Earticle

몸학이 토마스 하나에 의해서 소개된 이후 무용분야에서도 몸학적 접근법을 활용한 무용연구가 최근 활발하게 수행되고 있다. 몸학적 접근법은 지금까지 제3자적 시각에서 진행된 무용연구들과는 달리 안무가이자 무용수인 연구자의 제1자적 시각에서 안무과정을 분석하고 있다는 점에서 무용발전에 기여한 바가 큰 것으로 판단된다. 그러나 자연스러운 몸에 관한 몸학적 관점이 주로 강조되고 무용표현의 본질적 특성이 간과되면서 몸학 기반 무용연구가 어떻게 실질적으로 무용연구에 기여하고 있는지에 분명하지 않는 결과가 발생하고 있다. 따라서 본 연구에서는 몸학적 관점과 무용예술 간의 본질적 차이를 움직임 과정에서의 에너지 흐름 차원에서 설명하고, 어떠한 측면에서 몸학적 접근법이 무용연구에 실질적으로 기여할 수 있을지를 분석, 제시하였다. 일반적 안무노트와는 달리 몸학적 접근법은 연구자가 미적 표현을 위한 움직임 탐구과정에서 감각운동기능의 통합을 통해 어떻게 움직임 영역을 개발, 확대하였는지, 즉 신체도식을 발전시켰는지를 제1자적 시각에서 제시한다. 무용표현을 위한 신체도식의 구축은 다른 안무가 또는 무용수들이 자신만의 무용표현을 위한 신체도식 구축하는데 중요한 참고자료로 활용될 수 있다. 따라서 몸학 기반 무용연구에서는 안무과정에서 감각운동시스템에 대한 의식적 자각을 통해 무용표현을 위한 신체도식을 어떻게 획득, 발전시켰는지에 보다 중점을 두고 연구가 수행될 필요가 있다.

Since Thomas Hanna advocated Somatics and somatic education, a somatic approach has been adopted in dance research recently. A somatic approach analyzes choreographic processes in the first-person perspective, not in the third-person perspective, so that it may contribute to the development in dance, theoretically and technically. However, it seems that a somatic approach in dance research has largely emphasized natural soma in the somatic view, and overlooked the essential characteristics of dance. The aim of this study is to analyze the difference between a somatic approach and the characteristics of dance art in terms of the energy flow in movement, and discuss the practical contribution of a somatic approach to dance research. Using a somatic approach, a researcher is able to provide a first-person view on how to develop and expand the realm of movement through the functional integration of the sensor-motor system in the movement study. Therefore it is necessary in a somatic approach to put an emphasis on how to develop body schema in the choreographic process through the awareness of the sensor-motor system.

본 연구의 목적은 한국 탈춤의 미학적 논의에서 바흐친의 카니발레스크가 수용될 수 있음에 주목하고, 탈춤 내 연희자의 춤사위가 지니는 생성력과 그 다양한 미학적 구성을 카니발레스크를 통해 예증하는 것이다. 이는 탈과 춤이 핵심 요소인 탈춤에서 연희자의 춤사위를 통해 표현되는 다양한 양상들을 생성력의 관점으로 사유하고 이로부터 미학적 구성을 설명함으로써 탈춤의 가치 평가를 위한 근거가 될 수 있다는 점에서 그 필요성이 있다. 이에 봉산탈춤을 중심으로 탈을 쓴 연희자의 춤사위를 통해 표현되는 다양한 양상들을 민중웃음을 기반으로 한 소통-희극적인 풍자성, 순환 원리의 양가성, 생성의 그로테스크 리얼리즘의 특성들로 살펴보았다. 즉, 연희자가 탈과 춤을 통해 등장인물을 유형화하는 전개 과정의 기저를 이루는 민중성 자체에 선재하는 힘, 해체와 구성을 가능하게 만드는 근원적 잠재력을 고찰하고, 민중의 웃음문화 속 존재론적 평등화를 이루는 연희 공간의 특성을 고찰함으로써 탈춤의 연행원리를 긍정적으로 파악하고, 탈춤의 미학적 논의를 위한 새로운 방법론적 예시가 되고자 했다. 아울러 본고에서 예증의 대상으로 선정하여 논의한 봉산탈춤의 주요 과장들은 후속 연구들과 실제적인 담론에서 또 다른 프리즘을 통해 새롭게 사유될 수 있을 것이다.

This study is meaningful in view of expanding the prospect of Bakhitin’s study out of literature, opening theoretical network by applying his study to the flow of the study on mask dance and providing the possibility of dealing the study on the aspect of carnivalesque in Korean mask dance in the field with actual works, not limited to the linguistic dimension, through the practical illustration. Therefore, it is desired that this study can help understanding Korean mask dance in the present age. In addition, it is expected to draw continuous interest in the role and value of dance in the area of study on mask dance to widen the field of academic connection and actively discuss the various phenomena of dance in view of talk and becoming and communication as Bakhitin declared.

본 연구는 무용교육이 좌 우뇌의 균형적 발달에 미치는 영향을 검증하고자 무용교육 실시 전후의 뇌파를 측정하여 그 영향을 규명하는데 목적이 있다. 연구대상은 서울시내 소재한 H대학교의 비전공자 남자 6명 여자 4명 총 10명, 연구기간은 2주간 90분씩 총14회의 무용교육을 실시하였다. 실험 전 후 뇌파검사를 통해 뇌 기능분석을 측정하였으며 수집된 자료는 SPSS 12.0 프로그램을 이용하여 분석하였다. 대상자의 뇌 활용 성향을 알아보기 위해 평균 표준편차를 분석하였으며, 사전실험과 사후실험의 효과차이를 살펴보기 위해 평균차이 검증은 독립변인 t-test를 통해 결과를 산출하였다. 이러한 과정을 통해서 다음과 같은 결론을 얻었다. 1. 실험집단의 사전 사후 차이검증 결과 좌 우뇌의 균형 지수에 유의미한 차이가 있었다. 이는 무용교육이 좌 우뇌 발달의 효과에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 의미 있다고 볼 수 있다. 2. 좌․우뇌의 균형지수 안의 동시성은 유의미한 차이가 있었고, 대칭성의 지수는 증가하였으나 유의미한 차이는 없었다. 3. 좌․우뇌의 균형지수에 대한 편차 역시 낮게 측정되어 유의미한 차이가 있었다. 이상과 같이 무용교육은 뇌 기능 향상과 좌 우뇌의 균형적 발달의 효과적인 중재임을 확인할 수 있었고, 무용교육의 중요성을 보다 과학적으로 제시할 수 있는 계기가 되었다고 사료된다. 아울러 뇌 기능과 연관된 교육적, 과학적인 실증적 연구를 통해 무용교육 프로그램이 활성화되길 기대한다.

This research is for verifying that dance education impacts on development balanced on left and right brain and is aimed at investigating the effect through brain waves tested before and after dance education. For this research, 6 males and 4 females, 10 members in total non-majored of H university in Seoul have got dance education fourteen times for 90m each for two weeks. Through brain waves tested before and after the education, functional analysis of the brain had been measured and the gathered data was analysed by program SPSS 12.0. In order to find out their brain propensities, average standard deviation was analysed. In order to examine the difference of the impact between test before and test after, verification of average gap was calculated through independent side, t-test. By this process, it is concluded as follows. 1. The conclusion of this test, there was meaningful difference on index balanced of left and right brain. This means that we can say dance education positively affects development on both side of the brain. 2. There was meaningful difference on synchronicity on index balanced of left and right brain. Concerning index symmetry, it was increased but there was not meaningful. 3. The deviation of index balanced of left and right brain was measured low. It had also meaningful difference. As a result, this study is confirmed that dance education is effective mediation on growing brain functions and on development balanced for left and right. I think this research make having an opportunity to suggest importance of dance education more scientifically. In addition, I expect dance education program is empirically getting vitalized through educational and scientifical study.

본 연구는 라반의 움직임 분석 시스템(LMA)을 통해 승무와 진도북춤의 움직임을 분석한 선행연구들을 중심으로 재해석하여 한국춤에서 ‘원형’적 개념의 재인식과 전통춤을 분석하는 방법론으로서의 LMA의 효율적 활용방안에 대해 논의하고자 한다. 우리의 전통춤은 원형 보존이라는 개념을 원칙으로 계승과 보존이 이루어지며 이 원형은 역사성과 함께 무형문화유산으로서 춤의 예술적 가치를 결정짓는다. 각기 다른 문화의 양식에 따라 원형이란 다양하게 해석되어질 수 있으며 전통춤에서 원형이란 근원적 원질의 의미인, 내적 본질, 특수성으로 의미적 해석이 가능하다. 두 전통춤, 승무와 진도북춤의 원형에 대한 LMA 분석을 위해 신체(Body), 에포트(Effort), 쉐입(Shape) 그리고 공간(Space)의 네 가지 측면에서 세부적으로 접근하였고 그 도출된 특질들을 종합하면 다음과 같다. 승무는 외적인 움직임의 극적 표현보다는 드러나지 않는 움직임 자체에 내재된 감정에 집중하는 모습을 그 특성으로 보이며 한국인의 잘 드러내지 않는, 슬픔과 고뇌의 한을 승화시키려는 민족적 정서를 잘 나타내고 있다. 팔을 흩뿌리고(Scattering) 모으는(Gathering) 움직임과 호흡과 단전을 시작점(Core Initiation)으로 이끌리듯 행해지는 스텝의 반복적인 움직임은 환상적 에너지(Vision Drive)로 아름다운 시각적 환상을 이미지화 한다. 앞으로 약간 숙여진 시상적(Sagittal) 우묵한(Hollowing) 형태(Shape)의 포스쳐와 함께 쉐입 흐름(Shape Flow)을 이용은 내면세계에 집중하여 내재된 슬픔에 몰입한 진중하고 엄숙함을 보인다. 반면, 진도북춤은 승무에 비해 비교적 움직임이 역동적이다. 다채로운 손과 팔, 발놀음으로 자유로이 움직이는 제스츄어들의 횡단적(Transversal), 주변적 경로(Peripheral Pathway)의 공간 사용과 직선적, 곡선적 트레이스 폼(Trace Forms)들은 다양한 시각적 볼거리를 연출한다. 이 춤의 원류가 마당이나 들판에서 행해졌던 특성상 관객과 교감을 중시하며 중심적 공간의 긴장감(Central Spatial Tension)의 사용하고 관객과의 적극적인 감성적 상호교류를 의도한다. 힘있는 타고(Action Drive)의 에포트(Effort)와 강하고 빠르고 약하고 느려지는 때로는 응축되고 풀리는 에너지의 흐름의 다양한 변화는 주로 리듬 상태(Rhythm State)와 유동적 상태(Mobile State)의 에포트(Effort)의 사용은 흥을 돋우어 적극적으로 에너지를 표출하는 신명으로 해석 가능하다. LMA분석은 각 춤이 지닌 독특한 특질들을 중심으로 특성화, 개념화를 통해 전통춤의 ‘원형’이 무엇인지를 규명하는 작업으로 그 특성을 구체화시켜 춤의 독창성(Originality)을 발견하고 우리의 문화정체성을 찾아 세계적인 무형문화로서 발돋움 할 수 있는 가능성을 열어준다. 이는 전통춤의 창조적 계승과 적극적 보존에 있어 무엇을 배우고, 무엇을 춤추고, 무엇을 전수할 것인가와 같은 근본적인 물음에 적절한 해답을 제시해줄 수 있다. 이렇게 우리 춤에 대한 체계화된 분석은 춤에 대한 올바른 이해와 춤 수행을 돕고 보다 창의적인 계승방안으로 그 원형을 새로운 문화컨텐츠로서 활용할 수 있는 계기를 마련해 줄 것이다. 또한 LMA 소프트웨어의 적절한 활용과 디지털화된 기록, 저장은 21세기 디지털 문명과4차 산업혁명의 시대에 대비한 춤 연구법으로 향후 보다 적극적인 활용 가능성을 제시한다.

This study focuses on exploring value and facilitation of LMA(Laban Movement Analysis) as a research method to find out special qualities of traditional Korea dance. For more specific examples, this study examines two previous researches on analyzing the movements of traditional Korean dances, Seung-mu and Jindo drum dance, through LMA. According to the preservation laws for Korean important intangible cultural heritages, traditional dance must be inherited and preserved as an original version(원형:one-hyung) which determines the artistic and historical values of the dance. At this point, the term, original version(원형:one-hyung) of traditional Korean dance can be reinterpreted in archepattern based on the concept of original quality (원본:one-bon). In traditional dance, the archepattern can be interpreted by its essence and specificity, which implies the meaning of the original source. In order to analyze the archepattern of the two traditional dances, Seung-mu and the Jindo drum dance, I explore the movements with the concept of LMA four categories, Body, Effort, Shape and Space. Seung-mu shows a particular characteristic that concentrates on an emotion inherent in the undisclosed movements rather than the dramatic expression of the external movement. This reveals the Korean special cultural sentiment to sublimate the sadness and the agony of the Korean people. Scattering and gathering movements of arms and repetitive movements of steps were led by breathing and Core Initiation. These movement combinations with smooth energy flow in Vision Drive Effort(between Free, Direct, and Quick and Bound, Indirect, and Sustained) draw fantastic visual designs in the air. Using Shape Flow with Sagittal Hollowing Posture shows the intense and solemnity that imply the sadness inherent in the inner world. On the other hand, Jindo drum dance is relatively dynamic compared to Seung-mu. Diverse body parts like hands, arms, steps, and leg gestures are used with much more free and energetic effort. The use of Transversal, Peripheral Pathways and linear curved Traced Forms of arm gestures show a variety of visual designs. These characteristics of this dance imply the nature of this dance generated from a festival dance in the field with dynamic and free mood. The use of the Central Spatial Tension toward the audiences indicates an active emotional interaction between a dancer and audiences. The dynamic changes of the movement energy involve Drum beat with Action Drive Effort (Strong, Quick, and Direct), Rhythm State (Weak and Slow and Strong and Fast) and/or Mobile State (Bound and Sustained and, Free and Quick). The use of these energy changes can be interpreted as a special emotional quality excitement that is actively expressed by the ongoing mobile and rhythmic Effort. LMA analysis is a useful tool for identifying the ‘archetype/ original version’ of traditional dance through characterization and conceptualization centering on the unique characteristics of the dance. By identifying the originality of traditional Korean dance, it is important to discover the special quality and essence of the dance and opens up the possibility of becoming a global intangible culture. This can also provide some answers to the fundamental questions such as what to learn, what to dance, and what to convey in the succession and preservation of traditional dance. The systematic LMA analysis helps us to understand and perform the traditional dance properly. It will also bring an opportunity to utilize the original qualities as cultural contents for creating a new performance signifying Korean cultural heritages.

본 연구의 목적은 멀티미디어 기술이 활용된 공연예술 작품인 ｢사랑의 역사｣를 통해서 혁신적 다양성과 장르 확장의 가능성을 탐구해보는 것이다. 기본적으로 이 작품은 프로젝터와 컴퓨터를 통한 프로젝션 맵핑 기법을 활용하여, 가상적 현실을 보여주고자 한다. 또한 ｢사랑의 역사｣는 관객들이 새로운 패러다임으로서의 애니메이션 기법으로 새로운 공연예술을 즐길 수 있도록 한다. 애니메이션은 실사기법 외에도 모든 다양한 기술들을 조작함으로써 움직이는 화면을 만들어낸다. ｢사랑의 역사｣는 애니메이션 기법을 통한 가상의 이미지와 실제 이미지가 혼재된 다층적 공간을 제시해주고 있다. 다시 말해서, ｢사랑의 역사｣는 실제 너머의 실제인 하이퍼리얼리즘을 활용하여 배우들의 두려움, 욕망, 고독, 그리고 기억들을 시각화시키고 있다. 왜냐하면, 하이퍼리얼리즘은 실제 현실의 환영을 통해서 실제보다 더 실제적인 이미지를 창조해내면서 관객들에게 기존의 현실에 대한 재인식의 기회를 제공해주기 때문이다. 20세기 이래로 예술 영역은 다양한 미디어와의 연결 및 해체를 통해서 미학적 패러다임의 변화를 겪어왔다. 많은 관객들은 애니메이션 기법이 활용된 ｢사랑의 역사｣를 통해서 공연예술이 시공간의 한계를 극복할 수 있는 가능성을 목격했다. 결론적으로 관객들은 디지털 기술이 가미된 ｢사랑의 역사｣를 통해서 창조적 즐거움을 경험한다. 이 공연예술은 관객의 상상력과 몰입도를 극대화시키는데 성공하고 있기 때문이다.

The purpose of this paper is to examine the possibilities on an innovative diversity and the expansion of genre through performing art, “The History of Love” in which multimedia technique is used. It tries to show virtual reality of projection mapping through projector and computer. Also, “The History of Love” makes audiences enjoy new performing art with the animation method as a new paradigm. Animation means the creation of moving images through the manipulation of all varieties techniques apart from live-action method. “The History of Love” represents multi-layered space where virtual image and real image are mixed through animation method. In other words, “The History of Love” visualizes actors' psychological state like their anxieties, desires, solitude, and memories through hyperrealism, realism beyond realism. Hyperrealism plays a part in giving audiences opportunity to experience new approach toward the reality in this work because it can create more real image than the reality through the illusions of the actual reality. Since the 20th century, there has been an aesthetic paradigm shift in the area of art through connection and deconstruction of various media. Many audiences witnessed the possibilities to overcome the limit of space-time in performing arts through “The History of Love” with animation method. In conclusion, audiences experience creative enjoyment through “The History of Love” includes collaboration of digital technology because this performing art succeed in maximizing audiences' imagination and the degree of immersion by using new forms of performing art technology.

최근 수년간, 과학과 공연예술 간의 창의적인 파트너십이 떠오르고 있다. 관계에서 Donna Haraway(1985), Katherine N. Hayles(1999), Rosi Braidotti (2013)와 같은 이론가들은 현대 사회의 인간에 대한 인조인간, 로봇, 가상실체의 영향력을 논의해왔다. 이 논문은 무용과 과학이 개입된 에타트연구소(Etatlab)의 Hsiao Ho-wen 자동화 인형 프로젝트: 리위안의 새로운 상상(2011~2014) 그리고 주류 스튜디오(Very Mainstream Studio)의 점유되지 않은 기억(2012)이라는 대만의 두 예제를 논의하는 것이 목적이다. 전자는 남부 중국의 전통 리위안 오페라와 컴퓨터를 운용한 실물 크기의 로봇 간의 학제 간 실험이며, 후자는 무대 위 프로젝트 무용과 실제의 안무가이자 무용가인 Chou Shu-yi와 연극인이자 영화감독인 Chou Tung-yen 간의 공동연구이다. 이러한 두 가지 연구에서 무용과 과학을 다른 측면으로 어떻게 결합했는지에 대한 비교 분석을 통해 무대 위 인간과 인간 외 대상 간의 상호작용 방법과 관객을 관여시킬 수 있는 여러 경험을 논의한다.

In recent years, creative partnership between technology and the performing arts has been on the rise. In relation, theorists such as Donna Haraway(1985), Katherine N. Hayles (1999) and Rosi Braidotti(2013) have discussed the impact of cyborgs, robots, and virtual bodies to the humans in our contemporary society. This paper aims to discuss two examples from Taiwan involving dance and technology, namely New Vision Liyuan: Hsiao Ho-wen Automated Marionette Project(2011~2014) produced by Etatlab and Emptied Memories by Very Mainstream Studio(2012). The former is an interdisciplinary experiment between traditional Liyuan opera from southern China and computer operated life-size robot-marionette; while the latter is a collaboration between theatre/film director Chou Tung-yen with choreographer/dancer Chou Shu-yi in the use of real and projected dancing figures on stage. Through a comparative analysis of how these two works incorporate dance and technology in different aspects, I discuss ways of human and non-human interaction on stage, as well as the different experiences with which audiences can engage.