Earticle

도깨비는 우리 민족 고유의 심성을 반영한 존재이며 우리 자신이기도 하다. 그동안 도깨비는 어리석은 인간과 신격화된 신성을 반반씩 가진 특이한 존재로 오랫동안 우리 곁을 지켜왔다. 하지만, 주로 집안이나 동네 어른의 구전을 통해 전승되던 도깨비 이야기는 이제 단지 어린이의 동화책이나 애니메이션으로 들어가 버리고 말았다. 그리고 그 시각적 이미지는 우리가 어릴 때 듣던 그 모습이 아니다. 급속한 산업화 및 핵가족의 형성과 함께 전승이 단절된 우리의 도깨비 이야기의 부활과 올바른 이미지 구축에 대한 탐구가 필요한 시점이다. 조선시대 472년간 도깨비는 양반계급과 민중 사이에서 전혀 다른 이미지로 존재한다. 한편 우리는 주변에 전해 내려오는 많은 우락부락한 조각, 귀면와, 또는 평면 이미지들을 모두 도깨비라고 거부감 없이 수용하고 있다. 그렇다면, 우리의 올바른 도깨비 모습은 어떤 것일까. 조선왕조실록에 등장하는 도깨비의 모습과 민담에 전해지는 도깨비의 모습을 찾아보고 비교함으로써 올바른 도깨비의 모습을 유추하고, 우리의 아름다운 문화유산이자 우리의 정체성과 관련된 에듀테인먼트 컨텐츠로서 도깨비의 가치를 재조명하고자한다.

Dokkaebi is the reflection of our nation’s nature: and of ourselves. For a long tim Dokkaebi has been with us as an unique creature, half as the silly human being and the other half as the divine nature. However the stories of Dokkaebi, that has been transmitted orally through families or neighbors, has now disappeared into children’s books and animations. Also the image is different from what we heard back in our childhood, since the oral tradition of Dokkaebi has been interrupted by rapid industrialization and appearance of increasing numbers of nuclear. Therefore the researcher feels that now is the time to study on our Dokkaebi stories and building the proper image for them.Dokkaebi exists as totally different images between the nobilities and the plebeians. Also numbers of different images transmitted to us, including rowdy, Guimyunwa or plane, are all perceived as Dokkaebi, without any denial. If that is the case, what would be the most proper image for our Dokkaebi? The researcher suggests to look for Dokkaebi’s appearance that were presented in the Annals of the Choson Dynasty and transmitted through folk tales. By comparing these various representations of Dokkaebi, the proper image of Dokkaebi can be analogized, and the real value of Dokkaebi will be illuminated; as one of our fine cultural heritage and the edutainment content that is related to our national identity.

일러스트레이션은 개인의 창조적 표현보다는 보편적인 감성의 전달에 치중置中하는 이미지이다. 보편적인 감성을 이용해 작가의 감성과 정보를 관객에게 전달하는 이미지, 생산된 정보를 수용자에게 정확하게 전달하기 위해 기획되는 이미지인 것이다. 그러나 공공공간에서 제작되는 일러스트레이션은 이러한 고전적인 의미의 정보전달 체계가 적용되지 않는다. 생산자와 소비자가 어느 정도 예측되는 미디어 매체 즉 서적이나 인터넷 클럽등과 달리, 공공공간의 이미지들은 생산자와 소비자가 예측되지 않으며 이미지에 담겨진 정보도 수용자의 해석과 이미지의 모호성에 의해 왜곡됨으로써 전혀 새로운 정보로 변이되기 때문이다. 그럼에도 불구하고 공공공간의 일러스트레이션들은 관과 기업의 정보를 수용자에게 일방적으로 전달하게끔 제작됨으로써 생산자와 수용자의 자유로운 관계를 지향하는 공공공간과 충돌하고 있다. 즉 공공 일러스트레이션의 전제성專制性이 공공 공간의 다양성을 헤치고 있는 것이다. 이러한 모순을 불러일으키는 가장 큰 원인은 공공성이라는 전체적全體的 개념을 필요로 하는 공동체가 다양한 이념ideology을 가진 개별적인 집단들의 모임으로 구성되어 있기 때문이다. 공공성에 대한 개념 자체가 구성원의 입장에 따라 다양하게 나타날 수 있는 것이다.이에 본 논문은 공공성을 어떻게 정의할 것인가라는 불가능한 물음에 답하기 보다는 공공공간의 모호한 커뮤니케이션 구조를 도시인터페이스의 개념으로 설명하고, 이러한 구조 속에서 공동체의 다양한 구성원들이 함께 즐기고 소통疏通할 수 있는 이미지의 개념을 모색했다. 즉 공공공간의 공공성을 위해서는 생산자의 전제적 입장이 아닌 수용자의 해석적 입장에서 이미지의 커뮤니케이션을 대할 때 공공 일러스트레이션의 창조적 가능성이 발휘될 수 있음을 논하였다.

Illustration is an image which delivers universal sensitivity rather than to express an individual’s creativity. However, this traditional meaning of information delivery system is not applicable to the illustrations produced within public spaces. This is because, unlike the Internet clubs or books of which creators and consumers are fairly predictable, the information these images carry tend to become something new when their creators and consumers are distorted by an unpredictable ambiguity.None the less, the illustrations within public spaces are created in the aim of delivering information of governmental or corporative institutions to their consumers in a unilateral manner, interrupting the free relationship between their creators and consumers. In other words, an autocratic nature of the public illustrations is pulling apart a diversity of public spaces. The biggest reason of this conflict is that a community, which requires a mass concept, consists of a collection of individual groups that cherish diverse ideologies. The idea of publicity itself can be diversified according to a standpoint of each member of the community.Thus, this study aims to analyze the vague structure of communication in public spaces by the notion of urban interface and to seek a general idea of the images which can be enjoyed and understood by various types of members in a community, rather than to ask an impossible question of definition of publicity. What this study asserts is that the creative potentiality of public illustrations can be maximized when they address communication not from the creator’s tyrannical standpoint but from the consumer’s interpretive point of view for the sake of the publicity within public spaces.

사회는 보수와 진보가 양 날개가 돼 균형을 이뤘을 때 발전한다. 조선일보와 한겨레신문은지난 20년 동안 대표적 보수신문과 대표적 진보신문의 대립을 보여왔다. 보수와 진보의 긍정적 혹은 부정적 관점에서 떠나 이들이 가지는 디자인적 요소를 연구해 보기로 한다.이 두 가지 신문의 편집디자인은 텍스트 기사의 성격만큼이나 보수성 진보성이 표면화 돼 있다. 학문적으로 정의되지 않은 신문디자인의 보수성과 진보성을 규정하기 위하여 이 두 신문을 통해 연구해 본 결과 조선일보는 90년 가까운 역사의 전통성 명맥을 오늘날까지 유지하고 있으며 창간 당시 역사적 배경에 따라 한겨레신문은 조선일보에 비해 진보적이고 개방적인 디자인을 유지하는 것으로 나타났다. 제호의 사용을 비롯해 헤드라인 및 본문 서체의 사용, 보도 사진의 사용위치, 점유율 등을 기준으로 연구했을 때 조선일보와 한겨레신문은 많은 차이를 나타내고 있다. 또한 훨씬 두터운 독자층을 확보하고 있는 조선일보는 이에 따라 많은 지면을 광고에 할애하고 있는 것은 당연한 귀결이며 이를 통해 알 수 있는 것은 한국 사회가 보수편향의 사회라는 것이다. 1면의 지면 보도사진 활용율은 조선일보와 한겨레신문이 평균 각각 56%와 80%의 활용율을 보여주고 있었으며 광고의 경우 조선일보 57% 한겨레신문 40%의 활용율을 보여주고 있다. 텍스트 기사를 제외하고 지면의 자유로운 활용도, 개발 서체의 혁신성, 편집의 다양성 등에 따라 신문을 보수적, 진보적으로 평가했을 때, 기사의 내용만큼이나 조선일보와 한겨레신문은 편집디자인에서도 그 성향을 여과 없이 보여주고 있다.

The healthy society consists of conservative and progressive parties in equilibrium.Chosun and Hankyoreh have been showing their contrastive engagement in last 20 years, after publication of Hankyoreh in 1988.In this paper the design factors are only studied to the exclusion of positive or negative aspects of conservatism and progressivism. It wasn’t so critical to find out their philosophy in fields of design. In consequence of this study to define conservatism and progressivism of layout design in daily newspaper, Chosun has been insisting to keep his traditional, historical philosophy till today even in (Layout-) design sector and Hankyoreh has been keeping on his progressive idea as like as his text articles.The title, using fonts, position and size of photographs and each distribution have in two newspapers quite different tendency. The remarkable high circulation of Chosun leads to advertisements in much more portion than Hankyoreh. The high circulation and high portion of advertisement in a newspaper are economically correct. But it means that Korean society is too much conservative in other hands.

한국의 상업애니메이션 제작은 CF에서 시작하여 극장용, OEM형식의 산업 구조에서 1987년 KBS "떠돌이 까치攀 KBS 방송국에서 만화가 이현세의 인기 만화를 3부작(총 80분) 셀 애니메이션으로 제작한 작품으로, 제작사는 대원동화·신원 프로덕션·세영동화이다. 프로듀서는 조봉남여사이다. 1988년 올림픽 개최를 계기로 1987년 어린이날에 방영되었다. 이 작품에서는 새를 등장시켜 외로운 주인공 '설까치'의 친구 역을 맡도록 했다.攀攀"방영을 시발점으로 '달려라 호돌이', '달려라 하니', '천방지축 하니', '영심이'가 연속 방영되며 국내 창작 TV애니메이션이 방영되면서 TV애니메이션은 발전을 거듭하였고, 이 시점을 중심으로 극장용 작품 제작이 붐을 이루며 개봉을 하기 시작하면서 현재에 도달 했다. 하지만 애니메이션제작에 따르는 선진국의 파이프라인의 능력 부족은 애니메이션현장 산업에 초안을 제공하지 못하였고 산업 전반에 정체현상이 나타나고 있다. 이러한 문제점은 컨버전스시대에서 중추적 산업구성의 사이클에서 제외될 우려가 있다. 따라서 컨버전스의 의미와 관계성, 현실의 문제를 분석하여 한국 애니메이션산업 발전을 위한 제작방향 제안을 제시하여 학술적 의미에 기여하고자 한다.

Korean commercial animation production was started in TV commercials and OEM. From "Wanderer Kachi" in 1987, the industry structure changed to produceoriginal TV series such as ‘Hodori’, ‘Run, Honey’, ‘Honey, the tomboy’ and ‘Youngsimi’, at that time, TV animation had progressed rapidly and there were a lot of animations produced for movie theaters. However, the lack of competence of the advanced countries pipeline for animation production has not provided a draft for animation industry and brought general stagnation. It may happen that this problem can exclude the animations out of main industrial composition in the upcoming conversions era. Therefore this paper is intended to analyzethe meaning of conversions and it’s relation with the animation and what is the actual problem to suggest a direction for development of the Korean animation industry and its academic meaning.

그래픽 디자이너와 디자인 교육자들을 압박하고 있는 당면한 문제는, 고등교육의 틀 속에서, 디자인 교육의 전제는 왜 다시 재고되는 것인가? 왜 지금 현 체재(system)의 수월성에 집중하지 않고. 관습이 기본적 변화를 가로 막고 있다고 생각하는가? 이다.이 논문은 디자인 교육에 관한 글로써 미국의 디자인교육 인증체계에 중심을 둔다. 본 논문의 연구범위와 방법은 NASAD(National Association of Schools of Art and Design) 인증 시스템을 중심으로 미국의 미술과 디자인 교육의 전반을 알아보고, 그중에서 NASAD에 가입하고 인증을 거친 대학의 시각디자인 관련 학과의 전공교과목 교육과정을 중심으로 관련내용의 체계를 파악하였으며, 시각디자인의 폭넓은 관심을 목표로 하고 시각디자인 분야의 교육에 관련된 부분을 중점으로 연구하였다.디자인 교육과 디자이너 교육은 그 책임이 전적으로 교육현장에 있는 교육내적 영역이다. 오늘의 우리에게 요구되는 교육내적 문제는 무엇보다도 뚜렷한 교육목표, 범위, 순위 및 효과를 명시한 교과과정이라 할 수 있다. 이의 수행은 능력과 사명감을 가진 훌륭한 교수진과 학교에 의하여 가능하다. 이 같은 여건만 갖추어 진다면 우리가 바라는 좋은 디자인교육이 될 수 있을 것이다.

Although this thesis concentrates on issues of Graphic Design education, also pertain to education in other areas of design; most apply to arts education and many are relevant to post-secondary education in general. With all of the pressures on higher education and all of the questions facing graphic designers and design educators, why reconsider the basic premise of graphic design education? Since inertia tends to discourage basic change, why not concentrate on excellence within the current system? The answers to those questions center on both fairness and survival.NASAD recognizes the need to find ways of clarifying and maintaining standards in art and design through the responsible education of artists and designers. By means of accreditation, it can encourage those institutions that consistently give students a sound basis for significant future accomplishments in art and design. Accreditation also imposes on those institutions the responsibility for continual effort to strengthen art and design education in general.in both accredited and not-yet-accredited schools. In addition, it provides a basis for public recognition of an institution‘s quality.In light of this tendency toward professionalism, it may seem counterintuitive that we not only increase the argumentation of design training with more liberal studies, but also reconsider graphic design education-as a liberal arts subject.

현대 일러스트레이션에서 가장 커다란 변화는 컴퓨터의 발전과 보급을 들수 있다. 과학기술과 통신기술로 인하여 컴퓨터와 더불어 인간의 상상을 뛰어넘는 환경으로 발전하고 새로운 개념의 표현수단이 아닌 일반인에게도 시각표현으로 널리 보급되고 있다. 컴퓨터 소프트웨어의 활성화 전문화 등으로 인하여 다양한 혜택을 누리고 있다. 컴퓨터 그래픽스는 사용되는 프로그램에 따라 다양한 시도를 할 수도 있다.컴퓨터 그래픽은 인간이 표현하기 어려운 표현요소들 까지도 가능하게 하며 좋은 아이디어에 맞게 시각전달 도구로 컴퓨터는 좋은 장점이 있다.일러스트레이터는 어디에 어떻게 사용되어지는 일러스트레이션인지에 따라 매체의 종류와 기법도 다르게 표현하며 그런 요구에 가장 적절하게 쓰여지는 매체중의 하나가 바로 컴퓨터이다. 컴퓨터 프로그램은 수백년간 개발해 온 화구들의 표현기법을 갖고 있다. 이런 특성들이 마우스의 클릭한번에 아무나 멋진 표현을 할 수 있도록 도와준다. 본 연구는 일러스트레이션의 표현 제작도구로서 컴퓨터그래픽의 활용 및 특성을 알고 일러스트레이션을 제작하는데 있어서 다양한 매체활용에 대한 연구와 컴퓨터 그래픽스의 이론적 배경을 바탕으로 컴퓨터를 활용한 컴퓨터 그래픽 일러스트레이션의 다양한 표현 방법을 알아본다. 『디지털 사회로 대변화를 통해 현대사회에서 컴퓨터에 의해 형성되는 디지털 이미지는 현세대의 익숙한 소재와 주제가 되어 출판, 편집이나 애니메이션과 영화제작뿐만 아니라 건축설계와 예술에 이르기까지 새로운 가능성을 열어주고 있다.』 컴퓨터의 효과적인 활용과 컴퓨터 그래픽이 생성하는 디지털 이미지의 다양성과 독특함을 발견하고 일러스트레이션에 있어 컴퓨터그래픽 활용 가능성을 제시하고자 한다.

The development and the diffusion of computers have brought significant changes in the modern illustration field. With the help of the technology of science and communication, the field of computers and computer graphics has developed unimaginably and they are now widespread among the general public as a visual presentation. The field is not a new conception anymore. Thanks to activation and specializations of computer software, people have been receiving many benefits. Computer graphics can be applied variously according to the use of programs. They have succeeded in expressing the elements that guman beings have failed to and the computer has the merit of a visual delivery tool using proper ideas.

광고텍스트를 구성하는 기호는 종류나 표현된 형식에 관계없이 설득기능이 부여된 기호로 수신자의 태도나 행동변화를 희망하는 설득이라는 목적지향성을 갖는다. 텍스트의 해석과 의미강화에 동원되는 동위성은 설득기제이다. 동위성은 기호와 기호 간의 공통분모적인 기능이나 지배력의 정도에 따라 결합되거나 강화되며 담화구조의 주제적 의미를 형성한다. 이 과정에서 동위소들은 중첩, 반복, 연합되며 설득기제로 작용한다. 또한 이러한 주제적 의미는 대립 항에서도 발생하며 이러한 대립범주에 의해 대립항간의 주제의미는 더욱 극명해진다.담화구조의 주제적 의미는 기호 설화구조의 심층에 잠재하는 의소의 규명을 가능하게 하였으며, 텍스트상의 기호들은 의미생성 행정을 거치면서 의미 작용하는 의소의 변환된 기능소들 임을 이해할 수 있었다. 이러한 횡적·종적 연합과 점층적인 연대에 의해 확보되는 동위소들은 설득기제로 작용하는 주체들이다. 광고는 수신측의 태도나 행동변화를 통한 판매의 기대, 즉 경제적 이익의 확대를 목적으로 한다. 첨단기술력을 concept로 한 제품광고나 기업철학을 내용으로 한 기업광고라 하드라도, 경제논리가 우선하는 광고의 설득적 태도는 본원적인 광고의 역할로 판매명제를 강화하기 위한 설득기제의 전략적 선택, 그것이 광고의 동위성이었다.

Signs constituting advertisement texts are those which are granted persuasion function regardless of their kind or expressed form and they have goal directivity of persuasion hoping changes in their receivers' attitudes or behaviors. Isotopy is a persuasion mechanism which is mobilized to strengthen interpretation and meaning of the texts. Isotopy is combined or strengthened according to the function of common denominator or the degree of dominance and forms a subjective meaning of structure discursive. In the process, isotopes are reiterated, repeated and united to work as a persuasion mechanism. Besides, such a subjective meaning happens in confronting items as well and the subject meaning between confronting items becomes clearer by such confronting categories. The subjective meaning of structure discursive has made it possible to clarify sememes which are latent in the depths of sign tale structure and I could understand that signs in the texts are transformed conjunctors functioning through generative trajectory of signification. The isotopes which are secured by lengthwise and breadthwise combination and gradual solidarity are subjects working as persuasion mechanisms. Advertising aims to expand expectation of sale, or to expand financial profits, through causing changes in receivers' attitudes or behaviors. Even in product ads with a concept of advanced technological power or corporate ads stressing corporate philosophy, the persuasive attitude of the advertising placing priority on economic logic which is the original role of the advertising, is a strategic choice of a persuasion mechanism to strengthen sales proposition and such is isotopy of the advertising.

교통광고 시장의 급격한 변화 그리고 비용 인상은 다시 광고주로 하여금 이러한 요구를 강제하게 만든다. 다행히 이런 광고주 요구는 매체개발자에겐 의욕을 불러 일으키고, 대행사의 기획자(Planner)들에겐 뭔가 새로운 것을 찾도록 요구되어진다. 지하철 광고는 고정적인 유동인구가 많고 노선이 지나는 위치에 따른 사용자들의 특색 구분이 쉽다. 따라서 지하철 광고는 내부에 인쇄광고 수준을 넘어 차량 하나를 하나의 브랜드 광고로 꾸미는 ‘브랜드 트레인’, 차량 내부 동영상 광고, 역사 내 동영상 광고 등 독특한 광고매체로 지속적으로 발전하고 있다. 티저 광고는 고객에게 끊임없이 사고를 유도해 인식 참여를 유도하는 광고기법이다. 소비자는 자신이 원하는 광고를 적극적으로 찾아 나서는 경향을 보인다. 또 소비자는 사건의 직접적 관찰과 참여를 통한 체험적 욕구를 지니고 있다. 이러한 소비자 요구에 부흥하는 티저 광고 활용은 지하철 특성과 잘 부합된다. 지하철 광고는 부담이 없고 눈에 잘 띄며 광고제품에 관심을 가지게 하여 전반적으로 유용하다고 본다. 그러나 생활정보의 제공, 광고제품의 신뢰성 및 광고의 오락성 제공 측면에서는 부족하다고 지적되었다. 그러므로 본인의 의견으로는 이러한 단점을 극복하기 위해서는 타 매체 광고(TV, Radio, 신문, 잡지 등)를 우선 집행 후 신뢰성 등의 단점을 보완하여 상표기억효과를 어느 정도 극대화 한 후 지하철광고를 지속적으로 집행하는 것이 바람직하다고 본다. 그리고 타 매체 광고와 관련해서 지하철 광고는 타 매체 광고의 기억 재생효과가 비교적 탁월하다고 지각되고 있어, 타 매체와 연계한 광고 집행 시 시너지효과가 극대화될 수 있음을 클라이언트는 인식할 필요가 있다.

Recently, seoul brought the outer growth as the international society due to the population increase and city expansion. But, the road traffic is undergoing the phenomenon of the overpopulation tendency of the quantity of road traffic due to the popularization of motorcar and the serious traffic congestion and the insufficiency of the land for road due to this etc.Subway is being extended and added as the scheme about this traffic situation and the positive application of ground space. As for the subway which will have the total extension of about 400 Km until 2,000s in the future, about 45 % of whole area of Seoul city will be laid in the influence area of subway station.Due to this, as for the number of subway station, about 400 units or so are formed.

화려한 뉴욕 도시 이면의 빈민가에서 젊은 흑인들의 소외감을 회화의 형식으로 표현되기 시작한 것이 그래피티(Graffiti)이다. 그래피티는 힙합문화의 회화적 요소이며, 힙합문화의 발생과 발전역사가 중요한 배경이 된다. 1990년대 힙합문화의 국내 유입과 함께 시도된 그래피티는 작품 창작의 역사가 짧지만 현대 미술의 중요한 한 장르로 인정받고 있으며, 새로운 단계로 도약하고 있다. 유럽과 미국의 유명작가들은 국가가 요구하는 장소에 그림을 그리고 개인전을 열기도 하며 그래픽 디자이너로서의 활동도 꾀하고 있다. 이에 반해 국내에서 그래피티 아트를 접할 수 있는 곳은 그리 많지 않다. 홍대 앞을 제외하고는 공식적으로 그래피티가 허용되는 곳은 많지 않다. 홍대 앞 이외의 공간에서 감상할 수 있는 그래피티 중 상당수는 이름 없는 그래피티 아티스트가 모진 비난과 처벌의 위험을 감수하고 밤을 새우며 몰래 그린 작품들이다. 황폐한 모습으로 방치된 대중공간들이 여전히 존재하는 이상 대중의 문화적 소양 확대와 관의 지혜로운 처신이 무엇보다 필요한 시점이 아닌가 생각된다. 따라서 본 논문은 최근 그래피티 작가의 활동이 활발한 뱅크시, 키스 헤링, 바스키아 등의 작품뿐만 아니라 국내 작가의 활동 및 그래피티를 접목한 이벤트 등 사례를 분석하고 공공디자인으로서의 그래피티의 역할을 모색하고자 한다.

It is graffiti that young black people in the Harlem area, the seamy of the splendid image of New York, started representing their sense of alienation through the form of painting. Graffiti is a pictorial factor of Hip-hop culture, and the origin of Hip-hop culture and its history of development are the important background of graffiti. During the 1990's, in company with the inflow of Hip-hop culture, graffiti was attempted. Although it has a short history, it is recognized an important genre of modern art and is jumping to a new step. Famous artists in Europe and the United States paint on the place where their nations request, exhibit as well, and are trying to the activities as a graphic designer.On the contrary, there are not many places to access graffiti art in Korea. Except the front areas of Hongik University, graffiti is not officially allowed in many places. Considerable numbers of most graffiti artworks, which people can appreciate in space other than the front areas of Hongik University, were painted by anonymous artists, who created them stealthily while sitting up all night and taking cruel criticism and the risk of punishment. As long as neglected public space with devastative images still exist, it is thought that it is a time the cultural attainments of the general public and the wise conduct of the government are needed above all.Accordingly, this paper aims at analyzing cases, that is, the artworks of Banksy, Keith Haring, Basquiat, who are vigorously active in graffiti art activities as well as the artworks of artists in Korea, and events harmonious with graffiti, and seeking to the role of graffiti as public design.

오늘날, 디지털 문화의 급속한 변화, 발전에 따라 디지털 테크놀로지에 기반을 둔 새로운 뉴미디어 환경을 중심으로 다양한 엔터테인먼트 콘텐츠들이 쏟아져 나오고 있다. 본 연구에서는 모션그래픽의 조형성을 바탕으로 한 그래픽디자인의 기본이론과 타임테이블 컨트롤이라는 영상디자인의 시간성에 대한 접목을 시도하였다. 구체적으로 조형의 심미성 및 그 상대적 원리와 영상 문법 이론 중 몽타주 이미지의 충돌이론과의 접목을 시도한 것이다. 이를 통해 심미적, 심리적 균형을 통한 긴장감을 생성하는 이상적인 논리를 도출해 내고자 한다.

In these days variety of entertainment contents have been poured out with rapid development in digital industry, which is based on digital technology and new media environments.The objective of this study is to graft basic theory of graphics based on formative arts and timing aspect of visual design, which is called time table control.Especially it makes an attempt to graft with impact theory of montage image from esthetic beauty, its principle of relativity and visual grammar theory. The expected result from the study would be drawing the ideal logics, which brings suspense from esthetical and psychological balance.

영상이 아날로그에서 디지털로 바뀌면서 영상산업 전반뿐만 아니라 사회적으로도 많은 영향을 미치고 있다. 디지털 영상의 특징은 기저의 의미는 나타나지 않고, 의미 없는 외형적인 이미지들만 난무하여 기존의 근대적 사고방식으로는 이해하기 어려울 뿐만 아니라 근대성의 사고와 가치는 붕괴되기 때문에 새로운 접근방식이 필요한 것이다. 그러나 디지털 시대의 영상은 우리의 삶을 아름답고, 편하고, 자유롭게 만들어야함에도 불구하고, 다국적 기업들 또는 정치적 목적의 수단으로 그 미래가 불투명할 뿐만 아니라 오히려 우리의 인간성 말살을 조장하기도 한다. 과학이 변하지 않는 진실을 사용해 이데올로기로부터 자유로워야 함에도 불구하고 오히려 이데올로기에 의해서 이용되고 변질되었던 것처럼, 디지털영상은 자유로움의 추구보다는 문화제국주의적(cultural imperialism) 이데올로기가, 정치, 삶의 방식 등이 새로운 매체를 통하여 전 세계적으로 퍼지고 있다. 하지만 오늘날 디지털시대에 영상의 지향점은 인간성 회복과 삶의 질 향상에 초점을 맞춰야한다. 누구나 영상에 접할 수 있고, 누구나 촬영과 편집, 배포를 할 수 있으며, 원활한 소통을 통한 자유로움의 추구와 개인의 존중을 실현시킬 수 있는 장이다. 디지털 영상에 의해서 휘둘리기 시작하면 이것은 큰 역효과를 내게 되며 우리는 더 이상 헤어 나올 수 없는 암울한 세계로 빠져들게 될 것이다. 이렇듯 디지털 시대의 영상은 철저한 양면성과 다원성을 동시에 가지고 있으며, 역동적이고 무한한 잠재력을 구현할 수 있다고 볼 수 있다.

The images are changing from analog to digital and the social influence of images is bigger than ever before. The uniqueness of digital images is that they don't show the connotative meanings but mainly show the denotative meanings, therefore, we need to have a new way to understand the digital images. The images in digital era, should help for our better life, but because of the multinational corporations' profits and returns, the digital images are somewhat used in wrong ways.However, in digital era, the intention of the images should recover humanity and improve the quality of our life. People shouldn't be controled by manipulated digital images. Nowadays, anybody can make digital images and give out the images what they made, and also people pursue communication with each other by digital images. The digital images are very close to our lives and people should grasp the digital images' real nature. As described before, The images in digital era, have two different faces which are positive way and wrong way. We will have to try to understand the real connotative meanings of digital images and those effort should make our lives better.

기호학(semiotics)은 사인의 과학(the science of signs)이라고 정의되는 것으로 ‘의미의 창출과 해석을 위한 학문’이라고 설명할 수 있다. 본 연구에서는 TV광고 텍스트의 서술구조를 밝히는데 독보적 위치를 차지하고 있는 ‘파리 기호학파’의 구조기호학적 방법론을 통하여 TV광고의 서술구조와 그 의미구조의 특징을 규명하기 위한 시도이다. 구조기호학의 3단계 의미 생성경로 모델과 기호사각형을 통하여 소망화장품 ‘다나한’ TV광고를 분석한 결과, 이들 광고는 심층구조에서 ‘쟁취와 상실’과 같은 인간의 실존적 전제, ‘권력과 무기력’과 같은 현상에 대한 주체의 태도 등 상식적으로 우열이 분명한 가치를 대립시키고, 표층구조에서 자사제품은 긍정적 가치와, 타사제품은 부정적 가치와 결합시킨 다음, 담화구조에서 자사제품에 대한 우위를 자연스럽게 수용할 수 있도록 동기화하고 있음을 확인할 수 있었다. 이 결과를 통해 광고의 서술에 관한 이러한 가치론적 흐름이 광고표현에서 어떠한 방식으로 표출되고 있는가 하는 예시를 제공했다는 데 이 연구의 의의가 있다.

“Semiotics" is defined "the science of sign" and is explained as "learning for productivity and analysis of meanings". This study explores the characterstic of the narrativity and the signification structure in advertisements, through the structural semiotics of ‘Paris school of semiotics’. The school takes the unique position in analysing the narrativity of various social and cultural texts. Our analysis on some TV commercials, based on their generative trajectory of signification with three artificial hierarchies and semiotic square, comes to draw the following conclusions; These commercials has in deep structure such binary oppositions as ‘power vs. asthenia’, ‘domination vs. obedience’, ‘a queen of the skin vs. a court lady of the skin’, in which the one semantic value is marked and emphasized against the other opposite value. In superficial structure, these semantic oppositions is manifested in the same manner; for the product with positive value and for another with negative value. And then motivated in discourse structure so that the priority of the product could be received naturally. With above conclusions, this study presents an example of value-flow in narrative of advertisements.

모더니즘은 18세기 계몽주의 영향 아래 합리성을 우선 하다 보니 지성과 개념의 일방적인 측면만을 강조하게 되었고 인간을 기능적으로 전락시키는 결과를 초래 하였다.반인간적 예술에 대한 한계의식과 비판을 발단으로 포스트모더니즘의 본질적 특성과 함께 초기의 칸트주의로부터 탈칸트주의로 나아가려는 움직임은 1950년경으로 보고 있고, 이에 1970년대를 정체기로 새로운 사조가 대두하게 되었고, 모더니즘 이후 과거에 대한 비판과 탈출, 전망과 해법, 나아가 미래에 대한 전망으로 포스트모더니즘의 성향을 띄게 된다.

Modernism influenced by Llluminism in the 18thcentury prioritized the rationalityso it emphasized only intelligence and concept and it caused human being to be degraded into the functional being. Starting from The movement toward the De-Kantism away from the Kantism is considered to be taken from around 1950 with the fundamental characteristic of Post-Modernism and this movement was originated from the strong criticism on the art against humanity. From the 1970s, a new trend was raising. After the Modernism, the art became inclined to have the characteristics of the Post-Modernism with the criticism on the past, efforts to escape from it and the prospects for the future. In order to explain the concept of Deconstruction of Jacques Derrida, four concepts are considered to be important. They can be summarized into Differance, Intertextuality, Undecidability, and Dis , De- phenomenon. In the art make-up design, it Deconstruction is expressed in the form of grotesque which has the characteristics of unnatural and unsound to decorate the human bodies with the artificial and sensational accessories to give salience to the decadent trend and/or make it sexually conspicuous. We found out in this study that the main characteristics which were shown on the art make-up are inharmony, artificiality, over-reaction, obscurity and burlesque expression