Earticle

디지털 패션은 인공지능과 실시간 미디어 기술의 도입을 통해 정적인 의상 이미지에서 시간성과 반응성을 지닌 시각 표현으로 확장되고 있다. 그러나 시간적으로 변화하는 음악 정보를 디지털 의상 이미지와 결합하는 방법은 아직 충분히 논의되지 않았다. 본 연구는 생성형 AI와 실시간 음악 시각화 기술을 결합하여 음악정보를 디지털 의상 이미지로 전환하는 디자인 방법을 제안하고, 그 적용 가능성을 검토하는 데 목적이 있다. 분석 사례로는 영화『Interstellar』의 사운드트랙 <S.T.A.Y.>를 선정하였다. 곡은 도입, 전개, 절정, 완화의 네구간으로 구분하였으며, 각 구간의 정서적 흐름, 리듬, 음향적 밀도, 주파수, 에너지 특성을 분석하였다. 분석결과를 색채, 광원, 형태 변화, 패턴 밀도 등의 시각 요소와 대응시키고, 터치디자이너에서 음악 입력에 반응하는 실시간 시각 패턴을 구현하였다. 이후 시각화 이미지에서 도출한 형태적 특징과 음악 분석 결과를 프롬프트로 전환하여 미드저니에 적용하고, 각 구간별 디지털 의상 이미지를 생성하였다. 생성된 의상 이미지는 터치디자이너에서 구현한 시각 패턴과 합성하여 음악 반응형 디지털 의상 이미지로 제작하였다. 또한 전문가 10명을 대상으로 평가를 실시하였으며, 평가 항목은 음악-AI 의상 연계성, 동적 시각 표현성, 기술 통합 및 혁신성, 디자인 완성도 및 적용 가능성으로 구성하였다. 연구 결과, 음악의 구간별 변화는 색채 변화, 발광 효과, 형태의 확장과 수축, 패턴 밀도 변화를 통해 의상 이미지 위에 반영되었다. 전문가 평가는 리커트 5점 척도를 기준으로 실시되었으며, 전체 평균은 M=4.35로 나타났다. 특히 기술 통합 및 혁신성과 동적 시각 표현성이 상대적으로 높은 평균값을 보였다. 본 연구는 음악 분석, 실시간 시각화, 생성형 AI 기반 이미지 생성, 이미지 합성, 전문가 평가를 하나의 통합적 디자인 프로세스로 구성하였다는 점에서 의의를 가진다. 다만 본 연구는 특정 음악 사례와 디지털 이미지 차원의 구현에 한정된다. 향후 연구에서는 다양한 음악 장르와 의상 유형으로 분석 범위를 확장하고, 사용자 평가, 실물 의상 제작 및 전시 환경 적용을 함께 검토할 필요가 있다.

Digital fashion is evolving from static garment imagery toward temporal and responsive visual expression, yet approaches to integrating dynamic musical information with garment images have received limited attention. This study proposes a method combining generative AI with real-time music visualization and examines its applicability. The soundtrack S.T.A.Y. from Interstellar was divided into four sections: introduction, development, climax, and relaxation, and analyzed in terms of emotional flow, rhythm, acoustic density, frequency, and energy. These characteristics were mapped to color, luminous effects, form transformation, and pattern density, and then implemented as music-responsive patterns in TouchDesigner. The results were translated into Midjourney prompts to generate garment images for each section, which were subsequently composited with TouchDesigner patterns. Ten experts evaluated music-AI garment connectivity, dynamic visual expressiveness, technological integration and innovation, and design quality and applicability using a 5-point Likert scale. Musical changes were reflected through variations in color, light, form expansion and contraction, and pattern density. The overall mean score was M=4.35, with technological integration and innovation and dynamic visual expressiveness receiving the highest ratings. This study presents an integrated process linking music analysis, visualization, AI image generation, compositing, and expert evaluation. Future research should extend this approach to broader genres, garment types, user evaluation, physical production, and exhibition applications.

인구 고령화의 심화로 노년기를 쇠퇴의 시기가 아닌 창조적 성장이 지속되는 단계로 인식하며, 신체적·정신적으로 건강한 삶을 영위할 수 있다는 ‘창의적 노화’ 관점이 주목받고 있다. 본 연구는 액티브 시니어의 패션 콘텐츠 제작 동기와 활동 양상을 살펴보고, 이러한 실천이 창의적 노화의 관점에서 어떠한 의미를 지니는지를 탐색하였다. 이를 위해 소셜 미디어에서 패션 콘텐츠를 최소 2주에 1회 이상 업로드하는 55-70세 남녀 17명을 대상으로 심층 인터뷰를 실시하였다. 연구 결과, 액티브 시니어의 패션 콘텐츠 제작 동기는 환경 변화에 대한 대응, 개인적 관심의 확장, 타인의 권유와 지지 등으로 나타났다. 콘텐츠 제작 과정에서는 촬영 준비, 촬영, 편집의 단계를 거치며 독창적인 콘텐츠를 구현하기 위한 적극적인 시도가 이루어졌으며, 콘텐츠 유형은 패션 정보 제공, 상황별 스타일링 제안, 데일리 룩 기록, 시밀러 룩 콜라보 등으로 다양하게 나타났다. 패션 콘텐츠 제작 활동을 통해 참여자들은 시니어에 대한 고정관념을 확장하고 새로운 도전에 나서며 자기개발과 성장을 경험하였고, 노화에 대한 수용적 태도 속에서 정체성을 재구성하고 독립성과 긍정적 사고가 강화되는 변화를 보였다. 또한 온라인과 오프라인에서의 상호작용을 통해 사회적 관계가 확장되었으며, 미래를 향한 목표와 삶의 가치를 보다 구체화하고 있었다. 이러한 결과는 액티브 시니어의 패션 콘텐츠 제작 활동이 창의적 노화를 실현하는 핵심적 실천임을 보여준다. 본 연구는 일상적이고 접근 가능한 패션 콘텐츠 제작을 매개로 한 창의적 노화의 경험을 실증적으로 제시함으로써, 시니어 문화 연구의 확장 가능성을 제시하고 향후 시니어 콘텐츠 및 관련 정책·산업 논의를 위한 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다.

As population aging accelerates, the concept of creative aging has gained attention, viewing later life as a stage of continued creative growth and well-being rather than decline. This study examines the motivations and activities of active seniors engaged in fashion content creation and explores how such practices contribute to the realization of creative aging. In-depth interviews were conducted with 17 men and women aged 55–70 who regularly uploaded fashion-related content on social media at least once every two weeks. The findings show that motivations for fashion content creation included environmental changes, personal interests, and encouragement from others. The content creation process consisted of preparation, filming, and editing, accompanied by active efforts to produce original content. Content types included fashion information, situational styling suggestions, daily outfit records, and similar-look collaborations. Through fashion content creation, participants broadened age-related perceptions, experienced self-development and growth, and strengthened their identities with a more accepting attitude toward aging. Active online and offline interactions also contributed to the expansion of social relationships and the clarification of future goals and life values. These findings suggest that fashion content creation serves as a meaningful practice through which active seniors realize creative aging. By presenting an empirical case of creative aging mediated by everyday and accessible fashion practices, this study contributes to discussions on senior culture and related policy and industry contexts.

본 연구는 패션 브랜드 마린 세르의 지속 가능 패션 디자인에 나타난 조형적 특성을 분석하는 데 목적이 있다. 이를 통해 오늘날 패션에서 지속 가능성이 어떠한 방식으로 시각화되고 확장되는지를 살펴보고자 하였다. 연구 방법으로는 선행 연구를 바탕으로 한 이론적 고찰과 함께, 마린 세르 컬렉션에 나타난 사례 분석을 병행하였다. 분석 대상은 마린 세르가 파리 컬렉션에 데뷔한 2018년 S/S 컬렉션부터 2026년 F/W 컬렉션까지로 설정하였으며, 공식 자료를 바탕으로 업사이클링 및 데드스톡 소재 활용 여부가 확인 가능한 사례를 중심으로 분석하였다. 이를 바탕으로 마린 세르의 지속 가능한 패션의 조형적 특성을 도출하였으며, 선행 연구에서 제시된 다양한 특성을 검토한 후 이를 재구성하여 분석 기준으로 설정하였다. 본 연구에서는 자원순환과 재사용 개념을 환경성으로, 수공예적 요소와 장식적 표현을 강조한 개념을 쿠튀르적 장식성으로, 과거 복식및 문화적 요소를 재해석한 표현을 전통성으로, 이질적 소재와 기능의 결합을 의외성으로, 그리고 기존 의복구조를 분해하고 재조합하는 방식을 해체성으로 구분하여 총 다섯 가지 조형적 특성으로 범주화하였다. 분석 결과, 마린 세르의 지속 가능한 패션 디자인은 단순한 친환경적 실천을 넘어 다양한 소재와 구조의 재구성을 통해 독창적인 조형적 표현을 형성하고 있음을 확인할 수 있었다. 또한, 각 조형적 특성은 개별적으로 나타나기보다 상호 결합하여 복합적인 방식으로 구현되는 경향을 보였다. 본 연구는 마린 세르의 지속 가능한 패션디자인을 환경적 관점에 국한하지 않고 조형적 특성이라는 측면에서 분석함으로써 디자인 표현 방식에 대한 이해를 확장하였다는 점에서 의의가 있다. 향후 연구에서는 이러한 조형적 특성이 가지고 있는 미적 가치와 내러티브에 대한 심층적 연구가 계속 이루어지길 기대한다.

This study aims to analyze the formative characteristics of sustainable fashion design found in the collections of the fashion brand Marine Serre. Based on this analysis, the study examines how sustainability is visually expressed within contemporary fashion. The research methodology combines a theoretical review based on previous studies with a case analysis of Marine Serre’s collections. The analysis focuses on collection images and materials obtained from professional fashion platforms and official channels. After reviewing various classification systems proposed in previous studies, this study reconstructed the analytical criteria into five formative characteristics: environmental sustainability, couture-like decorative characteristics, traditionality, unexpectedness, and deconstruction. Environmental sustainability refers to resource circulation and reuse; couture-like decorative characteristics emphasize handcrafted and decorative expressions; traditionality involves the reinterpretation of historical costumes and cultural elements; unexpectedness reflects the combination of heterogeneous materials and functions; and deconstruction denotes the disassembly and recomposition of conventional garment structures. The scope of analysis includes collections from Marine Serre’s debut at Paris Fashion Week in the Spring/Summer 2018 season to the Fall/Winter 2026 season. The selected cases focused on works employing upcycling techniques identified through designer interviews, the official websites, the YouTube channels, Instagram, and fashion-related articles and reports. The findings reveal that Marine Serre’s sustainable fashion design extends beyond environmentally friendly practices and creates distinctive formative expressions through the recombination of various materials and structures. Furthermore, these formative characteristics tend to be manifested in integrated and hybrid expressions rather than isolated elements. This study contributes to a broader understanding of sustainable fashion design from a formative perspective rather than limiting it to environmental considerations. Future studies should further explore the aesthetic values and narratives embedded within these formative characteristics.

최근 인공지능 기술의 발달로 가상 인플루언서 시장이 확장됨에 따라, 이들의 다양한 특성이 수용자의 호감도 형성에 어떠한 영향을 미치는지에 대한 학술적 논의가 중요해지고 있다. 그러나 기존의 선행 연구들은 대부분 시각적 이미지가 포함된 자극물을 사용함에 따라, 외모에 대한 개인적 선호나 주관적 편향이 평가에 혼입될 수 있다는 방법론적 한계를 보여왔다. 이에 본 연구는 시각적 바이어스를 원천적으로 배제하고, 가상 인플루언서의 속성이 호감도에 미치는 순수 효과를 검증하기 위해 텍스트 기반의 실험적 비네트 방법론을 채택하였다. 구체적으로 가상 인플루언서의 특성을 외적 요인인 의인화 수준, 외적 매력성, 동질성과 내적 요인인 친밀성, 진정성, 신뢰성으로 구분하고, 총189명의 참여자를 대상으로 무작위 실험을 수행하였다. 분석 결과, 본 연구는 진정성에 대한 이중적 결과를 확인하였다. 우선, 비네트를 통해 진정성을 명시적으로 강조한 조작된 진정성 조건에서는 오히려 타 집단 대비 호감도가 유의하게 낮게 나타났다. 이는 가상의 존재가 스스로 진정성을 주장할 때 인위성이 부각되어 심리적 반감을 초래할 수 있음을 시사한다. 반면, 참여자가 비네트 전반을 읽고 주관적으로 형성한 지각된 진정성은 다중회귀분석에서 신뢰성과 함께 호감도를 높이는 핵심 요인으로 확인되었다. 즉, 진정성을 외부에서 직접 주입하는 방식인 조작된 진정성과 참여자가 내면적으로 형성한 진정성인 지각된 진정성은 호감도에 상반된 방향으로 작용하였다. 외적 매력성과 동질성 또한 호감도에 긍정적 영향을 미쳤으나, 의인화 수준은 유의미한 예측 변수가 아니었다. 본 연구는 텍스트 비네트라는 새로운 접근을 통해 진정성의 조작 방식에 따른 효과 차이를 구분하여 규명했다는 점에서 학술적 의의가 있다. 나아가 실무적으로는 가상 인플루언서 마케팅 시 진정성을 텍스트로 직접 소구하기보다, 꾸준한 신뢰 구축 활동을 통해 소비자가 자연스럽게 진정성을 체감하도록 하는 정교한 전략이 필요함을 시사한다.

With recent advances in artificial intelligence, the virtual influencer market has expanded rapidly, making academic discussions on how their diverse characteristics influence the formation of user likability increasingly important. However, most prior studies have suffered from methodological limitations by utilizing stimuli that include visual images, which can introduce personal preferences or subjective biases regarding appearance into the evaluation. To address this issue, this study adopts a text-based experimental vignette methodology to fundamentally eliminate visual bias and verify the net effect of virtual influencer attributes on likability. Specifically, the characteristics of virtual influencers were categorized into external factors (anthropomorphism, physical attractiveness, and homophily) and internal factors (intimacy, authenticity, and trustworthiness), and a randomized experiment was conducted with a total of 189 participants. The analysis revealed a dual effect regarding authenticity: in the "manipulated authenticity" condition—where authenticity was explicitly emphasized within the vignette—likability was significantly lower compared to that of the other groups, suggesting that when a virtual entity overtly claims authenticity, its artificiality is highlighted, thereby triggering psychological reactance. Conversely, "perceived authenticity"—which participants subjectively formed after reading the overall vignette—was identified via multiple regression analysis as a key factor that increases likability alongside trustworthiness, demonstrating that the external injection of authenticity and its internal perception operate in opposite directions. While physical attractiveness and homophily also positively influenced likability, the level of anthropomorphism was not a significant predictor. This study holds academic significance by employing a novel text-vignette approach to distinguish and elucidate the differing effects of authenticity based on how it is operationalized, and from a practical standpoint, it suggests that rather than directly appealing to authenticity through text, a sophisticated strategy is required to build continuous trust, allowing consumers to naturally perceive authenticity on their own.

전통복식을 현대 패션에 재해석하려는 디자이너에게는 유물의 형태·재질·치수와 같은 실물 정보뿐 아니라, 복식사적 해석·상징성·역사적 맥락이 모두 필요하다. 그러나 이 두 유형의 정보는 박물관 유물 데이터베이스와 학술 논문이라는 서로 다른 자료원에 분산되어 있어, 디자이너가 기획 과정에서 이를 통합적으로 탐색하고 디자인 근거로 활용하기가 쉽지 않다. 범용 생성형 인공지능에 이러한 질문을 던질 경우, 전통복식 고유의 실물 근거와 문화적 맥락이 누락된 일반론적 응답이 산출되어 디자인 기획의 근거로 삼기 어렵다. 이에 본 연구는 단국대학교 석주선기념박물관 유물 데이터베이스와 동 박물관 발행 ｢한국복식｣ 학술지 코퍼스를 이중 지식원으로 활용하는 검색 증강 생성 기반 패션 디자인 인공지능 에이전트를 설계·구현하였다. 시스템은 디자이너의 질문 의도에 따라 실물 정보 중심, 학술 해석 중심, 또는 양쪽을 통합하는 방식으로 자료를 선별하여 응답의 근거로 제공한다. 패션 디자인 기획 질의에 대한 비교 검증 결과, 검색 증강 생성 미적용 시 범용 대규모 언어모델은 모든 질의에서 유물 소장번호와 학술 논문 인용이 전혀 포함되지 않은 일반론적 디자인 제안에 머물렀으나, 적용 시에는 질의당 평균 유물 3건, 논문 5건의 출처가 응답 근거로 활용되었고 인용된 소장번호는 전수가 박물관 DB의 실존 유물과 일치하였다. 확장된 후속 포트폴리오 평가에서도 질문 의도에 기반한 자료 선별이 안정적으로 작동하였고, 실물 근거가 필요한 질의에서는 분리 유지구조가 단일 병합 구조 대조군보다 실물 근거 확보에서 뚜렷한 우위를 보였다. 이러한 응답을 FEA 모델 관점에서 분석한 결과, 유물 실측 정보는 기능적 차원의 물리적 근거를, 논문의 복식사적 해석은 표현적·심미적차원의 문화적 근거를 뒷받침하여, 디자이너가 세 차원 모두에서 자료에 기반한 기획 판단을 내릴 수 있는 구조를 갖추고 있음을 확인하였다. 본 연구는 전통복식 아카이브와 학술 문헌을 연결하는 인공지능 에이전트를 통해, 디자이너가 전통복식 자료에 기반한 근거 있는 디자인 기획 지원을 받을 수 있는 구조적 가능성을 제시하였다.

Designers reinterpreting traditional Korean costume for contemporary fashion need both material evidence—form, fabric, and dimensions—and dress-historical interpretation of symbolism and context. These two types of information are dispersed across museum artifact databases and academic publications, hindering integrated exploration, and general-purpose generative AI typically returns responses lacking the material evidence and cultural context specific to traditional costume. Hence, this study designed and implemented a RAG-based fashion design AI agent that combines the Dankook University Seokjuseon Memorial Museum artifact database and the museum’s own journal, the Journal of Korean Costume corpus as dual knowledge sources. Depending on the designer’s query intent, the system selectively grounds responses in artifact data, in scholarly interpretation, or in an integration of both. Without RAG, the model produced generic suggestions with no artifact accession numbers or scholarly citations across all queries. With RAG enabled, responses incorporated on average 3 artifacts and 5 academic papers per query, and every cited accession number matched an actual museum record. Intent-based source selection remained stable in an extended evaluation portfolio, and for queries requiring artifact-grounded evidence, the dual-collection architecture clearly outperformed a single-merged-collection baseline in securing material evidence. Analyzed through the FEA consumer needs model, artifact measurement data supplied the physical grounds for the functional dimension, while dress-historical interpretation drawn from journal articles served as the cultural grounds for the expressive and aesthetic dimensions—enabling designers to make source-grounded planning decisions across all three FEA dimensions. This study demonstrates the structural feasibility of an AI agent that links traditional costume archives with academic literature, providing designers with support for evidence-based design planning grounded in traditional costume resources.

소셜 미디어 숏폼 콘텐츠가 패션 브랜드 커뮤니케이션의 핵심 채널로 부상하면서, 디지털 패션 콘텐츠 경험을 설명하기 위한 분석 관점의 확장이 요구되고 있다. 본 연구는 노먼의 감성 중심 UX 관점과 듀이의 예술적 경험 관점이 동일한 디지털 패션 콘텐츠를 어떻게 다르게 포착·해석하는지 비교 분석하였다. 발렌시아가 공식 인스타그램 릴스 중 사용자 반응 지표 및 콘텐츠 특성을 기준으로 3편을 자극물로 선정하고, 20~35세 참여자 10명을 대상으로 반구조적 경험 평가를 실시하였다. 수집된 텍스트 응답은 주제 분석으로 코딩·유형화한 뒤, 감성 UX 프레임과 듀이의 예술적 경험 흐름에 대응시켜 비교·해석하였다. 분석 결과, 두 관점 모두 시청 과정의 주의 확보와 시청 이후 의미 연결을 연속된 흐름으로 서술했으나, 서술의 조직 방식에서 차이가 확인되었다. 감성 UX 관점의 응답은 몰입·집중·속도감 등 반응 상태와 제품·브랜드 단서, 게시물 맥락(캡션·댓글)에 근거한 경험 정리가 중심으로 나타났으며, 예술적 경험 관점의 응답은 동일 단서를 포함하되 개인 기억·일상 경험·매체 경험이 호출되면서 의미 연결 범위가 참여자별로 확장되는 양상이 확인되었다. 두 관점의 차이는 해석의 여부가 아니라, 해석이 조직되는 범위와 개인화 정도에서 나타났다. 본 연구는 감성 UX 관점과 듀이의 예술적 경험 관점을 병렬 적용함으로써, 동일한 소셜 미디어 패션 콘텐츠가 반응 중심 기술과 의미 구성 중심 기술로 구분되어 서술될 수 있음을 경험 자료로 제시하였다. 이러한 결과는 소셜 미디어 기반 패션 콘텐츠의 기획·연출 단계에서 ‘주의 확보를 위한 감각 단서’와 ‘해석 전개를 위한 의미 단서’를 연속된 설계 변수로 함께 점검하고, 평가 단계에서 반응 지표와 더불어 사용자 서술에 나타나는 의미 연결의 범위와 개인화 양상을 함께 검토할 필요가 있음을 시사한다.

As short-form social media content has become a core channel for fashion brand communication, extended analytical perspectives are needed to explain how users experience and interpret digital fashion content. This study compares how an emotional UX perspective (Norman) and Dewey's art-as-experience perspective capture and interpret the same fashion social media content. Three Reels posted on Balenciaga's official Instagram account were selected based on engagement indicators and content characteristics. Ten participants aged 20-35 completed a semi-structured post-viewing experience evaluation. Text responses were coded and categorized through thematic analysis and then mapped onto the emotional UX stages and Dewey's experiential flow for comparative interpretation. Both perspectives described an experiential sequence that connects attention capture during viewing to interpretive meaning linkage after viewing. However, the perspectives differed not in whether interpretation occurred, but in how interpretation was organized and the extent to which it became personalized. Under the emotional UX prompts, responses foregrounded reaction states (e.g., immersion, attention, perceived speed) and summarized interpretations by referencing content and post-level cues (product/brand information, captions, and comments). Under the art-as-experience prompts, the same cues were retained, but interpretive links more often expanded through personal memories, everyday experiences, and media references, producing participant-specific meaning networks. These findings support a parallel use of UX- and art-based perspectives to refine criteria for planning, staging, and evaluating fashion social media content by jointly considering sensory attention cues and meaning-directing cues.

본 연구는 현대 패션에 나타난 하이퍼리얼리즘 표현의 마네킹을 시뮬라시옹 관점에서 분석하고, 그 유형과 의미를 고찰하는 데 목적이 있다. 하이퍼리얼리즘은 단순한 현실 재현을 넘어 이미지가 현실 인식에 개입하는 시각적 전략으로 이해되며, 이는 보드리야르의 시뮬라시옹 이론과 긴밀하게 연결된다. 본 연구는 이러한 이론적 틀을 바탕으로 현대 패션 브랜드의 전시, 스토어, 패션쇼 연출 사례를 분석하여 하이퍼리얼리즘 마네킹의 표현 유형과 의미를 도출하였다. 분석 결과, 하이퍼리얼리즘 마네킹은 현실 기반의 인물 재현, 순간 재현, 상상 재현으로 구분될 수 있으며, 이는 각각 신체의 사실성, 시간성, 그리고 비현실적 상황의 결합을 통해 관람자의 인식에 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이러한 마네킹은 단순한 의복 전시 도구를 넘어 신체 이미지 자체를 구성하고 의미를 생성하는 시각적 매개체로 기능하며, 패션 공간을 감각적 경험과 서사가 결합된 전시적 공간으로 확장시킨다. 또한 하이퍼리얼리즘 마네킹은 특수 분장, 라이브 캐스팅, 3D 스캔 등 기술 발전과 결합하여 인간 신체를 극도로 정밀하게 재현하며, 이는 현실보다 더욱 현실적으로 지각되는 상태를 형성한다. 이러한 신체 재현은 이상화된 신체 기준을 강화하고 신체의 대상화를 심화시키는 양가적 성격을 지닌다. 결론적으로, 하이퍼리얼리즘 마네킹은 예술, 기술, 사회적 신체 인식이 교차하는 지점에서 인간 신체의 의미를 재구성하는 매개체로 기능하며, 현대 패션이 신체를 재현하고 소비하는 방식이 이미지 중심으로 전환되고 있음을 시사한다. 따라서 본 연구는 하이퍼리얼리즘과 시뮬라시옹 이론을 패션 마네킹 분석에 통합적으로 적용함으로써 신체 재현과 인식 효과를 확장적으로 해석하였다는 점에서 의의를 지닌다.

This study analyzes hyperrealistic mannequins in contemporary fashion from the perspective of simulation and examines their types and meanings. Hyperrealism is understood not merely as the reproduction of reality, but as a visual strategy through which images shape perception, and it is closely related to Jean Baudrillard’s theory of simulation. Based on this theoretical framework, the study investigates exhibitions, retail stores, and fashion shows of contemporary fashion brands to identify the expressive types and meanings of hyperrealistic mannequins. The findings reveal that hyperrealistic mannequins can be categorized into three types: realistic human representation, moment-based representation, and imaginative representation based on reality. Each type influences viewers’ perceptions through the combination of bodily realism, temporality, and nonrealistic situations. These mannequins function not merely as tools for displaying garments but as visual media that construct bodily images. In doing so, they transform fashion spaces into exhibitionary environments where sensory experiences and narratives intersect. Furthermore, hyperrealistic mannequins reproduce the human body with extreme precision through technologies such as special makeup techniques, live casting, and 3D scanning. As a result, they create a condition perceived as more real than reality. Such representations of the body possess an ambivalent nature, simultaneously reinforcing idealized body standards and intensifying the objectification of the body. In conclusion, hyperrealistic mannequins function as mediating devices that reconstruct the meaning of the human body at the intersection of art, technology, and social perceptions of the body. They demonstrate that contemporary fashion has shifted toward an image-centered mode of representing and consuming the body. This study contributes by applying hyperrealism and simulation theory to the integrated analysis of fashion mannequins, thereby expanding the interpretation of bodily representation and its perceptual effects. The findings provide a foundation for future research on body representation, visual culture, and fashion exhibition studies.

지속 가능성에 관한 관심이 증가함에 따라 패션 산업에서도 생산 과정에서 발생하는 부산물의 재활용과 소재 활용 효율을 높이기 위한 시도가 요구되고 있다. 특히 천연가죽은 신발, 가방, 보호 기능성 패션 제품 등에 널리 활용되는 소재이나, 두께 조절을 위한 피할 가공 과정에서 발생하는 스플릿 레더는 소재의 취약성으로 인해 부산물로 처리되는 경우가 일반적이다. 이에 본 연구는 스플릿 레더의 강성을 보완하여 신발 갑피 소재로 재활용하기 위해 보급형 FFF 방식 3D 프린터를 활용한 TPU 웰딩 가공을 적용한 소재 재활용 방안과, 해당 재활용 소재의 일반적 신발 제작 공정으로의 적용 가능성, 제작된 재활용 소재가 활용된 신발의 실제 사용성을 파악하는 데 목적을 두었다. 이를 위해 스플릿 레더 표면에 TPU를 1.0mm부터 2.0mm까지 0.2mm 간격으로 적층한 6종의 3D 프린팅 웰딩 실험물을 제작하고, 비가공 스플릿 레더 및 천연가죽과의 인장강도 비교 실험을 수행하였다. 실험 결과, 1.8mm 두께의 TPU 웰딩 실험물부터 1259.63N의 강도 평균을 보여 천연가죽보다 높은 인장강도를 나타냈다. 이에 따라 1.8mm를 기준 웰딩층 두께로 설정하고, 단화형과 장화형의 신발 2종을 제작하였다. 신발 제작은 라스트를 활용한 갑피 패턴 도출, 패턴 디지털화, 3D 프린팅 웰딩층 및 웰딩 패턴 모델링, 갑피 출력, 봉제, 라스팅, 본딩, 밑창 결합의 과정으로 수행되었다. 제작 결과, TPU 소재 간 접착을 위한 접착 촉진제 도포 과정이 추가적으로 요구되었으나, 3D 프린팅 웰딩이 적용된 스플릿 레더재활용 소재는 일반적인 신발 제작 공정에 적용 가능함을 확인하였다. 또한 성인 15인을 대상으로 착용성 및 활동성 평가를 수행한 결과, 단화형은 전체 평균 3.81점, 장화형은 전체 평균 3.96점으로 평가되어 전반적으로 실제 착용 및 활동이 가능한 수준의 사용성을 보이는 것으로 나타났다. 본 연구에서는 가죽 가공 부산물인 스플릿 레더가 3D 프린팅 기반 TPU 웰딩 가공을 통해 신발 갑피 소재로 활용될 수 있는 가능성을 제시함으로써, 지속가능한 패션 소재 개발과 디지털 제작 기술을 활용한 신발 제작 연구를 위한 기초 자료 제시에 의의를 둔다.

As the interest in the sustainability grows, fashion industries are increasingly required to improve material-use efficiency and recycle by-products generated during production. Natural leather is widely used in footwear, bags, and apparel products. However, split leather generated during the splitting process for thickness control is often treated as waste due to its low durability. This study aimed to reinforce split leather for reuse as footwear upper material by applying TPU welding using an accessible low-cost FFF (fused filament fabrication) 3D printer and to evaluate its manufacturability and usability. Six experimental samples were fabricated by depositing TPU layers from 1.0 to 2.0 mm at 0.2 mm intervals on split leather, followed by tensile testing against untreated split leather and natural leather. The results showed that the 3D welding samples with a 1.8 mm TPU layer achieved a mean tensile strength of 1259.63 N, exceeding that of natural leather. Based on this outcome, 1.8 mm was selected as the standard welding thickness, and two footwear designs (low-cut and boot types) were developed. The manufacturing process involved last-based upper pattern development, pattern digitization, 3D modeling of the welding layer and patterns, upper printing, stitching, lasting, bonding, and outsole assembly. Although an adhesion promoter was also required to improve TPU-to-TPU bonding, the welded split leather was compatible with conventional footwear production. Wearability and mobility evaluations conducted with 15 adults yielded overall mean scores of 3.81 (low-cut) and 3.96 (boots), indicating a modest level of positive usability. This study demonstrates the potential of converting split leather by-products into functional footwear upper materials via 3D printing-based TPU welding and provides foundational data for sustainable material development and digitally enabled footwear manufacturing.

본 연구는 토핑 경제의 부상과 함께 초개인화를 중시하는 잘파세대의 다양한 패션화된 일상용품 및 패션 아이템 커스터마이징 소비문화를 고찰하고자 한다. 또한 선행 연구 분석을 바탕으로 잘파세대의 패션 아이템 커스터마이징 사례 유형과 키치 특성을 파악하고, 이에 대한 패션 소비 심리를 도출하고자 한다. 이를 위해 본 연구는 문헌 연구와 사례 연구를 병행하였다. 본 연구는 잘파세대의 패션 소비에 관한 학문적 기초 자료를 제공한다는 점에 의의를 둔다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 잘파세대는 패션 아이템을 키링, 지비츠 등의 다양한 참으로 자신의 취향과 개성을 반영하여 커스터마이징하는 소비문화를 보였다. 잘파세대의 커스터마이징 유형은 자신이 소장한 패션 아이템에 소비자가 주도하여 하나하나 찾은 재료로 원하는 스타일의 디자인을 구상하는 소비자 DIY 스타일링 완성, 기업이 제공한 선택사항 내에서 커스터마이징한 완성품을 주문하거나 부분적 디자인 경험에 참여하는 소비자 경험 중심의 매스 커스터마이제이션 디자인 참여로 분류되었다. 잘파세대의 커스터마이징 키치 특성은 부조화성, 통속성, 유희성, 향수성, 낭만성으로 나타났다. 부조화성은 이질적인 재료와 조합하거나 배열되는 키치 특성을 소비자가 미적 가치로 수용하는 심리와 연결되었다. 통속성은 대중적 요소를 귀여움으로 인식하는 긍정적인 심리로, 유희성은 커스터마이징 자체를 놀이로 즐기는 심리로, 그리고 향수성과 낭만성은 커스터마이징 과정에서의 기억과 감성을 간직하려는 소비자 심리와 연결되었다. 본 연구는 잘파세대의 소비문화 중 하나인 커스터마이징 트렌드를 키치 특성과 패션 소비 심리로 분석한 점에 학문적 의미가 있다. 이를 통해 패션 업계에서 커스터마이징 패션 아이템 디자인을 기획하고, 잘파세대 소비자의 경험 소비를 위한 마케팅 전략을 모색하는 기반이 되기를 기대한다.

This study considers the customized consumption culture of various fashionable daily items and fashion items of the Zalpha Generation, who highly value hyper-personalisation with the rise of the topping economy. Therefore, this study combined a literature review and case study. Based on a review of prior research, it seeks to identify the customization types and their fashion item customization and kitsch characteristics to deduce the fashion consumer psychology. The result of this study is engaged in culture of fashion items which embellished with various charms to express individual taste and identity. Their customization types are categorized into the consumer DIY styling completion, designed with personally sourced materials on their items, the consumer experience-centered mass customization participation in which consumers select options provided by brands and partially participate in the design process. The kitsch characteristics of Zalpha customizing are identified as incongruity, popularity, playfulness, nostalgia, and romanticism. Incongruity was connected to the aesthetic value of incongruous combinations, popularity to positive perceptions of cuteness, playfulness to enjoyment of customization as play, and nostalgia and romanticism to the desire to preserve memories and emotions associated with the customization process. This study has academic significance in that it analyzed customizing by kitsch characteristics and fashion psychology based on their lifestyle and is expected to become base for fashion design plan and experiential marketing strategies.

본 연구는 미스치프의 패션 프로젝트를 개념 미술의 관점에서 분석하여, 현대 패션에서 개념 미술의 표현 형식이 어떠한 방식으로 재구성되며, 패션의 의미가 생산·유통·소비의 과정과 사회적 맥락 속에서 어떻게 형성되는지를 고찰하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해 토니 고드프리가 제시한 개념 미술의 표현 형식인 레디메이드, 자료 형식, 언어, 개입을 이론적 틀로 설정하고, 이를 패션의 특성에 맞게 ‘물성의 개념화’, ‘과정과 행위의 가시화’, ‘언어의 가치 구성’, ‘패션 시스템에 대한 비판’으로 재구성하여 분석하였다. 연구 방법으로는 사례 연구를 적용하였으며, 미스치프의 패션 프로젝트 가운데 개념적 의미와 제도 비판적 성격이 뚜렷한 18개 사례를 최종 분석 대상으로 선정하였다. 연구 결과, 첫째, 미스치프는 물질적 기능보다 상징성과 사회적 합의를 중심으로 가치를 형성하는 ‘물성의 개념화’를 통해 패션의 의미를 비물질적 차원으로 확장하였다. 둘째, 제작 과정, 착용 방식, 차용과 재맥락화, 미디어 참여를 작품의 일부로 제시하는 ‘과정과 행위의 가시화’를 통해 패션의 의미가 실행과 참여 과정 속에서 구성됨을 확인하였다. 셋째, 원산지, 명명, 가격 등 언어적 요소를 가치 판단의 기준으로 활용하는 ‘언어의 가치 구성’을 통해 언어가 패션의 의미를 조직하는 핵심 매체로 기능함을 확인하였다. 넷째, 저작권 규범, 희소성 중심의 유통 구조 등 패션 산업의 제도적 조건을 작품의 매체로 활용하는 ‘패션 시스템에 대한 비판’을 통해 제도와 권력 구조를 비판적으로 드러내는 양상이 나타났다. 또한 이러한 개념 미술적 전략은 생산·유통·소비의 각 과정과 사회적 맥락 속에서 상호작용하며 패션의 의미를 형성하는 것으로 분석되었다. 본 연구는 개념 미술의 표현 형식을 패션의 특성에 맞게 재구성하여 적용함으로써 현대 패션을 개념적 실천으로 이해할 수 있는 새로운 분석 틀을 제시하였다. 또한 패션의 의미가 개별 상품의 물질적 특성에 한정되지 않고 생산·유통·소비 과정과 사회적 맥락의 상호작용 속에서 형성됨을 규명함으로써, 패션을 의미와 맥락 중심에서 해석하는 이론적 기반을 마련하였다는 점에서의의를 갖는다.

This study examines how the expressive forms of conceptual art are reconfigured in contemporary fashion and how the meaning of fashion is constructed through the processes of production, distribution, consumption, and their social contexts by analyzing the fashion projects of MSCHF. Based on Tony Godfrey's four expressive forms of conceptual art—readymade, documentation, language, and intervention—this study reconstructs them for fashion as the conceptualization of materiality, the visualization of process and action, the construction of value through language, and the critique of the fashion system. A case study method was adopted, and eighteen MSCHF fashion projects with strong conceptual and institutional-critical characteristics were selected for analysis. The findings show that MSCHF expands the meaning of fashion beyond materiality through the conceptualization of materiality, in which symbolic value and social consensus outweigh functional properties. The visualization of process and action demonstrates that fashion acquires meaning through production, wearing practices, appropriation, recontextualization, and media participation rather than through completed forms alone. The construction of value through language reveals that place of origin, naming, and pricing function as key mechanisms for organizing the meaning of fashion. The critique of the fashion system exposes institutional conditions, including copyright regulations and scarcity-driven distribution systems, as integral components of the work itself. These conceptual strategies collectively demonstrate that the meaning of fashion is constructed through the interaction of production, distribution, consumption, and broader social contexts. This study proposes an analytical framework for understanding contemporary fashion as a conceptual practice by reconstructing the expressive forms of conceptual art within the context of fashion. It also provides a theoretical basis for interpreting fashion from the perspective of meaning and context rather than as a material object.