Earticle

테크니컬 디자이너는 의류제품의 기획부터 생산단계 전면에서 의류의 기술적인 부분을 담당하는 패션 스페셜리스트이다. 본 연구에서는 테크니컬 디자이너의 중요성을 알리고 국내 내수브랜드 및 미래의 테크니컬 디자이너들에게 테크니컬 디자인에 대한 기초 자료를 제공하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위하여 국내 의류수출업체에 근무하는 테크니컬 디자이너를 대상으로 테크니컬 디자이너의 업무 특성 및 자격 조건 등에 대하여 설문조사를 하였다. 국내 의류수출업체의 주요 제작 품목으로는 컷앤쏘우니트 제품이 가장 많고 그 다음이 우븐 제품으로 나타났다. 바이어와의 업무 전개에 대하여 본 연구의 조사결과 가장 높은 비율을 차지한 내용을 근거로 정리하면 다음과 같다. 바이어의 테크니컬 패키지가 의류수출업체인 벤더로 전달된 후 벤더에서는 한 개의 모델패턴을 제작한다. 테크니컬 패키지의 그레이딩 편차에 근거하여 그레이딩을 한 후 코어 사이즈로 샘플을 제작한다. 벤더 테크니컬 디자이너는 바이어와 동일한 드레스폼을 사용하여 피팅을 한다. 수정·보완된 샘플을 바이어에게 발송하면 바이어 테크니컬 디자이너는 드레스폼이나 핏모델을 사용하여 피팅을 한다. 피팅 결과에 근거하여 벤더에서는 패턴을 수정하고 프로덕션 패턴을 제작하여 공장 생산에 들어간다. 벤더 테크니컬 디자이너는 공장의 초두생산 결과를 확인한다. 테크니컬 디자이너의 업무를 분야별로 조사한 결과, 의복의 균형, 의복 구성요소의 위치, 의복 여유분에 관련된 피팅 업무가 테크니컬 디자이너의 주요 업무인 것으로 나타났다. 국내 의류수출업체에서 근무하는 테크니컬 디자이너는 전체적인 생산라인을 관리하기도 하지만 완벽한 의복을 빠른 시간 내에 제작할 수 있도록 샘플제작과 수정에 주력하는 것으로 나타났다. 테크니컬 디자이너의 자격조건으로는 피팅능력, 패턴수정능력, 영어능력, 봉제방법에 대한 지식 등이 중요한 것으로 나타났다.

A technical designer is a fashion specialist who takes charge of technological parts from design planning to production level. This research is based on the need to make the importance of technical designers better known, examine their duties and qualifications and to provide basic information for the future technical designers as well as for domestic brands. The subjects are technical designers who work for garment export companies also known as vendors. The major products of domestic garment export companies are garments made of cut-and-sew knits. The business sequence with the buyer is as follows: a vendor produces a model pattern to make a sample after a buyer’s technical package is transferred to the vendor. Most companies check the fitting with a core size sample. The technical designers of a vendor check the fitting with the same dress form as the buyer’s. The buyer checks the modified sample with a dress form or a fit model. On the basis of the fitting result, vendors adjust patterns, make production patterns and start to produce a garment at a factory. The important duties of technical designers are checking balance, positioning, and ease of garments. Therefore, technical designers who work at vendors should concentrate their efforts on sample making and subsequent adjustments in order to make complete garments in efficient manners as well as management thereof for the production of these garments. The qualifications of a technical designer include the ability to perform fitting and pattern adjustment, a good command of spoken and written English and knowledge of sewing.

현대패션에서는 전통의 요소를 응용한 디자인 연구가 활발히 이루어지고 있으나, 현대패션의 한 분야로서 웨딩드레스 영역에서는 이러한 시도가 이루어지지 않고 있다. 따라서 본 연구의 목적은 현대 웨딩드레스의 경향을 분석하고 이를 반영하는 가운데 전통 목재 떡살문양을 응용하여 국제적 감각과 한국적 미를 지니는 웨딩드레스 디자인을 개발하는데 있다. 전통 떡살문양은 전통의 모티브로서 한국적 조형미를 지니고 토착화된 우리나라 문양의 집합체이다. 특히 목재 떡살은 식물문, 동물문, 기하문, 문자문 등이 복합적으로 결합되어 통일감, 공간적 비례, 대칭적 조화, 반복에 의한 율동감 등의 조형미가 내재한다. 뿐만 아니라 역사 이래로 때마다 우리 조상들의 기원하는 마음을 담아 표현함으로써, 혼례와 같은 중요의식을 위한 의복을 표현하기에 적절한 전통적 모티브이다. 이러한 전통 목재 떡살을 이용한 현대 웨딩드레스 디자인을 개발함으로써, 한국적이면서도 국제적 감각을 지닌 전통적 모티브가 웨딩드레스 디자인에 부합될 수 있다는 가능성을 제시하였다.

Design using traditional elements has been actively studied in modern fashion. However, such attempts have not been made in the field of wedding dresses. Therefore, the objective of this study is to analyze and reflect the trends of modern wedding dresses and develop a wedding dress design with a Korean aesthetic that can be accepted internationally using Tteoksal Patterns (traditional Korean wooden rice cake patterns). Traditional Tteoksal Patterns are natural Korean patterns with a Korean as aesthetic in the form of traditional Korean motifs. Wooden Tteoksal Patterns are particularly combined with plants, animals, geometric shapes and letter patterns. Therefore, they include the beauty of unity, proportion of space, symmetric balance and a sense of rhythm by repetition. Furthermore, Tteoksal Patterns are traditional motifs appropriate for clothing for important ceremonies such as weddings because it symbolizes expression of good wishes to Korean ancestors from the beginning of time. By developing a wedding dress design with the use of these Tteoksal Patterns, this study suggested that it is possible for traditional Korean motifs to be used in wedding dresses to create internationally pleasing designs.

본 연구의 목적은 제레미 스캇 패션 디자인의 가장 두드러진 특성인 유희성을 분석하는데 있다. 연구 방법 및 범위는 유희성에 관한 선행연구와 국내외 패션 관련 문헌자료 등을 통해 유희의 개념과 유형, 현대 디자인에 나타난 유희성, 그리고 제레미 스캇의 작품세계와 콜래보레이션을 살펴본 다음, 제레미 스캇이 본격적으로 자신의 컬렉션과 아디다스와의 콜래보레이션 컬렉션(Jeremy Scott X adidas)을 진행한 2005 S/S 시즌부터 2012 S/S 시즌까지의 여성복 디자인에 나타난 유희성을 분석하였다. 제레미 스캇의 패션 디자인에 나타난 유희성을 분석한 결과, 형태의 변형, 유아적 모티브의 차용, 이질적인 오브제의 사용, 그래피티의 활용 등으로 요약되고, 그 구체적인 내용은 다음과 같다. 첫째, 형태의 변형은 상식을 벗어나 의복을 왜곡하거나 신체의 일부를 과장, 초현실주의의 기법을 통한 착시, 의도적인 미완성, 의복의 어느 한부분이나 특정한 곳을 과장하거나 비대칭, 기존의 착장 방식을 부정하는 형태 등으로 나타나 반전의 재미를 추구한다. 둘째, 유아적 모티브의 차용은 아이들이 좋아하는 초콜릿 바, 인형 등의 도입, 팝 아트적인 요소가 가미된 디자인 그리고 장난스러운 캐릭터의 활용으로 나타나 해학과 즐거움을 제공한다. 셋째, 이질적인 오브제의 사용은 액자, 쓰레기통, 시계, 총알, 커튼레일, 프로펠러, 모델을 형상화한 인공 판넬 등 일상생활에서 다른 용도로 쓰는 오브제를 본래의 기능에서 벗어나 엉뚱한 위치에 전환시킴으로써 놀라움과 의외성으로 인해 웃음과 즐거움을 준다. 넷째, 그래피티의 활용은 다양한 디지털 색채와 낙서와 같은 장난스러운 그래피티의 활용을 바탕으로 제레미 스캇만의 익살스럽고 유머러스한 문구, 레터링 기법 등이 더해져 독특한 재미를 유발한다.

The purpose of this study is to analyze the element of fun in fashion design by Jeremy Scott, the most remarkable quality of the designer’s products. The method and range of this research is as follows. After we examined the concept of fun, the characteristic of fun expressed in modern design, and collaborations by Jeremy Scott through literary research of precedent studies on the element of fun, and domestic and international documentary materials related with fashion, we analyzed the element of fun represented in women’s dress designs from 2005 S/S to 2011~12 F/W. Jeremy Scott’s collaboration collection with Adidas from 2009 S/S to 2012 S/S were included, too. The results are as follows. First, there was transformation of form, Jeremy Scott seeks the fun of turning things around by distorting clothes beyond common sense, exaggerating some parts of the body, making an optical illusion through surrealist techniques and denying existing methods in a creative way. Second, the use of infant motifs presents humor and pleasure through elements such as ice-cream, dolls and so on and using design flavored with pop-art and mischievous characters. Third, the use of heterogeneous objects offers laughter and pleasure because objects used for different purposes in daily life such as artificial panels in the shape of a frame or a propeller and a model were placed in unexpected locations. Finally, the use of graffiti provides unique fun by employing a wide range of digital color and mischievous graffiti such as scrawling and comical phrases using the lettering method.

본 연구의 목적은 기존의 서커스에서 탈바꿈한 태양의 서커스(Cirque Du Soleil)에 나타난 캐릭터 분장의 미적 특성을 알아보는 것에 있다. 태양의 서커스는 최첨단 기술과 함께 드라마 형식을 도입하여 예술적 가치혁신과 인간의 감성과 이성적 감각의 자유로운 표현을 무언극을 통한 스토리 텔링 공연이다. 마임형식으로 전개되는 공연에는 연극, 무용, 의상디자인, 조명, 음악, 분장 등과 같은 타예술장르와의 융합을 통한 곡예의 예술성과 서커스의 표현 영역을 확장한 새로운 형태의 공연 양식을 창조해내었다. 이러한 공연예술의 캐릭터는 공연분장을 통해 인물의 개성과 정체성을 드러내며 캐릭터의 감성과 몰입을 관객에게 전달해주고 있다. 태양의 서커스는 공연분장을 통해 드라마적 극적 상황과 인물의 묘사를 의상과 함께 극중 인물 이해를 돕는 커뮤니케이션 도구로서 활용되고 있으며 공연의 예술 미적 가치를 높여주고 있다. 태양의 서커스분장은 현실에서 벗어난 놀라움, 환멸을 불러일으키는 유희적이고 연극적인 인물분장이 이외적인 미감을 주며, 무한한 상상력의 표출로 전위적인 이미지로 시각적 충격을 주며, 그리고 타문화적 코드를 절충시킨 새로운 신비감으로 시각적 예술을 창출해내여 관객에게 심미적인 경험으로 이끌고 있음을 알 수 있었다. 연구범위는 세계적 수상작을 중심으로 순회공연 4작품 , 드랄리온(Dralion: 국제서커스 페스티발 은메달, 2003), 바레카이(Vraekai: 렐리상, 2005), 알레그리아(Alegria: 세계금메달, 2003), 퀘담(Quidam: 세계은메달, 2000), 4작품과 상설공연 미스테르(Mystère: 디지털 할리웃상, 1995), 오(O: 금메달, 2004) 2작품, 아레나 공연 살팀방코(Saltimbanco: 종합예술상, 2005) 1작품 총 7작품을 선별하여 분석하였다.

The aim of this study is to look into the aesthetic characteristics of characters’ make-up in “Cirque du Soleil,” which is a big change from the existing circus. “Cirque du Soleil” is a sort of storytelling performance in which free expressions of innovation in artistic value, human beings’ emotions and rational senses are used through a pantomime by introducing a form of drama together with cutting-edge technology. The performance, which is developed in the form of pantomime, is a new form of performance mode which expands the artistry of acrobatics and the realm of circus expressions through fusion with other genres of art like theatric art, dance, costume design, lighting, music and make-up. The characters in such performing arts expose their personality and identity through performance make-up and convey their emotions to the audience. “Cirque du Soleil”, uses performance make-up as a communication tool which helps audiences understand a character in a play, a dramatic situation, and description of characters, together with costume, and also enhances the artistic value in performing art. This study, throughout its research, was able to perceive that the make-up in “Cirque du Soleil” provides an element of surprise as its escapes from reality; and the sporty, theatric character make-up, which evokes disillusion, gives an unusual sense of beauty; its display of infinite imagination and avant garde image give a visual shock, and the make-up leads audiences into an aesthetic experience by creating visual art using a new mystique of an new cultural code. As for the research scope, this study, with focus on worldwide award-winning works, selected and analyzed of a total of 7 works.

르네상스를 지배한 인본주의 사고는 다양하고 심도있게 미술에 전환되어 고도의 정신성과 철학적인 사유를 요구하는 도상해석학의 출현을 보게 했으며 이는 르네상스시대의 복식에 대한 내재적 가치를 해석하는데 유용한 시각을 제공한다. 근세 르네상스시대의 개막과 함께 나타난 궁정문화와 유행으로서의 패션은 밀접한 관련성을 가진다. 특히, 르네상스시대의 복식의 표현양상은 근대 이후의 서양복식의 미적 표현형식의 원천이 되었으며 현대적 복식 개념으로서 개체성을 부여하였다. 이 같은 관점에서 르네상스시대 복식의 미적 표현양상은 여타 예술과 사회적 상황의 전개에 상응하여 전환적인 혁신의 경향을 띠고 있다. 본 연구는 르네상스시대 궁정복식의 의미와 표현에 있어서 파노프스키의 분석이론 범주를 도입하여 복식에 대한 예술과 문화사적 해석의 계기를 마련하고, 그 의미구조와 상징가치를 이론적으로 해석하였다. 또한 각 요소들의 논증을 토대로 파노프스키의 도상해석학에서 제공하는 이론의 범주를 대입하여 형식적, 주제 요소들을 통해서 그 내적 의미인 복식의 상징적 가치를 해석하였다.

Renaissance humanism has submerged deeply into many areas of the arts and led to iconological interpretations which has imposed sophisticated Zeitgeist and the intellectual landscape of philosophy to Renaissance dress. This gives us a useful point of view for interpreting the intrinsic meaning and symbolic value of Renaissance dress. Fashion was closely linked to the magnificent courtly display of royal authority from the beginning of the modern Renaissance. Renaissance dress was particularly interpreted from a neoplatonic perspective as the essential first step on the path to divinity and can be seen as manifestations of the neoplatonic concept of ideal external beauty linked to inner virtues. From this perspectve, the lavish exterior of Renaissance dress had distinguishing and revolutionary features in accordance with other areas of the arts and social phenomena. The purpose of this study is to analyze and interpret the intrinsic meanings and symbolic value of Renaissance dress through Panofsky’s iconogical interpretation based on social and cultural symptoms and artistic features which reflect the Zeitgeist. On the basis of argumentative demonstration, this paper will offer and propose one of the sublime aesthetic values of dress through Panofsky’s details.

본 연구의 목적은 2000년 이후 패션컬렉션에 나타난 실험적 디자이너의 표현특성을 분석하여, 디자이너들 간의 실험적인 작품의 공통성과 차이성을 비교 연구하고, 창의적이고 혁신적인 디자인의 표현에 응용할 수 있는 디자인 자료를 얻는데 있다. 연구방법은 이론적 고찰과 패션컬렉션 사진을 바탕으로 사례 분석하였다. 연구범위는 2000년부터 2012년까지 창의적이고 실험적인 정신이 강하게 나타난 디자이너 빅터 앤 롤프, 후세인 샬라얀, 알렉산더 맥퀸으로 한정하였다. 연구결과 빅터 앤 롤프의 작품에 나타난 표현특성은 기발한 아이디어에 완벽한 쿠튀르적 테크닉을 접목시킨 독창적인 디자인, 위트와 유머가 있는 역설적인 표현, 과장·왜곡·초현실주의적인 표현, 파격적인 퍼포먼스 등으로 분석되었다. 후세인 샬라얀의 작품에 나타난 표현특성은 개념적인 것을 시각화시킨 디자인, 디자인의 변형과정 전개의 디자인화, 뉴 테크놀로지와의 접목, 혁신적인 퍼포먼스 등으로 분석되었다. 알렉산더 맥퀸의 작품에 나타난 표현특성은 구조적 테일러링과 혁신적인 커팅의 파격적인 디자인, 상반된 요소의 공존과 혼합의 하이브리드, 낭만적 그로테스크, 서사적인 퍼포먼스로 분석되었다. 이들은 서로 다른 표현방식을 사용하지만 고정관념을 탈피한 디자인, 다양한 실험적인 조형기법, 다른 영역과의 하이브리드 시도, 환경적·문화적 요소의 접목, 아트 프로젝트나 혁신적인 퍼포먼스 패션쇼 등의 공통되는 표현 특성을 갖고 있었다. 이처럼 2000년 이후 패션컬렉션에 나타난 실험적 디자이너의 표현특성은 획일적이지 않은 혁신적인 시도와 다각적인 접근을 통해 다양한 의미를 전달하고 있으며, 패션의 한계점을 벗어나 영역을 확장시키고 있으며, 다른 디자이너들에게 많은 영감을 미치고 있어 현대패션을 더욱 발전시키고 있다고 사료된다.

The objective of this study is to present design materials that may lead to applications in creative design through a comparative analysis of expressive characteristics from the designers who have attempted many experimental things in their fashion collection since 2000. Theoretical reviews and analysis was conducted using fashion collection photos. The subjects of the study were fashion collections by Viktor & Rolf, Hussein Chalayan and Alexander McQueen, depicting strong creative and experimental minds from 2000 to 2012. The outcomes of analysis of the designer’s expressive characteristics was as follows. First Viktor & Rolf developed unique designs and combined perfect techniques of haute couture with extraordinary ideas. Their works expressed things such as a humorous paradox, exaggerated and distorted surrealism and preposterous performances. Hussein Chalayan designed visually conceptual items. He showed the a transformation process in design and attempted to combine fashion with technology. Also, he presented innovative performances. Last, the expressive characteristics that appeared in the designs of Alexander McQueen were structured tailoring and unconventional designs using innovative cutting. His design showed the coexistence of two opposing points and hybrids and expressed a romantic grotesque feel. He provided narrative performances. The designers showed new creative and expressive characteristics through their works. Furthermore, their designs broke stereotypes in different ways and they presented various modeling techniques and attempt hybrids between fashion and other fields. Integration of environment and culture, art project and innovative performance were also common expressive characteristics. In summary, the experimental costumes presented at the fashion collections since 2000 attempt unstandardized innovation, express diversified meanings via many different ways, expand into other areas by pushing the envelope and fostered modern fashion by providing inspiration for other designers.