Earticle

애니메이션은 그 탄생 이후 백년간 전 세계 사람들에게 사랑을 받아 왔다. 애니메이션은 서구 산업 국가로부터 유래했고, 그 시작은 서구 국가의 선진 기술과 경영 개념에 뿌리를 두고 있다. 이것이 극동 지역으로 퍼지면서 서구 문화와 사상 역시 가지고 왔다. 사람들은 이러한 형태의 예술을 받아들이는 동시에, 자국의 문화와 이념을 담은 애니메이션을 만들기 시작하였다. 이 논문에서는 중국 문화의 특성을 소개하면서 한 가지 의문을 제기하였다. 바로 중국 문화를 애니메이션으로 어떻게 표현할지에 대한 것이다. 그런 다음에 중국의 학교를 소개하고, 구체적인 사례를 들면서 중국 애니메이션의 제작 과정에 어떻게 선진 기술을 도입했는지를 살펴보았다. 마지막으로, 새로운 기술이 전통적인 애니메이션 제작 방법을 어떻게 변화시켰는지를 인터랙티브 애니메이션의 예를 통하여 설명하였다.

During one century since the birth of animation, it was favored by people all over the world. Animation originated in the Western industrial countries, and its creation is rooted in advanced technology and management concepts of Western countries. When it was spread to the east, animation also brought western culture and thought. At the same time, when people here accepted this form of art, they began to create their own animation works, which present their own culture and ideology. This article firstly introduces the characteristic of Chinese culture, and raises a question：how to present Chinese culture with animation. Then, this article introduced School of China. After that, this article introduced how to inject advanced technology to the creation of national animations with an instance. At last, this article described how new technology changes traditional animation creation with an example about interaction animation.

현대 포스트모던 연극의 핵심적 특성은 재현의 거부와 신체성의 강조이다. 즉, 이야기 중심의 서사 드라마를 거부하고 재현이나 의미의 모방보다는 배우의 현존과 수행성에 주목하는 것이다. 이러한 특징은 완결된 허구를 재현하는 기존의 ‘연극성’을 해체하고 배우의 현존을 통한 관객과의 소통의 경험이 중심이 되는 ‘공연성’의 부각으로 두드러진다. 현대 연극에 대한 이와 같은 담론의 변화는 연극을 장르의 테두리에 한정하지 않는다. 특히 몸의 현존을 통한 관객과의 소통이라는 태생적 유사점을 공유하고 있는 현대의 배우와 무용수는 공연 예술이라는 확장된 개념 아래에서 나란히 위치한다. 현대 연극의 범주의 확장과 혼용에 따라 창조의 범위에서 공연자로서 공존하는 배우와 무용수에게 창조의 주체로서의 정당성을 부여할 수 있는 가장 기본적인 틀은 역설적이게도 극 텍스트의 새로운 이해와 활용이다. 극 텍스트가 공연자에게 유용하게 활용될 수 있는 근거는 ‘역할 창조’의 정당성을 제공해주는 가장 기본적인 창조의 수단이기 때문이다. 극 텍스트에 대한 창조적 이해와 활용은 배우뿐만 아니라 무용수에게도 새로운 발견이 될 수 있다. 상징적 이미지나 함축적 의미를 표현하고 있는 경우가 대부분인 무용 대본에서 무용수가 역할의 창조라는 명확한 자신만의 당위성과 이미지를 찾아낼 수 있다면 무용수의 춤은 더욱 진실되고 살아 있을 것이다. 이런 의미에서 오이리트미와 심리적 제스처는 배우와 무용수에게 역할 창조를 위한 극 텍스트의 창조적 이해와 구체적인 활용의 방안이 될 수 있다. 오이리트미는 인간의 신체를 통하여 언어, 연극, 음악 안에 내재된 창조적 힘을 표현하는 것으로 심리적 제스처와도 밀접한 상관관계를 갖고 있다. 오이리트미는 극 텍스트의 대사가 함축하고 있는 다양한 느낌을 상상력을 통해 움직임으로 가시화함으로써 극중 인물의 감정을 정확하게 포착하고 구체적인 행동을 이끌어 내는 것을 가능하게 한다. 따라서 배우는 오이리트미의 활용을 통해 극중 인물의 감정과 행위를 더욱 풍부하게 하고 보다 역동적인 역할 창조에 이르게 되는 것이다. 심리적 제스처는 체호프가 개발한 배우의 연기수단으로 무대에서 관객에게 보여 지는 극중 인물의 동작이 아니며, 배우가 극중 인물의 심리, 목표, 의지 충동 등을 강화시킬 수 있는 특정한 제스처를 만들고 그것을 마음속으로 반복해서 상상하여 극중 인물의 행위를 이끌어내는 기법으로 역할 창조를 위한 배우의 준비 도구라고 할 수 있다. 심리적 제스처는 특히 무용수의 무대에서의 표현력을 풍부하게 하는 데에도 유용하다. 상징성과 함축성이 많이 포함된 무용 대본을 공연해야 하는 무용수 또한 자신이 표현해야 하는 춤에 대한 이미지를 명확하게 갖고 있다면 그 춤은 더욱 창조적이 될 수 있는 것이다. 심리적 제스처는 일정한 틀이 없이 배우와 무용수가 자유롭게 변형시키고 발전시킬 수 있기 때문에 한계가 없는 창작의 활용 수단이 될 수 있다. 오이리트미와 심리적 제스처는 배우와 무용수를 비롯한 공연 예술가에게 극 텍스트의 세계와 진정으로 소통할 수 있는 통로를 열어 주고 완전한 역할 창조를 이룰 수 있는 가능성을 제공한다.

This study is aimed at the method of utilization the dramatic text for role-creating, focus on the Eurythmy and the Psychological Gesture. In acting, it has been recognized that the drama-text analysis is very important. Actor is not only a player but also creator and artist. Therefore, it is important to understand the drama-text acting for actors. In the sens that Eurythmy and Psychological Gesure are the newest method of reading of drama-text. The Primary purpose of Eurythmy is to visualize speech and song. That is, to convert speech or song into various actions an visual expressions. Eurythmy and Psychological Gesture for a functional analysis method and effective incorporation between drama-text and acting technique. The Psychological Gesture is prepared tool that never shown to the audience. It is not a gesture that character uses on stage. The Psychological Gesture is a technique for developing the actor's psychology and responsiveness to the body, as well as a technique for developing characterization. Eurythmy and Psychological Gesture require time and patience. These techniques are not good for all actors, especially those who are practically minded and who need things to be understandable at all times. However, for actors who enjoy exploring the depths of creative expression, whose imaginations love to improvise as they create characters who are not tied to real-life prototypes. Eurythmy and Psychological Gesture provides indispensible keys to success.

이 글의 목적은 뮤지컬 영화 ｢시카고｣가 할리우드 뮤지컬 영화의 전통을 어떻게 계승하고 혁신하였는가를 살펴보는 것이다. 이 영화는 1927년과 1942년에 만들어진 두 편의 영화보다는 1975년에 만들어진 무대 뮤지컬의 내러티브를 대폭적으로 수용한 작품이다. 백스테이지 멤버를 주인공으로 삼고 있다는 점, 그 주인공이 끝내 성공하여 공연의 주인공이 된다는 점에서 이 영화는 초기 백스테이지 뮤지컬의 전통을 이어받고 있다. 뮤지컬 넘버와 관련해서는 대부분의 넘버와 춤이 내러티브와 밀접하게 관련을 맺고 있는 통합 뮤지컬 영화적 성격을 지니고 있는데, 이는 공연 장면과 현실 장면의 교차 편집을 통해 더욱 뚜렷해진다. 한편, 이 영화는 초기 뮤지컬 영화와 마찬가지로 스타 시스템에 의존하고 있음이 특징적이다. 이는 할리우드의 유명 배우를 대거 캐스팅한 것을 통해 드러난다. 촬영 면에서도 이 영화는 버스비 버클리가 확립한 촬영 방법을 원용하였다. 움직이는 카메라를 이용하고 하이 앵글 쇼트를 자주 사용하였고, 롱 쇼트와 롱 테이크로 춤추는 장면의 역동성을 보여 주는 방법을 사용하였던 것이다. 또한 거울 쇼트도 수용하여 다양한 효과를 거두고 있다. 반면에, 이 영화가 할리우드의 뮤지컬 영화 전통을 따르지 않고 새로이 도입한 요소로는 다양한 쇼트와 빠른 장면 전환, 과감한 의상이나 여성의 몸에 대한 탐닉, 꼭두각시 인형극 형식의 차용, 우스꽝스러운 광대 춤의 도입 등을 들 수 있다. 이는 시대의 변화에 따른 관객층의 기호에 부합하려는 노력의 결과이다.

The purpose of this paper is to research how the musical film Chicago succeed to the tradition of Hollywood musical film and renovate it. The film was adapted from the stage musical Chicago premiered in 1975 and succeed to the tradition of backstage musical film through making backstage member the heroine of film and coming true her dream at last. The film also succeed to the tradition of integrate musical film through coherence of between narrative and dance. This aspect can be found at the part of crossing editing between fantastic performance and real world. In addition, the film has several characteristics such as using star system just like early musical films, making mirror shots, and succeeding to the method of cinematography invented by Busby Berkeley. Busby Berkeley’s method was frequent moving cameras, mainly using long shots and long takes. On the other hand, the film renovated the tradition of Hollywood musical film through applying various shots and rapid scene exchange, wearing unexpected costumes, exposing women bodies, importing puppet dance and ridiculous clown dance. This renovation is aimed to the taste of contemporary audience.

이 연구는 무용 공연에 있어 필수요소인 LED 조명이 지니는 광학적 특성을 알아보고 LED 조명기의 사용을 무용 작품에 대입시켜 조명 디자인을 분석하고 그 효과를 알아보는 데 목적이 있다. 무용 작품 속에서 LED 조명을 활용한 조명 디자인을 분석한 결과, 과거의 할로겐 조명보다 긍정적인 효과를 나타내었다. 첫째, LED 조명의 균일한 빛의 분포는 무용수의 전체적인 움직임을 보여주었다. 둘째, 장면에 빠른 전환에 도움을 주었다. 셋째, 할로겐과 유사한 색상을 나타내는 LED 조명은 무용 공연 제작에 경제적인 이점을 드러내었다. 무용 공연에서 LED 조명의 활용은 무용수와 안무가에게 좋은 환경을 제공하며 향후 무용 공연 제작에 도움을 줄 것으로 생각된다.

The purpose of this study is to know optical characteristic of LED lighting, which is essential in dance performance, and analyze a lighting design by substituting use of LED lighting equipment in dance works and find out its effect. As a result of analyzing lighting design which uses LED lighting in dance work, it showed more positive effect than Halogen lighting in the past. First, even light distribution of LED lighting showed entire movement of dancers. Second, it gave help to fast conversion of scenes. Third, LED lighting that represent similar colors with Halogen revealed economic benefits in production of dance performance. It is considered that use of LED lighting in dance performance will provide dancers and choreographers with a good environment and give help to dance performance production in the future.

본 연구의 목적은 기업의 공연 예술 지원 제도와 사례들을 파악하고, 그로 인해 얻어지는 기업 이미지의 향상에 대해 알아보는 것에 있다. 이뿐만 아니라 예술 지원의 필요성을 제시하여 기업 지원의 활성화 방향에 대한 방법을 모색해 보고자 했다. 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 기업은 문화 예술 지원 활동을 통해 기업에 대한 이미지를 구축할 수 있다. 이를 통해 기업의 신뢰도를 통한 신규 고객의 창출로 이윤을 올릴 수 있는 마케팅 전략의 발전 단계를 이룰 수 있는 기대 효과가 이루어진다. 둘째, 사원들의 문화 향유 욕구를 해소해 준다. 이것은 회사의 내부 갈등을 풀어줄 수 있는 기회를 제공하는 것이며, 생동감 있는 회사 생활을 할 수 있게 한다. 셋째, 기업의 이윤 상승효과와 문화 경쟁력의 확보에 도움을 준다. 다양한 예술에 대한 직접 간접적인 투자를 통해 기업은 자유로운 창조성과 다양성을 바탕으로 기존의 획일화에서 벗어날 수 있다. 이렇듯 기업은 문화 예술 지원을 통해 다양한 사회적, 경제적 혜택을 되돌려 받을 수 있으며, 문화에 대한 투자라는 인식을 가지고 적극적인 지원을 아끼지 않는다면 기업만의 차별화된 경쟁력을 가질 수 있을 것이다.

This study aims for searching systems and cases of corporations supporting performing arts and for finding out positive effects on their image. Moreover, this article makes a mention of the necessary of encouraging performing arts and describes how to vitalize their support. The result is as follows; To begin with, corporations are able to set their image by supporting performing arts. It gives credibility and that has an effect on achieving advancement of marketing strategy in order to produce profit. In addition, it provides employees’ satisfaction with cultural desire. It offers a chance to release internal conflicts and an active office life. Lastly, it also helps to make profits on corporation up and increase cultural competitiveness strength. Through direct and indirect investment on various arts, corporations are able to be against standardization based on free creativity and diversity. In conclusion, corporations are able to take social and economic benefit back by supporting performing arts. Therefore it seems to me that the more corporations have positive and aggressive support on arts, the more differentiated competitiveness they can have.