Earticle

본 논문은 임흥순의 작업 방법론으로 은유 되는 ‘장의’ 개념에 주목한다. 다중적 의 미의 사후(事後/死後)적 실천을 함의하는 이 개념은 작가가 실제 사건과 연계된 비주 류 집단의 역사를 다루는 기존 작업의 방법론에 대한 은유적 측면으로 해석되어 왔다. 한편 작가의 연작 제목이자 전시명인 <고스트 가이드/Ghost Guide>(2019-2020)는 작가의 기존 맥락에서의 측면 중 하나였던 장의 개념이 주제, 소재, 실천의 구성을 견 인할 뿐만 아니라 전시의 구성으로 확장된다는 점에서 변별적인 의미를 지닌다. 본 논 문은 <고스트 가이드/Ghost Guide>에서 임흥순이 전략적으로 활용한 다큐멘터리 형 식의 작업과 그 전시의 구성에서 작동하는 관객과 기억의 상호관계적 기능을 분석한 다. 그 안에서 특정한 사건에 대한 관객의 기억이 ‘회상’으로서가 아닌 상상적 투사, 반영, 그리고 창조에 의해서 매개되는 과정을 마리안느 허쉬의 포스트메모리 개념을 경유하여 설명할 것이다. 이어 임흥순이 관객 개개인에게 이전 세대의 기억과 접속하 여 자발적인 기억을 작동시키는 방식과 규정된 집단 기억을 그 포스트메모리적 전이 로 해체하여 각각의 주체로 되돌리려는 역기념비적 의도를 살펴볼 것이다. 나아가 특 정 작가의 비평적 텍스트가 그 작업의 구성과 중첩되는 지점을 모형으로 제시함으로 써 비-순수적 미술을 이해하는 하나의 관점을 형성하고자 한다.

This study focuses on the term “funeral” used in Im Heung-soon’s work, which encompasses both posthumous and post-event practices. It is interpreted as a metaphorical aspect that describes how Im engages with the history of marginalized communities in relation to actual events. Additionally, the title Ghost Guide (2019-2020), representing the artist’s series and solo exhibition, holds significant meaning as it not only shapes the composition and practice of the subject matter but also extends to the exhibition’s structure. The study analyzes the interrelationship between the audience, memory function, and the strategic use of the documentary format in Ghost Guide and its exhibition. Marianne Hirsch’s concept of postmemory is employed to understand how viewers' recollection of specific events is influenced by imaginative projection, reflection, and creation. The study also examines Im’s intention to deconstruct prescribed collective memory through his countermonument approach, which returns the practice to the individual subject through postmemorial transference. Overall, the aim is to propose a perspective for comprehending non-fine art by establishing a model that aligns a specific artist’s critical terminology with the composition of his work.

이 연구는 재활개념의 발레프로그램을 통하여 중년여성의 건강증진행동과 생활통 증정도에 대한 효과를 검증하고자 하였다. 연구대상은 총 30명으로 실험집단 15명, 통제집단 15명으로 구분하였고, 재활개념의 발레프로그램은 움직임 기본원리(basic principles)를 토대로 설계하여 8주간 총 16회를 실시한 결과 다음과 같은 결론이 도 출되었다. 첫째, 재활개념의 발레프로그램을 통해 중년여성의 건강증진행동 전체와 하위요인 건강 책임, 영적 성장에서 향상을 보여 통계적으로 유의한 결과를 나타냈다. 둘째, 재활개념의 발레프로그램을 통해 중년여성이 일상생활에서 느끼는 생활통증 정도가 감소하여 통계적으로 유의한 결과를 나타냈다. 이는 중년여성이 자신의 신체에 대하여 인지하고 관리할 수 있는 의지를 나타낸 것으로, 섬세한 근육 강화와 유연성 향상을 위하여 개인의 신체적 특성에 따라 특화된 방법으로 훈련하는 것을 고려한다면 즐겁게 관리 하는 운동방법으로의 발레의 대중화를 기대할 수 있을 것이다.

This study is to verify effects about health promotion lifestyle aligned with related behavior and life visual analogue scales of middle aged women via a rehabilitation-concepted ballet program. A total of 30 individuals have been divided into an experimental group and a control group with 15 individuals in each and the gradual ballet program, structured based on basic principles, has extracted below conclusions by running 16 sessions over 8 weeks. Firstly, the study brought a meaningful result statistically by representing an improvement over overall Health Promotion Lifestyle, sub-factored health responsibilities and spiritual development via a rehabilitation-concepted ballet program execution. Secondly, by executing the rehabilitation-concepted ballet program, the study reached to a statistically meaningful result of lowered physical pains indicated with the life Visual Analogue Scale from the middle aged women. This interprets that middle aged women are capable of managing their body conditions leading to its volition to maintain. A popularization is highly expected as a newly-paradigmed physical exercise if specialized and customized exercises through ballet individually aiming for exquisite muscular strengthening and physical flexibility improvement.

본 연구는 현시대의 대표적 컨템포러리 안무가 중 하나인 아크람 칸(Akram Khan)의 대표작 <데쉬(Desh)>의 안무 및 표현의 특징에 대한 탐구와 이와 연관된 문화 해석적 의미를 연구하고자 한다. 이는 세계적인 안무가의 작업을 세부적으로 분 석하고 그 안무 특성에 대해 문화 인류학적 해석을 시도하는 작업으로, 후기 구조주의 적 해체와 창의적 재창조를 통한 안무 창작법 개발 및 문화 연구에 있어 창의적 시각 과 실용적 지식을 제공해 줄 것이다. 구체적 분석을 위해 이미영이 접근한 세 가지 범 주—내용적 메시지, 구성적 움직임, 시각적 이미지—의 춤 양식적 분석 기준에 의거하 여 연구를 진행하였고 그 특성과 의미적 해석은 다음과 같다. 첫째, 메시지 면에서는 고국이라는 뜻의 벵골어인 제목 ‘데쉬’가 내포하듯 방글라데 시 영국인 이민자 2세인 아크람 칸 자신의 겪는 혼란스러운 정체성을 중심으로 인종, 국가, 문화 간의 엇갈린 시각과 갈등에 대한 현시대의 사회적 이슈를 담고 있다. 8개 의 에피소드로 이어지는 치밀한 장면구성과 연기와 춤, 동화적 상상력과 신화적 스토 리텔링을 엮어 위트있고 설득력 있게 전달하였다. 둘째, 움직임의 측면에서 칸은 <데 쉬>의 창조적 이미지를 일으킬 수 있는 모든 가능성에 접근했다. 이에 카탁과 현대무 용을 결합시킨 자신만의 몸 언어를 사용하고, 춤 외적 신체 표현 기법으로 가능한 연 기, 인형극 등을 함께 활용해 융복합 퍼포먼스를 구현했다. 다양한 문화와 춤의 표현 기술을 경험한 그의 혼종적 몸이 창출하는 융합적 춤 어휘를 창출하고, 춤과 연기, 인형극을 넘나들며 자연스러운 조화를 이루는 새로운 공연양식을 형성했다. 셋째, 이미 지의 측면에서 칸은 디지털 애니메이션, 조명, 무대장치 등의 다 무대예술 분야와 창 조적 협업을 이루어 더할 나위 없이 장면들로 강렬한 미장센을 이루었다. 특히, 칸의 상상 속 방글라데시를 신비로운 환상의 세계로 아름답게 이미지화한 애니메이션과 무 대를 가득 메운 장관으로 펼쳐진 무대장치의 활용은 칸의 이야기가 현실과 가상세계 를 넘나들며 초월적 차원의 환상성을 이루고 모국을 아름다운 이미지로 재구성하는 것을 돕는다. <데쉬>는 명확한 주제와 탄탄한 스토리 라인, 구체적이고 치밀한 장면구성, 장르적 제약을 벗어나 사실적 모방과 추상적 표현을 넘나드는 자유로운 움직임 표현과 동서 양 문화와 현실과 가상세계의 신비로움이 공존하고, 이 모든 것이 조화로운 시각화를 이루는 총체예술로 대변된다. 다양하고 종합적인 표현 기법을 통해 칸이 추구하는 예술적 사고와 창의적 안무의 핵심적 개념은 결국 자유로운 해석과 해체와 절충적 조화와 융합의 개념이다. 이것은 그의 삶을 둘러싼 이중적 문화배경과 디아스포라적 정체성에 대한 경험으로 얻어진 다양성을 반영한 ‘융합’이다. 문화 인류학적으로 주체와 타자의 중간적 입장에 속하는 칸의 정체성은 동서양 문화의 중간적 적절한 접합점을 자연스럽게 몸 안으로 체화시켜 표현한다. 이렇게 창조된 칸은 작품은 내용, 형식, 기법 면에서 자신의 독특한 문 화배경을 기반으로 한 현명하고 본능적인 본인만의 융합을 시도한 것이고 그가 선택 한 융합은 다층적이고 협력적인 관계들 사이에 새로운 공연 언어 창출하며 궁극의 ‘융합적 퍼포먼스’를 완성한 것이다.

This study aims to explore the choreographic and expressive features of Akram Khan’s <Desh>, along with the cultural analytical implications associated with them. This is a detailed analysis of a world-renowned choreographer’s work and a cultural anthropological interpretation of its choreographic characteristics, which will provide creative perspectives and practical knowledge in the development of choreographic methods and cultural studies through post-structuralist deconstruction. As a specific research approach, the analysis on <Desh> was conducted in terms of the three categories of content message, compositional movement, and visual image previously applied in Mi-young Lee’s study, and the characteristics are as follows. First, in terms of message, the title ‘Desh’, which means homeland in Bengali, addresses contemporary social issues of conflicting views and conflicts between races, nations, and cultures, centered on Akram Khan’s own confused identity as a second-generation Bangladeshi British immigrant. Through eight episodes of intricate scene composition, acting and dance, fairy tale imagination and mythological storytelling are wittily and eloquently conveyed. Second, in terms of movement, Khan approached all possibilities to create the creative image of <Desh>, using his own body language that combines Kathak and contemporary dance, and utilizing acting and puppetry as possible non-dance body expression techniques to create a fusion performance. His hybrid body, having experienced various cultures and dance expressive techniques, created a fusion dance vocabulary and formed a new performance style that seamlessly blended dance, acting, and puppetry. Third, in terms of imagery, Khan creatively collaborated with multi-disciplinary theater disciplines such as digital animation, lighting, and staging to create intense mise-en-scene. In particular, the use of animation that beautifully imagines Bangladesh in Khan's imagination as a mystical fantasy world and the use of spectacular staging that fills the stage help Khan’s story to achieve a transcendent level of fantasy, moving between the real and virtual worlds and reconstructing his homeland in a beautiful image. <Desh> is represented as a total art with a clear theme and a solid storyline, specific and detailed scene composition, free movement expression that breaks away from genre constraints and crosses between realistic imitation and abstract expression, and the coexistence of Eastern and Western cultures and the mystery of the real and virtual worlds, all of which form a harmonious visualization. The core concepts of artistic thought and creative choreography that Khan pursues through his diverse and comprehensive expression techniques are ultimately those of free interpretation and deconstruction, eclectic harmony and fusion. This is a ‘fusion’ that reflects the diversity of the dual cultural backgrounds surrounding his life and his experience of diasporic identity. As a cultural anthropologist, Khan’s identity is an intermediate position between the inner and the outer, and he embodies and expresses the appropriate junction between Eastern and Western cultures. In this way, Khan has wisely and instinctively created his fusion style based on his unique cultural background in terms of content, form, and technique, and his chosen fusion has created a new performance language between multilayered and collaborative relationships, completing the ultimate ‘fusion performance’.

춤을 철학이라는 관점에서 본다면 내면의 고도화된 정형을 외연화하는 한국전통춤 의 역사적 전승의 가치를 미학적 해석에서 우회하는 문화학 관점의 연구다. 그간의 선 행된 연구와 같이 한국의 미학적 상징의 이미지에 관한 대표적 고유미감의 요소들로 나열하고 있다는 점에서는 공통분모의 역할을 한다. 하지만 추상적, 질적 예술의 미감 을 문화의 일부로서 역사철학적 배경에서 바라보는 시각에는 다양한 가치에서의 인류 문화유산의 지속적 의미를 새겨볼 필요가 있었다. 문화예술이라는 상징적 태도로서 역사적 산물은 세계를 마주하는 인간인식의 가치 철학적 태도변화에 의한 의도적 재생산의 쾌거다. 춤은 생명적 양식이며 유기체적 형 식으로 지금도 새로운 의미를 생산해 내는 중이며 이의 원동력은 과거를 기억하고 회 상하는 해석자의 상상적 태도에 있다. 이에 본 연구는 문화와 철학의 관점에서 전통춤 이 상상할 수 있는 모방의 근원을 재현의 가치로 두어 이를 실현할 수 있는 역사적 태 도에 대해 모색해 본 것이다.

The discussion above is a study from the perspective of cultural studies that detours the value of historical transmission of Korean traditional dance, which externalizes the advanced inner form, from aesthetic interpretation. Like previous studies, it serves as a common denominator in that it is listed as elements of a representative sense of beauty about the image of aesthetic symbols in Korea. However, it was necessary to engrave the continuous meaning of human cultural heritage in various values from the perspective of looking at the aesthetics of abstract and qualitative art in this detailed study from the historical and philosophical background as part of culture. In other words, as a symbolic attitude of culture and art, the historical product is the splendor of intentional representation by changing the value and philosophical attitude of human cognition facing the world. This is a vital form and an organic form, which is still producing new meanings, and the driving force of this is the imaginative attitude of the interpreter who remembers and recalls the past. Therefore, this study seeks for a historical attitude that can realize this by setting the source of imitation that traditional dance can imagine from the cultural and philosophical point of view as the value of representation.

공연관광은 관광자에게 공연예술의 창의적 연행과정을 통해 고도화된 경험을 제공 한다. 공연관광은 관광객의 창조적 활동참여를 통해 동기를 자극하고 자기계발을 촉 진하며, 변화하는 관광시장에 따른 공연예술 경험에 대한 욕구를 충족시켜주기도 한 다. 이에 국내 공연관광 환경에서도 국내외 공연관광객이 증가하면서 축제 개발, 공연 예술 콘텐츠의 다양화 등의 활성화를 유도하고 있다. 학술연구에서도 공연관광 참여 자를 중심으로 한 시장세분화 연구가 활발히 이루어지고 있다. 이와 더불어 공연관광 프로그램이 변화하는 관광환경에서 관광자에게 새로운 경험과 긍정적인 평가를 이끌 어내기 위해 어떠한 퍼포먼스를 제공하는 것이 필요한지 살펴보는 것이 중요한 과제 라고 할 수 있다. 본 연구는 경복궁 별빛야행을 사례로 선정하여 공연관광에서 공연예 술의 단계별 연행과정을 종합적으로 분석하였다. 분석 결과, 경복궁 별빛야행은 경복 궁 내 맥락적․시간적․공간적 연출을 통해 확장된 시어터를 구성하였으며, 관광자의 몰입을 이끌어내기 위해 전문배우와 예술성, 의외성, 진정성이 결합된 ‘이머시브 퍼포 먼스’를 연출하고 있음을 발견했다. 마지막으로 콘텐츠 간극 조정과 자극 배치를 통해 관광자의 인지적․감정적 반응을 유도함으로써 공연관광에 대한 태도를 형성하는 것 을 확인하였다. 본 연구는 공연관광이 관광자에게 전달하고자 하는 가치를 명확히 함 으로써 차별화된 공연관광 브랜드를 확립하는 방안이 요구되며, 공연관광 프로그램의 품질 향상을 위해 창작자와 관객 사이에서 단계별 전략이 필요하다는 사실을 시사한다.

The performing arts tourism provides tourists with creative and new experiences. Because of this, research on performing arts tourism have been actively conducted in the field of tourism policy and marketing. Unlike practical studies of tourist characteristics in performing arts tourism, relatively little has known about strategies that exploit the essential characteristics of performing arts from the perspective of tourism program development. Therefore, the current study tried to analyze the process of performing arts tourism programs that utilize cultural heritage through case studies, in order to deepen understanding of the process of performing arts tourism in the context of tourist destinations. As a result, it was confirmed that the process of carrying out the performance tourism program goes through three stages: ‘extended theater’, ‘Immersive performance’, and ‘evaluation’. It was found that directing techniques are necessary in the process of moving the stage of performance tourism to tourist spots, and in the process of transmitting performances, directing characteristics such as artistry, unexpectedness, and authenticity must be appropriately utilized according to the arrangement interval. Finally, it was clarified that eliciting tourists' cognitive and emotional responses through appropriate stimuli is a factor in forming positive attitudes. The research results suggest that it is important to understand the relationship between production techniques and the formation of tourist attitudes when developing performaning arts tourism programs that utilize tourist sites.