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이 연구는 중국 영화 <장진호>를 연구 대상으로 서사 분석을 진행함으로써 중국 민족주의 영화의 의미와 특성, 그리고 중국 대중들이 공유하는 감정구조를 밝히고자 하 였다. 구체적으로 본문에서는 채트먼의 서사 분석을 활용해 계열체 분석과 통합체 분 석, 담화 분석 등을 통해 <장진호> 영화가 중국 사회에서 대중의 감정구조를 어떤 방식으로 형성하고 있으며 이것이 사회적 맥락과 연결되는 양상에 관해 분석하고자 하 였다. 연구 결과, <장진호> 영화는 주인공 ‘우완리’가 ‘항미원조 전쟁’에 참여한다는 서사 를 구축해 개인의 운명과 거시적 서사구조를 결합시키고 있었다. 통합체 분석을 통해 관련 서사가 항미원조 전쟁이 국가를 보호하기 위한 정당한 행위였다는 결과를 도출 하고 있음을 알 수 있었다. 또한, 계열체 분석을 통해 영화가 미국과 중국의 관계를 등 장인물에 투영해 이항 대립적 서사를 구축하고 있음을 알 수 있었다. 담화 분석을 통 해 영화가 서술 시점을 활용해 감정 표현을 극대화하고 관객의 공감을 얻어내는 전략 을 활용하고 있음이 발견되었다. 결과적으로 영화의 서사, 인물, 플롯이 전달하는 메시지는 민족주의적 정서에 소구 하는 것이었고, 이는 중국 대중들의 감정구조를 효과적으로 자극해 중국 내 흥행을 가 능하게 한 장치가 되었다. 동시에 이는 최근 중국 정부가 적극적으로 활용했던 민족주 의적 정서, 미국 견제 등의 맥락을 영화란 대중문화 콘텐츠에 유연하게 적용함으로써 일련의 통치 기능을 수행하는 것이었다. 즉, <장진호>는 반미 정서를 활용해 미국을 견제하는 동시에, 그와 상반되는 중국적 정서와 서사를 차용해 중국 대중들의 민족주 의를 둘러싼 감정구조를 형성하고 있었다.

This study aims to reveal the representation, meaning and characteristics of Chinese nationalist films and the structure of feeling shared by the Chinese public, focusing on the narrative of the Chinese film series called by <The Battle at Lake Changjin>. Specifically, this essay analyzes how the film <The Battle at Lake Changjin> expresses the structure of feeling shared in Chinese society and how it connects to the social context through Chatman’s narrative analysis, mainly by story analysis (paradigmatic analysis, syntagmatic analysis) and discourse analysis. The result shows that the film <The Battle at Lake Changjin> combines the fate of the individuals with a grand narrative by constructing the story of the protagonist ‘Wu Wanli’ participating in the Korean War. This narrative concludes that the war was a legitimate act to ‘protect the home and defend the country’, as revealed through syntagmatic analysis. Paradigmatic analysis shows that the film projects the relationship between the United States and China onto its characters, establishing a binary opposition. Discourse analysis reveals that the film maximizes emotional expression and gains audience empathy by utilizing narrative perspectives. Consequently, the message and emotion conveyed by the film’s narrative, characters, and plot stimulates nationalist sentiment, effectively triggering the structure of feeling shared by the Chinese public and enabling box office success in China. However, this point is criticized because it performs a series of governance functions by flexibly applying the context of recent nationalist sentiments and anti-American stance attempted by the Xi Jinping administration to the film. In other words, <The Battle at Lake Changjin> series stirs nationalist emotions among contemporary Chinese audiences by incorporating anti-American elements, thus countering the United States’ perspective and promoting the Chinese narrative.

21세기 디지털 시대의 공연예술은 영상미디어와의 융합을 통해 빠르게 진화하고 있다. 특히 연극 분야에서는 영상의 적극적인 활용이 전통적인 무대 형식과 서사 구조 를 넘어서는 새로운 표현 방식을 가능하게 하며, 영상은 극의 구성과 의미 전달에 있 어 핵심 매체로 자리잡고 있다. 본 연구는 이러한 변화의 흐름 속에서 연극 <벨라도 나>의 사례를 중심으로, 영상미디어가 연극과 어떻게 유기적으로 결합되는지를 고찰 하였다. <벨라도나>는 인터미디어적 연출 방식을 바탕으로, 영상과 배우의 연기를 유 기적으로 연결하며 시공간의 유동성과 서사의 다층성을 구현하였다. 또한 영상은 상 징성과 은유를 강화하고 관객의 감각적 몰입과 해석적 참여를 유도하는 장치로 활용 되었다. 본 연구는 <벨라도나>를 하나의 창작 사례로 삼아, 영상미디어를 활용한 연극적 표현 확장의 가능성을 모색하고자 하였으며, 향후 공연예술의 창작과 이론 연구에 기초적인 논의로 작용할 수 있기를 기대한다.

In the 21st-century digital era, performing arts are rapidly evolving through integration with video media. In particular, contemporary theater increasingly incorporates video as a central medium, moving beyond traditional stage formats and narrative structures. This study examines how such integration is realized in the play Belladonna, focusing on the ways video media interact organically with theatrical elements. Belladonna employs an intermedial approach, connecting video and live performance to construct fluid spatiotemporal transitions and multilayered narrative structures. Moreover, video functions as a device that enhances symbolic expression, evokes emotional immersion, and invites interpretive participation from the audience. By analyzing Belladonna as a creative case study, this research explores the potential of video media to extend theatrical expression and aims to contribute to future discourse in performance creation and theory.

하노이에서는 수상 인형극, 베이징에서는 경극, 발리에서는 가믈란 오케스트라가 외국인 관광객의 필수 관람 목록에 오른다. 그러나 비교적 최근에야 주요 관광지로 떠 오른 대한민국은, 특정 공연을 필수 문화 체험으로 자리 잡게끔 브랜드화하는 데 어려 움을 겪어왔다. 한국은 이러한 모델을 그대로 따라 ‘전통적’ 혹은 ‘진정한’ 문화 형식을 관광객에게 제공하기보다는, 빠른 전개, 강렬한 비트, 단순한 서사를 앞세운 공연을 제시한다. 이 공연들은 한국 전통을 내세우며 홍보되지만, 실제로는 시대와 지역, ‘고 급’ 예술과 ‘대중’ 예술을 혼합하거나 현대적·비(非)한국적인 요소를 결합한 경우가 많 다. 공연은 ‘한국다움’이라는 외양을 띠고 있지만, 한국 예술을 충실히 재현하기보다는 시각적 자극과 매력적인 상품 제작에 더 중점을 둔다. 본 논문은 관광객 대상 공연의 맥락 속에서 한국 전통의 전유(appropriation)와 상품화(commodification)를 분석하며, 특히 관광지에서 정기 공연되었던 왕비의 만 찬, 가온, 코리아: 심청 세 작품에 주목한다. 관광객들이 공연에 만족하는 듯 보일지 라도, 이들 작품은 한국 전통을 보여주겠다는 약속 아래 원형에서 크게 벗어난 내용을 관객에게 알리지 않고 공연하고 있다. 관객이 마주하는 것은 한국의 유산 예술이 아니 라, 정부가 전통은 ‘현대화’되어야 대중이 접근할 수 있다고 전제한 관념에 기초한 ‘한 국다움’이라는 화려한 환상이다. 이러한 공연들은 전통을 무대에 올리겠다는 약속과 달리 맥락 없는 스타일과 장르의 융합을 실행하며, 한국 유산 예술에 대한 오해를 확 산시킨다. 동시에, 전통 예술의 보존과 전승을 위해 힘쓰는 단체들의 자원과 관심을 빼앗는 결과도 낳는다. 본 논문은 이들 관광 공연이 유산 예술 생태계와 보다 생산적 으로 연계될 수 있는 방안을 제안하며 결론을 맺는다.

Foreign tourists to Hanoi must see water puppets, in Beijing the eponymous opera, and in Bali the gamelan orchestra. The Republic of Korea, only recently emerging as a significant tourist destination, has struggled to similarly brand one type of performance as, beyond doubt, a necessary part of a local cultural tour. Instead of copying the above model and convincing tourists to see a “traditional” or “authentic” cultural form (albeit of a duration and in a location that draws tourists), in Korea audiences are offered shows that rely on quick pacing, driving beats, and unchallengingly simple storylines. These performances, although promoted as Korean tradition, often conflate different time periods, regional styles, traditionally “high” and “low” forms, and mix in modern and non-Korean elements. Cloaking themselves in a mantle of “Koreanness,” they are more concerned with the creation of an exciting and attractive product than accurate demonstration of Korea arts. This paper examines the touristification and commodification of Korean tradition within the context of these different performances marketed to tourists, particularly focusing on three productions that were regularly shown at tourist venues: The Queen’s Banquet, Ga-on, and Korea: Sim Cheong. This article argues that although tourists seem to be satisfied with the results, the productions are leveraging the tourists’ desire to see a Korean performance only to stray far from the original source material without disclosure. In these shows, what the audience sees is not a performance of Korea’s heritage arts, but rather a spectacular concept of “Koreanness” consistent with the government’s assumption that tradition must be updated to be approachable. By promising to stage tradition but in reality enacting a context-less fusion of styles and genres, these shows spread misconceptions about Korean heritage arts and divert attention and resources from the groups dedicated to preserving those arts. This article concludes with recommendations for integrating these tourist shows more productively into the heritage arts ecosystem.