Earticle

안무는 안무가의 사고와 판단 그리고 훈련된 신체를 기반으로 움직임을 디자인하는 작업이다. 무용창작에서 인공지능 기술의 활용은 다른 무용수들과 인간대 인간의 관 계 속에서 안무가의 직관적인 의사결정에 따라 만들어졌던 전통적인 방식과는 달리 기계와의 협업으로 안무를 만들어내면서, 안무과정에 있어 수반되는 다양한 문제들에 대해 새로운 방식으로 인식하게 한다. 본 논문에서는 무용창작을 위해 현재까지 개발된 인공지능 기술들에 대한 연구 동 향을 검토하고, 나아가서 인공지능 기술을 무용창작을 지원하는 유익한 파트너로 수 용하여 인공지능 기반 무용공연 프로젝트를 시연한 현대무용 안무가인 머스 커닝햄, 트리샤 브라운, 웨인 맥그리거의 창작과정을 살펴보았다. 이를 통해 안무도구로서 인 공지능 기술의 가능성을 탐색하고 인공지능이 무용창작에 적용되면서 수반되는 몇 가 지 주요 쟁점들에 대해 논의하고자 하였다.

Choreography is a work that designs movements based on the thinking and judgment of choreographer and the trained body. The utilization of AI technology in dance creation is different from the conventional way which used to be created depending on choreographer's intuitive decision making in human-to-human relationships with other dancers but newly recognizes the creative issues accompanied with the process of choreography by creating choreography with the collaboration with a machine. This thesis reviews the trend of research on AI technology which has been developed up to now for dance creation, and further researches the creation process by modern dance choreographers such as Merce Cunningham, Trisha Brown, and Wayne McGregor who recognized AI technology is a beneficial partner to support dance creation and demonstrated the dance works that apply AI technology. Through this, this study explores the potential of AI technology as a choreography tool, and intends to discuss several issues that accompany during the process when AI is applied to the dance creation.

디지털 기술의 보급이 일반화되고 상용화되는 사회적 흐름과 함께 4차 산업혁명과 기술융합이라는 단어들은 한국사회의 전반에 걸쳐 핵심 키워드로 자리 잡고 있다. 첨단 과학기술 발전과 함께 급속도로 성장한 기술과 무용예술의 융합은 디지털 미디어와 컴퓨터 테크놀로지를 적극 활용한 다양한 기술들과 VR, AR, MR 그리고 AI와 드론, 로봇의 활용까지 다양한 시도를 통해 새로운 시대로의 전환을 꾀하고 있다. 이에 본 연구는 한국 컨템포러리 댄스의 기술 융합적 시도가 완성도 있게 구현되었다 평가받은 작품 ｢기억의 파편｣(2019년 초연)을 중심으로 무용과 기술융합의 작업적 특성과 무용의 표현성 확장의 의미와 가치에 대해 살펴보았다. 본 연구자가 작품의 창작자로 직접 참여한 실제 경험을 바탕으로 무용과 기술융합의 세부 방법, 구체적 작업방식과 사용된 기술, 그리고 그 상징성에 대한 분석적 연구를 진행하였다. 이는 창작자가 창작적 데이터를 구축하고 이를 기반으로 학술연구를 진행하는 실기기반 연구법(Practice Based Research)에 기반한다. ｢기억의 파편｣은 현대사회를 사는 사람들의 정신적 상처와 트라우마를 마주하고 극복하는 이야기를 주제로 몸이 기억하는 고통과 감정적 상처를 은유적으로 시각화하고, 내적 치유라는 추상적 개념을 상징화하였다. 무대 위에 무용수의 실제 움직임과 기술이 조화롭게 공존하고, 구체적 표현을 위해 뉴 미디어 아트(New Media Art)이용하였다. 구체적으로는 동작 인식 및 추적기술을 사용한 인터렉티브 아트(Inter- active-Art), 실시간 신체 움직임 캡쳐와 반영을 위한 키네틱 아트(Kinetic- Art)와 입체적 영상 처리기술인 컴퓨터 아트(Computer-Art), 실사 촬영기법을 응용한 비디오 아트(Video-art), 그리고 3D 프로젝션 맵핑(Projection mapping) 기술을 활용하였다. 이를 통해 무대 위 무용수의 움직임은 실시간으로 기술과 연동되어 즉각적인 이미지로 무대 위에 투사되고 추상적이고 상징적인 감정 요소는 다양한 시각화를 이루어 회화적 이미지를 제공하였다. 이는 무용 예술의 미학적 특성인 현장성, 동시성과 즉각성을 강조한 것으로 한층 고조된 입체감과 몰입감의 증강으로 춤의 본래적 가상성(virtuality)과 상호성(interactivity)을 더욱 강화시켜 무용이 지닌 공연예술 본연의 가치를 부각시킨 것이다. ｢기억의 파편｣에서 보인 디지털 기술과 춤의 융합 작업은 종래의 무용 표현방식이 지닌 시․공간성의 한계성을 초월하는 계기를 마련해 주며, 기술적 확장을 통해 창작자의 아이디어와 주제를 보다 구체적으로 표현하는데 다양성을 제공한다. 또한, 현장 예술로서 갖는 무용의 본질적 특성들을 극대화해주고, 3차원 신체 움직임과 함께 새롭게 생성된 디지털 표현은 관객들에게 극강의 몰입 환경을 제공하고 예술이 지닌 가상성을 배가시켜 ‘총체 예술’로 무용의 영역을 확장하는 역할을 한다.

Along with the development and commercialization of science and technology, the 4th industrial revolution and convergence of art and technology have become critical keywords throughout the world. The convergence of dance and technology also has grown rapidly in Korea. It has tried to find a pathway for creating artistic intergration of dance and technology by using digital media, computer science and other technologies like VR, AR, MR, AI, and drones, as well as Robotics. This study focuses on how the technology has been involved in dance performance and what the value of technology is as a new expression of dance, through analyzing the dance piece, “Distortion and Trauma”, which is premiered in 2019 and performed by Born Dance Company. I examined specific technologies that have been employed in this dance and how they singnify special symbolic meanings extended from the dancers’ movements, based on my own experiences as the choreographer of the dance. This research is conducted on a basis of Practice Based Research Method, which is how a creator builds creative data for academic research. “Distortion & Trauma” reproduces the intense painful feeling and its trauma of the people and their body memories throughout the dancers’ movements and their incorporated New Media Art and technology. More specifically, this dance uses interactive-art, kinetic-art, digital media-art and 3D projection-mapping as a useful method for expanding dance expression. The movements of the dancers on the stage are interlocked with these technologies in real time and projected onto the stage as an immediate image. The abstract concept symbolizing painful emotion and trauma is visualized in various ways while providing pictorial images using the New Media technology. Therefore, the collaboration between dance and technology represents the aesthetic beauty of dance such as vividity, synchronicity, and immediacy and reinforces the virtuality, interactivity, immersive aesthetics of dance, highlighting the essential characteristic of the dance as a total work of art (Gesamtkunstwerk in German).

처용무의 역사에 있어 조선 시대는 처용무의 틀을 확립한 시기이다. 이전의 1인 혹은 2인에 의해 주술적, 놀이적 차원에서 행해졌던 처용무가 조선 시대 유교의 영향을 받아 음양오행 사상을 내포하게 되었고 그에 따라 춤이 확대되고 정리되었다. 이러한 변화와 발전으로 처용무는 지속적으로 국연의 한 종목으로 존립할 수 있었으며 오늘날까지 이어질 수 있었다. 본 연구는 현행 처용무가 한층 완성도 있는 모습으로 변화할 수 있었던 조선 전기의 세종 대와 성종 대를 중심으로 변화양상을 분석하는 데 초점을 맞춰 진행하였다. 역사적 사실을 토대로 결과를 도출하기 위해 조선왕조실록, 악학궤범, 용재총화 등 그 시대의 원서를 분석하였고 그 내용을 담고 있는 선행논문, 학술지, 서적을 통해 처용무를 분석하는 것으로 연구를 진행하였다. 또한 과거의 기록 해석에 있어 해석자의 주관적인 견해가 발생할 수도 있는 점에 그 제한점을 두었다. 춤은 그 시대의 시대상을 잘 담아낸다. 그렇기에 몸으로 춤을 추기에 앞서 머리로 이해하고 가슴으로 느낀 다음 몸을 통해 표현해낸다면 보다 나은 춤을 관객들에게 선사할 수 있을 것이다. 이 자료가 우리 춤을 아끼고 사랑하는 이들이 춤을 보다 심도 있게 이해하고 출 수 있는데 도움이 되길 기대한다.

During Joseon Dynasty, Cheoyongmu established its unique format. Compared to early years of the dance when it was performed by one or two dancers in the form of shamanic rituals or leisure activities, Cheoyongmu started to incorporate the concept of “Yin-Yang and five elements” under the influence of neo-confucianism which dominated the Joseon Dynasty, therefore expanding its horizon and getting its form. Based on these series of changes and development, Cheoyongmu was able to keep existing as a form of national banquet up until present days. This study focuses on analyzing the changes of cheoyongmu in the early years of Joseon Dynasty, especially during the era of King Sejong and King Seonjong when the dance gained its complete form. This study reviewed old documents like Joseonwangjosillilok [Annals of the Joseon Dynasty], Akhakgwebeom, and Yongjechonghwa, and analyzes preceding studies, journals, and books that cover related topics. The limitation was placed on the fact that the interpreter's subjective views may arise in interpreting historical records. Dance contains the characteristics of the age. Therefore, if dancers understand the dance with brain and feels it with heart before starting to dance, they could give better dance to spectators. It is expected that this study will help those who love Korean dance to understand it more deeply.

본 연구는 생활형 모던 필라테스를 위한 메소드 프로그램 개선요인을 도출함으로써 필라테스의 대중화와 활성화를 도모하는 데 목적을 둔다. 본 연구의 구체적 분석 결과는 다음과 같다. 첫번째, ‘필라테스 동작 요인’으로 참여자 개별 수준 및 운동특성이 고려된 맞춤형 동작 프로그램의 필요성과 메소드의 개선을 요구한다. 두번째, ‘필라테스 대중화 요인’으로 메소드 시퀀스의 과학화, 흥미로운 필라테스 프로그램, 미용효과를 위한 메소드 강화, 대중스포츠와의 접목 등을 제안하고 있으며, 이를 통해 필라테스에 대한 대중들의 인식을 긍정적으로 변화시켜야 한다고 사려된다. 세번째, ‘필라테스 지도자 역할 요인’으로 단계적이고 효율적인 지도자의 큐잉, 개별 운동자의 배려 등 필라테스 지도자의 역할이 제안되었다. 네번째, ‘필라테스 철학과 원리 요인’으로 정확한 동작, 올바른 호흡법, 각 근육의 올바른 사용, 기구의 정확한 사용 등 필라테스의 철학과 원리의 적용이 중요하다고 본다. 다섯번째, ‘필라테스 흥미 요인’으로 참여자가 즐거움을 느낄 수 있는 프로그램 개선의 필요성이 강조되었다. 여섯번째, ‘필라테스 기구 요인’으로 소도구 활용 등 다양한 기구의 적용은 운동 효율성 제고와 역동적 운동으로 개선될 여지가 있다고 제안되었다. 일곱번째, ‘대중 인식 변화 요인’으로 현대인에게 가장 필요한 근골격 운동의 필요성과 건강한 육체를 지키는 필라테스의 인식 변화가 필요하다는데 동의하였으며, 즐겁고 효과적인 필라테스라는 이미지를 생산하기 위한 노력도 강조되었다. 여덟번째, ‘필라테스 홈트레이닝 요인’으로 현대인의 시대적 요구를 반영하며 필라테스의 생활화와 대중의 접근성을 제고하기 위한 대안으로 제안된다. 아홉번째, ‘필라테스 지도자 자질 요인’으로 필라테스 지도자의 다양한 자기계발과 성찰 등을 요구하고 있다. 열번째, ‘필라테스 운동시간 요인’으로 운동 참여 목적과 운동 특성에 따른 시간의 체계적 안배가 요구되었다.

This study aims to promote the popularization and activation of Pilates by deriving factors of method programs improvement factors for life-style modern Pilates. The specific analysis results of this study are as follows. First, this requires the need for a customized movement program that taking into account the individual levels of participants and their athletic characteristics as 'Pilates movement factors' and improvement of the method. Second, it suggests the scientification of method sequences, interesting Pilates programs, strengthening methods for beauty effects, and grafting it with mass sports as the ‘factors of popularization of Pilates’, and, through this, it agrees that it should change the perception of the public positively on Pilates. Third, as a ‘factor of Pilates director's role’, it has been proposed the roles of Pilates director, such as director's step-wise and efficient cueing and individual athlete's consideration. Fourth, as a ‘factor of philosophy and principle of Pilates’, it agrees that the application of philosophy and principles of Pilates is significant such as the accurate movements, right breathing, and right use of each muscle, and accurate use of equipment. Fifth, as an ‘interest factor of Pilates’, it is emphasized the need for program improvements in which participants can enjoy. Sixth, as a ‘factor of Pilates equipment’, it was suggested that the application of various equipment such as using small equipment can be reformed to the improvement of exercise efficiency and dynamic exercise. Seventh, as a ‘factor of change perception of the public’, it agreed that modern people need the most necessary musculoskeletal exercise and change of perception of Pilates, which protects healthy bodies, and it also emphasized the efforts to create an image of fun and effective Pilates. Eighth, as a ‘factor of Pilates home training’, it is proposed as an alternative to enhance the habituation of Pilates and accessibility of the public by reflecting the needs of modern people. Ninth, as a ‘factor of the quality of Pilates directors’, it requires various self- development and self-reflection of Pilates directors. Tenth, as a ‘factor of exercise hours of Pilates’, it required systematic arrangement of hours according to the purpose of parti- cipation in the exercise and the characteristics of the exercise.

현대 예술사조의 특징 중 하나는 예술에서 수용자의 적극적 참여를 유도하고 옹호한다는 점이다. 이저의 독자반응비평 이론은 이러한 수용자 중심적 관점을 부각한 수용미학적 견해로 기존의 창작자 혹은 텍스트 중심적 수용미학 이론과 차별되는 전환적인 견해이다. 발레 <심청>은 한국창작 발레이면서도 세계적으로 소비되고 향유되고 있는 문화상품이다. 작품 속에 동서양의 문화가 공존하고 있어 수용자의 수용방식에 따라 해석과 의미부여가 다양하게 표현 가능한 작품이다. 이에 수용자 중심적 수용미학적 견해인 이저의 독자반응비평 이론에 발레 <심청>을 접목시켜 분석하는 작업은 의미 있다고 사료되어, 본 연구에서는 무용텍스트로서의 <심청>과 이저의 독자반응비평 이론을 함께 고찰해 보았다. 먼저 독자반응비평 이론에서 텍스트가 수용자의 수용행위를 통해 구체화 되어 작품이 되는 과정을 살펴보면 무용텍스트는 생산자인 대본가, 안무가, 연출가에 의해 창작되어 무대에서 무용수의 움직임을 통해 현장에서 전달되는 특징이 있다. 수용자는 안무가가 전달하려는 혹은 의미부여가 가능한 암시된 의도 등을 구체화시키는 능동적인 역할을 하는데 이것이 생산자-텍스트-수용자간 공동유희의 과정에 해당한다. 유희과정을 거친 텍스트는 작품이 된다. 수용미학적 구조에 관한 이저의 이론을 한국창작 발레 <심청>에 적용해보면 심청은 무용텍스트에 해당하고 창작자(안무가, 대본가, 연출가)는 생산자에, 무용수는 공연의 협력자이자 또 다른 수용자, 공연을 관람하는 관객과 평론가는 수용자에 해당한다. 이들은 상호간 자유로운 의사소통으로 텍스트를 구체화시키고 그 결과 <심청>은 작품이 된다. 한편 텍스트가 구체화된 작품은 다시 다음 생산자의 또 다른 텍스트창작에 영향을 주어 새로운 수용텍스트를 만드는 순환적 의사소통의 구조를 갖는다. 발레<심청> 역시 이러한 과정을 여러 차례 겪었고 그 결과 창작 이후로 성공적인 개작이 현재까지 이어지고 있다. 하나의 텍스트가 작품으로 구체화 된 후 소멸하지 않고 구체화 과정을 반복하여 끝없이 수정 보완되어 공연무대에 올려지고 있는 좋은 예가 된 것이다. 무용텍스트로서 발레 <심청>이 가지는 가치를 창조적, 심미적, 교육적, 문화적 가치의 네 가지로 나누어 볼 수 있다. 특히 문화적 가치에 있어서 주목할 사실은 발레의 종주국인 프랑스 ‘팔레 데 콩그레 드 파리(Palais des Congres de Paris)’에 초청되어(2012) 성황리에 공연을 마치는 등 한국발레의 해외 성공 사례가 되고 있다는 점이다. 초연 이후 현재까지 끊임없이 수정 보완하는 열정, 관객의 변함없는 호응은 발레 <심청>을 더욱 완성도 높은 작품으로 만들어 주고 있다. 현대의 예술 패러다임은 20C 초반 이래로 다양하게 나타나고 있다. 실증주의, 실존주의, 신비평주의 등을 거쳐 구조주의, 모더니즘, 해체주의, 포스트모더니즘, 탈해체주의 등 여러 사조들이 뒤얽혀 존재하고 있고 그에 따라 예술작품에 대한 새로운 수요도 다양하게 증가하고 있다. 공연환경은 급변하고 있고 관객의 기대나 호응 역시 다양하게 변하고 있으며 평론가들의 비평도 이에 따라 달라지고 있다. 발레 <심청>이 현재와 같은 호평 속에서 공연을 계속 이어가고 생명력을 가진 작품으로 남기 위해서는 급변하는 예술사조와 공연환경, 공연에 대해 달라지는 기대를 앞으로 어떻게 수용하여 표현하는지가 남은 과제라 할 것이다. 앞으로도 동서양문화의 훌륭한 조화의 상징적인 작품으로 명성을 이어가기를 기대한다.

One of the special features of modern art trends is the point that the aggressive participation by the consumers is induced and supported in art. As the acceptance aesthetics view that carved in relief such a consumer-centered viewpoint, the theory of reader response criticism of Iser is a converted view that is differentiated from the preexistent creator- or text-centered acceptance aesthetics theory. The ballet ‘Shimcheong’ is a cultural product that has been consumed and enjoyed in the world while being a Korean creative ballet at the same time, too. Because the cultures of the East and the West coexist within the work of art, it is a work of art that can diversely express the interpretations and the meaning givings according to the acceptance method of the consumer. As such, because it had been thought that the work of analyzing by grafting the ballet ‘Shimcheong’ onto the theory of reader response criticism of Iser, which is a consumer-centered acceptance aesthetics view, is meaningful, in this research, ‘Shimcheong’, as a dance text, and the theory of reader response criticism of Iser had been considered together. Firstly, if I take a look at the process in which the text becomes the work of art after being concretized through the act of acceptance of the consumer in the theory of reader response criticism, the dance text has the special feature of being delivered at the site through the movements of the dancers on the stage after being created by the script writer, the choreographer, and the director, who are the producers. It has a difference from the texts in the other genres with regard to the point that the empathy that is felt by the consumer while viewing the performance and the things that were stored with the memories and the recollections after viewing the performance are made into an acceptance text. In concretizing a dance text that is delivered mainly with the visual images, the aggressive interaction between the producer and the consumer with the text as the medium is important. The consumer plays the proactive role of freely finding and concretizing, by himself or herself, the intention that is intended to be delivered by the choreographer, the suggested intention that can give a meaning although it was not clearly stated, or the others of the like. This pertains to the process of the joint play between the producer, the text, and the consumer. A text that had gone through the process of the play becomes a work of art. The concept of ‘text’ of Iser is a fictional text. And, due to the fictionality, the spaces of uncertainty, blank, etc. get created. As a phenomenological concept, while being inherent in the text, the consumer is an existence who gets regulated by the text. The consumer plays the role of filling the blank in the fictional text through the process of acceptance within his or her awareness. And, at this time, the uncertainty of the text, too, gets around to having a clear and definite meaning. As a result of the communication with the producer having taken place by being repeated through the proactive participation by the consumer, the text becomes a work of art after going through the process of acceptance. If I try applying the theory of Iser regarding the acceptance aesthetics structure to the Korean creative ballet ‘Shimcheong’, Shimcheong pertains to a dance text, the creators (The choreographer, the script writer, and the director) pertain to the producers, the dancers pertain to the cooperators of the performance and the yet other consumers, and the audience and the critics viewing the performance pertain to the consumers. They concretize the text through the free, mutual communication, and, as a result, ‘Shimcheong’ becomes a work of art. Meanwhile, by giving an influence to yet another text creation by the next producer again, the work of art of which the text had been concretized gets around to having the structure of circular communication that makes a new acceptance text. The ballet ‘Shimcheong’ had experienced such a process many times. And, as a result, ever since the creation, the successful remakes have been continuing until the present. It had become a good example in which, after having been concretized as a work of art, without becoming extinct, by repeating the concretization process, by being revised and supplemented endlessly, one text has been put up on the performance stage. The values that are possessed by the ballet ‘Shimcheong’, as a dance text, can be divided into four kinds. By changing the genre of the literature text, which is a traditional novel, into the dance text, it had been made so that the performance is possible. And, by not damaging the form and the choreography of the ballet while saving the Korean sentiment, too, the possession of the universality and the accessibility as a public art pertains to the creative value that is possessed by ‘himcheong’. All of the main organizations of the classical ballet, including the grand pas de deux and the divertissement, which are the typical ballet performances that are worthy of watching, the pas d'action, which induces the following of the development of the drama, etc., are inside. And each part gets delivered while having the life force. And the point that the level of completion as a ballet performance had been shown while saving the Korean things, including the clothes, the music, the choreography, etc., just the way they had been, can be evaluated as an aesthetic value. ‘himcheong’ has been delivering the humanity of ‘ilial duty’ through a drama-consistent message. Here, the traditional, moral customs, too, of Korea, in which the ordinary people coexist and share the emotions with the neighbors, have been expressed in a natural way. Although filial duty is a moral canon that is emphasized in the Orient, despite being somewhat of a children's story and despite the somewhat exaggerated setup, while the audiences in the diverse cultural spheres have been watching the performance, the fact that the humanity- including filial duty, altruism, etc.- had been sympathized with means that 'Shimcheong' had delivered an educational value, too. Regarding 'Shimcheong', which has been performed for a long time in over 26 countries of the world for over 30 years ever since the premiere in 1986, the following points have been continuously receiving the favorable comments not only in Korea, but, also, at many places in the world: The point that it had a traditional story in Korea as the subject matter; The point that there had been a lot of participation by foreigners in the creation process; The point that a foreign dancer had been in charge of, and had acted for, a Korean character; The point that the traditional dance and the ballet had achieved a harmony; The point that the Korean culture and tradition had been represented well through the clothes, the music, the background, etc.; And the others of the like. As an excellent, intangible asset of the Korean ballet circle, the cultural value has been emitted. It has been an overseas, successful case example of Korean ballet, including successfully finishing a performance after being invited (2012) to Palais des Congres de Paris in France, which is the suzerain of ballet, and the others of the like. The passion of unceasingly revising and supplementing and the unchanging positive response of the audience ever since the premiere until the present have been making the ballet 'Shimcheong' into a work of art that has an even higher level of completion. The art paradigm of modernity has been appearing diversely ever since the early phase of the 20th century. By going through positivism, existentialism, new criticism, etc., the many thought trends, including structuralism, modernism, deconstruction, postmodernism, deconstructionism, etc. have been existing by being entangled. And, according to this, the new demand, too, regarding the works of art has been increasing diversely. The performance environment has been changing rapidly. And the expectation and the positive response of the audience have been changing diversely, too. And the criticisms, too, of the critics have been becoming different according to this. In order for the ballet 'Shimcheong' to continue the performance continuously with the favorable reviews like the present and remain as a work of art that has the life force, it can be said that how to accept and express the rapidly changing artistic thought trends and performance environments and the expectation that becomes different regarding the performance in the future is the remaining task. I have the high expectation that it will continue the fame as a symbolic work of art with the excellent harmony of the cultures of the East and the West in the future, too.