Earticle

본 연구는 실감기술의 고도화로 가상과 현실의 경험이 혼재되는 가상융합 시대의 무용 생태계를 조망하고, 새로운 가치흐름에 대한 가능성과 쟁점을 논의하는 데 그 목 적이 있다. 현실과 가상이 융합되고 공연산업과 참여시장이 연결된 무용 생태계를 제 시하기 위해 문헌연구와 전문가 심층 인터뷰를 실시하였으며, 서비스 가치 네트워크 모델을 적용하여 현재 무용 생태계(As-Is)와 가상융합 무용 생태계(To-Be)를 도출 하였다. 분석결과 As-Is 모형에는 공연시장과 참여시장 간의 연결 흐름이 나타나지 않았으며, 가상융합 무용 생태계(To-Be)에서는 각 단계에 새로운 이해관계자가 포함 되었다. 창작 단계에는 가상공간의 무용 표현과 콘텐츠 IP가 포함되었고, 제작 단계 에는 무용 관련 콘텐츠 제작사가, 유통 단계에는 가상세계 무용 활동을 위한 메타버스 플랫폼이 등장하였다. 소비 단계에서는 공연시장의 관객과 참여시장의 무용 참여자가 가상 플랫폼을 통해 통합됨으로써 창작과 정보 생산, 사회적 교류를 위한 커뮤니티를 형성할 것으로 예상되었다. 서비스 지원 단계에서는 가상세계 플랫폼 구축에 필요한 IT 업체들이 새롭게 추가되었다. 가상융합 무용 생태계는 무용산업 각 주체들의 상호 의존적 연결을 통해 새로운 기회와 가치가 창출되고, 특히 공연 관람과 직접 참여의 소비 영역이 활성화 될 수 있음을 확인하였다. 신체적 라이브니스 요소들을 가상공간 에 구현할 수 있는 기술이 가상융합 생태계의 쟁점이자 새로운 도전으로 작용함을 논 의하였다. 본 연구는 가상융합시대의 무용산업의 방향성과 기술융합을 통한 가치를 정립하는데 활용될 수 있을 것이다.

The purpose of this study is to explore the XR-dance ecosystem converged with physical and virtual world and to discuss the potential of new value network in dance industry. To verify the XR-dance ecosystem that combines physical and virtual experiences and to connect the performance and participation in dance, literature research and in-depth interviews with experts were conducted. Based on service value network model, the current Dance Ecosystem (As-Is) and the XR-Dance Ecosystem (To-Be) were derived. As a result of the analysis, the As-Is model did not show a link between the performance and the participatory dance market, and in XR-Dance Ecosystem (To-Be), new stakeholders were included at each stage. In creation, dance expression in virtual space and content IP were included, in planning/production, content producers appeared, and in distribution, a real-time virtual platforms appeared. In consumption, the audience in the performance and dance participants were expected to be integrated and form a community in the virtual platforms, and IT companies have been added in service provider to support the platforms. Finally, XR-dance ecosystem creates new opportunities through the service value networks. In addition, it is discussed that implementing the physical liveness in virtual space is a new challenge. This study can be used to establish the dance industry converged with technology.

COVID-19로 무용예술 분야에 대변환이 시작되었다. 무용공연의 환경이 ‘오프라 인(off-line)에서 온라인(on-line)’으로 이동되었고, 온라인 플랫폼을 활용한 비대면 공연이 확산되었다. 온라인 비대면 공연이 오프라인 공연의 쇠퇴를 의미하지 않는다. 오히려, 온라인과 오프라인 두 영역의 무용환경을 통해 무용예술을 성장․발전시키면 서 무용의 대중화를 이끌 수 있다. 이에, 무용예술 전문가들에게 필요한 전문성은 무 엇이고, 그 전문적 능력을 함양시키기 위해 대학 무용과 교육과정에 어떠한 교과목이 개설되어야 하는지를 탐색해보았다. 그 결과, 진로탐색을 위한 교육과정, 국제교류를 위한 교육과정, 정보통신 활용을 위한 교육과정이 필요함을 확인하였다. 이러한 대학 교육과정은 ‘연계성-체계성-실천성’으로 연결되어야 하고, 각각의 교육의 과정은 “티 칭-러닝-코칭”의 방식으로 진행되어야 한다.

COVID-19 has begun to transform the field of dance art. The environment of dance performances was moved from offline to online, and non-face-to-face performances using online platforms spread. Online non-face-to-face performances do not mean the decline of offline performances. Rather, it can lead to the popularization of dance while growing and developing dance art through the dance environment in two areas, online and offline. Accordingly, I explored what expertise is needed for dance art experts and what subjects should be opened in the university dance curriculum to cultivate their professional abilities. As a result, it was confirmed that a curriculum for career exploration, a curriculum for international exchange, and a curriculum for the use of ICT(information and communication Technologies) were necessary. These curricula should be connected to ‘connectionsystematic- practical’, and each curriculum should be conducted in the way of “teaching-learning-coaching”.

본 논문은 위기 속 무용 장르가 통계상 취약했는지 확인하고 그 원인을 탐색하여 제언하는 것을 목적으로 한다. 본 연구에서 위기란 2008년 금융위기와 2020년 코로 나 시기를 위기의 범위에 넣는다. 2008년 금융위기에 무용은 공연건수는 양호했지만 공연횟수에서 약세를 나타냈다. 2020년 코로나 위기에는 공연횟수까지 양호한 성적 을 보였으나 관객수와 티켓판매액의 점유율이 급감하였다. 그 원인으로는 중앙정부 공연장 전속단체의 대공연 취소와 무관중 온라인 공연, 그리고 가장 인기가 많은 클래 식 발레의 공연 급감을 들 수 있다. 관객이 클래식 발레에 쏠려 있음은 해결해야 할 과 제라 할 수 있다.

This paper aims to confirm whether the dance genre in crisis was vulnerable statistically and to explore and suggest the cause. In this study, the crisis includes the 2008 financial crisis and the 2020 corona period in scope of the crisis. During the financial crisis in 2008, the number of dance cases was similar to the previous year, but the number of dance performances was much less. During the 2020 corona crisis, the number of performances showed similar results to the previous year, but the share of the number of audiences and ticket sales decreased sharply. The causes include canceling major performances by organizations affiliated with the central government's performance halls, online performances without spectators, and a sharp drop in performances of the most popular classical ballet. The fact that the audience focuses on classical ballet can be said to be a task to be solved.

코로나19로 인해 중단되었던 대학축제가 최근 사회적 거리두기 완화로 개최되고 있는 추세이다. 대학축제는 학생들의 공동체성 확립과 소속감을 형성하는 사회활동으 로 설명되고 있다. 이 연구에서는 대학축제 체험이 만족도, 교우관계 증진, 재참여의 도에 어떤 영향을 미치는지 규명하는 데 있으며 나아가 축제 만족도와 대학생활 만족 도를 측정하여 대학축제 체험의 긍정적인 교육적 의미를 이해하는 데 목적이 있다. 설 문조사는 2022년 05월 24일부터 05월 26일까지 서울 소재에 있는 H대학 캠퍼스를 중심으로 이루어졌으며 자기기입식 방법을 활용하여 스마트폰으로 QR코드 인식을 적 용하여 온라인 설문 참여를 중심으로 진행되었다. 회수된 설문지 408부 중 연구 목적 에 부합되지 않은 30부를 제외한 378부를 분석에 활용하였고 구조방정식(SEM)을 통해 가설을 검정하였다. 분석 결과 축제체험이 학교생활 만족도와 대학축제 만족도 에 정(+)의 영향을 미치는 것으로 분석되었으며 이는 대학축제를 통해 학생의 학교 생활 만족과 대학축제 만족을 향상시킬 수 있음을 시사한다. 더 나아가 학교생활 만족 도가 교우관계 증진과 재참여의도에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 확인되었는데, 특히 교우관계 증진이 재참여의도 보다 큰 영향을 받는 것으로 나타났다. 또한 축제 만족도가 교우관계 증진과 재참여의도에 유의미한(+) 영향을 미치는 것으로 확인되 었고 이 중 재참여의도가 큰 영향을 받는 것으로 도출되었다. 이 연구를 통해 교육 종 사자와 대학 축제 관련 이해관계자들에게 이론적, 실무적 시사점을 제시한다.

The purpose of this study is to investigate the effect of the college festival experiential attributes on satisfaction, peer relationships improvement and intention to re-participate. This research classified satisfaction into two variables; college-life satisfaction and college festival satisfaction with the aim to understand a positive educational effect of experiencing college festival. The survey was conducted from May 24th to May 26th, 2022 in a college based in Seoul, South Korea. Self-administered questionnaire was adopted and participants used a quick response(QR) code scan through smart phone to access the survey. The measurement items of the questionnaires consisted of multiple items with a 5-point Liker Scale and the final 408 surveys were collected and 378 were selected and analyzed. Results of the structural model assessment supported all of the hypothesized associations. College festival experiential attribues showed paramount importance in both the satisfaction. This suggests that college-life satisfaction and college festival satisfaction can be improved through associated programs. Furthermore, the findings confirmed that college-life satisfaction had a positive effect on the peer relationships improvement and intention to re-participate. In addition, it was confirmed that college festival satisfaction had a significant and a positive effect on peer relationships improvement and re-participation intention. Findings from the structural invariance assessment supported the impact of both suggested satisfaction on peer relationships improvement and re-participation intention. Academic and practical implications are suggested for education professionals and college administration department.

본 연구는 가상공간에서 현실과 같은 활동이 활발히 이루어지고 있는 최근의 사회 현상에 관심을 두고 딱지본의 2D 이미지를 사용하여 3D 가상공간을 디자인한 작품에 관한 글이다. 가상공간은 컴퓨터의 발달과 사회, 문화적 요구에 의해 그 개념과 범위 가 점차 확대되어 상상하는 모든 형태의 현실을 만들어낼 수 있는 공간이라고 할 수 있다. 딱지본은 표지에 흥미로운 내용이 그려진 마치 아이들 놀이도구와 같이 울긋불 긋하게 인쇄된 이야기책이다. 딱지본 표지 이미지를 활용하여 과거 낭만시대로의 여 행을 표현한 3D 가상공간을 디자인하였다. 작품은 구글 지도를 캡쳐하여 단계적 변환 을 거친 3D 공간 이미지와 포토샵 편집과정을 거친 2D 딱지본 이미지들로 구성된다. 편집과 변환과정을 거친 구성요소들은 언리얼 엔진을 기반으로 화면에 배치하고 조합 하여 가상공간으로 제작하게 된다. 작품뿐만 아니라 다양한 장르에서 딱지본의 콘텐 츠와 3D 가상공간의 융합을 응용한 새로운 표현 방식과 창의적인 아이디어가 파생되기를 기대한다.

This study is about an artwork that designs a 3D virtual space using 2D images of Ttakjibon with interest in the recent social phenomenon in which realistic activities are actively carried out in virtual space. The virtual space can be said to be a space that can create any form of reality imaginable by gradually expanding its concept and scope due to the development of computers and social and cultual demands. Ttakjibon is a storybook printed in a colorful way like children’s play equipment with interesting contents on the cover. A 3D virtual space was designed to express travel to the romantic era in the past by using the images of Ttakjibon. The artwork consists of a 3D space image that has been converted by capturing Google Maps and 2D Ttakjibon images that have been edited by Photoshop. The components, edited and converted, are placed on the screen based on the Unreal Engine to create a virtual space. It is expected that new expression methods and creative ideas will be derived by applying the fusion of Ttakjibon’s contents and 3D virtual space in various genres as well as artworks.

본 연구는 현재 문화예술의 방법론적 영역에 관한 다양성과 개방적 실현에 관한 학 문적 소고이다. 현재 문화예술학은 다양한 학문의 곁가지로 문화정책, 문화사, 문화철 학, 문화기획 등 종합적이고 실리적인 해석을 위주로 학문적 방법론을 모색하고 있다. 하지만 문화가 철학이 되고 교육이 되는 방향에 있어서 문화예술학은 주변학문과의 다양한 연계에 비해 변별적 학문의 체계를 모색하는 중에 있다고 봐야 한다. 그렇다면 기존의 예술이라는 미학적 관점에서의 철학적 물음을 보다 실용적이고 실 천학적 방법론으로서의 예술을 바라보는 시각에는, 문화와 예술을 ‘문화학의 뿌리로서 인류역사의 결과물’이라는 생산적 관점에서 이해할 필요가 있었다. 이러한 실천철학적 방법론에 관해 ‘상징’이라는 생각과 창조의 관념은 문화학, 문화예술학의 학문학적 논 의에 새로운 시야를 확장할 수 있었다.

This study is an academic review on the diversity and open realization of the current methodological field of culture and art. Currently, the study of culture and arts is a side branch of various disciplines, seeking academic methodologies with a focus on comprehensive and practical interpretations such as cultural policy, cultural history, cultural philosophy, and cultural planning. However, in the direction of culture becoming philosophy and education, the study of culture and arts is in the process of seeking a distinctive academic system compared to the various links with surrounding studies. Then, it was necessary to understand the philosophical question from the aesthetic point of view of the existing art as a more practical and practical methodology, and to understand culture and art from a productive point of view as ‘the result of human history as the root of cultural studies’. The idea of 'symbol' and the idea of creation regarding these practical philosophical methodologies could expand new perspectives in the academic discussion of cultural studies and cultural arts studies.

본 연구는 조르주 바타유의 초기 텍스트들에서 바타유의 주요 사상과 연장선상에 있는 반건축적 개념을 분석하고, 이것이 베르나르 츄미의 건축론으로까지 어떻게 확 장되는지 살펴본다. 바타유가 편집에 참여했던 잡지 『도퀴망』에서는 그의 건축과 도 시에 대한 관점을 확인할 수 있는데, 여기에서는 바타유 주요 사상들의 단초 역시 발 견할 수 있는 동시에 서구 철학에 비견되는 건축을 해체하는 추동력을 엿볼 수 있다. 바타유의 비정형, 과잉 소비와 이질학, 위반과 에로티즘과 연관되는 ‘반건축’ 개념은 이후 츄미의 건축론에 영향을 끼치게 된다. 츄미는 실제로 바타유의 ‘반건축’ 개념을 분석한 드니 올리에의 저서 『반건축: 조르주 바타유의 사상과 글쓰기』를 통해 바타유 를 접하게 된다. 이후 바타유의 ‘반건축’ 개념을 확장하여 츄미는 『맨해튼 트랜스크립트』에서 공간, 사건, 움직임이라는 개념으로 발전시키며, 라 빌레트 공원과 같은 실제 프로젝트로도 실천한다. 본 연구는 이와 같이 ‘반건축’ 개념이 건축적으로 확장이 되는 과정을 통해 그 가능성을 살펴보는 것에 목적을 두고 있다.

This article analyzes Bataille’s concept of “Anti-Architecture” in his early texts, which is along the lines of his main ideas, and examines the way this concept inspires the architectural theory of Bernard Tschumi. In the magazine Documents, for which Bataille served as an editor, he wrote several articles representing his perspectives on art, architecture and urbanism. This article also discusses Bataille’s main ideas of deconstructing architecture: For instance, the concept of “Anti-Architecture,” related with Bataille’s main concepts -- formless, excess consumption and heterogeneity, transgression and erotism -- has affected the theory of Tschumi. The architect got to know Bataille through Denis Hollier’s Against Architecture: The Writings of George Bataille. After that, he expanded and connected this concept with his own architectural theory: the concept of space, events, and movement in The Manhattan Transcripts. In addition, Tschumi expanded this concept by designing the Parc de la Villette Project. This article explores the way Tschumi works with Bataille’s concept of “Anti-Architecture” in his architectural theory and practice.

기술융합 관련 무용공연에 대한 그동안의 연구들을 살펴보면 주로 기술적 활용에 초점을 맞춘 작품 분석이 주를 이루어왔다. 이러한 기술적 활용에 대한 작품 분석뿐 아니라 기술융합 무용 작품에 대한 미학적, 예술적 논의 역시 관련 분야의 다각적인 연구 발전을 위해 필요하다. 본 연구는 현재 다양하게 시도되는 기술융합 무용 작품들 의 미학적 함의를 살펴보는 데 그 목적을 두고 있으며 이를 현대철학자 에리카 피셔- 리히테의 수행성 개념으로 분석해 보고자 한다. 그 연구의 결과는 다음과 같이 도출되 었다. 첫째, 지금, 여기, 공동체적 현존성을 가진다. 기술융합 무용 공연은 공동체적 현존 성의 범위를 넓혀 주며, 공동체적 현존성을 직접적으로 보고, 느낄 수 있도록 구현할 수 있다는 점에서 수행적인 미학적 함의 가진다. 둘째, 움직임 감각의 자기 생산성을 가진다. 로봇의 움직임과 무용수의 움직임 사 이에 발생하는 감응적 힘이 생겨나면서 인간의 움직임 속에 있는 미세 지각과 로봇이 인간의 움직임을 포착하려는 센서 간의 피드백 고리를 형성하게 된다. 그러면서 우리 는 지금까지 느끼지 않았던 새로운 관계 속에 생겨나는 움직임의 힘, 새로운 감각들에 대한 미학적 함의를 가진다. 셋째, 경계적 경험의 사건성을 가진다. 기술융합 무용 작품은 현실과 가상의 이분 법적 개념 사이에 놓이게 하여 경계적 경험을 제공하면서 무용수 움직임에 대한 본질적 특성을 새롭게 바라보게 한다는 점에서 미학적 함의 가진다. 이와 같이 기술융합 무용 작품은 에리카피셔-리히테가 말하는 수행성의 개념적 특 성들을 다양하게 내포하고 있으며, 기존의 전통적 방식의 예술 표현이 아닌 다양한 시도들을 통해 관객에게 새로움을 보여주고 있다. 이러한 흐름은 우리가 전통적 무용 공 연을 바라보는 관점을 넘어 다양한 시공간, 다양한 움직임, 다양한 감각들의 범위를 넓혀 관계하며 새로운 의미를 찾아내야 할 것이다.

Research related to technology convergence so far has mainly focused on the use of technology and analysis of works. Now is the time to go beyond analysis of works and technical concepts, and to discuss aesthetic and artistic aspects of technology convergence dance works. This study raises the need to look at various currently attempted technological fusion dance works from an aesthetic point of view. Therefore, this study has the purpose of examining the aesthetic implications of the technical fusion dance work, and it is analyzed with the concept of Performativity of the contemporary philosopher Erica Fischer-Lichte. The research results are as follows. First, it has a communal presence in the here and now. Technological fusion dance performance broadens the scope of community presence, and has a performative aesthetic significance in that it can be realized to directly see and feel the community presence. Second, it has the self-productivity of movement sense. A responsive force is created between the robot's movement and the dancer's movement, forming a feedback loop between the micro-perceptions in the human movement and the sensors that the robot attempts to capture the human movement. In doing so, we have aesthetic implications for the power of movement and new senses that arise in a new relationship that we have never felt before. Third, it has the eventuality of borderline experience. Technological convergence dance works have aesthetic implications in that they provide a borderline experience by placing them between the dichotomous concepts of reality and virtuality, while allowing a new perspective on the essential characteristics of dancers' movements. As described above, the technical fusion dance work contains various conceptual characteristics of Performativity as described by Erica Fischer-Lichte, and shows novelty to the audience through various attempts rather than the traditional artistic expression. In this flow, we need to find new meanings by expanding the scope of various time and space, various movements, and various senses beyond our view of traditional dance performance.