Earticle

본 연구는 문헌연구를 토대로 문화예술교육으로서의 무용교육의 역할과 과제에 대해 고찰한 연구이며, 다음과 같은 결론을 얻었다. 문화예술교육으로서의 무용교육의 역할은 1) 문화유산의 전승 2) 민족의 정체성 확립 3) 문화민주주의 이념 실현 4) 사회 통합 5) 자아실현 6) 창의성 배양 7) 전인교육 8) 통합교육 등이다. 이러한 역할을 올바로 수행하기 위한 무용교육의 과제는 1) 무용교과 독립 2) 인적물적 자원의 행정적 지원 확대 3) 무용교육을 위한 전문인력과 단체 육성, 이를 위한 연수 및 교육 프로그램 개발 4) 무용교육자들의 자부심 고취와 역량강화 5) 다양한 무용교육 프로그램 및 콘텐츠 개발 6) 무용에 대한 대중매체(언론, 미디어 등)의 올바른 인식 전환과 지원 등이다. 이상의 역할과 과제를 올바르게 인식하고 무용의 지원이나 교육이 이루어질 때, 학교교육과 사회교육에서 무용교육이 효과적으로 이루어질 것이며, 무용을 통한 문화예술교육은 올바른 방향으로 나아갈 것이다. 결국 문화예술교육으로서의 무용교육은 궁극적인 목표에 도달하게 될 것이다.

This study examined the roles and tasks of dance education as culture and art education mainly through literature review, and drew conclusions as follows. The roles of dance education as culture and art education are：1) succession of cultural heritages; 2) establishment of national identity; 3) realization of cultural democracy; 4) social integration; 5) self‐realization; 6) development of creativity; 7) all‐round education; and 8) integrated education. In order for dance education to play these roles adequately, there should be：1) the independence of the dance curriculum; 2) expanded administrative support of human and material resources; 3) promotion of professional personnel and organizations for dance education and development of training and education programs; 4) reinforcement of dance educators’ pride and competence; 5) development of various dance education program and contents; and 6) mass media’s right perception of and support to dance. When dance education is promoted and supported with the clear understanding of these roles and tasks, it will be executed effectively in school and society, and culture and art education through dance will be guided in the right direction. After all, dance education will reach its ultimate goal of culture and art education.

지식기반을 토대로 창의성이 중심이 되는 문화의 시대에 문화예술교육의 중요성은 점차 높아져 가고 있다. 문화예술교육의 목표는 이해와 체험을 통한 창발적인 인간을 양성하고 사회적 소통능력을 개발하는데 있다. 이에 문화예술교육으로의 다양한 가능성을 내포하고 있는 무용 역시 시대가 요구하는 환경에 따라 변화하며 창발적인 문화예술교육콘텐츠로 개발되어야 한다. 각종 미디어가 발달하고 있고, 능동적이고 자발적인 습득에 대한 교육방법들이 다양화 되고 있기 때문에 무용교육콘텐츠의 개발과 이를 통한 현장교육과의 상호작용은 무용교육에 활기를 불어 넣어 줄 것이라 사료된다. 이에 본 연구는 문화예술교육으로써 무용이 일반인들에게 좀 더 흥미롭고 즐겁게 다가갈 수 있도록 하는 것에 의미를 두고, 에듀테인먼트 스토리텔링 기법을 활용한 무용교육콘텐츠를 개발을 위한 기초 연구에 목적을 두었으며, 그 방안은 다음과 같다. 첫째, 원천자료 수집을 통한 무용원형 분류 및 무용유형의 체계화이다. 이것은 무용교육콘텐츠의 정체성을 심어주고 새로운 생명과 가치를 부여하여 무용교육 콘텐츠가 일반인 및 무용전공자들에게 좀 더 주체성 있게 다가갈 수 있는 기초가 될 것이다. 또한 이것은 원천소재를 스토리로 개발하는데 중요한 밑거름이 될 것이다. 둘째, 무용교육콘텐츠 자료의 디지털라이즈화이다. 무용교육콘텐츠 자료의 디지털 베이스를 구축하고 저장하는 것은 피교육자들이 능동적으로 상호작용을 하고 정보를 습득하게 하는데 중요한 역할을 할 것이다. 이에 자료화 되어진 디지털 베이스는 무용전문가, 스토리텔링전문가, CT/3D 전문가들의 상상력과 창의력을 통해 재구성되어 일반인들이 무용콘텐츠에 좀 더 쉽고 재밌게 접근하고 몰입할 수 있는 계기를 마련해 줄 것이다. 셋째, 다양한 스토리텔링 구성을 통한 무용교육콘텐츠 개발이다. 에듀테인먼트 스토리텔링을 기반으로 다양한 스토리텔링 구성을 통한 무용교육콘텐츠 개발안은 무용 공간 스토리텔링 구성, 무용인물 캐릭터 및 소도구 아이템 스토리텔링구성, 무용 사건－시대 및 배경 스토리텔링 구성, 무용주제 및 유형스토리텔링 구성, 무용동작 스토리텔링구성, 피교육자의 연령－계층을 고려한 스토리텔링 구성으로 이루어진다. 이러한 다양한 스토리텔링을 통한 무용교육현장과의 상호작용은 일회적인 흥밋거리가 아닌 피교육자들과의 지속적인 관심과 흥미를 이어나 갈 수 있는 원동력이 될 것이라고 본다. 빠르게 흘러가는 시대적 변화에 따라 무용교육이 하나의 교육콘텐츠로써 지속적으로 개발된다는 것은 무용이 가진 교육, 사회적 가치를 재평가 받을 수 있는 계기가 될 수 있을 것이라고 본다. 앞으로 열린 사고와 무용에 대한 전문적 지식을 가지고 창조적인 가능성을 개발하는 것이 무용교육에 있어서 무엇보다 중요한 화두가 될 것이라 사료된다. 이에 본 연구가 무용교육콘텐츠 개발에 대한 다양한 후속 연구진행을 위한 기초 연구에의 효율적인 방안으로 제시 될 수 있기를 기대한다.

The importance of Arts and Culture Education has gradually been increasing in the age of culture where creativity plays a pivotal role with knowledge based learning. The study of Arts and Culture Education is intended to nurture emergent humans and develop social communication ability through understanding and experience. Thus, dance including various capabilities should be varied according to the environment demanded by the age of the participants and be developed as an emergent content for Arts and Culture Education. It can be said that the development of Dance Education Contents and an interaction with teaching field from this would revitalize dance education considering that many types of media have been developing and teaching methods have been diversifying in voluntary and active learning. This study focused on basic research for developing Dance Education Contents with an edutainment storytelling approach, giving interesting and pleasant meanings to dance that is more approachable to the general public. The plan is as in the following. First, systematize the type of dance and classify the original form of dance by collecting the raw data. It would be a foundation for Dance Education Contents to be able to access dance majors and the general public, instilling the identification of Dance Education Contents and assigning value and new life. Moreover, it would become an important foundation to transform raw data into stories. Second, digitize the data of Dance Education Contents. Building digital databases of Dance Education Contents and saving them would play an important role for the student to interact actively and acquire information. The processed digital base would be reorganized by imagination and creativity of dance experts, storytelling professionals, and CT/3D experts and provide a chance for the ordinary people to be able to approach dance contents with increased ease and delight. Third, develop Dance Education Contents by using edutainment storytelling. The plan of Dance Education Contents with edutainment storytelling is comprised of dance space, character of the dancer, storytelling props and other visual aids, creating dance education scenarios and dance education program. The interaction of dance education fields with diversified storytelling would be powerful enough to lead education not with a passing interest but with sustainable interests and concerns. The continuous development of dance education, as an educational content according to the rapid changes in modern society, would serve as an opportunity to reevaluate the educational and social value of dance education. Furthermore, developing creative possibility with an open mind and professional knowledge would be a rising concern in dance education. This study attempts to be an effective plan in basic research for various following studies about the development of Dance Education Contents.

본고에서는 조셉 마골리스(Joseph Margolis)의 예술론을 바탕으로 무용작품의 정체성을 설명하고자 한다. 마골리스에 따르면 예술작품과 예술작품을 만드는 재료로서 기능할 수 있는 물리적 대상 사이에 분명한 차이가 존재한다. 첫째, 예술은 ‘문화적 존재자’이고 그 자체로 개별자이다. 둘째, 예술작품은 ‘물리적 구현’과 ‘문화적 창발’의 존재자이다. 의도적 속성들이 물리적 속성으로 내부화되거나 귀화되어 불가분적 용해성을 가지며 물리적 술어로 환원될 수 없는 복잡한 성격을 갖는다. 마골리스는 무용이 자필적 영역에 있는 근거로 ‘자연적 표현성’을 든다. 자연적 표현성은 연속적인 삶에 축적된 훈련을 통해 자신의 신체를 사용함으로써, 무의식적으로 산출되어지는 본질적으로 표현적인 자세와 동작을 사용하는 것이다. 이것은 무용을 자필적으로 만든다. 그리고 공연들 간의 유사성은 편의상 ‘메가유형’을 도입하여 설명할 수 있다. 징표들은 시와 시의 번역처럼 서로 옹호가능하게 귀속될 수 있는 대안적이거나 심지어 반대되는 디자인의 범위에서 어떤 디자인을 적절하게 공유할 때 동일한 메가유형에 속한다. 마골리스의 이론을 <궁중학무>에 대입할 때 이 작품은 ‘고고한 여유로움’을 지향적 속성으로 갖는다. 전통적 좌식문화에서 비롯된 대지지향적 속성과 ‘호흡’ 원리는 이 춤의 ‘자연적 표현성’이다. 역사 속에 존재하는 홀기들은 공연들을 동일한 ‘메가유형’으로 동일화․개체화한다. 무용에서 움직임은 물리적으로 구현되는 속성과는 다른 이질적인 속성을 ‘소유’하고 자연적 표현성을 가지므로 자필적 범주에 있다고 할 수 있다. 이러한 논의가 다양한 예술에도 적용․해석되길 바란다.

This study is in order to explain identity of dance works based on Joseph Margolis’s art theory. According to Margolis, there is an ontological difference between art work and physical medium. The first, art is a ‘cultural entity’ and individual itself.. The second is that artworks are entities of ‘physical embodiment’ and ‘cultural emergence.’ Intentional property is internalized or is naturalized to physical property, so it has solubility by entireties and complicated character not to be restored to physical predicate. Dance has ‘natural expressiveness.’ It means that a dancer works with the naturally expressive use of positions and movements generated by that person’s use of his/her own body through the accumulated grooming of a continuous life. It makes dance autographic. ‘megatype’ is suggested for the similarity between performances. If tokens condignly share certain designs in the design sphere, such as connection of a poem and interpretation of the poem, they will belong to the same megatype. From this point of view, Intentional property of is <Court Hakmoo>. The movement method is called ‘Hoheup(breath).’ It is ‘natural expressiveness’ of <Court Hakmoo>. Each notation of this work makes performances of those days impute to instances of the same megatype. Tokens linked in notation become identity and individuation to each notation. I uncovered that dance as art possesses different properties from the physically embodied and has natural expressiveness. Therefore, dance is located in the autographic category. I hope this discussion can be applied and analyzed in other arts.

전통적으로 서양은 동양을 매혹적인 대상임과 동시에 적대적 대상이라는 양단의 시각을 형성해왔다. 이러한 동양에 대한 시각은 미지에 대한 끊임없는 탐구와 관심에서 비롯된 신비주의적 관점이었다. 여기서 동양에 대한 관심에 있어서는 20세기 서양의 변화하려는 움직임과 맞물려 새로운 사상적 틀을 제공해주었고 문화적으로 지대한 영향을 끼치게 되었다. 예술가들은 사상적 사고를 예술에 접목시키며 독창적인 예술을 시도하였으며 이를 기점으로 사상적 사고와 삶은 사회전반으로 확산되었다. 춤에 있어서는 그 중심에 현대무용가 에릭 호킨스 와 현대발레의 거장 모리스 베자르를 언급할 수 있는데 그들은 동양적 영향을 안무세계에 도입한 이들이라고 할 수 있다. 본 연구는 에릭 호킨스 <감시인과 여기서 지금>과 모리스 베자르 <박띠> 작품성향에 나타난 동양사상적 경향을 규명하는데 목적을 두고자 한다. 이를 통해 20세기에 동양사상에 영향을 받은 서양예술에 대해 살펴보고 동양사상이 어떤 방법으로 감각소재와 창조의 영감으로 개념화하였는지 고찰 해보고자한다. 에릭 호킨스는 <감시인과 여기서 지금> 작품에서 현대무용이 가져야할 방향을 제시하였으며 무용에 있어 모든 동작은 중요했으며 그는 자세와 변화의 조건에서 생각의 관념을 거부하였다. 동작에 대한 일정한 흐름의 생각에 대한 관련성은 감각기관의 중요성이며 이는 무용수와 관객에게 동작의 모든 관점에서 그들 자신의 육체에 느낄 수 있도록 하는 것 이다. 즉, 호킨스는 중요한 자각의 가진 동작을 보고 들의 육체를 사용하는 이유로 새로운 육체훈련과 새로운 동작기법에는 새로운 종류의 음악이 필요하며, 무용의 가장 중요한 주제라고 생각했기 때문이다. 사랑의 자유로운 흐름이 있는 동작 기법을 사용한 육체 훈련의 결과로 새로운 음악이 필요하고, 지성적이며 가벼운 것 보다는 육체적이다. 그는 음악적 구조 대신에 침묵 속에서 안무 작업을 하였으며, 무용구조와 음악적 구조의 독립성이 있어야 한다고 했다. 호킨스의 철학을 야기 하자면 개인적인 기발함에 의해서가 아니라 과학적 지식에 근거하여 무용수가 기본적인 동작 원리를 따른다면, 그들은 육체가 움직이는 방법과 능력을 넓히는 방법을 이해 할 수 있다고 하였으며 경직된 동작과 근육을 제거함으로써 스트레스를 피하는 방법을 육체에 이용한다는 것을 의미하고 있다. 또한 항상 움직이며, 활동하며, 무게중심을 빠르게 옮기고, 유쾌하고, 생기를 주고 바르게 하는 것을 자유로운 정신으로 표현하였으며, 근육의 무게 이동이 자유롭고 빠르게 흐를 때 만 빠른 동작을 완성할 수 있다고 하였다. 호킨스는 남녀의 사랑에 초점을 맞추어 작품을 안무 하였으며, 동서양의 다양한 철학을 수용하고 있는 작품으로서 호킨스 안무의 특성을 잘 표현한 것으로 보여 진다. 모리스 베자르의 <박띠> 작품은 철학자인 아버지의 영향을 받아서인지 동양적인 성향이 두드러진다. <박띠>는 동양적인이 아니라 동양이라고 보여지는 작품이다. 먼저 제목부터 ‘신들의 경지에 이르려는 열광적인 절대 귀의의 감정’ 이란 뜻으로 동양사상의 깨달음을 얻으려는 행위라는 뜻이다. 음악과 조명 의상과 분장 모두가 인도의 힌두교 중심적인 매우 동양적인 작품이다. 총 3부작으로 이뤄지며, 인도 신화에 관련된 것이다. 베자르는 카마수트라 동작과 인도춤 , 발레 테크닉을 한 번에 표현하였다. 인도신화는 그리스신화 보다도 더 세밀하고 흥미로운데 인도에서는 신화를 인간의 힘이 미치지 않는 영원한 미지의 세계의 이야기들로 모든 불가항력적 현상들이 신화적 대상이라고 하였다. 모리스 베자르의 주제 선택에서 동양의 종교에 대한 다양성을 찾아 볼 수 있고, 주제에서부터 동양적 성향이 보여 지는 것을 알 수 있다. 본 연구에서는 주요작품을 중심으로 분석하였지만 국내․국외 자료와 논문 등 에릭 호킨스와 모리스 베자르에 대한 문헌과 영상의 부족으로 인하여 작품에 대한 분석을 좀 더 깊이 있게 심층적으로 다루지는 못하였다. 따라서 좀 더 심층적이고 체계적인 동양사상적 성향을 분석하기 위해서는 그들의 작품에 대한 시대적 상황이 추후 연구에서 이루어져야 할 것 이다.

Traditionally, the West has the dual views of Asia charming but hostile. Such views developed from a perspective of mysticism resulted from the continuous exploration of and concern with the unknown things. In the 20th century, Western people’s concern with Asia was combined with their energy for changes to result in a new framework of thoughts which would influence their culture greatly. Artists grafted such a framework onto their arts to attempt some original arts, and thus, their thoughts and life would spread across their entire society. Erick Hawkins <Here and now watchers> and Maurice Bejart <Bhakti> or contemporary ballet virtuosos may well be positioned in the center of the contemporary dance. They were pioneers who introduced the Oriental influence to their choreographic world. The purpose of this study was to examine the Oriental tendency shown in these two contemporary ballet virtuosos’ works, and thereupon, review the Western arts affected by the Oriental thoughts in the 20th century and analyze how the Oriental thoughts came to be conceptualized into sensuous subjects and creative inspiration In his works “Here and Now Watchers,” Erick Hawkins suggested the direction for the contemporary dance by emphasizing that every motion directions for the contemporary dance by emphasizing that every motion would be important in dance and refusing any conceptual ideas about the conditions of posture change . Namely, he argued that certain flows of thought about motion were related with the sensuous organs, and therefore, that dancers should have the audience feel for their bodies from every perspective of motion. Hawkins wanted to teach dancers how to use their bodies, assuming that they shouid be aware of their motions. He further contended that the reason why a live music should be used for the dance was that new motion techniques would require new kinds of music, and that music was the most important subject of dance. He said that when the bodies had been trained using the motion techniques featuring a free flow of love, a new kind of music would be required, emphasizing that the physical would more important than the intellectual and light. He used to choreograph his work in silence instead of a music structure, and he argued that dance structure should be independent from music structure. Hawkins’ philosophy surmises that if a dance follows the basic principle of motion based not on personal peculiarity but on a scientific knowledge, he or she could better understand how to move the body, which suggests that rigid motion and muscle should be overcome to have the stress relieved. He expressed as free spirit the continued movement and action, the swift movement of the center of gravity, the pleasant, lively and correct emotion. He emphasized that a swift motion could be perfected when the movement of muscular weight was flowing freely and fast. Hawkins choreographed his works, focusing on the love between man and woman. His works “Here and Now Watchers” is deemed to have accommodated divers Western and Oriental philosophies, and there for, it seems to express his choreographic characteristics well. Maurice Bejart’s works “Bhakti” features an Oriental tendency, probably because he had been influenced much by his philosopher father. “Bhakti” is deemed an Oriental work rather than a work like the Oriental work. the title means “a passionate emotion of an absolute devotion to reaching Gods’ state.” In other words, it implies an act to be awakened. Music, lighting, costume and makeup are all Indian Hindu. It consists of 3 part in total, all related with some Indian myths. Bejart expressd Kamasutra motions, Indian dance and ballet techniques all at once. The Indian myths are more detailed and interesting than the Greek myths. The Indian people believe that their myths are the stories about the permanent unknown worlds, and that all inevitable phenomena are subject of the myths. We can find a diversity of the Oriental religions in Maurice Bejart’s selection of subjects, and we can know that his subjects show some Oriental tendency. As discussed above, we can witness some Oriental tendency immanent in Western choreographers’ works. This study could not analyze Hawkins’ and Bejart’s works in more depth due to lack of domestic and foreign literature and video date. So, it is hoped that this study will be followed up by future studies which will analyze their works in more depth and systematically, focusing on their historical background.

본 논문은 오늘날 방송․영상을 포함한 문화콘텐츠산업이 뚜렷한 실체나 내실을 담보해 내기 보다는 과잉담론화하며, 각 지자체마다 경쟁적으로 가시적인 시설 확충과 인프라 구축 위주의 사업들에 초점이 맞추어지고 있는 문제에 대해 비판적으로 논구하고 있다. 이러한 문제점에 대한 진단을 중심으로 향후 미디어․문화콘텐츠산업에 시사점을 줄 수 있는 유형과 사례들을 분석하였다. 이를 토대로 한 지자체 미디어․문화콘텐츠산업 추진의 문제점에 대한 비판적 접근을 통해 보다 근원적이고 장기적인 안목에서 문화콘텐츠의 산업적 활성화는 물론, 지역민의 일상과 생활세계에의 착근을 위해 필요한 일련의 학문적․실제적 함의를 제시하고자 하였다. 이러한 시도를 보다 구체적으로 실행 가능하게 하기 위한 특화된 방안, 가령 몇 몇 실제적인 사례 분석과 이에 대한 성찰을 통해 한 지역의 독특한 문화정체성, 역사성과 장소성을 담지한 지역성에 부합하는 문화콘텐츠의 가능성에 대해 문학관과 공연예술 등의 구체적 사례를 들어 논의하였다. 이를 통해 현재의 기반시설이나 인프라 확충에 초점을 둔 산업적 견지에서의 클러스터 모형의 문제에 대해 비판적으로 논의하고 지역의 구체적 사례를 들어 이에 대한 창의적․대안적 아이디어를 제시하고자 하였다.

The purpose of this study is to offer constructive policy suggestions in enhancing the cultural and creative industries of local governments focusing on the case of Gyeonggi-Do. The impact and importance of creative industries are rapidly growing since it has replaced the conventional industrial paradigm. Hence this study attempts to provide a series of pertinent examples in a way to fulfill unique cultural identity, historicity and locality for more sustainable development of cultural and creative industries. Furthermore, this study critically examines the ongoing process and future perspective of the cluster model of creative industries development that Gyeonggi-Do is actively pursuing at the moment. I contend that a successful policy in terms of its planning and implementation for creative industries is largely depending on recognizing the unique logic of cultural industry. Also it is imperative to articulate and negotiate the industrial and cultural paradigm by controlling the excessive corporate or administrative interests in order to optimize the public interest and the sustainable development of local cultural and creative industries.

then a step to work in depth on the performance expectations that have come to be. 본 연구의 목적은 2009년부터 2011년까지 3차례의 공연을 통해 기술과의 상호작용에 대한 다양한 실험을 실시하여 이를 바탕으로 디지털기술의 활용방법을 연구하였다. 다양한 용도로 쓰이는 많은 센서들과 프로그램, 수많은 어플리케이션, 모바일의 진화들이 공연예술계에 어떠한 용도로 활용하고 있으며 앞으로 활용할 것인가에 대하여 고민할 필요성을 절감한다. 이러한 의미에서 3회에 걸친 디지털기술을 활용한 무용공연은 실제적으로 공연현장에서 가능할 수 있는 방법들을 찾아가고 정립함으로써 다음 공연에 심도있는 작품으로 한걸음 나아갈 수 있을 것이란 기대를 갖는다.

The purpose of this study conducted the technology to interact with a variety of experiments through three times from 2009 to 2011. Based on this, how you can take advantage of digital technology has been studied. Many sensors and programs, many applications, the evolution of the mobile are used for various purposes as a performing arts for any purpose, and we will have to worry about advantage of the future. In this sense, this three-times dance performances using digital technology actually be possible in the field by establishing a way to go after them. And

본 논문은 디스플레이 장치에 출력된 가상 객체를 일상생활에서 사용하는 손동작을 사용하여 제어하는 것을 목표로 한다. 가상 객체를 제어하기 위한 기존의 많은 방법들은 사용자의 손동작이 아닌 포즈를 이용하기 때문에 직관적이지 못하고 포즈와 객체 제어 명령과의 관계를 미리 학습해야하는 단점이 있었다. 본 논문에서는 스테레오 카메라를 사용하여 사용자의 손과 손끝의 3차원 정보를 추출하여 3차원 공간에서 객체를 제어할 수 있도록 한다. 또한 사용자의 손동작을 인터페이스로써 정의하고 실시간으로 입력되는 사용자 손동작 입력 열을 검출하고 이를 동적시간왜곡 방법으로 분류하는 방법을 제안한다. 마지막으로 다양한 제스처와 여러 사용자에 대한 실험을 통하여 본 논문에서 제안하는 방법의 효용성을 확인한다.

In this paper, we purpose to manipulate virtual objects in three-dimension space by using hand gestures that are used in daily life. Previous methods to manipulate objects are not intuitive, because there are used hand pose instead of gesture. And the methods have a disadvantage to previously learn commands about relationship between pose and control. In this paper, we extract 3D information of hand and fingertips using stereo camera and enable to manipulate objects in 3D space. Also we define user interfaces using hand gestures. And we propose a method that is classification of sequences of hand gesture using dynamic time warping algorithm in real time. Finally, we certify usefulness and effectiveness of a proposed method as experiences with various users and gestures.