Earticle

이 연구는 이와이사와 켄지 감독의 극장판 애니메이션 〈100M.〉의 달리기 동작을 루돌프 라반의 움직임 분석(LMA) 중 에포트 충동 이론을 적용하여 분석한 것이다. 분석 대상은 주인공 토가시의 달리기 장면 세 곳으로, 코미야를 비교 대상으로 포함하여 에포트 충동유형의 변화가 캐릭터의 서사적 성장과 어떻게 대응하는지를 밝히고자 하였다. 분석 결과, 하굣길 장면에서 토가시는 흐름이 소거된 동작 충동을 구현하며 코미야의 열정 충동과 대조를 이룬다. 전국 고등학교 종합경기대회 결승에서는 동작 충동에서 환상 충동을 거쳐 마술 충동으로 에포트 충동 유형 자체가 구조적으로 전환된다. 이는 토가시의 내면 붕괴를 움직임으로 드러낸 것이라 할 수 있다. 이 같은 내면의 위기를 거쳐 토가시는 일본 선수권 결승에서 동작 충동으로 복귀한다. 그러나 이번에는 공허함 대신 충만함을 내재한 에포트로 완성되며, 같은 동작 충동으로 수렴한 코미야와 처음으로 동기화된다. 이를 통해 에포트 충동 유형의 변화가 캐릭터의 서사적 성장에 대응하는 방식을 규명하고 달리기 동작의 질적 변화가 캐릭터의 내면과 서사를 드러내는 양상을 해석하였다. LMA 에포트 충동 분석은 그 과정에서 움직임의 구조적 언어를 읽어내는 해석틀로 기능하였다.

This study applies Rudolf Laban's Effort Drive theory, drawn from Laban Movement Analysis (LMA), to analyze the running movements in Kenji Iwaishawa's animated feature film 100M. The subjects of analysis are three running sequences featuring the protagonist Togashi, with Komiya included as a comparative figure, in order to examine how shifts in Effort Drive type correspond to each character's narrative growth. The findings are as follows. In the after-school scene, Togashi embodies an Action Drive with Flow suppressed, forming a contrast with Komiya's Passion Drive. In the finals of the National High School Athletics Championship, the Effort Drive type undergoes a structural transition — moving from Action Drive through Vision Drive to Spell Drive — which can be understood as an expression of Togashi's inner collapse rendered through movement. Having passed through this internal crisis, Togashi returns to Action Drive in the Japan Championships final. This time, however, his Effort is completed not with emptiness but with a sense of fullness, and he synchronizes with Komiya for the first time, as both converge upon the same Action Drive. Through this, the study identified how changes in Effort-Drive type correspond to a character's narrative growth, and interpreted how qualitative changes in running motion reveal the character's inner state and narrative. In this process, Effort-Drive(LMA) analysis functioned as an interpretive framework for reading the structural grammar of movement.

본 연구는 일본 애니메이션 《목소리의 형태》(聲の形, 2016)에 나타난 장애인 이지메의 의미 구조를 분석하고, 이를 일본 사회의 역사적 배제 문화가 현대 애니메이션 서사에서 어떻게 재현되는지 고찰하는 데 목적이 있다. 이를 위해 무라하치부(촌팔분, 村八分), 히고쿠민 (비국민, 非国民), 메이와쿠(미혹, 迷惑）문화, 우생학적 장애인 인식 등을 이론적 배경으로 검토하고, 그레마스(Greimas)의 서사 기호학을 분석 틀로 활용하였다. 분석 방법으로는 심층구조(Deep Structure)에서 기호사각형을 통해 수용과 배제의 가치 대립을 도출하였 으며, 표층구조(Surface Structure)에서는 행위소 모델(Actantial Model)과 서사 프로그램(Narrative Program)을 활용하여 인물 관계와 서사 전개를 분석하였다. 담론구조(Discursive Structure)에서는 X 표시, 필담 노트, 수어, 다리, 물, 꽃 등의 반복적 기호를 중심으로 의미 생성 과정을 고찰하였다. 분석 결과, 작품의 심층구조는 수용과 배제의 이항대립을 중심으로 구성되며, 장애인 이지메는 개인적 갈등이 아니라 공동체의 배제 메커니즘이 작동하는 구조적 폭력으로 나타났다. 또한 주인공 쇼야는 가해자에서 속죄와 화해의 주체로 전환되며, 서사는 배제에서 공존으로 이행하는 구조를 보여주었다. 담론 차원에서는 각 기호가 사회적 고립, 소통, 관계 회복, 치유의 의미를 생성하는 것으로 분석되었다. 따라서 본 연구에서 장애인 이지메를 일본 사회의 역사적 배제 구조가 문화적으로 재현된 사례로 해석하였고, 애니메이션 서사를 통해 사회적 타자화의 의미생성 과정을 기호학적으로 분석함으로써 학제적 연구의 확장 가능성을 제시하였다.

This study analyzes the semantic structure of disability-related Japanese bullying (ijime) depicted in the Japanese animated film A Silent Voice(2016), and examines how Japan’s historical culture of social exclusion is reproduced within contemporary animated narrative. To this end, the study reviews theoretical frameworks such as mura-hachibu, higokumin, meiwaku culture, and eugenic perceptions of disability, and employs Greimas’s narrative semiotics as its analytical framework. Methodologically, the analysis applies the semiotic square at the deep-structural level to derive the axiological opposition between inclusion and exclusion. At the surface-structural level, actantial modeling and narrative program analysis are used to examine character relations and narrative development. At the discursive level, recurring signs such as the “X” mark, communication notebooks, sign language, bridges, water, and flowers are analyzed in terms of their processes of meaning production. The findings indicate that the deep structure of the work is organized around a binary opposition between inclusion and exclusion. Disability-related bullying is not represented as an individual conflict but rather as structural violence generated through collective mechanisms of social exclusion within the community. Furthermore, the protagonist Shoya transforms from perpetrator to a subject of redemption and reconciliation, and the narrative moves from exclusion toward coexistence. At the discursive level, each recurring sign produces meanings associated with social isolation, communication, relational restoration, and healing. In conclusion, this study interprets disability-related bullying in A Silent Voice as a culturally mediated reproduction of Japan’s historical structures of social exclusion. By analyzing meaning production in animated narrative through a semiotic framework, it demonstrates how social othering is constructed in visual storytelling.

본 연구는 국립중앙박물관의 뮷즈(MU:DS) 문화상품을 중심으로 박물관 문화상품의 시각적 요소에 대한 소비자 선호도를 분석하는 데 목적이 있다. 이를 위해 선행연구를 바탕으로 시각적 요소를 형태, 색채, 문양, 재질의 네 가지 차원으로 구분하고, 뮷즈(MU:DS)의 대표상품 4종을 선정하여 사례 분석과 소비자 설문조사를 실시하였다. 수집된 자료는 총 436부의 유효 응답을 바탕으로 신뢰도 및 타당도 검증, 기술 통계 분석, 사례 간 차이 분석, 국적에 따른 차이 분석을 통해 검토하였다. 연구 결과, MU:DS 문화상품은 전통 문화요소를 단순히 재현하는 데 그치지 않고, 형태, 색채, 문양, 재질을 현대적 디자인 언어로 재구성하는 과정에서 소비자 선호 형성과 관련될 수 있음을 보여주었다. 사례별로는 까치 호랑이 배지가 가장 높은 선호도를 보였으며, 흑립 갓끈 볼펜은 상대적으로 낮은 선호도를 나타냈다. 또한 한국과 중국 소비자의 선호도는 전반적으로 유사한 경향을 보였으나, 일부 재질 요소에서는 차이가 확인되었다. 이러한 결과는 박물관 문화상품의 소비자 선호도가 단일 시각 요소보다 시각적 요소의 표현 방식, 제품 유형과의 적합성, 요소 간 조합에 따라 다르게 형성될 수 있음을 시사한다.

This study aims to analyze consumer preference for the visual elements of museum cultural products, focusing on MU:DS products from the National Museum of Korea. Based on previous studies, the visual elements were classified into four dimensions: form, color, pattern, and material. Four representative MU:DS products were selected for case analysis, and a consumer survey was conducted. Based on 436 valid responses, the collected data were examined through reliability and validity tests, descriptive statistics, analysis of differences between cases, and analysis of differences by nationality. The results showed that MU:DS cultural products do not simply reproduce traditional cultural elements. Rather, they may be related to consumer preference formation by reconstructing form, color, pattern, and material into a modern design language. Among the four cases, the Magpie and Tiger Badge showed the highest level of preference, whereas the Heukrip Gatkkeun Ballpoint Pen showed relatively lower preference. In addition, Korean and Chinese consumers showed generally similar preference tendencies, although differences were found in some material-related elements. These findings suggest that consumer preference for museum cultural products is not determined by a single visual element, but is formed through the mode of visual expression, suitability to product type, and the combination of visual elements.

막걸리는 오랜 기간 대중적이고 친근한 술로 소비되어 왔으나, 최근 고품질 원료와 차별화된 제조 방식, 세련된 패키지 디자인을 바탕으로 프리미엄 주류로 재인식되고 있다. 이에 본 연구는 막걸리 브랜드의 프리미엄화 경향에 주목하여, 서민적 이미지로 인식되어 온 막걸리의 전통성이 고급화 과정에서 어떠한 시각적 표현 방식으로 변화하고 있는지를 분석하고자 하였다. 연구 대상은 일반 막걸리 5종과 프리미엄 막걸리 5종을 선정하여, 브랜드 로고, 색채, 일러스트레이션, 레이아웃 등의 시각 표현 요소를 중심으로 전통성의 표현 방식을 비교·분석하였다. 또한 구상적, 추상적, 반구상적, 로고적 표현 관점에서 사례를 분석하고 전문가 검토를 통해 객관성을 보완하였다. 분석 결과, 일반 막걸리 브랜드에서는 건축물, 자연풍경의 유형적 요소가 직접적이고 설명적인 방식으로 표현되어 친숙함과 대중성을 형성하는 경향이 나타났다. 반면 프리미엄 막걸리 브랜드에서는 여백, 한지 질감, 낙관 등을 활용하여 간접적이고 감성적인 방식으로 무형적 요소를 표현하는 특징이 나타났다. 이는 전통성을 단순히 재현하는 것이 아니라, 절제와 상징을 통해 감각적으로 경험하게 하는 방식으로 해석된다. 본 연구는 이러한 변화 양상을 바탕으로 전통성의 시각 표현 방식을 설명적 전통성 표현, 상징적 전통성 표현, 감성적 전통성 표현으로 유형화하였다. 이러한 분석을 통해 막걸리 브랜드의 프리미엄화는 단순한 시각적 고급화가 아니라 전통성의 전달 방식이 변화하는 과정임을 확인하였다. 본 연구의 결과는 향후 전통주 브랜드의 시각 전략 수립과 한국적 전통성을 활용한 브랜드 디자인 연구를 위한 기초자료로 활용될 수 있을 것이다.

Makgeolli, traditionally recognized as a familiar popular liquor, has recently been repositioned as a premium alcoholic beverage through refined package design and differentiated production methods. This study examines how the visual expression of traditionality changes in the premiumization process of Makgeolli brands. Five general and five premium Makgeolli brands were comparatively analyzed based on visual elements including logos, colors, illustrations, and layouts. The results show that general Makgeolli brands express traditionality in a direct and descriptive manner through tangible elements such as traditional architecture and natural landscapes, emphasizing familiarity and popularity. In contrast, premium Makgeolli brands convey traditionality indirectly and emotionally through empty space, Hanji textures, and seal-inspired motifs. By typologizing traditionality's visual expressions into descriptive, symbolic, and emotional forms, this study demonstrates that makgeolli premiumization is a communicative shift rather than simple cosmetic refinement. The study suggests that the premiumization of Makgeolli represents not simply visual luxury, but a transformation in the way traditionality is visually communicated.

현대 사회는 스트레스 증가와 생활 환경 변화로 인해 심리적 안정과 웰니스 중심의 라이프스타일에 대한 관심이 확대되고 있다. 이에 따라 향기를 활용한 아로마테라피 산업이 성장하고 있으며, 아로마 디퓨저는 실내 환경 개선과 정서적 안정 효과를 제공하는 대표적인 향기 확산 도구로 활용되고 있다. 최근에는 기존의 고정형 디퓨저에서 나아가 사용자의 이동성과 개인화된 향기 경험을 고려한 착용형 디퓨저 제품에 대한 관심이 증가하고 있다. 특히 목걸이형 디퓨저는 장신구 기능과 향기 확산 기능을 동시에 수행할 수 있어 웨어러블 향기 디바이스로서 활용 가능성이 높아지고 있다. 이에 본 연구는 착용형 아로마 디퓨저의 구조와 기능적 특성을 분석하고, 기존 특허 사례를 통해 적용 기술과 구조적 특징을 비교·분석하여 목걸이형 발향 제어 구조 기반의 특허 개발 방향을 제시하는 것을 목적으로 한다. 연구 방법으로는 첫째, 선행연구와 특허자료를 기반으로 아로마 디퓨저의 발향 원리와 착용형 디퓨저의 구조적 특성을 고찰하였다. 둘째, 기존 착용형 디퓨저 관련 특허 사례를 분석하여 향 확산 구조와 제어 방식의 특징 및 한계점을 도출하였다. 셋째, 사례분석 결과를 기반으로 착용형 환경에 적합한 목걸이형 아로마 디퓨저의 기능 구조를 설계하고 특허 개발 방향을 제안하였다. 연구 결과, 기존 착용형 디퓨저 구조의 한계를 보완하기 위하여 이중 확산 구조, 회전형 발향 제어 메커니즘, 방향성 차단 구조 및 교체형 카트리지 시스템을 적용한 목걸이형 디퓨저의 기능 구조를 제안하였으며, 이를 통해 향기 확산의 효율성, 사용자 제어성 및 안전성을 향상시킬 수 있는 기능 구조 기반의 특허 개발 방향을 도출할 수 있었다.

Modern society has seen a growing interest in psychological stability and wellness-oriented lifestyles due to increasing stress and changes in living environments. Accordingly, the aromatherapy industry utilizing fragrance has continued to expand, and aroma diffusers have been widely used as representative fragrance diffusion tools that improve indoor environments and provide emotional stability. Recently, interest in wearable diffusers has increased beyond conventional stationary diffusers, reflecting the demand for mobility and personalized fragrance experiences. In particular, necklace-type diffusers have shown high potential as wearable fragrance devices because they can simultaneously perform decorative accessory functions and fragrance diffusion functions. Therefore, this study aims to analyze the structural and functional characteristics of wearable aroma diffusers and to propose a patent development direction based on a necklace-type fragrance emission control structure through comparative analysis of existing patent cases and applied technologies. As for the research methods, first, the fragrance emission principles of aroma diffusers and the structural characteristics of wearable diffusers were examined based on previous studies and patent documents. Second, existing patent cases related to wearable diffusers were analyzed to identify the characteristics and limitations of fragrance diffusion structures and control methods. Third, based on the case analysis results, a functional structure suitable for wearable environments was designed, and a patent development direction for a necklace-type aroma diffuser was proposed. As a result of the study, a functional structure for a necklace-type diffuser applying a dual diffusion structure, a rotary fragrance emission control mechanism, a directional blocking structure, and a replaceable cartridge system was proposed to overcome the limitations of existing wearable diffuser structures. Through this approach, a functional structure-based patent development direction capable of improving fragrance diffusion efficiency, user controllability, and safety was derived.

본 연구는 디자인 씽킹 방법론을 적용하여 제작된 증강현실(AR) 모션포스터 디자인을 분석하고, 이를 기반으로 시각디자인 교육 현장에서 활용 가능한 AR 모션포스터 디자인 가이드라인을 제안하는 것을 목적으로 한다. 연구 방법으로는 문헌연구·사례연구·실증연구를 결합한 혼합 연구 방법을 채택하였다. 문헌연구에서는 디자인 씽킹·증강현실·모션포스터 관련 KCI 등재 학술지 논문 20편을 분석하였으며, 사례연구에서는 AR 마케팅 디스플레이, 호주 멜버른 동물원 AR 포스터, 오스트리아 MAK 박물관의 “100 Best Posters” AR 전시 등 국내외 대표 사례를 검토하였다. 실증연구에서는 2024년 B대학교 시각디자인 전공 학생들이 제작한 AR 모션포스터 16개 중 8개를 선별하여 ①시각적 조형, ②모션, ③AR 연동, ④스토리텔링, ⑤디자인 씽킹 프로세스의 5개 차원에서 전문가 평가를 수행하였다. 분석 결과 일러스트 기반 시각 표현, 시간적 서사 구조, Artivive 플랫폼 기반 이미지 인식형 AR이 효과적 표현의 공통 패턴으로 도출되었다. 이를 바탕으로 콘셉트 명확성·시각적 레이어 디자인·모션 리듬 구조·AR 트리거 명확화·스토리텔링 구조·AR 도구 최적화·사운드 연계·피드백 기반 반복 개선의 8가지 핵심 요소(G1~G8)를 도출하고, 이를 기획·시각화·구현·검증의 4단계 프로세스로 체계화한 디자인 가이드라인을 최종 제안하였다. 본 연구는 AR 모션포스터를 독자적 연구 대상으로 규명하고, 시각디자인 교육 현장에서 활용가능한 실증 기반 가이드라인을 제공한다는 점에서 학문적·실무적 의의를 지닌다.

This study aims to analyze Augmented Reality (AR) motion poster design produced through the design thinking methodology and propose design guidelines for AR motion posters applicable to visual communication design education. The research employs a mixed-method approach combining literature review, case study, and empirical research. The literature review analyzed 20 KCI-listed academic papers on design thinking, augmented reality, and motion posters. The case study examined representative domestic and international cases, including AR marketing displays, the Melbourne Zoo AR storytelling poster, and the MAK Museum’s “100 Best Posters” AR exhibition in Austria. The empirical study selected and analyzed 8 out of 16 AR motion poster projects produced by visual communication design students at University B in 2024, evaluating them across five dimensions: visual elements, motion, AR integration, storytelling, and design thinking process, through expert evaluation. The analysis revealed that illustration-based visual expression, temporal narrative structure, and Artivive‘s marker-based image recognition AR were common patterns of effective expression. Based on these findings, the study derived eight core guideline elements (G1–G8): concept clarity, visual layer design, motion rhythm structure, AR trigger clarification, storytelling structure, AR tool optimization, sound integration, and feedback-based iterative improvement. These elements were systematized into a four-stage design process: planning, visualization, implementation, and verification. This study holds academic and practical significance in establishing AR motion posters as an independent research subject and providing empirically-grounded guidelines for visual communication design education.

본 연구는 한·중 대표 전통 과자 브랜드의 패키지에 나타난 문화적 상징 요소의 표현 특성을 비교·분석하고, 이러한 요소가 소비자의 문화적 지각, 만족도, 재구매 의도 및 구전 의도에 미치는 영향을 검증하는 데 목적이 있다. 이를 위해 한국의 골든피스, 삼립 약과, 생과방과 중국의 도향촌, 싱화러우, 광저우주점의 대표 패키지를 연구 대상으로 선정하고, 문헌연구, 사례 분석 및 실증 분석을 실시하였다. 사례 분석에서는 그래픽(문양), 문자, 색채, 재질 및 구조의 네 가지 차원을 중심으로 문화적 상징 요소의 표현 특성과 의미를 분석하였다. 실증 분석에서는 한국과 중국 소비자를 대상으로 온라인 설문조사를 실시하고, PLS-SEM 분석을 통해 변수 간 관계를 검증하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 한·중 전통 과자 패키지는 모두 전통문화 요소를 현대적 패키지 디자인으로 재구성한다는 공통점을 보였으나, 구체적인 표현 방식과 강조되는 문화적 의미에서는 차이가 나타났다. 둘째, 문화적 상징 요소의 네 가지 차원은 양국 표본에서 모두 문화적 지각에 유의한 정(+)의 영향을 미쳤다. 셋째, 문화적 지각은 만족도에 유의한 정(+)의 영향을 미쳤으며, 만족도는 재구매 의도와 구전 의도에 유의한 정(+)의 영향을 미쳤다. 넷째, 문화적 지각이 재구매 의도와 구전 의도에 미치는 직접 경로 역시 두 표본에서 모두 유의하게 나타났다. 다섯째, 중국 표본에서는 색채와 문자의 영향력이, 한국 표본에서는 재질 및 구조의 영향력이 상대적으로 높게 나타났다. 이러한 결과는 전통 과자 패키지의 문화적 상징 요소가 소비자의 문화적 지각과 행동 의도 형성에 중요한 역할을 할 수 있음을 보여준다. 또한 전통문화의 의미가 현대적 패키지 디자인 요소로 전환되어 소비자의 문화적 지각 및 행동 의도와 연계되는 관계를 설명함으로써, 한·중 전통 과자 패키지의 문화적 표현 전략을 위한 이론적·실무적 시사점을 제시한다.

This study aims to compare and analyze the expressive characteristics of cultural symbolic elements in the packaging of representative traditional confectionery brands in Korea and China and to examine their effects on consumers’ cultural perception, satisfaction, repurchase intention, and word-of-mouth intention. Representative packages from Golden Piece, SPC Samlip Yakgwa, and Saenggwabang in Korea and Daoxiangcun, Xinghualou, and Guangzhoujiujia in China were selected as the research subjects. The study employed a literature review, case analysis, and empirical analysis. The case analysis examined the expressive characteristics and meanings of cultural symbolic elements across four dimensions: graphics and patterns, typography, color, and materials and structure. For the empirical analysis, an online survey was conducted among Korean and Chinese consumers, and the relationships among the variables were examined using partial least squares structural equation modeling (PLS-SEM). The results are as follows. First, traditional confectionery packages in both Korea and China shared the common characteristic of reinterpreting traditional cultural elements through contemporary package design, while differing in their specific modes of expression and the cultural meanings emphasized. Second, all four dimensions of cultural symbolic elements had significant positive effects on cultural perception in both samples. Third, cultural perception had a significant positive effect on satisfaction, while satisfaction had significant positive effects on repurchase intention and word-of-mouth intention. Fourth, the direct effects of cultural perception on repurchase intention and word-of-mouth intention were also significant in both samples. Fifth, color and typography showed relatively stronger effects in the Chinese sample, whereas materials and structure showed a relatively stronger effect in the Korean sample. These findings indicate that cultural symbolic elements in traditional confectionery packaging can play an important role in shaping consumers’ cultural perception and behavioral intentions. By explaining how traditional cultural meanings are transformed into contemporary package design elements and related to consumers’ cultural perception and behavioral intentions, this study provides theoretical and practical implications for cultural expression strategies in Korean and Chinese traditional confectionery packaging.

본 연구의 목적은 생성형 AI 확산과 AI 디지털교과서(AIDT) 정책 도입 이후 변화된 AI 교육과 AI 피드백에 대한 사회적 인식 구조를 분석하고, 이를 바탕으로 AI 학습경험 설계를 위한 시사점을 탐색하는 데 있다. 이를 위해 Google Trends와 Sometrend를 활용하여 2022년 10월부터 2025년 9월까지의 언급량, 연관어 및 감성어를 비교·분석하였다. 분석 결과, AI 교육은 AI 관련 정책 및 공교육 확산과 함께 학습 효율성, 성장 가능성, 미래 역량을 지향하는 인식 구조로 이동하는 경향을 보인 반면, AI 피드백은 정확성, 신뢰성, 심리적 부담과 같은 복합적인 경험 요소가 중요한 평가 기준으로 부각되는 양상을 보였다. 또한 AI 기반 학습 담론은 정책 및 시스템 중심의 논의에서 점차 학습자 경험과 상호작용 중심의 논의로 확장되는 경향이 나타났다. 이를 바탕으로 AI 학습경험 설계 시 고려할 수 있는 주요 관점을 기능·효과, 접근성·가치, 신뢰·위험·부담의 세 가지 측면에서 정리하였다. 구체적으로 성장 중심의 학습 구조, 접근성 중심 인터페이스, 신뢰성과 정서적 안정성을 고려한 UX 설계에 대한 시사점을 제안하였다. 본 연구는 AI 교육과 AI 피드백에 대한 대중 인식 구조를 분석하고, 이를 바탕으로 AI 학습경험 설계를 위한 탐색적 시사점을 제시하였다는 점에서 의의를 가진다.

The purpose of this study is to analyze the changing social perception structure of AI education and AI feedback following the expansion of generative AI and the introduction of the AI Digital Textbook (AIDT) policy, and to explore implications for designing AI-based learning experiences. To achieve this, Google Trends and Sometrend were utilized to comparatively analyze mention volume, associated terms, and sentiment-related expressions from October 2022 to September 2025. The findings indicate that AI education has increasingly been associated with learning efficiency, growth potential, and future competency development alongside policy expansion in public education. In contrast, AI feedback was more closely related to factors such as accuracy, reliability, and psychological burden. In addition, AI-based learning discourse showed a tendency to expand from policy- and system-centered discussions toward learner experience and interaction-oriented perspectives. Based on these findings, this study organized key perspectives for AI learning experience design into three dimensions: functionality and effectiveness, accessibility and value, and trust, risk, and psychological burden. Specifically, implications were proposed regarding growth-oriented learning structures, accessibility-focusedinterfaces, and UX design strategies that consider reliability and emotional stability.

현대 사회에서 시각예술에 대한 대중의 관심이 지속적으로 확대됨에 따라, 시각적 표현을 통해 동양화의 문화적 의미를 효과적으로 전달하는 문제는 시각디자인 및 예술 연구 분야에서 중요한 과제로 대두되고 있다. 그러나 상징성과 정신적 내포를 중시하는 동양화의 특성상, 단순한 시각적 접촉만으로는 작품의 문화적 의미를 충분히 이해하기 어렵다. 이에 본 연구는 문인화의 대표 주제인 ‘사군자(四君子)’를 연구 대상으로 설정하고, 국립중앙박물관 소장 〈사군자도(선면)〉를 사례로 삼아 필획·묵색·구도·문자의 네 가지 시각 요소를 중심으로 사례 분석과 설문조사(유효 표본 497부)를 수행하였다. 분석 결과, 각 시각 요소는 동양화의 문화적 의미를 구성하는 과정에서 서로 다른 기능을 수행하는 것으로 나타났다. 필획과 묵색은 화면의 리듬과 공간감을 형성하여 관람자의 감정 반응을 유도하고, 구도는 시각적 흐름과 주제 인식에 영향을 미치며, 문자 요소는 문화적 맥락을 보완하여 작품 이해를 심화시키는 역할을 하였다. 이러한 결과를 바탕으로 본 연구는 ‘입력–시각 요소 추출–인지 맵–출력’의 단계로 구성된 시각 요소 기반 동양화 인지 프레임워크를 제안한다. 본 프레임워크는 전통 회화의 체계적 해석, 시각 콘텐츠 디자인에서의 표현 분석, 예술 교육에서의 문화 이해 유도 등에 활용될 수 있으며, 시각 정보와 문화적 의미의 통합적 해석을 위한 방법론적 기반을 제공한다.

As public interest in the visual arts continues to grow in contemporary society, effectively conveying the cultural meanings of East Asian painting through visual expression has emerged as a significant issue in visual design and art research. Yet, given that East Asian painting emphasizes symbolism and inner spiritual content, mere visual contact is insufficient for fully grasping its cultural significance. This study therefore takes the “Four Gentlemen”, a representative subject of literati painting, as its research object, focusing on Painting of the Four Gentlemen (folding-fan format) housed in the National Museum of Korea. Centering on four visual elements-brushwork, ink tone, composition, and inscription-the study combines case analysis with a questionnaire survey (497 valid responses) to examine how these elements affect viewers' cultural cognition and evaluation. The findings indicate that each visual element performs a distinct function in the construction of cultural meaning in East Asian painting. Brushwork and ink tone shape the rhythm and spatial depth of the picture and thereby elicit emotional response; composition guides visual flow and the recognition of the subject; and inscriptions supplement the cultural context and deepen the viewer's understanding of the work. Building on these results, the study proposes a visual element based cognitive processing framework for East Asian painting, structured around four stages: input, visual-element extraction, cognitive mapping, and output. The proposed framework supports the systematic interpretation of traditional painting, the expressive analysis of visual content design, and the cultivation of cultural understanding in art education, thereby offering a methodological foundation for the integrated interpretation of visual information and cultural meaning.

생성형 AI와 에이전틱 AI의 확산은 디자인 실무에서 구현 중심 과업의 성격을 변화시키고 있으며, 이에 따라 디자이너에게 요구되는 역량 역시 개별 결과물의 직접 제작에서 작업 과정의 구조화, 인간-AI 역할 배분, 산출물과 과정에 대한 비평적 판단으로 이동하고 있다. 특히 AI가 초안 생성, 시각화, 반복 수정 등 초급 디자이너가 수행해 온 주변적 과업을 보조하거나 대체하게 되면서, 실무 경험을 통해 점진적으로 형성되던 디자인 전문성의 학습 경로가 약화될 가능성이 제기된다. 본 연구는 이러한 문제의식에서 출발하여 AI 협업 환경에서 요구되는 디자이너 역량을 이론적으로 재정의하고, 이를 설명하기 위한 개념으로 시스테마틱 디자이너(Systematic Designer)를 제안한다. 본 연구는 문헌 연구에 기반한 개념적 프레임워크 제안 연구이다. 이를 위해 디자이너의 전통적 역할을 기획자, 구현자, 비평자의 세 축으로 검토하고, 전문성 발달 단계와 인지부하 이론을 바탕으로 초급 디자이너의 학습 경로와 인지적 차이를 고찰하였다. 또한 프로세스 아키텍처링을 암묵적 디자인 전문성을 외현화하는 방법으로 해석하여, 디자인 과정을 작업 단위와 흐름, 수행 주체, 판단 지점의 관계로 재구성하였다. 이를 바탕으로 시스테마틱 디자이너를 AI 협업 환경에서 디자인 과정을 명시적으로 구조화하고, 인간과 AI의 역할을 전략적으로 배분하며, 산출물과 작업 과정의 적절성을 비평적으로 판단·조정하는 메타역량을 갖춘 디자이너로 정의하였다. 그 핵심 역량은 프로세스 구조화 능력, 인간-AI 역할 배분 능력, 비평적 품질 관리 능력으로 정리된다. 나아가 본 연구는 이러한 역량을 디자인교육에서 다루기 위한 예비적 교육 설계 원리로 MECE 기반 작업 절차 구조화, 스윔레인 차트를 통한 인간-AI 역할 구조 시각화, 실행 및 비평적 평가의 세 단계를 제안하였다. 이 논의는 AI 시대의 디자이너를 단순한 도구 사용자나 결과물 생산자가 아니라, 디자인 과정 전체를 설계·조율·평가하는 주체로 재정의했다는 점에서 의의를 지닌다. 또한 실무 경험을 통해 암묵적으로 형성되던 작업 설계와 판단 능력을 디자인교육에서 명시적으로 구조화하기 위한 이론적 기반을 제공한다. 실제 교육 현장에서의 적용 양상과 교육 효과에 대한 경험적 검증은 후속 연구 과제로 설정하였다.

The expansion of generative AI and agentic AI is changing the nature of implementation-oriented tasks in design practice. Accordingly, the competencies required of designers are shifting from the direct production of individual outcomes toward the structuring of work processes, human-AI role allocation, and critical judgment of both design outcomes and processes. In particular, as AI increasingly supports or replaces peripheral tasks traditionally performed by novice designers, such as initial draft generation, visualization, and iterative refinement, concerns have emerged that the experiential learning pathways through which design expertise has gradually been formed may be weakened. Against this background, this study theoretically redefines the competencies required of designers in AI-collaborative environments and proposes the concept of the Systematic Designer. This study proposes a conceptual framework based on a literature review. It examines the traditional roles of designers through three dimensions: planner, implementer, and critic. It also reviews the learning pathways and cognitive differences of novice designers based on models of expertise development and cognitive load theory. In addition, this study interprets process architecting as a method for externalizing tacit design expertise and reconstructs the design process in terms of task units, process flows, performing agents, and decision points. Based on this discussion, the Systematic Designer is defined as a designer equipped with the meta-competency to explicitly structure design processes, strategically allocate roles between humans and AI, and critically evaluate and adjust the appropriateness of both design outcomes and work processes in AI-collaborative environments. The core competencies of the Systematic Designer are identified as process structuring ability, human-AI role allocation ability, and critical quality management ability. Furthermore, this study proposes three preliminary educational design principles for addressing these competencies in design education: MECE-based structuring of work procedures, visualization of human-AI role structures through swimlane charts, and execution with critical evaluation. The significance of this study lies in redefining the designer in the AI era not as a mere tool user or producer of visual outcomes, but as an agent who designs, coordinates, and evaluates the entire design process. It also provides a theoretical basis for explicitly structuring, within design education, the abilities of work-process design and judgment that have traditionally been formed tacitly through practical experience. The empirical examination of its application and educational effects in actual design education settings is left for future research.