Earticle

본 논문은 광주비엔날레 출품작을 중심으로 5·18민주화운동(이하 5·18)이 동시대 미술 현장에서 어떻게 시각화되고 구현되는 지 전략을 연구한다. 광주비엔날레는 창설 취지에서 알 수 있듯 5·18의 아픔을 문화로 치유하고, 독재에 항거했던 민주와 인 권, 평화 정신을 문화로 계승하기 위해 태동했다. 경제적·산업적 인프라가 열악했던 광주광역시가 서울과 제주도 등과 경합해 행사를 유치할 수 있었던 데는 역사적 당위성과 예로부터 뿌리 내린 예향을 근거로 한 문화적 명분이 자리했기 때문이다. 즉 군부독재 시대 민중들이 항거했던 5·18의 정신과 예향 광주의 역사성을 드러내는 매개체가 광주비엔날레인 셈이다. 이러한 광주비엔날레는 창설 기본 방향 아래 매 대회마다 기획자의 전시 전략을 시각적으로 구현하면서 광주비엔날레 만의 담론을 던져왔으며 이중 5·18은 직·간접적으로 녹아들었던 가치라 할 수 있다. 하지만 29년 동안 역대 광주비엔날레의 흐름 속에서 이를 다룬 작품의 아카이빙 논문은 전무했다. 이에 본 논문은 5·18과 관련된 작품을 아카이브하고, 동시대 미술 현장의 미학 적 담론이자 경향인 장소특정성, 아카이브, 참여예술, 직접적이거나 은유적인 형상화 기법, 동시대 미술이 지닌 확장성과 사 회적 전환 등의 다층적인 맥락에서 5·18을 다룬 작품들의 미학적 근거와 시각화 전략을 연구하는 데 목적이 있다. 또한 5·18 을 다룬 미술에 대한 연구가 활발히 진행되면서 개념 정립과 이론화의 초석이 되길 바란다.

This study focuses on strategies related to the trend of contemporary art and how the May 18 Democratization Movement in 1980 is visualized and implemented in the contemporary art scene, focusing on entries submitted to the Gwangju Biennale, a barometer of contemporary art. As can be seen from the purpose of its establishment, the Gwangju Biennale was born to heal the pain of the May 18 Democratization Movement in 1980 through culture and to inherit the spirit of democracy, human rights, and peace that resisted dictatorship through culture. Gwangju Metropolitan City, with its poor economic and industrial infrastructure, competed with Seoul and Jeju Island in the 1990s to host the event because it had a cultural justification based on historical facts and long-established traditions. In other words, the Gwangju Biennale is the medium that reveals the spirit of the 5.18 Democratization Movement and the historicity of Gwangju during the military dictatorship era. Under the basic direction of its founding, the Gwangju Biennale has presented a unique discourse by visually realizing the exhibition strategy of the organizer at each event, and 5·18 in relation to this can be said to be values that are directly or indirectly melted into each event. However, there have been no archived papers that deal with the flow of the Gwangju Biennale over the course of 29 years. Therefore, this thesis archives works dealing with 5·18, and presents the aesthetics of works dealing with 5·18 in multi-layered contexts, such as ‘site-specific’, an aesthetic discourse and phenomenon in the contemporary art scene, archives; participatory art, direct or metaphorical imagery techniques; and an expansion and social transformation of contemporary art. The purpose of this study is to present evidence and visualization strategies. Through this thesis, it is expected that systematic theorization and conception will be established as research on art dealing with 5·18 is actively conducted. It is hoped that this will serve as an opportunity to once again reflect on the role of art by evoking the historical event of the Gwangju Democratization Movement, which condemned the conspiracy of the new military government in 1980 and demanded the realization of democracy, through a visual medium in modern and contemporary Asian history.

본 연구는 로버트 라우센버그가 공학자들과의 교류 및 협업을 통해 1966년에 전개한 작업 <오픈 스코어>가 당시 정치, 군사, 기술, 문화적인 문맥 안에서 가지는 함의를 살펴보고 기술에 대한 작가의 입장을 재조명하고자 한다. 1966년에 현대 기술을 예술과 접목하는 실험을 시도했던 예술과 기술의 실험(Experiments in Art and Technology, E.A.T.) 단체가 설립되었고, 이 단체의 공동 설립자인 라우센버그는 공학자들과 함께 다수의 협업 프로젝트를 추진하였다. 본 연구는 그 중 대표적인 작업인 <아홉 번의 밤: 연극과 공학>의 프로그램 중 하나인 <오픈 스코어>에 주목한다. 라우센버그가 주도했던 <오픈 스코어>는 관 객 참여형의 퍼포먼스 작업으로 당시 베트남 전쟁에서 사용되고 있던 적외선 장비가 사용되었다. 타인들과 자유롭게 대면하 는 열린 장에 초대된 관객들은 어둠 속에서의 움직임이 적외선을 통해 감지되는 것을 경험하였다. 관객들은 군사 탐색 장비를 통해 시지각의 한계를 직면할 뿐 아니라, 일상의 편안함 안에서 간과하고 있던 전쟁터의 위험한 상황을 간접적으로 체험하였 다. 라우센버그는 기계적인 매체를 수용하여 예술적인 실험을 전개하는 데 그치지 않고, 기술 환경 안에서 영향을 받고 있는 구체적인 삶의 다층적인 층위를 드러냄으로써 기술의 사회적 역할을 숙고하게 하였다. <오픈 스코어>는 제4차 산업혁명과 인 공지능을 포함한 전례없는 기술 발전을 직면하고 있는 동시대에 예술이 전개되어 갈 방향성에 대한 성찰을 제시한다.

This paper investigates the intention of Robert Rauschenberg with his 1966 Open Score in terms of its political, military, technological, and cultural context. It also looks into the way in which he reflected on current issues related to art, science, technology, and war in his collaboration with engineers. Having co-founded an organization called Experiment in Art and Technology (E.A.T.) in 1966, Rauschenberg took an active part in several collaborative projects with engineers. This paper pays attention to Open Score, one of the programs of E.A.T.'s representative project entitled "9 Evenings: Theatre and Engineering." While conducting Open Score, in which the spectators were encouraged to participate, Rauschenberg used infrared equipment, i.e., a type of searching technology utilized during the Vietnam War. Invited to interact freely with others in a dark and open field, the spectators came to realize that their movements in darkness were technically visualized with the aid of the infrared equipment. By employing current military technology, Rauschenberg compelled the spectators to face both the limit of human vision and the danger of war, which is often overlooked in the comfort at home. While pursuing his artistic experiments by embracing technical media, Rauschenberg aimed to uncover multiple layers of our concrete realities substantially affected by advanced technologies. Open Score arguably provokes a reflection on a future direction of art in the age of unprecedented technological development with the Fourth Industrial Revolution and artificial intelligence.

사회와 미디어의 급진적 다변화와 더불어 소비자는 사회 변화의 주체로서 그 존재감을 확대하고 있다. 다양한 사회 이슈에 대한 해결책 모색을 직접 행동으로 보여주며 소비자들과 연대하여 사회 변화를 도모하는 브랜드 액티비즘은 이제 지속가능한 브랜드를 위한 필수적 요소가 되어가고 있다. 세계적으로 가상 인플루언서를 활용한 마케팅이 활발히 진행 중이지만 브랜드 액티비즘과의 연계에 관한 학술연구는 아직 미흡한 실정이다. 따라서 브랜드는 소비자와의 소통 중계자인 브랜드 모델과의 연관 연구를 통해 브랜드 액티비즘을 활성화하는 방안에 주목해야만 한다. 본 연구는 일반 인플루언서와의 비교로 도출된 가 상 인플루언서의 차별적 특성에 기반한 분석을 통하여 차후 브랜드 액티비즘 캠페인 전개 시, 영상 콘텐츠 제작 방향에 대한 시사점을 제공하는 데 연구의 목적을 두고, 관련 선행 연구에 기반해 도출된 가상 인플루언서의 차별적 특성이 브랜드 액티비 즘 전개와 참여 의도에 어떠한 영향을 미치는지 검증하였다. SNS 사용자를 대상으로 진행한 온라인 설문조사와 연구 결과, 브랜드 액티비즘에 대한 4가지의 가설 중, 3가지 가설은 유의미한 가설로 채택되었고, 참여 의도에 관한 2가지 가설은 모두 긍정적인 평가를 획득하였다. 가상 인플루언서의 4가지 특성 가운데 매력성이 브랜드 액티비즘과 참여 의도에 긍정적인 영향 을 미쳤으며 가상 인플루언서를 활용한 브랜드 액티비즘도 참여 의도에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 조사되었다. 이는 본 연구자가 선행연구에서 표명했던 기술 발전에 따른 브랜드 액티비즘에 관한 후속 연구 차원에서도 유의미한 가치를 제공할 것이다. 따라서 본 연구는 브랜드 가치 제고와 긍정적 사회 변화를 이끄는 중심에서 브랜드와 소비자 사이에서 인게이지먼트 강화와 소통의 매개자 역할을 담당하게 될 가상 인플루언서를 영상 콘텐츠 모델로 활용함에 있어 향후 브랜드 액티비즘 활성 화를 위한 방향 모색에 의미 있는 연구가 될 것이다.

Along with the radical diversification of society and media, consumers are expanding their presence as subjects of social change. Brand Activism, with its direct action to seek solutions to various social issues and promote social change in solidarity with consumers, is now becoming an essential element for sustainable brands. Although marketing using a virtual influencer is actively underway worldwide, academic research on linking with Brand Activism remains insufficient. Therefore, brands should pay attention to ways to vitalize Brand Activism through research related to the brand model, which is a relay of communication with consumers. The purpose of this study was to provide implications for the direction of video content production when developing a Brand Activism campaign in the future through an analysis based on the differential characteristics of virtual influencers derived from a comparison with general influencers, and to verify how the differential characteristics of virtual influencers derived based on related prior research affect Brand Activism development and intention to participate. As a result of an online survey and research conducted on SNS users, three of the four hypotheses about Brand Activism were adopted as meaningful hypotheses, and both hypotheses about participation intention received positive evaluations. Among the four characteristics of virtual influencer, attractiveness had a positive effect on Brand Activism and participation intention, and Brand Activism using a virtual influencer had a positive effect on participation intention. This will provide significant value at the level of subsequent research on Brand Activism according to technological advances expressed by this researcher in previous studies. Therefore, the results here are meaningful in the search to find new directions for vitalizing Brand Activism in the future by using virtual influencers as video content models that will serve as mediators of strengthening engagement and communication between brands and consumers at the center of enhancing brand value and leading to positive social change.

본 논문에서는 케이팝 팬덤의 시기별 활동 양상 변화를 워너원 팬덤 사례와 엘리아스 카네티의 『군중과 권력』 속 군중 이론 을 통해 군중의 형태 변화로 분석하는 연구를 진행하였다. 케이팝 팬덤에 대한 사회, 문화적 관심도가 높아지고 있는 만큼 팬 덤 연구가 다각도에서 진행될 필요성이 있다. 연구 결과에 따르면 케이팝 팬덤의 활동 시기를 아티스트의 활동 기간에 따라 초창기, 중반기, 후반기로 나누었을 때, 초창기에는 풍부하게 제공되는 콘텐츠를 누리는 축제 군중과 아티스트의 성공을 위해 노동하는 추적 군중 형태를, 중반기에는 안정적인 활동 유지를 위한 체계적인 규율이 형성되는 금지 군중과 기존 상위 팬덤의 자리를 탈취하는 역전 군중 형태 그리고 후반기에는 아티스트의 소멸로 인해 이탈하는 도주 군중의 형태를 주로 보인다는 것 을 확인할 수 있었다. 본 연구는 케이팝 팬덤의 생성부터 소멸까지의 과정을 군중의 형태 변화라는 관점에서 분석함으로써 팬덤 활동의 전형성을 발견하여 케이팝 팬덤 문화 연구의 또 다른 시각을 제시했다는 점에서 의의를 갖는다.

This paper analyzed the changes in the activity patterns of K-pop fandom as changes in crowd types through Elias Canetti's crowd theory in 'Crowds and Power' and the case of Wanna One fandom. As social and cultural interest in K-pop fandom increases, fandom research must be conducted from various angles. According to the results of this study, K-pop fandom's activities are divided into early, mid, and late periods through the artists' active periods. In accordance with Canetti's theory, we can mainly see a festival crowd enjoying abundant content, a chasing crowd working for the artist's success in the early days. And a banned crowd forming systematic discipline to maintain stable activity, a reversal crowd beating out the existing top fandom are mainly seen in the mid-term. In the latter period, an escape crowd leaving due to the disappearance of the artist is mainly shown. This study is significant in that it discovered the typicality of fandom activities by analyzing the flow of K-pop fandom from creation to extinction in terms of crowd type changes and presented another perspective on K-pop fandom culture research.

이 연구는 국내 문화유산을 미디어 파사드로 활용하고 그 유산이 가진 역사성을 바탕으로 한 대중 친화적 미디어 예술 콘텐 츠 창작에 관한 것이다. 연구자는 정조대왕이 꿈꾸었던 신도시 ‘수원화성’을 중심으로 한 본인 작품 <정조의 법(法): 정조대 왕, 유토피아를 꿈꾸다>의 창작 과정과 예술적 의미를 논의함으로써, 문화유산을 활용한 예술 창작 방향을 제시하고자 하였 다. 이 연구는 1)국외 문화유산과 관련된 미디어 예술작품 사례를 탐색하고, 2)이를 바탕으로 수원화성의 공간과 역사성을 분 석하며, 3)작품 방향과 개념을 설정하고, 4)작품 창작 과정과 결과를 논의하며, 5)관람자에 대한 관찰과 작품 성찰을 통해서, 6)이 작품의 예술적 의의를 고찰하고 한계를 고민하는 과정을 거쳤다. 연구자는 효(孝)를 정조 법치의 근간으로 보았고, 혼돈 과 갈등을 그의 통치의 핵심적 원동력으로, 애민사상(愛民思想)을 그의 실용적 세계관으로 하는 ‘정(情)-혼(混)-실(實)-법 (法)’의 4개 주제 5개 장면으로 구성된 영상 콘텐츠를 창작하였다. 연구자는 이러한 정조의 법이 그의 시대에만 국한되는 것 이 아니라 현재 21세기에도 유효한 것으로 보았고, 과거와 현재의 연계를 미디어 파사드 모션그래픽 콘텐츠로 구성하였다. 수원화성의 공간과 건축을 미디어 파사드 스크린으로 구조화하고 여기에 은유적이고 상징적인 모션그래픽을 제공함으로써 관객에게 감성적인 콘텐츠를 제공한 것이 이 연구가 가진 성과이다. 그러나 코로나 방역으로 인해 많은 관람객이 이 작품을 향유하지 못했고 관객과 작품과의 직접적인 상호작용을 유도하지 못했다는 점은 이 작품이 가진 한계이다.

This study is about utilizing Korean cultural heritage as a media facade and creating public-friendly media art content based on the historicity of the heritage. The researcher aimed to suggest the direction of artistic creation with cultural heritage by discussing the process and artistic significance of her work, "Jeongjo's Beop (法): King Jeongjo, the Great Dreams of Utopia," based on Suwon Hwaseong Fortress, a new city dreamed of by the king. The research went through the following process:: 1) exploring cases of media artworks related to overseas cultural heritage, 2) analyzing the space and historicity of Suwon Hwaseong based on this, 3) setting the direction and concept of the work, 4) discussing the process and results of the work, 5) observing the audience and reflecting on the work, and 6) considering the artistic significance and limitations of the work. The researcher viewed filial piety as the foundation of Jeongjo's rule of law, chaos and conflict as the core driving forces of Beop (法), and humanism as his pragmatic worldview, creating media content consisting of five scenes with the following four themes: "Emotion (情) – Chaos (混) – Practice (實) – Law (法)." The researcher believes that Beop is not limited to his time but remains valid in the 21st century, and the connection between the past and present is organized into media-facade motion graphic content. The study's achievement is to provide emotional content to the audience by structuring the space and architecture of Suwon Hwaseong as a media facade screen and providing metaphorical and symbolic motion graphics to it. However, the main limitations of this work are that the coronavirus quarantine prevented many viewers from enjoying the work and did not allow for direct interaction between the audience and the work.