Earticle

본 연구는 현대 패션에서 자연과 기술의 융합을 기반으로 바이오 인스퍼레이션이 적용된 혁신적인 사례를 유형화하고 주요 특성 도출을 목표로 하였다. 본 연구에서는 현대 패션에서 바이오 인스퍼레이션을 활용하는 유형을 다음 세 가지로 구분하였다. 생물학적 구조 및 원리를 기반으로 기능성을 강화하는 유형, 자연의 조형 미와 질감을 반영하여 실험적인 실루엣을 구현하는 유형, 생물자원 및 버려지는 자원으로 지속 가능한 소재 를 활용하는 유형이다. 이러한 사례를 종합적으로 고찰한 결과, 현대 패션에서 바이오 인스퍼레이션이 가지 는 특성을 세 가지로 요약할 수 있다. 첫째, 자연의 구조 및 기능적 원리에 대한 탐구의 확장이다. 과거에는 자연의 외형적 특징을 단순히 모방하는 것에 초점이 맞춰졌다면, 현대 패션에서는 자연의 기능적 특성과 동 적인 행동을 이해하고 이를 디자인에 적용하려는 시도가 늘어나고 있다. 둘째, 고도의 기술 융합을 통한 소재 가공 방식 및 표현력의 확장이다. 디지털 모델링, 3D 프린팅, 스마트 텍스타일 등의 기술을 활용한 신소재가 실험적으로 사용되는 특징을 보였다. 셋째, 지속 가능한 전략적 가치 창출이다. 바이오 인스퍼레이션이 단순 한 미적 요소를 넘어 친환경적인 디자인 전략으로 확장되면서, 폐기된 자연 원료의 재활용, 생태계 복원을 목표로 한 지속 가능한 패션 접근법이 강화되고 있다. 결과적으로 현대 패션에서의 바이오 인스퍼레이션은 단순한 디자인 요소를 넘어, 기술, 윤리, 미적 가치가 융합된 복합적 개념으로 작용하고 있음을 확인할 수 있었다. 본 연구는 바이오 인스퍼레이션이 적용된 패션 디자인의 특성을 체계적으로 정리함으로써, 향후 산 업적 응용 가능성을 제시하고 관련 연구 및 개발에 필요한 기초자료를 제공하는 데 의의가 있다.

This study aims to categorize innovative applications of bio-inspiration in contemporary fashion based on the convergence of nature and technology and to derive its key characteristics. In this study, bio-inspiration in contemporary fashion can be classified into the following three types: the type that enhances functionality based on biological structures and principles, another that embodies experimental silhouettes by reflecting the aesthetic forms and textures of nature, and a third that utilizes sustainable materials derived from biological resources and waste. A comprehensive analysis of these cases reveals three key characteristics of bio-inspiration in contemporary fashion. The first is an expansion of the exploration of natural structures and functional principles. While past approaches primarily focused on imitating the external features of nature, contemporary fashion is increasingly seeking to understand and apply the functional properties and dynamic behaviors of nature in design. The second is an advancement in material processing methods and the expressive capabilities through high-tech integration. The experimental application of new materials using digital modeling, 3D printing, and smart textiles has become a defining feature. Third, it is the creation of sustainable strategic value. Beyond aesthetic elements, bio-inspiration is evolving into an eco-friendly design strategy, emphasizing the recycling of discarded natural resources and the restoration of ecosystems as part of sustainable fashion approaches. Ultimately, this study confirms that bio-inspiration in contemporary fashion functions as a complex concept that integrates technology, ethics, and aesthetic values, rather than merely serving as a design element. By systematically organizing the characteristics of bio-inspired fashion design, this research provides foundational data essential for future industrial applications, research and development in the field.

최근 급변하는 사회·문화적 환경 속에서 패션 브랜드의 디자인 경쟁력과 문화적 가치를 제고하는 것이 중요해지고 있다. 본 연구는 오랜 역사에도 불구하고 디자인 독창성과 경쟁력이 부족했던 로에베가 최근 성 공적으로 도약한 사례를 대상으로 하였다. 특히, 크리에이티브 디렉터 조나단 앤더슨의 디자인을 분석함으로 써, 그가 브랜드의 독창적인 디자인을 어떻게 확립하고 발전시켜 왔는지를 밝히고자 하였다. 연구 내용은 다음과 같다. 첫째. 로에베의 전통과 예술 문화 활동에 나타난 중심 가치를 고찰하였다. 둘째, 앤더슨이 이끈 로에베 여성복 컬렉션의 디자인 특성을 고찰하였다. 셋째, 로에베 여성복 디자인의 특성이 어떻게 정립되고 발전되었는지 논의하였다. 연구 방법은 문헌 고찰과 컬렉션의 디자인을 분석하는 사례 연구 방법을 사용하였 다. 앤더슨의 디자인은 로에베 2015 S/S∼2024 F/W 여성복 컬렉션의 작품 사진을 수집하여 실증적으로 분석 하였다. 컬렉션 사진은 패션 전문 매체 보그닷컴과 브랜드 홈페이지에서 수집하였고, 분석에는 디자이너 인 터뷰 및 관련 기사, 패션 전문 매체의 리뷰를 참고하였다. 연구 결과, 앤더슨은 다양한 활동을 통해 예술과 문화를 중심으로 브랜드를 재구성했으며, 장인 정신과 공예의 가치를 확장하고, 표현의 한계를 뛰어넘는 창 조성을 강조하며, 새로운 럭셔리를 추구했다. 그리고 이를 브랜드의 중심 가치로 삼았다. 앤더슨은 브랜드의 중심 가치를 바탕으로 여성복 디자인에서 공예와 장인 정신, 그리고 로에베와 관련된 역사와 문화를 존중하 는 동시에, 다양한 예술, 공예, 패션을 융합하였다. 또한, 동시대 삶과 관련된 개념을 실험적으로 다루며 새로 운 디자인 접근방식을 제시했다. 대표적인 디자인 특성은 스페인의 문화적 요소와 역사적·귀족적 요소의 표 현, 실험적인 조형과 복합적인 소재 사용, 공예와 예술을 통한 쿠튀르적 표현의 강조, 초현실적이고 유희적인 표현으로 나타났다. 이러한 로에베 여성복 디자인은 전통과 현대, 현실과 초현실, 혁신성과 실용성, 상품성이 조화를 잘 이루었고, 이를 통해 로에베는 동시대의 문화와 패션을 이끄는 아방가르드 럭셔리 브랜드라는 정 체성을 확립했다.

In a rapidly changing socio-cultural environment, enhancing design competitiveness and cultural value has become essential for fashion brands. This study focused on Loewe, a long-established heritage brand that once lacked design originality and competitiveness but has recently achieved remarkable success. By analyzing the designs of Creative Director Jonathan Anderson, the study explored how Loewe has established and developed its unique design identity. The research first examined Loewe’s traditions and core values reflected in its artistic and cultural activities. Second, it analyzed the design characteristics of Loewe’s women’s collections under Anderson’s direction. Third, it discussed the evolution of these design traits and how they shaped the brand’s identity. A case study approach was adopted, combining literature review and design analysis. The empirical analysis covered Loewe’s 2015 S/S to 2024 F/W women’s collections, using photos from Vogue.com and Loewe’s official website. Additional materials included designer interviews, articles, and reviews from fashion media. The findings reveal that Anderson restructured Loewe around art and culture, expanding the value of craftsmanship and pushing creative boundaries. He pursued new luxury, and made theses the brand’s core values. While respecting Loewe’s historical and cultural heritage, Anderson merged art, craft, and fashion in his designs and continuously experimented with contemporary life themes, offering innovative approaches. Key characteristics of Loewe’s women’s collections include references to Spanish cultural, historical·aristocratic elements, experimental forms and diverse materials, couture-like expressions through art and craftsmanship, and surreal, playful details. These elements create a harmonious balance between tradition and modernity, reality and surrealism, and creativity and practicality. Through this process, Loewe has secured a distinctive identity as an avant-garde luxury brand that leads contemporary culture and fashion.

본 연구는 현재 유통되는 신한복 데님 제품을 분석하여 개선 사항을 확인하고, 한국 전통 스란의 분석 자료를 참고하여 차별화된 제품을 개발해 제안하였다. 신한복 브랜드 7개를 대상으로 데님 제품 자료를 수집 하였으며, 스란 소장품 66개의 종류 및 특성을 파악하였다. 신한복 브랜드에 구성된 데님 제품 수는 총 28개 로 브랜드별 전체 제품 수에 비해 매우 적었으며, 아이템은 재킷, 셔츠, 팬츠, 스커트, 원피스, 점프수트로 원피스가 가장 많았다. 색상은 모두 청색으로 어두운 진청 소재가 많았으며, 섬유혼용률은 면 100%가 가장 많았다. 재킷과 블라우스는 편안하게 착용 가능한 박스형 디자인이었으며, 스커트는 허리 주름으로 밑단 둘 레가 넓은 실루엣이었고, 팬츠는 한복 바지와 같이 품이 넉넉하고 발목이 좁았다. 원피스도 풍성한 실루엣이 많았으며, 점프수트는 저고리형 블라우스에 한복 바지 실루엣이 결합되었다. 신한복 데님 제품의 디자인은 전반적으로 실용성이 높았지만, 제품 차별화 및 고급화에 한계가 있었고, 깃과 고름 등으로 제한적인 디테일 이 사용되었다. 분석 내용을 토대로 원삼과 함께 착용된 대란치마를 참고해 짙은 회색 데님 소재의 원피스가 개발되었다. 한복 실루엣과 스란 장식을 더해 전통 복식의 분위기를 살리면서 배색 톱스티치, 아웃 포켓, 동 일한 원단의 허리 벨트와 지퍼, 걸고리, 버클 등의 금속 장식으로 현대적인 분위기를 부여하였다. 스란의 문 양은 운봉문과 아자문을 활용하였고, 두 단의 은색 스란단을 6㎝ 간격으로 치마와 소매 밑 둘레에 배치하였 다. 본 연구를 통해 신한복 제품의 디자인 고도화와 소비 활성화에 기여하고자 하며, 연구에 대한 지속적인 관심을 확대하는 데에도 긍정적인 영향을 미치기를 기대한다.

This study analyzed the New Hanbok denim products to identify areas for improvement and developed a differentiated product by analysing the traditional Korean Sran. Denim product data were collected from 7 New Hanbok brands, and the types and characteristics of 66 Sran collections were identified. The total number of denim products of the New Hanbok brands was 28, which was very small compared to that of the products, and the items included jackets, shirts, pants, skirts, dresses, and jumpsuits. The colors were all blue, with dark blue being common, and the fiber composition was primarily 100% cotton. The jackets and blouses featured box silhouette designs that could be worn comfortably, the skirts had a wide hem circumference with waist tucks, and the pants had a wide circumference and narrow ankles like Hanbok. The dresses also had a wide hem circumference, and the jumpsuit was like a Jeogori blouse with a Hanbok pants silhouette. The design of the New Hanbok's denim products was casual and practical, but there were limitations in product differentiation and upmarket positioning, and limited details of the collar and tie of Hanbok were used. Based on this analysis, a dress made of dark gray denim was developed by referring to the Wonsam and Daeran skirt. The silhouette of Hanbok and the Sran decoration were added to express the traditional clothing while giving it a modern atmosphere with color top stitch, out pocket, waist belt, and metal embellishments such as a zipper, hook, and buckle. The pattern of the Sran was based on Unbongmun and Azamun, and the two silver-colored Srans were placed around the skirt and sleeves at 6cm intervals. This study is expected to contribute to the design advancement and consumption of New Hanbok products, and have a positive effect on continuous research expansion.

본 연구의 목적은 스마트 웨어러블을 주제로 AI 기술을 활용한 메이커 프로젝트 기반 학습 프로세스를 개발하고, 이를 실행 및 평가하는 데 있다. AI는 디자인 프로세스의 효율성을 높여 창의적 설계를 돕고, 메이 커 접근법은 이를 물리적 형태로 구현해 학습의 실용성을 더한다. PBL은 두 가지를 통합해 학습자들이 창의 성과 기술적 문제 해결 능력을 동시에 발전시키도록 돕는다. AI, 메이커 접근법, PBL의 결합은 디자인이나 기술 역량이 부족한 학습자도 창의적이고 실질적인 결과물을 도출할 수 있게 하며, 디자이너와 기술자가 부 족한 역량을 상호 보완하고 전문성을 향상시킬 수 있도록 한다. 연구 방법으로 15주 차 학습안을 설계하고, 학습자들을 대상으로 이를 실행 및 평가하였다. 결과물은 전문가에 의해 창의성, 기능성, 융합성 기준으로 평가되었으며, 참여 학습자들은 프로젝트 만족도를 평가하였다. 또한, 전문가 피드백을 통해 향후 학습안 개 선 방향에 대한 심층 평가를 시행하였다. 연구 결과, 모든 팀이 성공적으로 결과물을 도출했으며, 창의성 3.9/5점, 기능성 4.3/5점, 융합성 4.3/5점, 프로젝트 만족도 4.5/5점의 높은 평가를 받았다. 다만, 일부 제품은 기술 적합성과 정확성 부족, 그리고 사용자 요구와 피드백 수집 과정에서의 한계가 나타났다. 본 연구는 AI, 메이커 접근법, PBL의 결합이 패션 전공 교육에서 창의성과 기술적 전문성을 향상시키는 효과적인 방법임을 보여주며, 패션과 기술 융합 교육의 새로운 방향을 모색하는데 의의가 있다. 본 연구는 스마트 웨어러블 기술 을 중심으로 한 패션과 기술 융합 교육의 새로운 가능성을 제시하며, 창의적이고 실무적인 역량을 갖춘 인재 를 양성함으로써 사회적·기술적 요구에 부응할 수 있는 기반을 마련하는 데 기여할 수 있다.

This study aims to develop, implement, and evaluate a Project-Based Learning process utilizing AI technology for smart wearables. AI enhances the efficiency of the design process and supports creative design, while the maker approach brings designs to life in physical form, adding practicality to the learning experience. PBL integrates these two elements, helping learners simultaneously develop creativity and technical problem-solving skills. Combining AI, the maker approach, and PBL enables learners with limited design or technical expertise to produce creative and practical results, complementing the skills of both designers and engineers, thereby enhancing overall professionalism. The research method involved designing a 15-week learning plan, implementing it with learners, and conducting an evaluation. The outcomes were assessed by experts based on creativity, functionality, and integration, while learners evaluated their satisfaction with the project. Expert feedback was also used for an in-depth evaluation of potential improvements for future learning plans. The results showed that all teams successfully produced outcomes, receiving high ratings: creativity (3.9/5), functionality (4.3/5), integration (4.3/5), and project satisfaction (4.5/5). However, some products showed limitations in technical optimization, accuracy, and in gathering user feedback. This study demonstrates that combining AI, the maker approach, and PBL is an effective method for enhancing creativity and technical expertise in fashion education, offering a new direction for integrating fashion and technology. It also presents new possibilities for the convergence of fashion and technology in education, contributing to the development of professionals with creative and practical skills who can meet both social and technological demands.

디지털 환경 변화를 토대로 버추얼 패션 디자인의 발전 가능성에 대한 기대가 높아짐에 따라 이에 대한 연구와 다양한 창작의 시도가 요구되고 있다. 본 연구는 오늘날 버추얼 패션의 발전 상황을 인식하고, 버추얼 패션 디자인을 위한 디자인 원천으로서 현대무용 역사에 길이 남는 이론가이며 안무가인 루돌프 라반의 움 직임 공간 드로잉을 채택하였으며, 라반의 드로잉에 나타나는 표현 특징을 응용하여 3D 버추얼 패션 디자인 작품을 기획함으로써 디지털 패션 디자인의 실현 가능성을 제시하는 것에 목적을 두었다. 이를 위해 라반의 움직임 이론에서 도출된 선과 공간의 개념을 응용하여 가상 환경에서 표현될 수 있는 다양한 디자인 방식을 탐구하고 무용 이론가가 남긴 역사적 드로잉의 이미지를 디자인에 활용하여 버추얼 패션 디자인의 표현 가 능성을 제시하였다. 본 연구에서는 라반의 움직임 공간 드로잉의 표현 특징을 곡선, 직선, 다각형 등 3가지로 나누어 분석해 이를 응용한 3D 버추얼 패션 디자인을 기획하였는데, 작품의 모티브가 되는 선과 다각형을 다양하게 모델링하기 위해서 3D 모델링 프로그램인 블렌더를 사용했고 애프터 이펙츠를 활용하여 버추얼 패션 디자인 작품 비디오를 완성하였다. 이처럼 라반의 움직임 공간 드로잉을 분석하고 재해석하여 패션 디 자인에 응용한 과정은 타 분야의 연구 창작물이 버추얼 패션 디자인에 있어 참신한 영감의 원천이 될 수 있다는 가능성을 담은 사례가 될 수 있다. 디지털 기술은 물리적 환경에서 실현하기 어려웠던 패션 디자인 아이디어를 구현할 수 있는 가능성을 열어주었으며 여러 잠재력을 가지고 있어 학문 간의 융합을 통해 패션 산업이 발전할 수 있는 다양한 길을 보여준다. 본 연구는 무용학 이론으로부터 영감을 얻어 버추얼 패션 디자 인의 잠재성을 탐구한 것으로서, 이와 같은 작품 연구를 통해 향후 새로운 콘셉트의 버추얼 패션 디자인의 시도들이 더 다양하게 이루어질 수 있도록 방법을 제안했다는 점에서 의의를 갖는다.

As expectations for the development of virtual fashion design continue to grow in response to rapid digital advancements, research and creative exploration in this field are increasingly needed more than ever. This study acknowledges the current status of virtual fashion development and explores the potential of digital fashion design by drawing inspiration from the movement space drawings of Rudolf Laban, a pivotal figure in modern dance theory and choreography. By applying the expressive qualities found in Laban’s drawings, the study aims to plan a 3D virtual fashion design work that expands the creative possibilities of digital fashion. Specifically, Laban’s concepts of line and space, central to his movement theory, were used to explore diverse design methods suitable for a virtual environment. His movement space drawings were categorized into three expressive characteristics—curves, straight lines, and polygons —and these were applied as visual motifs in the fashion design process. Blender, a 3D modeling program, was used to model the lines and polygons in various forms, while After Effects was employed to produce a video presentation of the completed virtual fashion design. The process of analyzing and reinterpreting Laban’s movement drawings illustrates how artistic knowledge from other fields can provide novel inspiration for fashion design in virtual environments. Digital technology offers opportunities to realize design ideas that are difficult to implement in the physical world and highlights the creative potential of interdisciplinary convergence. By integrating dance theory into digital fashion, this study demonstrates the expressive capacity of virtual design and proposes new directions for future fashion creation. The findings emphasize the significance of cross-disciplinary approaches and suggest that performative theories, such as Laban’s, could open new conceptual pathways for virtual fashion design.

급변하는 사회･기술적 변화와 지속 가능성에 대한 요구는 패션 디자인에서 창의적 문제 해결과 미래 지향 적 접근의 필요성을 강조하고 있다. 본 연구의 목적은 지속 가능한 패션 디자인을 위한 미래적 사고, 사변적 디자인, X를 위한 디자인 등의 대표적인 미래적 디자인 방법론의 특성을 탐구하고, 이를 패션 디자인의 프로 세스에 적용할 수 있는 가능성을 탐색하는 데 목적이 있다. 문헌 연구와 사례 분석을 통해 각 방법론의 핵심 특성과 프로세스 활동을 유형화하고, 패션 디자인의 고유한 특성을 반영하여 이를 디자인 프로세스의 4단계 (문제 정의, 콘셉트 개발, 프로토타이핑, 평가 및 적용)에 적용할 수 있는지를 분석하였다. 연구 결과, 첫째, 문제 정의 단계에서는 미래적 사고를 활용해 장기적 환경 변화와 사회적 요구를 반영한 미래 시나리오를 구축하고 지속 가능한 디자인 전략을 수립할 수 있다. 둘째, 콘셉트 개발 단계에서는 사변적 디자인이 비판적 상상력과 실험적 사고를 촉진하며, 미래 소비자 경험과 사회적 혁신을 반영한 창의적 디자인 개발을 지원한 다. 셋째, 프로토타이핑 단계에서는 X를 위한 디자인을 적용하여 자원 효율성과 지속 가능성을 고려한 목표 설정 및 프로토타입을 제작함으로써 디자인의 환경적 책임을 강화할 수 있다. 넷째, 평가 및 적용 단계에서는 미래적 사고와 X를 위한 디자인 방법을 결합하여 최종 제품이 미래 환경 변화와 사회적 요구에 적응할 수 있도록 지속 가능한 개선 전략을 도출한다. 본 연구는 패션 디자인 프로세스에서 미래 문제에 대응하기 위해 창의적 문제 해결과 지속 가능성 전략 수립이 가능한 방법론적 틀을 제시하며, 실무 및 교육 현장에서 미래 지향적 디자인 전략을 적용할 수 있는 이론적 프레임워크를 제공한다. 이를 통해 패션 디자이너가 복잡한 미래 문제를 선제적으로 해결하고, 지속 가능한 패션 산업을 구축하는 데 기여할 수 있을 것이다.

In response to rapid social and technological changes and growing sustainability demands, fashion design increasingly requires creative, future-oriented approaches. This study explores how future-oriented design methodologies−Futures Thinking, Speculative Design, and Design for X−can be applied to the sustainable fashion design process through literature review and case analysis. It proposes a structured framework for integrating these methodologies into four key design stages: problem definition, concept development, prototyping, and evaluation/application. In the problem definition stage, Futures Thinking is employed to predict long-term societal and environmental changes and create future scenarios that help formulate long-term strategies reflecting the sustainable use of resources and anticipating future needs. In the concept development stage, Speculative Design is applied to develop innovative and experimental thinking, focusing on future consumer experiences and social innovation. During the prototyping stage, Design for X is utilized to enhance environmental responsibility through resource-efficient and sustainability-driven prototype production. Finally, in the evaluation and application stage, Futures Thinking and Design for X are integrated to ensure that the final product adapt to future environmental changes and evolving societal demands, while developing sustainable improvement strategies. This integrated approach introduces a new design methodology that offers a framework for creative problem-solving and sustainability strategies in the fashion design process, addressing the complex future challenges facing fashion designers while contributing to the development of sustainable design strategies. The results of the study provide a theoretical framework that enhances sustainability in fashion design and offers a practical and educational application of future-oriented design strategies.

본 연구는 생성형 AI라는 새로운 기술을 패션 디자인의 당면 과제인 ‘지속 가능한 패션’에 적용함으로써, 실제 디자인 과정에서 어떤 가능성과 한계를 보일 수 있는지를 검토하고자 수행되었다. 먼저 챗지피티를 통 해 다양하게 축적된 텍스트 기반 지식을 바탕으로 친환경 소재·바이오 레더·재활용 소재·업사이클링·패치워 크·종이접기 기법 등 여섯 가지 테마를 도출하고, 각 테마별로 세부적인 디자인 콘셉트와 핵심 키워드를 구 체화하였다. 이후 미드저니를 활용해 설계한 텍스트 프롬프트를 입력하고 결과 이미지를 반복 생성·수정함으 로써, 물리적 샘플을 제작하지 않고도 총 60벌에 이르는 디지털 패션 컬렉션을 완성했다. 이를 통해 전통적으 로 여러 차례의 실물 샘플 제작과 패턴 수정 과정을 거쳐야 했던 디자인 프로세스를 대폭 단축하고, 시간과 비용을 절감하며, 자원 낭비를 줄일 가능성을 확인했다. 또한 챗지피티가 제공하는 풍부한 아이디어와 미드 저니의 시각화 기술이 서로 보완적으로 작용하여, 디자이너가 필요로 하는 구체적인 이미지를 빠르게 얻을 수 있었고, 이를 통해 폭넓은 창의적 의사결정이 가능했다. 다만, 퍼즐 형태나 모듈형 디테일과 같이 실제 의상 제작 시 복합적인 재단·봉제 기술이 요구되는 부분은 AI가 현실적 제약을 충분히 반영하지 못하는 한계 를 드러냈으며, 이를 보완하기 위해서는 알고리즘 정교화와 추가 학습 데이터 확보가 필요하다는 점을 확인 했다. 그럼에도 불구하고, 본 연구는 물리적 시제품 없이 AI 중심의 디지털 디자인 과정을 구체적으로 실험하 여, 전문적인 패턴 지식이나 오랜 숙련 과정을 거치지 않고도 지속 가능한 패션 기획이 가능함을 실제 사례로 입증했다는 점에서 의의가 있다. 나아가 이러한 접근은 생성형 AI를 패션 디자인 분야에서 단순 보조가 아닌 창의적 파트너로 발전시킴으로써, 향후 패션업계가 직면한 환경·경제적 요구를 동시에 충족할 수 있는 효율 적이며 실천적인 대안이 될 수 있음을 시사한다.

This study explored what possibilities and limitations the application of generative AI to the pressing challenge of "sustainable fashion" has in real-world design workflows. By leveraging the broad textual knowledge in ChatGPT, researchers identified six themes—eco-friendly materials, bio-leather, recycled materials, upcycling, patchwork, and origami techniques—and refined each into specific design concepts with key focal points. Through carefully crafted text prompts for MidJourney and the iterative generation and revision of output images, the team completed a digital fashion collection of 60 pieces without physical samples. This process demonstrated that traditional design workflows— typically involving multiple rounds of physical sample production and pattern modification—could be significantly shortened, saving time and reducing costs, which could minimize resource waste. The rich ideas from ChatGPT and the visual output of MidJourney complemented each other, enabling designers to quickly obtain concrete images and supporting creative decision-making. However, the study revealed limitations in areas that require complex cutting and sewing techniques—such as puzzle-like structures or modular details—where AI struggled to fully account for practical constraints. Addressing these gaps will require refined algorithms and expanded training data. Nevertheless, this research provides a concrete example of an AI-centered digital design process without physical prototypes, demonstrating how sustainable fashion can be planned without extensive pattern expertise or long-term experience. This approach suggests that advancing generative AI from an assistive tool to a creative partner in fashion design offers an efficient and practical alternative that meets the environmental and economic demands facing the industry.

최근 패션 이미지는 디지털 콘텐츠로 전환되어 동영상 기반의 소셜 미디어를 통해 움직이는 영상 이미지로 소비자에게 보급되고 있으며, 몸의 움직임과 의상이 관찰자에게 미치는 시각적 효과에 관한 연구가 필요하다. 본 연구는 시각적 관찰을 통한 지각과 관련된 몸, 움직임, 의복의 관계에 관한 연구로 몸과 의복의 움직임을 Moving CBC라 하고 움직임이 극대화된 댄스 의복을 중심으로 Moving CBC 형태 지각의 특수성을 고찰하였다. 이를 위해 먼저, 선행연구를 통해 신체, 움직임, 의복 관찰 체계를 알아보고, 이를 적용한 심층 인터뷰를 포함한 실험 연구로 수행하여 Moving CBC 지각의 특성이 논의하였다. 본 연구에서 도출된 Moving CBC의 지각 특성은 신체와 의복의 정지 이미지와 움직이는 이미지 간의 지각 차이와 신체와 의복의 움직이는 모양의 원리를 설명한 다. Moving CBC의 형태를 지각할 때, 실제 사물의 구조적 형태보다 움직임에 의해 발생하는 변화에 대한 주관적 인상이 형태 지각에 더 큰 영향을 미쳤다. 그리고 Moving CBC의 지각은 정지 이미지와 달리 시간성을 가진 다차원에서 지각되어, 관찰자는 자신이 처한 조건이 변화함을 인지하고 다차원적으로 바뀌는 형태 구조를 능동 적으로 명확히 파악하였다. 본 연구는 미디어 환경의 변화에 따른 시대적 상황을 반영하여 움직이는 의복의 조형적 측면을 구축하기 위한 기초 연구라는 점에서 의의가 있으며, Moving CBC의 형태 지각의 특성은 Moving CBC를 분석하고 해석하는 데 적용될 수 있다. 또한, 본 연구에서 제시된 형태 지각의 특성이 3차원적이고 역동적인 디자인 사고와 표현 방법을 사용하여 새로운 디자인을 만드는 데 활용되기를 기대한다.

This article is a study on the relationships between the body, movement, and clothing in relation to perception through visual observation. In the first part, the observation system for body, movement, and clothing was introduced; this paper applies that system in practice to investigate how these elements are perceived. This study defines the movement of the body and clothing as Moving CBC. It investigates the perception of Moving CBC forms, focusing on dance clothing where movement is maximized. An experimental study involving in-depth interviews was conducted. The perceptual system and the characteristics of Moving CBC perception were discussed. The perceptual characteristics of Moving CBC derived from this study explain the difference in perception between static and moving images of the body and clothing, and also clarify the principles governing moving shapes of the body and clothing. In perceiving the form of Moving CBC, subjective impressions of changes created by the movement of the actual object had a greater impact on form perception than its structural form, Additionally, the perception of Moving CBC, unlike that of static images, was experienced in multidimensional spaces with temporality. Observers actively recognized the changes in their own conditions and clearly identified the multidimensional, transforming structural forms. This study serves as foundational research for constructing the formative aspects of moving clothing, reflecting the temporal trends resulting from changes in the media environment. The characteristics of form perception in Moving CBC can be applied to analyze and interpret Moving CBC.

본 연구는 패션 산업에서 이미지 생성형 AI를 활용한 창의적인 디스플레이 디자인 발상 도구로서의 가능성을 모색하고자, 패션 브랜드의 쇼윈도 디스플레이 구성 요소를 도출하고, 패션 브랜드 에르메스의 쇼윈도 디스플레이 특성을 고찰하였다. 이를 기반으로 AI를 활용한 쇼윈도 디스플레이 디자인의 프롬프트 툴킷을 제안하고 에르메스의 쇼윈도 디스플레이 디자인을 분석함으로써 이미지 생성형 AI의 활용 가능을 모색하였 다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 문헌 연구를 통해 패션 쇼윈도 디스플레이 구성 요소는 감성적 요소, 시각적 요소, 공간적 요소로 도출되었다. 둘째, 패션 브랜드 에르메스의 쇼윈도 디스플레이 콘셉트를 분석한 결과, 전통과 현대의 조화, 예술적인 시도와 실험적이고 환상적인 이미지로 브랜드의 혁신성을 표현하고 있 다. 셋째, 패션 브랜드의 쇼윈도 디스플레이 디자인을 위한 프롬프트 툴킷을 개발하고 이를 기반으로 이미지 생성형 AI 미드저니를 사용해 결과물을 도출하였다. 그 결과, 원하는 디스플레이 이미지를 생성할 수 있었으 나, 보다 정교한 결과물을 얻기 위해서는 연출 방향과 테마를 명확히 제시하는 단어, 구체적인 색채 팔레트, 주요 상품 및 소품을 나타내는 명확한 키워드가 제시되어야 한다. 또한 각 구성 요소 간의 적절한 배치와 연결성을 설명하는 문구가 포함되어야 한다. 본 연구는 생성형 AI를 활용하여 패션 브랜드 디스플레이 프롬 프트를 개발하고 패션 디자인 분야에서 쇼윈도 디스플레이 아이디어 발상 및 시뮬레이션 도구로서 생성형 AI의 활용 가능성을 제시하였다는 데 의의가 있다.

This study explores the potential of generative AI as a creative ideation tool for display design in the fashion industry. It aims to identify the key components of window displays for fashion brands and examine the characteristics of Hermès’ window displays. Based on this analysis, the study proposes a prompt toolkit for AI-assisted window display design and explores the applicability of generative AI by analyzing Hermès’ display designs. The findings of this study are as follows. First, a literature review identified fashion window displays consist of emotional, visual, and spatial elements. Second, the analysis of Hermès’ window display concepts revealed a harmony between tradition and modernity, showing that the brand expresses its spirit of innovation through artistic attempts and fantastical, experimental imagery. Third, a prompt toolkit was developed for window display design for fashion brands, and based on this toolkit, images were generated using the generative AI tool Midjourney. While it was possible to generate the desired display images, achieving more refined outcomes required the inclusion of clearly defined themes and direction, specific color palettes, and precise keywords representing key products and props. Additionally, it was essential to include descriptive phrases that explain the appropriate arrangement and coherence among display components. This study is significant in that it developed AI-based prompts for fashion brand displays and demonstrated the potential of generative AI as an ideation and simulation tool for window display design in the field of fashion design.

오늘날 도시 교통 체계는 큰 수송 수단 뿐만 아니라 다양한 작은 이동 수단으로 이루어지며, 모터사이클, 전동킥보드, 전기 자전거와 같은 퍼스널 모빌리티 시장이 급성장하였다. 퍼스널 모빌리티는 개인이 단거리 이동에 사용하는 소형 전동 이동 수단을 의미한다. 퍼스널 모빌리티의 이용이 늘어남과 동시에 안전장비 미 착용이나 도로주행에 대한 시민들의 인식 미흡으로 인해 사고율 또한 늘어났다. 신체가 외부에 노출된 퍼스 널 모빌리티의 특성상 작은 사고에도 큰 부상으로 이어지는 경우가 빈번하게 발생하여 퍼스널 모빌리티 이 용 시, 보다 편리하게 착용할 수 있는 의류와 안전 제품, 나아가 이를 손쉽게 휴대할 수 있는 방안에 대한 연구가 필요하다. 본 연구의 연구 방법은 문헌 연구, 사례 연구, 작품 개발 연구로서, 학술 논문, 단행본, 온라 인 기사를 통해 퍼스널 모빌리티의 개념과 시장의 확장, 그로 인한 사회적 문제들을 살펴본다. 또한, 퍼스널 모빌리티 라이딩 재킷의 개념 및 특성을 조사하여 연구의 기초 이론을 확립하고, 시판되고 있는 라이딩 재킷 을 사례 연구한다. 퍼스널 모빌리티 이용자 7명을 대상으로 한 표적 집단 면접을 통해 소비자가 실제로 원하 는 기능과 특성을 분석한다. 분석한 결과를 바탕으로 퍼스널 모빌리티에 적합하도록 가방에서 재킷으로 변형 되는 라이딩 재킷 작품 4점을 개발연구한다. 이를 통해 퍼스널 모빌리티 이용자들이 라이딩 중에 물건을 수 납하거나 쉽게 착용할 수 있도록 안전성과 편의성을 극대화한 디자인 방향을 제시한다.

Today's urban transportation systems consist of both large-scale transit and a variety of small-scale mobility options, with the personal mobility market, including motorcycles, electric scooters, and electric bicycles, experiencing rapid growth. Personal mobility refers to small electric vehicles used by individuals for short-distance travel. As the adoption of personal mobility devices has increased, the accident rate has also risen due to factors such as failure to wear safety equipment and a lack of public awareness regarding road use. Given the exposed body while using personal mobility devices, even minor accidents frequently result in significant injuries, highlighting the need for research into more easily wearable clothing and safety products, as well as readily portable solutions for these items. This study employs methodologies including literature review, case study, and product development. Academic papers, books, and online articles are analyzed to examine the concept of personal mobility, the expansion of the market, and the associated social issues. Furthermore, the concept and characteristics of personal mobility riding jackets are investigated to establish a fundamental theoretical framework, and the cases of commercially available riding jackets are examined. Target group interviews are conducted with seven personal mobility users to analyze the functions and features that consumers genuinely desire. Based on the findings, four riding jacket prototypes, transformed from a bag and designed specifically for personal mobility users, are researched and developed. This aims to propose design directions that maximize safety and convenience, enabling personal mobility users to store belongings or wear the jacket easily while riding.