 또한 세분화된 타깃팅이 가 능하게 되었다. 본 연구에서는 특히 이미지 송출이 가능한 미디어보드에 초점을 맞추어 디지털미디어의 여러 속성들과의 결합을 통해 활용될 수 있는 새로운 형태의 미디어보드를 제안하여 보고자 한다. 광고매 체로서의 또 다른 활용방법과 그 효과에 관한 이와 같은 고찰을 통하여 앞으로의 광고매체 개발에 대한 의미 있는 방향성을 제시하는 계기를 마련하게 될 것이라 기대한다.

This study focuses on the combination of attributes of advertisement media that are constantly diversifying with the development of digital media. In modern society, digital media are developing rapidly, and the range of users of contents is also increasing. Also, this increase shows that new advertisement media are growing as well. Each of the media has attributes in terms of use and utility, and, when combined, these attributes create a new digital medium, which creates another combination of attributes expanding the domain by constant recreation. As digital media’s range of use expands and becomes segmented, segmented targeting became possible in advertisement that can be exposed in the media. This study contemplates the use and effect of digital media as an advertisement medium, which is used by combining with media board that enables image transmission and other attributes. This attempts would make meaningful suggestion on future development of advertisement media.

오늘날의 IT기술은 모바일 기기 같은 다양한 스마트 기기들을 생산할 수 있도록 하여 사람들의 생활에 많 은 변화를 가져다주었다. 태블릿 PC는 컴퓨터로써의 본래 기능 이외에도, 휴대와 사용이 편리하다는 장점 을 이용하여, 기존의 커뮤니케이션 매체들을 대신하면서 그 활용 영역을 넓혀가고 있다. e-publishing 기술 을 활용한 디지털 매거진은 과거에 종이책의 종말을 고했던 e-book의 구동 방법을 한 단계 더 발전시켜 서, 글의 내용 이외에도 다양한 정보를 독자에게 제공할 수 있도록 만들어졌다. 본 연구는 디지털 매거진 에 게재되는 광고매체의 유형과 그 광고 정보를 제시하는 구조 유형을 알아보는 것을 목적으로 하고 있으 며, 디지털 매거진에 게재된 170개의 광고를 연구 분석한 결과는, 디지털 매거진은 매체 특성상 아직까지 구독자가 많지 않다는 한계를 가지고는 있었으나, 별도의 광고제작 없이 기존 인쇄매체와 영상매체 광고 를 그대로 사용할 수 있다는 점과 다양한 정보를 복합적인 방법으로 독자에게 제시할 수 있다는 점, 그리 고 매우 다양한 방법으로 광고를 표현할 수 있다는 점 등이 도출되었으며, 향후 흥미로운 광고매체로써의 가능성이 있음을 보여주었다.

Today's IT technology changed a way of human life by helping to make various smart devices such as mobile device. Tablet PC have gotten original function as computer and is widening utilization areas while Instead of traditional communication media by using the advantage of portability and ease of use. Digital Magazine used e-publishing technology is made for offering to reader various information and article contents by up grading technology of e-book. This study’s goal is that find types of advertising media in digital magazine and type of structure that presents the advertising information. The results through research and analysis of 170 advertising is following ; first, digital magazine can use printed advertising and CF without making new version advertising. Although readers who use digital magazine are not enough reason why specificity of media of digital magazine. Next, it can show various information by multiple ways. And next, it can expression in various ways. Digital magazine show us a possibility as an interesting advertising media in the future.

본 논문은 디지털미디어를 활용한 미술교육에 대한 다양한 실습 방법을 모색해 보고자 한다. 이러한 궁극 적인 목적을 위하여 국내, 외에서 이름을 알리고 있는 디지털미디어 작가들도 간단히 소개하고 미술교육 현장에서 디지털 미디어를 활용한 실기 실습의 몇 가지의 실례들을 정리해 보고자 한다. 앤디워홀의 판화 방식을 이용한 자화상 그리기는 복사기나 출력을 이용한 또 다른 표현영역을 경험할 수 있어며, 화면 안 에서 상대적 크기를 왜곡, 변화시켜 낯선 이미지를 만들기는 학생들에게 사고의 전환을 유도하고, 디지털 미디어를 활용한 플립북과 애니메이션 만들기는 움직이는 그림에 대한 이해의 폭을 넓힐 수 있다. 디지털 미디어를 적극 활용한 미술교육은 학생들의 흥미를 유발시켜 과학과 기술의 시대를 살아 갈 학생들에게 감성과 지성, 시각적 논리를 자극할 것이라 생각한다.

The ultimate purpose of this study is the research on the variety of ways to practice in the Art Education by using Digital Media. For this purpose, I will introduce world famous digital media Artists and investigate various examples of practical training by using digital media in art education. Students can try a different expression by drawing self-portrait of Andy Warhol's printmaking techniques using copy machine and digital output, and can be derived conversion of thinking by changes in the relative sizes of the screen to create a strange image and can broaden our understanding of moving picture to make Flip Book and animation using digital media. Digital media art education will arouse students' interests and stimulate emotion, intelligence and the visual logic In the age of science and technology.

본 연구는 백남준이 언급한 ‘인간화된 예술’을 중심으로, 비디오아트 형성과정 중 특히 폐쇄회로 카메라 설치 인터페이스에서 나타나는 상호작용성에 대해 연구하고자 한다. 일반적으로 기계와 대비되는 ‘인간’이 라는 성향이 어떻게 연관 될 수 있는지에 대해 그 기원을 노버트 위너의 사이버네틱스와 마샬 맥루한의 매체와 지각에 대한 관점에서부터 살펴보고자 한다. 그리고 본격적으로 비디오아트의 인터페이스를 고찰 하고, 구체적인 작품들을 경험하는 관람자의 심리적인 반응에 대한 분석을 시도한다. 이러한 연구를 통해 비디오아트에서 발견되는 ‘인간화된 예술’이 오늘날 디지털 기술 기반의 뉴미디어아트 전반에서 나타나는 상호작용성의 근원적 실마리를 제시하고자 한다.

This study investigates the interactivty exemplified in the installation of a closed loop video while focusing on the concept of ‘humanized Art’ mentioned by Nam June Paik. It poses a question how machine and human elements could be related to each other while tracing the discussions of Nobert Winner's cybernetics and Marshall McLuhan's views on medium and human perception. And it moves on to discuss the interface in video art and analyze the viewer's psychological perception of the work. It also examines the way in which 'humanize Art,' emerged in video art, has provided a ground for the interactivity, which characterizes new media art based on digital technology.

1913년 마르셀 뒤샹은 “그 누가 ‘예술’이 아닌 작품을 만들 수 있을까?”라는 질문을 미술계에 던졌다. 이 화두가 소위 말하는 ‘신예술’의 중심 주제로서 중요한 역할을 하게된 이후, 비관습적이고 비전통적인 예술 작품에는 항상 계속된 질문들이 있어왔다. 작품 자체에 중요성을 두지 않고, 개념에 전적으로 의지하는 개 념예술이 새로이 나타남에 작품에서 개념이 분리되고, 표면적으로 아무런 의미를 내포하지 않는 예술작품 들이 하나, 둘 생겨나기 시작했다. 다시 말해, 표면적으로는 아무것도 전달하지 않고 관람객들의 눈이나 감정이 아닌 마음에 호소하는 많은 개념예술작품들이 만들어졌다. 이러한 작품들에 있어 가장 중요한 요 소는 바로 개념, 즉 아이디어이다. 그래서, 매체나 폼은 연관성이 적어진다. 그러므로, 제목이나 배경지식 이 관람객들이 작가의 의도한 바나 숨겨져있는 뜻을 읽어내는데 도움을 준다. 본 연구는 무(無)의 예술을 특징으로 하는 작품들의 예를 통해 개념예술이 어떻게 만들어지고 이해되는지를 조사하고 있다. 또한, 개 념이 올바르게 이해되었을 때의 파급효과에 관해 서술하고 있다.

In 1913, Marcel Duchamp questioned, “Can one make works which are not works of ‘art’?” Ever since this line played as the central theme in the so-called ‘new art,’ there have been ongoing questions about unconventional and nontraditional artworks. Conceptual art, which depends solely on the concept – not the artwork itself – had emerged. Due to the detachment of concept from the artwork, there have been many cases where the artwork itself does not contain any significant information on the surface and is “made to engage the mind of the viewer rather than his eye or emotions.” The most important factor in these artworks of nothing is the concept or idea. The medium or form is irrelevant. Thus, the title and background information are attached to the artwork in order to help the viewer understand the artist’s intended yet hidden meaning. This study attempts to explore how conceptual art is made and understood. Also, the impact when the concept is properly understood is discussed.

초현실주의의 조형언어는 기호학적, 정신분석학적, 그리고 이미지적인 측면에서 다층적인 성격을 띠고 있 다. 첫째로, 기호학적인 다층성은 르네 마그리트의 조형언어에서 분명히 나타난다. 그는 그림 속의 그림이 라는 설정을 통해 일종의 동어반복을 발생시킨다. 둘째, 언어적 특성을 갖고 있는 조형언어는 결국 무의식 을 언어적으로 구조화하려한 정신분석학과 깊은 연관을 가질 수 밖에 없다. 대표적으로 초현실주의의 데 페이즈망은 프로이트의 전치개념과 연결된다. 조형언어가 언어적으로 기호화되고 무의식적 구조를 획득하 였다면, 이제 그것은 이미지 속으로 일체화되어 무한 증식의 방향으로 확산된다. 정수진의 작품은 그러한 확산의 한 예이다. 그녀의 조형언어가 가진 다층성은 입체·나선형 변증법으로 표현되는데, 그것은 시각적 인 것과 논리적인 것의 결합을 의미한다. 그녀의 작업에서 이미지들은 화학물처럼 연쇄적으로 반응하며 구조를 형성해 간다. 초현실주의라는 범주 안에서 마그리트의 조형언어와 정수진의 조형언어는 상호보완 적으로 서로를 지탱하는 관계를 지속하고 있으며 이를 초현실주의 조형언어의 다층성이라 말하고 싶다.

The visual languages of surrealism have the characteristics of multilayeredness in the aspects of semiotics, psychoanalysis, and images. Firstly, the semiotic multilayeredness is shown in the Magritte's paintings. Throughout his experiment in the paintings, René Magritte applied a kind of tautological connection. Secondly, the visual languages as linguistical objects closely relate to the psychoanalysis. For instance, surerealistic depaysement directly connects to the displacement of Freudian psychoanalysis. The linguistical approach to the subconsciousness means equal to the structural approaches. As the visual languages acquire their linguistic and structural characteristics, they are embodied into the infinite proliferation of images. The visual languages of Chung Sue Jin signifies such characteristics. Her dialectic process of working is the cooperation of combining the visual to the logical chemicals which is transformed into the new matrix of visual languages. In conclusion, this cooperation signifies the multilayeredness of surrealistic visual languages.

한국의 영화 스타는 헐리우드의 영화 스타와 어떤 유사점과 차이점을 갖고 있는가? 본 연구에서는 한국의 영화 스타 신성일의 영화와 그가 주연한 캐릭터를 분석해 봄으로써 한국 영화 스타의 원형을 탐색해 보았 다. 신성일은 한국 영화계에서 보기 드물게 헐리우드 스타의 특징을 갖고 있는 최고 인기 배우였다. 신성 일의 전성기였던 1960년대와 1970년대는 경제발전을 통한 근대화가 정부 주도로 이루어지던 시기였다. 신 성일이 주연한 영화 ‘맨발의 청춘’과 ‘별들의 고향’을 중심으로 신성일의 캐릭터를 분석해 본 결과, 신성일 은 남성미를 강조하던 다른 남성 배우들과는 차별화되는 ‘시스터 보이’적인 이미지를 갖고 있었으며, 근대 화된 도시 속에서 기존 체제에 도전하고 좌절하는 인간상을 보여주고 있었다.

What is similiarity and difference between Korean movie star Hollywood movie star? This study is a exploratory study on original form of Korean movie star analysing Shin Sung-il's character and his movies. Shin Sung-il was most popular movie star in Korea and had the similar characteristics as Hollywood movie star. In 1960s-1970s when Shin Sung-il's golden age, Korean government promoted modernization through economic development. After Shin Sung-il's Movie <Panniless Youth>(Kim Ki-duck, 1964) and <The Stars Heavenly Home>(Lee Jang-ho, 1974) was analysed focusing on Shin Sung-il‘s character, it was concluded that Shin Sung-il had 'sister boy' image different from that of other movie stars in Korea at that time and showed character who challenged existing system and was frustrated in modernized city.

본 논문에서는 미국 아방가르드 영화 작가이자 이론가인 스탠 브래키지(Stan Brakhage)가 1950년대 후반부 터 1960년대에 제작한 홈 무비(Domestic Film)의 미학을 살펴보고자 한다. 브래키지는 관습적인 영화 만들 기에 저항하며, 일상을 다룬 개인적이며 서정적인 홈 무비의 영역을 예술적으로 발전시킨 선구자적 인물 이다. 그는 독특한 카메라 움직임, 다양한 필름과 렌즈의 사용, 필름 위에 채색을 하거나 스크래치, 약품 처리와 콜라주등 다채로운 기법을 사용하며 급진적으로 매체를 실험하였다. 브래키지의 이러한 도전은 새 로운 시각적 경험을 확장시켰으며, 이후 많은 아방가르드 작가들에게 있어 영화 제작의 개념을 변형시켰 다. 이 글에서는 작가론적 관점에서 브래키지의 작품을 분석하고, 브래키지 영화의 특징인 일인칭 카메라 시점과 낭만주의 시와의 관계, 그리고 시각에의 은유에 대하여 고찰한다.

This study is about aesthetics in domestic film in the late 1950s and 1960s by Stan Brakhage who is the avant-garde filmmaker and theorist in the United States. Brakhage is a pioneer resisting the conventional filmmaking and creating the art version of personal and lyrical domestic film of daily life. He experiments radically a variety of media and techniques that included unique camera movements, different usages of lenses and film stocks, painting or scratching directly on the surface of film strips, chemical treatments and collage, etc. Brakage has expanded visual experience and the concept of alternative filmmaking which inspired many other avant-garde filmmakers later. I analyse his works based on Authorism and examine his aesthetic strategies focused on first-person camera vision, the relation of Romantic poetry, and metaphor on vision in this study.

본 논문은 인간의 역사 상 발전 해 온 디지털 기술의 발전상을 근거로 하여 영화에 사용되는 테크놀로지 로 인해 우리가 살고 있는 현실이 어떻게 재구성되었으며 그것이 주는 함축적인 메시지는 무엇인지를 정 리해보고자 한다. 재현을 넘어 무한한 창조와 생성이 가능한 기술의 발전은 인간의 감각을 확장시켜 촉각 적이며 공감각적인 지각체계에 익숙한 환경을 제공하고 있으나 동시에 인간의 감각을 상실시켜 실제가 부 재한 실재감을 찾게 한다. 영화를 중심으로 발전되어 온 기술은 비가시적 공간을 확장시켜 인간이 시각 영역을 확대시켰으며, 인간의 욕망과 오랜 열망을 가시화시키는 데 성공했다. 반면 기술은 과도함을 통한 탈현실화 혹은 탈영토화를 사회문화 곳곳에 성취하고 있다. 이러한 현실에서 인간은 감각의 상실과 도덕 적 윤리의 붕괴, 객관적 한계의 망각을 거부할 수 있는 조화로운 균형의 이성을 재고해야 한다.

This study attempts to not only explore how the triumph of current digital technology affects to our society in the aspects of reconstruction of reality but also discuss the implicit meaning coming from the development of technology. The fact that digital technology overcomes any barriers in representing reality and creates its virtual world which makes us feel more real than real world provides us synaesthetic sensibility. At the same time, it makes us feel loss of our instinct sensibility and leads us to satisfy only by the virtual presence. The development of digital technology regarding movie industries has extended human being’s visual perception and has made huge victory in making almost everything possible that was regarded as impossible, in one hand. Out of these series of triumphs in digital technology, however, we have to have closer look at deterritorialisation of our moral ethics and our perception as well. Because it might be our mission to keep ourselves stand still and see the right things with our own ethics and intelligence.

21세기 ‘마음의 과학’ 시대의 도래와 함께 ‘마음’에 대한 연구가 주목을 받고 있다. 인지과학을 중심으로 여 러 학문 분야가 융합하여 마음의 실체를 밝히고자 노력하고 있다. 예술을 인지 과학적 입장에서 재해석하 려는 시도는 1950년대 소위 ‘인지혁명’ 이래 인지과학 분야에서 최근까지 지속적으로 이루어지고 있지만, 아직까지 그 성과는 매우 제한적인 상황이다. 예술작품을 창작하거나 또는 감상하는 인간의 인지과정을 분석하는데 있어, 인지과학 내에서 주목받고 있는 신경과학적 연구방법을 적용해보는 시도들이 최근 이루 어지고 있다. 본 논문은 인지과학의 태동과 발전 과정 및 예술과의 관련성에 대해 기존 연구내용을 살펴 보고, 그 근본적 문제점과 한계, 그리고 가능성과 향후 과제 등을 검토한다. 먼저, 눈에 주어지는 시각자 극, 두뇌에 의한 감각경험의 해석, 눈과 두뇌에 의한 시각경험과 해석 사이의 유기적 관계를 설명한 인지 과학의 연구 사례를 소개한다. 인지과학과 예술과 관련된 연구 사례로는 세미어 제키의 신경미학, 제니퍼 맥마흔의 미학적 형식이론 등을 살펴볼 것이다. 이를 통해 인지과학과 예술 융합의 의의를 논한 연구결과 들과 향후 미래 과제들에 대해 검토해 볼 것이다.

In 21st Century, so called ‘Era of Science of Mind’, the ‘Mind’ has used to be focused on. Cognitive Science is now playing a key role in exploring ‘Mind’ itself. Since the ‘Cognitive Revolution’ in 1950’s, cognitive scientists have been continually interested in Art and reanalyzed artworks by means of cognitive scientific methodologies. But until now, those studies can only give us very limited explanations about Art and Mind. Recently, getting more attentions in the discipline of Cognitive Science, Neuroscience is often applied to research on analyses of cognitive processes while people create and appreciate art. In this paper, first of all, I will review the production of research in the field of Cognitive Science related with Visual Art, and consider not only its fundamental problems but also the future issues. I will introduce studies of Cognitive Science about visual stimulus to the eyes, brain’s interpretation of sensual experiences, organic relationships between perceptual experiences by eyes and the interpretation by brain. As for examples of studies about Cognitive Science and visual arts, we will examine ‘Neuroaesthetics’ by Semir Zeki, ‘theory of aesthetic form’ by Jennifer MacMahon and so on. Through these studies of this paper, I will perform researches of the future issues about Mind and Art as well as the review about existing convergent studies of Cognitive Science and Visual Arts.