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본 연구는 숫자 기반 즉흥 훈련 경험을 중심으로 현대무용 즉흥 수행 과정에서 나타나는 무용수의 인지·신체 확장 경험을 질적으로 탐구하는 데 목적이 있다. 또한 이러한 경험이 환경 인식과 창작적 자율성 형성으로 어떻게 확장되는지를 분석하고자 하였다. 연구 참여자는 수도권 소재 대학교 일반대학원 무용학과 박사과정에 재학 중인 무용 전공생 10명이며, 2025년 9월부터 10월까지 6주간 주 2회, 회차당 120분씩 총 12회의 숫자 기반 즉흥 훈련 프로그램을 실시하였다. 자료 수집은 연구 전․후 반구조화 심층 면담, 참여자 성찰 메모, 참여관찰 기록, 영상 자료를 중심으로 이루어졌으며, 수집된 자료는 개방 코딩(open coding)과 지속적 비교 분석(constant comparative analysis)을 통해 분석하였다. 연구 결과, 숫자 기반 즉흥 훈련 경험은 인지적 확장, 신체적 확장, 환경적 인식과 반응의 확장, 창작적 자율성의 확장이라는 네 가지 범주로 나타났다. 이러한 범주들은 즉흥 수행 과정 속에서 독립적으로 나타나기보다 상호작용하며 점진적으로 확장되는 양상을 보였다. 특히 숫자는 단순한 외적 규칙이 아니라 움직임 선택과 사고, 신체 인식, 환경 반응을 연결하는 구조적 기준이자 인지적 도구로 기능하는 것으로 나타났다. 결론적으로 숫자 기반 즉흥은 즉흥 수행을 단순한 반응적 움직임이 아니라 인지적 판단과 신체적 선택, 환경 인식이 결합된 창작 과정으로 확장시키는 가능성을 보여주었다. 본 연구는 숫자 기반 즉흥의 질적 근거를 제시하고, 무용 교육 및 창작 현장에서 활용 가능한 실천적 훈련 방법으로서의 가능성을 제안한다.

This study explored dancers’ experiences of cognitive and bodily expansion through number-based improvisation training in contemporary dance. The participants consisted of ten doctoral students majoring in dance in Korea. The training program was conducted over six weeks, with two sessions per week, each lasting 120 minutes. Data were collected through interviews, reflective memos, participant observation records, and video documentation, and analyzed using open coding and constant comparative analysis. The findings revealed four categories of expansion: cognitive expansion, bodily expansion, expansion of environmental awareness and responsiveness, and expansion of creative autonomy. These categories progressively interacted throughout the improvisation process. Numbers functioned not merely as external rules, but as structural references connecting cognition, bodily awareness, and environmental responses. The results suggest that number-based improvisation can expand dance improvisation into a creative process involving cognitive judgment, bodily choice, and environmental awareness. This study suggests the potential of number-based improvisation as a practical training approach for dance education and choreographic practice.

본 연구는 국가유산교육사의 프로그램 개발역량 함양을 위한 교육모형을 탐색하는 데 목적이 있다. 국내 관련 연구 79편의 동향을 검토하고, 선정기준을 충족한 14편을 심층 분석하여 교육학 이론과 대조하였다. 분석 결과, 맥락 분석, 교육목표 설정, 프로그램 설계, 교육자료 개발, 평가 설계, 협력․운영의 여섯 역량이 도출되었다. 이를 토대로 3P(People, Purpose, Place) 맥락 분석에서 환류로 이어지는 순환모형을 제안하였다. 본 모형은 일반 교수설계 절차에 국가유산의 장소성, 지역 공동체와 교수학적 변환을 결합했다는 점에서 의의가 있다.

This study explores an educational model for fostering the program development competencies of national heritage educators. It reviewed the trends of 79 Korean studies and conducted an in-depth analysis of 14 studies selected according to explicit criteria, comparing the findings with relevant educational theories. Six competencies were identified: context analysis, objective setting, program design, instructional material development, assessment design, and collaboration and management. Based on these findings, a cyclical model was proposed, beginning with 3P context analysis—People, Purpose, and Place—and progressing through feedback. The model contributes by integrating place, local communities, and the pedagogical transformation of heritage knowledge into a general instructional design process.

공립무용단의 창작작품은 대부분 재공연의 기회를 얻지 못한 채 공연 목록으로만 남는 실정이다. 무용단의 창작작품은 문화콘텐츠로의 발전 가능성과 단체의 예술적 자산이고 공공자산이라는 측면에서 이 같은 현상은 검토의 필요성이 제기된다. 이에 본 연구에서는 대전시립무용단을 사례로 창작작품 제작 현황을 정리하고 예술감독 재임 시기를 기준으로 재공연 관계를 분석하였다. 이를 통해 작품 단절의 구조적 원인을 분석하고 개선방안을 탐색하였다. 분석결과 대전시립무용단은 연구의 대상이 된 24년 동안 예술감독 창작작품 28편을 제작, 공연했다. 그러나 이 중 9편만이 재공연 됐다. 재공연은 예술감독 재임 기간 내에서만 이루어졌으며, 임기 종료 이후에는 작품이 계승되지 않았다. 창작작품이 한시적 레퍼토리로 작동할 뿐 단체의 핵심자산으로 축적되지 못한 결과이다. 예술감독 교체에 따른 신작 중심 공연 관행, 제도적 차원의 레퍼토리 운영기준 부재가 원인으로 꼽혔다. 개선방안으로 공립무용단 창작작품을 단체의 예술적 자산으로 받아들이는 인식전환과 예술감독 위상 강화와 역할 조정, 그리고 제도적 차원에서 기존 작품을 레퍼토리로 수용하는 레퍼토리제도화의 실행이 필요함을 제시하였다. 본 연구는 공립무용단 창작작품의 재공연이 단절되는 구조를 실증적으로 확인하고 공공적 자산의 관점에서 단절구조를 개선하기 위한 제도적, 정책적 제안을 담았다는 점에서 의의를 지닌다.

Creative works by public dance companies often end after a single run, failing to accumulate as lasting artistic assets. Taking the Daejeon City Dance Company as a case study, this paper analyzes original productions over 24 years to examine the structural causes of standard re-performance interruption and propose solutions. Out of 28 original works created over 24 years, only 9 were re-performed—and exclusively during the originating artistic director’s tenure. Once a director’s term ended, the works were abandoned due to a practice of prioritizing new productions with each leadership change and a lack of institutional standards for repertory management. To build a sustainable artistic repertoire, this paper suggests three key solutions: recognizing creative works as public assets, adjusting the authority and role of artistic directors, and establishing an institutionalized repertory system. This study provides empirical evidence of structural barriers in public dance management and offers practical policy recommendations to secure the longevity of public artistic assets.