Earticle

잼 코헨의 영화 <뮤지엄 아워스>(2012)는 오스트리아 빈의 미술사박물관 안내원인 요한과 캐나다인 관광객 앤의 만남을 극화한다. 두 인물은 미술관의 전시작품들을 둘러보거나 빈 시가지를 산책하며 삶과 예술에 대한 자신들의 생각을 나눈다. 영화의 서사는 갈등의 매개체가 되는 극적 사건이 없이 두 주인공과 익명의 미술관 관람객들의 동선을 좇아 다큐멘터리 형식으로 전개된다. 본 연구는 국제적 관광도시 빈에서 두 이방인의 조우가 이루어지는 상황이 19세기 중반에 등장한 근대적 메트로폴리스의 경험을 환기시키고 있음을 전제로, 서구의 근대성 담론을 활용하여 <뮤지엄 아워스>의 인물과 서사를 분석한다. 특히 도시풍경과 주변인물들을 관조하고 사색하는 주체로 등장하는 요한을 샤를 보들레르, 발터 벤야민 등이 근대성의 중심인물로 파악한 남성 소요객의 변모양상으로 해석한다. 본 연구는 크게 네 가지의 논의로 구성된다. 첫째, 픽션의 등장인물들이 서사세계와의 상호작용을 통해 모종의 세계관을 만들어낼 수 있으며, 이 원리는 근대성을 해석한 사회학적 고찰방식에도 적용되었음을 논한다. 그 결과 영화 속 인물들과 근대성의 인물유형들을 상호대조할 수 있는 논리적 근거를 마련한다. 둘째, 극중 인물인 요한, 앤, 미술관관람객들을 각각 소요객, 이방인, 군중이라는 근대성의 현실적 캐릭터들과 연결시켜 해석한다. 셋째, 극중 요한이 소요객의 관찰자적 자세를 유지하되 노동계급의 일원인 그가 19세기의 개인화된 부르주아 소요객과는 다른 민중친화적 태도를 유지하고 있음을 지적한다. 마지막 논의는 영화학의 근대성 테제를 비롯한 근대성 담론 전반이 지식인과 부르주아의 도시경험에 국한되어 왔음을 비판하며, 이와는 대조적으로 <뮤지엄 아워스>가 노동계급의 시각을 동원하여 도시를 생명력이 내재한 시공간으로 재평가하고 있음을 해설한다.

Jem Cohen's Museum Hours (2012) dramatizes the budding friendship between Johan, a guide at the Kunsthistorisches Museum in Vienna, and Anne, a Canadian tourist. The two spend time viewing artworks in the museum and walking along the streets of the city. The narrative dispenses with any noticeable dramatic conflict and unfolds like a real-life documentary following the movements of the main characters and the museum visitors. This study notes that the two strangers' incidental relationships in the global tourist city echoes one of the newly emerged but common experiences in modern metropolises of the nineteenth century. Therefore, it draws on the discourses on western modernity in order to interpret the characters and the narrative. It particularly sees Johan, who contemplates the city and its people, as a reincarnation of the flâneur, the male city stroller considered by Charles Baudelaire and Walter Benjamin as a distinctive figure of nineteenth-century metropolises. This study consists of four main discussions. First, it claims that a fictional character creates a world view through interactions with a narrative world and that the same principle be applied to sociological research on modernity. Second, it compares Johan, Anne and the museum tourists with modernity's three major figures: the flâneur, the stranger, and the urban mass. Third, it redefines Johan as a labor-class flâneur who, in contrast to the individualistic bourgeois flâneur, maintains a friendly attitude toward the city and its people. Lastly, pointing out that the discourse on modernity has centered on the city experiences of intellectuals and the bourgeois, it claims that Museum Hours utilizes a working-class perspective to reappraise the city as a space for grassroots vivacity.

구조주의 실험영화의 시간구조는 순환적 시간관과 리듬감, 주기성, 우연성 그리고 동시성 등으로 표현되는 동양적 시간관과 대단히 유사하다 이를 증명하기 위해 본 논문에서는 먼저 고대로부터의 동, 서양 구별되는 시간관을 검토해보고 시간실험의 최극단에 있는 실험영화의 시간구조 유형을 파악해보았다. 영화의 물질성을 특히나 강조했던 구조영화와 파운드푸티지 작업에서 이와 정반대의 정신 중심의 동양적 시간관이 도출된다는 것을 통해 아방가르드 영화인들의 영화 물질성과 고대부터의 동양적 시간정신의 교섭관계를 탐구했다. 또한 실험영화의 시간연구를 사회과학적 연구방법론들을 차용해 기존 미학적 접근에서 보다 확장된 시선으로 검토했다. 주류 상업영화의 시간구조와의 차이점과 갈등관계 그리고 지속적으로 생성 변모되고 있는 실험영화 장르연구의 시작으로써 실험영화 시간구조의 정치학을 고찰하려는 시도였다. 본 연구는 서구 모더니즘의 산물인 실험영화가 실제로 대단히 동양적인 영화라고 주장한다. 구조영화와 파운드푸티지 작품들의 시간구조 분석에서 물질과 정신의 완벽한 조화, 음양의 평형과 순환 그리고 리듬을 중요시하는 동양적 시간관을 추출해낼 수 있기 때문이다. 아울러 시간기호로서 실험영화의 사회과학적인 의미와 주류 영화에 대항하는 시간구조를 여러 사회과학자들의 논의를 통해 탐구해 봄으로써 오늘날 영화라는 단단한 아비투스의 장을 거부하는 실험영화 장르의 전복적 시간 이데올로기 전략을 살펴보았다.

The time structure of experimental film is closely related to the Eastern time notions of cyclical rhythm, periodicity, randomness, and simultaneity. To prove this, I examine the time structure of experimental film in the outermost extremes of a time experiment and investigate both Eastern and Western time notions to distinguish them from ancient notions. In addition, I research the relationship between the time notions of Western avant-garde filmmakers, concentrating on the material itself, and the Eastern time spirit, focusing on time itself, through structural films as well as found-footage films. The distinctiveness of this paper is in how it reviews the research on time in experimental films from an extended angle as opposed to using the existing aesthetic approach, borrowing the time study methods of social science research. To achieve the goals of this study, I research the politics behind studies of the experimental film genre, using the time notion difference between mainstream commercial films and experimental films as a conflict counterpart. In a nutshell, this study argues that experimental films born of Western modernism are in fact very oriental. Both the found-footage works and the structural film works match the notion of Eastern time, in which the material and spirit work in perfect harmony, with Yin and Yang continuously maintaining a balance by alternating and circulating. This is precisely the point where the diachronic experimental spirit of avant-garde filmmakers is revealed. Also in this study, I explore the social scientific meaning of the experimental film genre as a sign of the cultural and social times while also examining the time structure with reference to mainstream movies through discussions by many social scientists. I also examine the subversive time ideological strategy of the experimental film genre, which refuses the 'Habitus'.

게임 예능 프로그램으로 불리는 방송 프로그램의 본질은 게임을 진행하는 출연자들의 복잡한 피드백을 촬영하고 그 결과에 대해 시청자의 궁금증을 유발하는 것에 있다. 따라서 본 연구는 이를 출연자들의 게임을 관찰하는 게임 관찰 예능 프로그램으로 규정하였다. 이러한 프로그램에서 시청자는 자신의 선택에 따라 결과가 달라지는 분기구조를 플레이하는 게임의 플레이어와는 다르며, 오히려 추리소설을 읽으며 나름의 추리를 펼치게 되는 적극적 독자의 입장에 더 가깝다. 본 연구는 JTBC에서 방영한 <크라임씬>이라는 추리게임 예능 프로그램이 이를 보여주는 시도적 작품이라 보고, 추리서사가 어떻게 게임이 되어 예능 방송 프로그램 포맷을 이루게 되는지 그 영상 서사구조를 중심으로 보고자 했다. 이를 위해 앤드류 글래스너가 제시한 스토리 환경을 중심으로 추리서사가 가진 요소 중 예능 프로그램의 게임 스토리 환경, 즉 게임이 펼쳐질 수 있는 장(場)을 구축할 수 있는 요소들을 추출하였다. 그리고 그들이 <크라임씬>의 스토리 환경을 어떻게 구축하는지, 시청자가 어떻게 적극적 시청자가 되는지 아울러 살펴보았다. 출연진들 사이에 다양한 사건가능성을 가지고 있으며 적극적 시청자를 만들 수 있는 프로그램 포맷이 어떻게 구축되는지에 대해서는 아직까지 연구된 바가 많지 않다. 영상 서사구조를 중심으로 살펴본 본 연구가 여타의 게임 관찰 예능 프로그램에도 스토리를 접목한 게임 환경을 구축하기 위한 앞으로의 연구에 도움이 되기를 기대한다.

The nature of variety game shows on TV involves complicated feedback from actors and arousing the audience's curiosity about the results. Therefore, this paper defines these shows as 'watching actors' game variety shows'. In such a program, the audience is similar to an active reader who reads a mystery novel and infers a conclusion rather than a player who plays the game, realizing different results depending on his choices. The mystery game variety program Crime Scene as broadcast on JTBC attempted to show this point. Hence, this paper studies the visual narrative structure of that program and how the mystery narrative is adapted to watching the game variety program format. The study also extracted elements of a mystery narrative and how they can build a game story environment as suggested by Glassner. It also studies how these elements create a field and the ability to play games in Crime Scene and how the audience becomes an active participant. There are also a few studies on how to build on the watching game variety program format that have a possibility can make various events between actors and make the TV audience an active participant. This paper focuses on a visual narrative structure and is expected to be helpful for future research on the building of a game environment using stories in other game watching variety programs.

본 연구의 목적은 대한민국 국민이 권력의 이미지 선전으로부터 과연 얼마만큼 자유로운지 그리고 더 나아가 대한민국 언론매체가 노골적인 선전을 일삼는 국가 권력의 통제로 부터 진정으로 해방되었는지를 대중의 ‘정신 지배’ 도구로서 사용되어온 영상을 분석하여 재점검해보는 것이다. 본 연구의 주요 분석대상은 권력이 제작한 대한민국 대통령 취임식 영상 이미지들이었으며 모든 영상 이미지들은 아르빈 파노프스키의 도상해석학에 바탕으로 둔 도상분석법과 문화이론에서 파생된 기호분석법을 통해 분석되었다. 권력은 오랜 기간 동안 국가의 리더를 ‘우상화’시키는 전략을 통해 대중을 통치해왔고 그러한 전략의 도구는 다름 아닌 영상 이미지였다. 영상 이미지는 동굴벽화에서 현대의 영화에 이르기까지 끊임없이 숭배의 대상을 생산하고 인간의 가장 원초적인 감각에 작용하며 이데올로기를 전달, 또 대중의 정신을 지배하는 반복적인 담론을 생산하며 권력 지배의 정당성 등을 지키는 도구로 사용되어온 것이다. 그리고 현대에 이르러서도 여전히 영상 이미지는 권력을 숭배의 대상으로 상승시키는 가장 강력한 이데올로기 전달도구로 사용되고 있다. 영상분석 결과 권력은 이미 삼국시대 때부터 형태가 갖춰진 그리고 범주화된 영상 이미지와 유사한 형태의 영상 이미지를 반복 생산, 배포하는 전략을 통해 대통령을 국가의 아버지 더 나아가 신화 속의 숭배의 대상으로 까지 우상화시키고 있었다. 그리고 범주화된 영상 이미지의 반복을 통해 대중의 사고를 틀 속에 가두고 끊임없이 권력을 숭배의 대상으로 인식하게 함으로 자신들의 대중 지배에 대한 정당성 확보와 더불어, 국가 정책의 입안과 실천에 있어서도 전폭적 지지를 받을 수 있는 바탕을 마련해왔다는 것을 발견할 수 있었다. 즉 영상 이미지 구성 패턴의 반복을 통한 권력의 대통령 우상화 전략은 끊임없이 선전의 도구가 되어 대중들을 통제하고 조정해왔으며, 대중은 그 통제아래에서 한 번도 자유로웠던 적이 없었던 것이다. 결국 우리는 권력이 만들어낸 프레임 속에서 그리고 그 프레임 내부에서 생산되는 담론 아래에서 스스로도 모르는 사이에 구속되어 통치 받고 있는 것이다.

The purpose of this research is to find if the public and the media in South Korea have been genuinely released from governmental propaganda. The main targets of the research are propaganda images, especially those of Korean presidents which have been produced by the South Korean government. Methodologies for this research are derived both from the iconography tradition based on Erwin Panofskyconography traa semiotics approach based on current cultural studies. One of the most powerful forms of medium for the institutions involved in governmental propaganda is none other than the image. The image conveys the ideology of the elite to the public and creates an 'a priori' status to dominate the minds of the public. Thus, images have been used as a tool to ensure the appearance of the elite's legitimacy to control the public. As a symbol of administrative power as well as the highest military commander, the presidents of the Republic of Korea have been idolized in images. The elite group uses images of presidents to align not only public's way of thinking but also to familiarize their senses and minds with the idea that they are an absolute and unchangeable cultural virtue. In short, images help to deliver their ideology successfully, making the public unconsciously worship idols created through the authority. Given the results of this study, it is difficult to say that the public in South Korea is completely free from governmental propaganda.

리얼리티 프로그램은 ‘사실’을 기반으로 하거나 ‘사실적인 느낌을 주는’ 여러 가지 기제들을 활용하여 진정성과 극의 재미를 유발하는 방식으로 대중의 인기를 끌고 있다. 재난영화 또한 현실에서 일어날법한 서사를 차용하여 긴장감과 현실감을 유발한다. 본 연구는 두 장르가 서사구조와 인물 설정, 장르의 관습적 요소와 리얼리티를 유발하는 요소들에 있어서 상당히 유사한 면을 가지고 있음을 분석한다. 리얼리티 프로그램은 현실감을 주기 위한 기제들을 활용, 현실을 재구성하는 ‘유사-리얼리티’ 장르이며, 분류기준에 따라 여러 하위 장르로 나뉜다. 재난영화는 인위적, 자연적 재앙에 맞선다는 기본 서사를 가지고 있으며, 21세기 이후 재난영화들은 현실에서 빈번해진 대형재난들의 서사를 차용, 묵시록적 분위기를 조성하며 리얼리티를 확보한다. 두 장르 모두 ‘안정-불안정-새로운 안정’의 기본 서사 구조를 바탕으로 주인공(영웅 혹은 우승자)과 대립자(이기적인 인물, 무능한 동료, 사악한 권력 혹은 엄격함 심사위원)의 인물구조를 가진다. 장르의 관습적 요소는 위협대상, 플롯위주의 서사구성, 계급구조형성, 도박요소, 고립된 배경, 내부 분열, 로맨스 플롯, 주인공의 전문성 혹은 의외성 등 여덟 가지 항목의 공통점을 보인다. 또한 주인공과 우승자에 가려진 재난희생자와 탈락자의 스펙터클을 어떻게 재현하는가에 대한 문제의식도 동일하게 공유한다. 리얼리티 생성방식에 있어서 두 장르는 당대사회상 반영과 다큐멘터리 요소의 활용, 진정성과 불신의 서사, 일반인 출연, 경쟁 기제의 활용 등 동일한 요소들을 활용한다.

Reality programs are among the most popular media genres, inducing pleasure and sincerity with various narrative mechanisms based on reality or on fictitious elements which are fabricated as real. Disaster films also induce a sense of intensity as well as a sense of the real by adopting narratives that mirror disastrous events in real life. This study analyzes the similarities between the narrative structures, characters, genre conventions and reality-inducing elements of the two genres. Reality programs can be categorized as a type of pseudo-realism fiction and can be divided into several sub-genres through various standards. Disaster films utilize the basic narrative convention of a man or group against natural disasters, or natural disasters caused by other men or entities. Disaster films of the new millennium ensure an apocalyptic reality by adopting narratives of real-life massive disasters. Both genres have identical character structures of hero/winner vs antagonists (selfish and/or incompetent peers, evil force/rigid judges) within the basic narrative structure of stability followed by instability followed by new stability. Both genres also share similar genre conventions, such as a threat target, a plot-oriented narrative composition, hierarchies among the characters, gambling, isolated locations, ruptures among peers, romance and professionalism, or some form of unexpectedness of a hero/winner. They also share the same critical mindset about how to represent the spectacle of casualties/dropouts. Regarding the mechanism which induces reality, both utilize identical elements, such as reflections on social aspects, documentary elements, narratives of sincerity and distrust, the appearance of a non-celebrity or a public figure, and survival elements.

2010년대를 전후하여 한국 다큐멘터리 영화들의 괄목할만한 변화 속에서 다큐멘터리 혹은 실험영화로서 분류하기에 쉽지 않은 영화들이 출현하고 있다. 이러한 영화들은 특히 감독의 주관성을 전면에 드러내는 보이스오버(voiceover)를 사용하되, 느슨한 서사 구조의 안팎을 넘나들며 주제와 소재에 대한 감독의 사색과 논평을 담보로 하여 자기 반영적 성찰의 여정을 제시한다. 기존 장르 관습을 배격하는 것이 아니라, 장르 관습을 차용하다가도 전복하기도 하는 초월적 특징(transgression)을 가지면서 이들만의 고유한 영역을 점유하고 있는 이러한 영화들을 ‘에세이 영화(essay films)’라 구분할 수 있다. 본 논문은 문학에서 에세이의 정의를 먼저 구한 후, 시청각 매체로서 에세이 영화가 갖는 특성을 살펴본다. 또한 기존 다큐멘터리나 아방가르드 영화와 에세이 영화가 가지는 상관관계를 살펴 에세이 영화만이 가진 고유한 위상을 제시한다. 박경근 감독의 2014년 작 <철의 꿈>이 가진 강렬한 주관성, 혼종적인 시청각 요소를 사용한 변증법적 몽타주, 어떠한 장르에도 부속되지 않는 장르 초월성에 주목하여, 에세이 영화의 정체성을 고찰한다. 결론적으로 장르를 넘나들며 진화하는 능동태의 영역으로서 에세이 영화를 정의하고, <철의 꿈>을 비롯한 에세이 영화의 정체성을 가진 영화들의 등장과 함께 영화에 대한 인식의 양상 또한 유연하게 확장되기를 기대하고자 한다.

In Korea there have been numerous films since the late 2000s that cannot be easily sorted into certain existing film genres. These films use a technique known as voiceover, expressing a director cannot be easily sorted into progressing within and without a strong narrative structure, they offer the director's self-reflective journey to the audience through her/his meditations and comments on the subject of the film. They embody the characteristics of genre transgression within their rhetoric and aesthetics. As a unique territory and mode, these films can be classified as 'nto cteristics of gpaper initially examines the definition of an essay in literature and then investigates the attributes of essay films as an audio-visual medium. In addition, the paper presents an innate status of essay films by looking into the relationship between these films and different genres, such as documentaries and avant-garde films. In order to explore the identity of essay films, the paper analyzes A Dream of Iron (directed by Kelvin Kyung Keun Park, 2014) by focusing on the director's subjectivity and dialectic montage as achieved by articulating both diverse auditory and visual elements, as well as its transgressing energy. In conclusion, while transgressing all genres, essay films constantly evolve their own territories and modes. Additionally, it is suggested that the condition of watching and categorizing films will evolve as well, along with the active practice of the creation of essay films in Korea.

본 논문은 전기 영화에서 전기적 인물이 신화적으로 재현되는 문제를 논의하고, 동시에 이를 탈신화적으로 재현할 가능성에 대해 질문한다. 영화에서 전기적 인물을 재현하는 문제는 허구적인 캐릭터를 재현하는 것과는 질적으로 다른 접근이 요구된다. 이는 전기적 인물이 갖고 있는 진실에 대한 존재론적 문제가 개입되기 때문이다. 그러나 할리우드 스튜디오 시스템을 기반으로 한 전기 영화의 내러티브는 인물을 영웅화하며 신화화하는 문제를 안고 있다. 전기 영화의 주인공들은 할리우드 양식의 멜로드라마 속 주인공들과 비슷한 플롯 공식 속에서 신화적으로 재현되기 때문이다. 이를 통해 전기적 인물의 진실은 서서히 멀어지고 결국엔 멜로드라마 속 영웅적 주인공이 되어버리며 신화화된다. 이러한 한계를 극복하고 있는 텍스트로 제안하는 토드 헤인즈 감독의 밥 딜런에 대한 전기 영화 <I’m not there>는 전통적 전기 영화와는 다른 양식을 구사하는 작품이다. 이 영화는 전통적인 전기 영화의 환영적이고 신화적인 재현 방식과는 다르게 밥 딜런을 재현하면서 동시에 관객의 성찰을 유도한다. 영화가 보여주는 새로운 내러티브 구성과 시간 배열은 독자와 관객을 연속적 시간으로 이뤄진 전기적 인물의 신화적인 드라마 속으로 빠져들게 하는 것이 아니라, 전기적 인물이 살아가는 새로운 시간과 공간에 대해 다시금 성찰하게 만들면서 밥 딜런의 존재와 진실에 대해 진지하게 질문하게 만든다. 본 연구는 이렇게 전기 영화의 함정을 극복하는 ‘다른 영화’에 대한 가능성을 질문 하고자 하며, 전통적 전기 영화와는 ‘다른 식으로 이야기하는’ 탈신화적 전기 영화의 가능성에 대해 고찰해 보고자 한다.

Representing an actual person or persons in historical films requires a different cinematic style, as the representation of an actual person entails ontological questions about the truth, essence and freedom of the person portrayed in the film. However, to meet the needs of the audience, the member of which expect to be moved, and the demands of production/investment companies for commercial viability, classical historical films encounter the problem of mythicizing characters. Main characters and plots are often created in the form of Hollywood-style melodramas. The narratives of biographical films are discussed here. The narratives of actual people, typically arranged in a chronological order, tend to be eventually transformed into a melodramatic narrative, thus becoming mythical. In this transformation, i.e., stylizing the narrative, the uniqueness and the truth of actual people are lost and the characters transform into the common and universal types in melodramas. This paper discusses reflective representation in biographical films. The biographical film 'I'm Not There' will be analyzed to define the reflective characteristics of biographical films. During this process, these concepts will be suggested as methods for this type of analysis. Through these examinations and discussions, this thesis intends to show that biographical films, a subgenre of cinema, are indeed a distinctive art form in which historical imaginations and cinematic imaginations interact. Reflective biographical films as art and the essence of the existence of 'actual people' present an opportunity to discuss new possibilities of historical films as alternative means of expression.

본 연구는 KBS 휴먼다큐멘터리 <이웃집 찰스>에 나타난 국내거주외국인과 한국인의 일상적 대인관계에 나타난 문화 간 커뮤니케이션 갈등양상 요인의 구조적 내용을 파악하는데 그 목적이 있다. 이주화의 급속한 증가는 다문화사회로의 전환을 촉구함과 동시에 상이한 문화적 배경을 가진 구성원들 간의 문화 간 커뮤니케이션을 가속화시켜 우리나라에서도 외국인이 출연하는 방송프로그램이 점차 활성화되고 있는 추세이다. 한 사회의 문화적 적응은 타문화에 필요한 의사소통양식을 습득해가는 과정으로 TV리얼리티 프로그램을 통해 의사소통의 단서를 관찰하고 이해하는 것은 문화 간 커뮤니케이션 기술을 습득하는 것과 다를 바 없다. 그러므로 TV에 재현되는 상이한 문화 간 커뮤니케이션 갈등에 대한 차이점을 체계적으로 파악하여 진정한 의미를 이해하는 것은 문화 간 커뮤니케이션 능력을 강화하는 계기가 될 수 있다. 이러한 관점에 입각하여 KBS<이웃집 찰스>에 나타난 문화 간 커뮤니케이션 사례를 분석한 결과 국내거주외국인들은 언어와 문화적 이질성, 인종차별과 편견의 장애요인에 의해 한국인의 고맥락과 총론적, 권위적 커뮤니케이션 특성과 상반되는 저맥락, 분석적, 수평적 방식의 문화 간 커뮤니케이션 갈등을 겪고 있는 것으로 파악되었다. 이에 TV매체를 통한 문화 간 커뮤니케이션이 보다 활성화되기 위해서는 이주민과 내국민이 문화적 ‘다름’의 차이를 인정하고 존중하는 상호문화주의의 재현이 실현되어야 한다. 나아가 TV매체는 문화 간 커뮤니케이션에 대한 올바른 인식과 태도를 유도하는 문화학습의 교육도구로서의 역할을 올바르게 수행하는 전략을 구사하여야 한다. 본 연구는 문화 간 커뮤니케이션에 있어서의 TV매체의 중요성에 대한 이해를 도모하고 우리사회에 편입된 이주민의 대인접촉관계를 성찰함으로써 내국인과의 문화 간 커뮤니케이션 갈등을 최소화하는데 필요한 갈등양상의 기초적 자료를 제시하였다는데 의의가 있다.

The purpose of this study is to understand the fundamental causes of intercultural communication conflicts that occur during ordinary interpersonal relations between foreign residents in Korea and Koreans, as demonstrated in the KBS show 'My Neighbor, Charles'. Cultural adaptation in a society is the process of understanding the communication culture of another society, and examining and understanding the clues of communications via TV is equivalent to acquiring intercultural communication techniques. The results of an analysis of intercultural communication cases as introduced in the KBS show 'My Neighbor, Charles' from this particular perspective show that foreign residents in Korea suffer from low-context, analytical and horizontal intercultural communication conflicts as opposed to the high-context, general and authoritative communications among Koreans due to the heterogeneity in the language and culture, racial discrimination, and prejudices. Against this backdrop, revitalizing intercultural communication via TV requires the realization of mutual culturism. Moreover, strategies should be established to allow TV to play a proper role as a culture learning tool that induces correct awareness and attitudes. This study has significance in that it presents basic data and references pertaining to the conflict aspects required to minimize intercultural communication conflicts between foreigners and locals by promoting the importance of understanding TV media and examining the implications of interfaces and relationships with the immigrants being absorbed into Korean society.

리얼리티는 일반적으로 실제 세계를 있는 그대로 모사하는 그럴듯함으로 간주된다. 사전적으로 리얼리티는 원본이라는 의미를 포함하면서 착각, 환상, 허구 등과 반대되는 의미로 쓰인다. 그래서 대체적으로 리얼리티의 의의는 진짜 현실에 대한 대리 경험의 제공에서 찾아진다. 하지만 이런 리얼리티에 관한 일반적 정의는 학문적으로는 근거가 모자란 선입견이기도 하다. 본고는 퍼스의 기호사상을 통해서 리얼리티의 정의를 재고한다. 퍼스의 기호사상은 지각의 수동성을 기초로 한다. 즉 우리가 기호를 능동적으로 선택지각하는 것이 아니라 우리가 기호에 이끌려서 지각을 하게 되는 수동성을 기반으로 하는 것이다. 이러한 지각의 수동성이 지각의 주체로부터 지각의 대상으로 권력을 이양하게 된다. 그래서 대상의 본질만큼이나 대상의 양태, 즉 대상의 표현성이 매우 중요하게 포착된다. 퍼스 입장에서는 표현주의적 새로움이 리얼리티의 본질이 되는 것이다. 지각의 수동성이라는 전제는 우리로 하여금 리얼리티의 본질을 전혀 다르게 재고해 볼 수 있게 한다. 표현은 차이의 가치를 가진다. 퍼스의 용어로는 지표라고 할 수 있다. 리얼리티는 유사성을 기반으로는 하지만 그것의 핵심은 차이에 있다. 사실상 리얼리티는 유사하지 않고 다르기 때문에 느껴지는 것이다. 그리고 그 차이가 우리로 하여금 세계에 대한 사유를 이끈다. 그래서 리얼리티의 의의는 현실감과 같은 체험의 가치라기보다는, 좀 더 정확히 말하면 그것은 깨달음의 가치에 있는 것이다.

Generally, reality has been regarded as a type of plausibility, i.e., mimicry of the real world. In the dictionary, it is defined as having an opposite meaning to illusion, hallucination, and fiction, while also including the meaning of meaning to Thus, we often seek its significance at the point that it offers us an indirect experience of the actual world. However, this notion of reality is actually proved to a stereotype which does not have an academic background. This paper rethinks the definition of reality based on Peirce's semiotics. Peirce's semiotics utilizes the concept of passive perception as its background, meaning that we cognize a sign by attraction rather than through our active choice. With the concept of passive perception, the power of the perceptional subject is handed over to the object. Consequently, the matter of the expression of an object in a context comes to us as more important as the essence of the object. In Peirce's opinion, expressional newness is the essence of reality. In other words, the premise of passive perception makes us completely reconsider the essence of reality. Expression is a thing that has value through difference, which may correspond to the term 'index' by Peirce. The core concept of reality is based on difference, though its background is likeness. In fact, we can say that we feel reality when a thing appears different from the appearance as it must be. This difference introduces us to the thinking process of the world. Therefore, to be exact, the significance of reality is based on its enlightenment value rather than its experiential value, as in the feeling of presence.

이 연구는 높은 시청률을 유지하며 반복적으로 제작, 방영되고 있는 ‘막장드라마’에 관심을 가진다. 특별히 ‘막장드라마’의 주 시청층인 4-60대가 아닌 젊은 층에 주목하면서, 2013년과 2014년의 대표적 ‘막장드라마’인 <오로라공주>와 <왔다!장보리>를 시청한 20대 11명과 심층인터뷰를 가졌다. 연구 결과 20대 수용자들은 ‘막장드라마’를 ‘키치적’, ‘정서적’, ‘관계적’, ‘모순적’으로 수용하는 양상을 보였다. 이들 수용의 특징은 모두 20대가 현재 경험하고 있는 ‘현실’, 즉 ‘청년세대’ 문제와 깊은 관련이 있는 것으로 보인다. ‘키치적’, ‘정서적’ 수용의 양상은 ‘막장’드라마가 연구 참여자들로 하여금 그들의 불안한 현실적 억압에서 벗어나 욕망을 분출하는 ‘감정처리소’로 기능하고 있는 현상과 관련이 있다. 또한 ‘관계적’, ‘모순적’ 수용의 양상은 본 연구의 20대 연구 참여자들이 우리 사회의 주류 담론이 요구하는 도덕법칙이 거의 유효하지 못한 현실세계의 각박하고 불안정한 삶을 막장드라마 상의 사건들을 통해 확인하며 즐거움을 얻고 있는 현상과 관련이 있는 것으로 보인다. 결론적으로 본 연구는 막장드라마에 부여된 부정적인 시선들을 딛고 막장드라마가 끊임없이 제작, 수용되고 있는 역설적 현상을 막장드라마의 20대 수용자들의 일상, 그들이 겪고 있는 현실을 통해 설명하고자 했다.

This research is about the type of TV show known as 'nown as Drama', produced and televised with high ratings despite its controversial plots in relation to modern society. Viewers in their twenties appear to enjoy this drama addictively despite the show in their twentcorrespond to the humor and interests of a much older audience. This research was conducted in order to answer the following questions. (1) Why do people in their twenties enjoy 'Makjang Drama', and (2) What are their reactions to the show? This research includes interviews with eleven viewers in their twenties who have watched the majority of this drama, specifically Princess Aurora, 2013, and Jang Bo-ri is Here, 2014. Based on the findings of this research, it can be concluded that viewers in their twenties have a tendency to have kitsch, affective, relational, contradictory attitudes when watching the genre of 'he genre of eir twentis connected to the reality faced by the viewers. The aspects of kitsch and affective attitudes are closely linked to the concerns viewers in their twenties have. Furthermore, the aspect of relational and contradictory viewing is regarded as a phenomenon which stems from the similarity between the realities of the viewers in their twenties, who have issues with reality as opposed to the ideal discourse of Confucianism. In conclusion, this study is designed to explain 'Makjang Drama' shows, which have been continuously produced and televised despite negative perspectives of audiences, and the connection to the reality faced by viewers in their twenties.