Earticle

본 연구는 코카콜라와 드레스엑스가 협업한 증강현실 속 패션에 적용된 데페이즈망 기법 연출에 의한 스 토리텔링의 확장성에 대한 양상 분석을 통해 증강현실과 패션이 결합한 컬래버레이션의 가치를 살펴보는 데 그 목적이 있다. 연구 방법으로 증강현실의 개념과 특징, 증강현실 속 스토리텔링의 특징, 데페이즈망의 개념, 르네 마그리트 작품에서의 데페이즈망 기법 분류 및 특징에 대해 살펴보았다. 이를 바탕으로 코카콜라 와 드레스엑스의 패션 컬래버레이션 사례 고찰을 위해 구글 포털에서 관련 기사를 조사하고, 출시된 6종의 디자인에 나타난 데페이즈망 연출 특성을 파악하였다. 또한, 스토리텔링 양상의 분석을 위해 스냅챗과 틱톡 에 업로드된 드레스엑스 한정판 NFT 패션으로 출시된 드림월드 패션 시리즈를 경험한 사용자들의 체험 영상 을 수집하였다. 수집된 영상을 스토리텔링의 6가지 구성 요소를 기준으로 분석한 결과 첫째, ‘인물’은 증강현 실과 데페이즈망 기법을 연출을 통해 사용자의 몰입감을 증대시켰다. 둘째, ‘설정’은 사용자의 환경을 반영해 스토리 배경을 다양화했다. 셋째, ‘플롯’은 비선형적 스토리 전개로 사용자가 예상치 못한 호기심을 유발했다. 넷째, ‘테마’는 아이템별로 제공되는 몰입 경험이 강조시켰다. 다섯째, ‘관점’은 데페이즈망 연출로 사용 자의 주관적 관점을 강화했다. 여섯째, ‘톤’은 사용자 감정과 경험을 반영하여 경험의 개별적 다양성을 제공 했다. 코카콜라와 드레스엑스의 패션 컬래버레이션은 증강현실 속 패션과 데페이즈망 기법 연출의 결합을 통한 확장된 스토리텔링의 경험을 제공하여 패션과 기술의 결합이 어떻게 산업 간 패션 컬래버레이션으로 새로운 가치를 창출하는지를 보여주는 대표적인 예시로, 패션 산업의 미래 방향과 가능성을 제시하고 있다는 것을 알 수 있었다. 이에 본 연구는 증강현실 속의 패션에 관한 새로운 연구 방향 및 실무적 접근 가능성을 제공하고 다양한 산업과의 컬래버레이션을 통한 패션의 가능성을 한층 넓히는 데 초석이 되리라 기대한다.

This study examined the integration of augmented reality (AR) with fashion, focusing on the collaboration between Coca-Cola and DressX, which utilizes storytelling enhanced by the dépaysement technique. We delved into AR's application in fashion, storytelling within AR, the concept of dépaysement, and its manifestation in René Magritte's artworks to analyze the collaboration. Our methodology involved reviewing scholarly articles on AR and dépaysement, alongside analyzing user experience videos from the Dreamworld Fashion Series—limited edition NFTs showcased on Snapchat and TikTok. For the analysis of storytelling, its six components were considered: characters, setting, plot, theme, perspective, and tone. Characters were enriched through AR, enhancing user immersion; settings varied while mirroring users' environments; plots offered non-linear, curiosity-driven experiences; themes emphasized deep immersive experiences unique to each fashion item; perspectives provided personalized views through a network of interconnected narratives; and tones were adjusted to reflect individual user emotions, ensuring a tailored experience. The findings illustrate how AR and dépaysement in fashion, through sophisticated storytelling and innovative techniques, present new avenues for the fashion industry. Such collaboration not only demonstrates the potential of cross-industry partnerships to redefine the conventional fashion narrative but also points toward future possibilities for AR in fashion. It suggests paths for ongoing industry evolution and potential new areas for research. This study outlines practical applications and future directions for expanding the boundaries of fashion through innovative collaborations, establishing a foundation for further exploration into augmented storytelling in fashion.

본 연구는 현대패션에 나타난 가변성 디자인의 유형과 표현 방법을 분석하고 이를 적용한 가변성 패션디 자인을 패션 3D 모델링 프로그램을 활용하여 개발 및 제작함으로써 가변성 패션디자인에서 3D 모델링 기술 의 가능성을 파악하는 데 목적을 두었다. 이론적 배경에서는 문헌 연구를 통해 패션 3D 모델링 프로그램과 가변성 디자인의 개념을 탐구하였으며, 가변성 디자인을 분석한 선행연구를 고찰하여 가변성 디자인의 특성 을 도출하였다. 가변성 패션디자인 사례연구를 위해 6개의 패션 브랜드를 선정하고, 2020 S/S부터 2023 F/W 까지 4년간의 컬렉션에 나타난 가변성 디자인을 분석하여 가변성 패션디자인의 유형과 표현 방법을 도출하 였다. 본 연구의 결과로서 패션 3D 모델링 프로그램 중 ‘CLO’를 활용하여 가변성 패션디자인 2점을 개발하 였다. 이를 위해 첫째, 오버사이즈 재킷과 와이드 팬츠 디자인을 개발하고, 둘째, 이를 분리, 조합, 교체하는 실험을 통해 32점의 가변성 패션디자인을 개발하였으며, 셋째, 이중 재킷 6점과 팬츠 6점의 디자인을 최종 선정하고, 다양한 스타일링이 잘 구현될 수 있도록 구체적인 사항을 적용한 최종 작품 2점을 완성하였다. 이때, 가변성의 유형 중 ‘의복-의복’ 가변과 위치 변경, 개방과 폐쇄, 탈부착 등의 표현 방법을 적용하였으며, 가변성의 특징 중 기능성, 이동성, 조립성, 구조성, 접이식, 사용성 등을 추구하였다. 마지막으로, 개발된 가변 성 패션디자인의 다양한 스타일링을 조명, 배경 등을 고려한 환경에 배치하고, 이를 3D 렌더링하여 제시하였 다. 본 연구는 가변성 패션디자인을 개발함에 있어 3D 모델링 프로그램을 활용함으로써 창의성 구현의 새로 운 방법을 모색했다는 점에서 학술적, 산업적으로 기여하는 바가 있다.

The purpose of this study was to understand the potential of 3D modeling technology in the field of variable fashion design through an analysis of the various forms and expressive techniques used in contemporary fashion, as well as the development and production of variable fashion design using a 3D modeling application. The concept of variable design was investigated within the theoretical framework through a review of the literature, and the characteristics of variable design were derived from a review of previous studies on variable design. For a case study on variable fashion design, six fashion labels were chosen, and by examining the variable designs shown in the four-year collections from 2020S/S to 2023F/W, the types and expressive methods of variable fashion design were determined. Two variable fashion designs were created using "CLO" as a result of this investigation. First, an oversized jacket and a wide-leg pant design were created. Second, by experimenting with their separation, merging, and replacement, 32 variable fashion designs were created. Third, the final two pieces incorporating particular details were finished, allowing for the effective implementation of different styling after the design of six jackets and six pants was ultimately chosen. As for the types of the variable, expressive techniques such "clothes-clothes" variability and position change, opening and closing, and detachability were used. In addition, among the features of the variable, functionality, mobility, assembly, structure, folding, and usability were explored. Ultimately, various iterations of the produced changeable fashion design were rendered in three dimensions and positioned in a setting that took background and lighting into consideration. By looking for a novel approach to applying creativity through the use of 3D modeling software in the creation of variable fashion design, this study contributes to both academia and industry.

디지털 기술 발달로 정보의 소통방식이 발전하고 패션 브랜드에 대한 접근이 용이해져 패션 브랜드의 커뮤니케이션 방식이 확장되고 있다. 메이킹 필름은 다양한 콘텐츠와 표현 방식을 통해 단순한 제품 소개를 넘어 브랜드의 비하인드 스토리와 실질적인 의상 제작 과정을 공개하고 있다. 특히 하이엔드 패션 브랜드는 메이킹 필름을 통해 브랜드의 아이덴티티를 보여주는 높은 퀄리티의 작업 공정과 새로운 개발을 통해 브랜 드 가치와 현장감을 전달하고 있다. 이에 본 연구는 하이엔드 패션 브랜드의 의상 제작 과정을 살펴봄으로써 메이킹 필름의 역할을 알아보고자 하였다. 연구범위는 유튜브 공식 사이트에 메이킹 필름을 업데이트한 브랜 드인 디올, 샤넬, 발렌시아가, 프라다, 이리스 반 헤르펜을 선정하였다. 위 5개의 브랜드의 메이킹 필름에 나 타난 의상 제작 과정에 담긴 내용을 디자인 발상, 일러스트레이션과 패턴 메이킹, 외부 공방이나 아티스트와 의 협업 과정, 소재와 모티프 개발, 봉제와 자수 기법, 모델 피팅과 수정 과정, 런웨이 최종 완성본까지 7가지 로 분류하였다. 각 브랜드별 의상 제작 과정을 보여주는 메이킹 필름의 명칭, 영상의 내용 구성, 표현 방식에 는 차이가 나타났다. 메이킹 필름의 역할은 첫째, 의상 제작 과정을 통하여 브랜드의 노하우를 전달하고 장인 정신을 강조한다. 둘째, 브랜드의 스토리텔링을 통하여 브랜드의 미학과 예술적 가치를 부각한다. 본 연구는 하이엔드 패션 브랜드의 아이덴티티를 담은 의상 제작 과정의 메이킹 필름을 통해 메이킹 필름의 역할과 중요성을 고찰하였다는 데 의의가 있다.

The development of digital technology is witnessing the expanded communication channels of fashion brands, improving information communication methods and making access to fashion brands easier. Production process films go beyond simple product introduction and open up the brand's behind-the-scenes story and actual clothing production process through a variety of content and expression methods. The dynamic image of fashion through production process films conveys the brand’s value and sense of presence. In particular, high-end fashion brands are conveying their brand values and identities with a sense of presence through production process films featuring high-quality work processes and new developments. Accordingly, this study sought to investigate the role of production process films by examining the clothing production process of high-end fashion brands. The scope of the study was Chanel, Dior, Balenciaga, Prada and Iris van Herpen, which are brands that updated their production process films on YouTube's official site. In this study, the content of the clothing production process shown in the production process films of 5 brands were analyzed: design idea, illustration and pattern making, collaboration process with external workshops or artists, material and motif development, sewing and embroidery techniques, model fitting and modification, and the final runway, which are classified into 7 categories. There were differences in the titles of the production process films that showed the clothing production process for each brand, the content structures of the videos, and the methods of expression. The role of the production process film is, first, to convey the brand's know-how and emphasize craftsmanship through the clothing production process. Second, the aesthetics and artistic value of the brand are highlighted through brand storytelling. This study is meaningful in understanding the role and importance of production process films by examining those that convey the clothing production process, containing the identity of high-end fashion brands.

본 연구는 현재 온라인에서 판매되는 전통신발 제품의 현황을 살펴보고 발전 방향을 제시하기 위해 9개의 쇼핑몰을 대상으로 제품 이미지 총 595장을 수집하여 유형 및 특성을 살펴보고 한계점을 파악하였다. 전통신 발 제품의 디자인은 여성화로 당혜, 수혜 유형이 있었고, 남성화로 태사혜, 흑혜, 녹피혜, 목화 유형이 있었다. 수혜 유형은 전체 문양과 부분 문양 디자인으로 나누어졌고, 당혜 유형은 단색 또는 배색 디자인으로 구분되 었다. 태사화 유형은 전통신발보다 앞코 배색 부분이 넓고 태사문이 작았으며, 흑혜 유형은 블랙 컬러의 융이 나 인조가죽 소재를 사용해 배색 스티치, 파이핑을 넣었다. 녹피혜는 흑혜 형태에서 가죽의 소재 차이만 주었 으며, 목화 유형은 넓은 몸통 둘레를 줄여 실용성을 높였다. 그러나 온라인 쇼핑몰 9곳에서 판매되는 모든 제품들은 디자인과 품질이 매우 유사하여 제품 다양성의 부족이 가장 큰 문제로 판단되었으며, 전체적인 형 태뿐만 아니라 소재, 컬러, 절개선, 스티치, 문양 등의 디테일도 모두 서로 동일했다. 같은 제품이 가격 차이가 있거나 굽이나 컬러의 옵션 선택에서 품질에 차이가 있어 정확성과 일관성에 대한 검토가 필요하였다. 또한, 제품명이 부정확하게 표기되거나 서로 통일되지 않았고, 전통문양과 무관한 패턴이 사용되거나 문양의 명칭 이 정확하지 않아 전통복식에 대한 올바른 이해를 바탕으로 제품이 개발될 필요가 있었다. 연구대상의 제품 들은 주로 합성피혁과 폴리에스테르가 사용되어 불편함과 실용성이 부족한 단점이 있었으며, 대부분의 제품 이 화려한 컬러나 문양으로 디자인되어 일상적으로 착용하기에 부담이 있었기 때문에 한복뿐만 아니라 평상 복에도 착용 가능하도록 폭넓게 개발하여 전통신발의 소비 시장을 확대할 필요가 있을 것이다.

This study examined the product types and characteristics of 9 traditional shoes online shopping malls and identified their limitations. The total number of product images collected was 595. As for the design of traditional shoe products, there were Danghye, Soohye types as women’s shoes, and Taesahye, Heukhye, Nokpihye, and Mockhye types as men’s shoes. The Soohye type was divided into the full and partial pattern designs, and the Danghye type was categorized into single or multi colored design. The front nose color part of the Taesahye type was wider than that of traditional shoes, and the Taesamoon pattern was smaller. The Heukhye type was made of black velvet or artificial leather with colored stitching and piping. Nokpihye only differed in leather material from the Heukhye, and the Mockhye type had smaller body circumference compared with traditional shoes to increase practicality. However, all products sold at the online shopping malls were very similar in design and quality, so the lack of product diversity was judged to be the biggest problem. Not only the overall shape but also the details of material, color, cut line, stitch, and pattern were all the same. As the same product had a difference in price or quality depending on heel or color options, a review of accuracy and consistency was necessary. Due to the incorrectly marked or non-standardized brand names, patterns irrelevant to the traditional ones or misleading pattern names, there is a need to develop products based on a proper understanding of traditional shoes. The traditional products mainly used synthetic leather and polyester, which had the disadvantage of inconvenience and lack of practicality. And most of the products were designed with flash colors or patterns, making them impractical for daily wear. Therefore, it will be necessary to try to expand the consumption market of traditional shoes by widely developing them so that they can be worn not only for Hanbok but also for daily wear. This study holds significance in examining the sales trends of traditional Korean shoes and seeking directions for improvement to activate consumption.

한국의 문화에 대한 세계적인 관심이 집중되고 문화상품에 대한 소비는 나날이 늘어가고 있다. 하지만 국내의 박물관과 미술관의 스카프 문화상품군은 대부분 전통 회화를 이용한 상품으로 다양성이 부족하고 디자인이 한정적이다. 따라서 본 논문에서는 한국에서 중요한 의미를 지닌 전통 건축물의 문살을 주제로 현 대적 감성을 지닌 스카프를 디자인하여 기존의 스카프 상품들과 차별화된 고부가가치 상품을 제안하고자 한다. 이를 위하여 한국의 전통 문살에 대해 문헌 고찰과 미술관, 박물관 고궁 등에서 다양한 이미지 자료를 수집하였고, 그중 12개의 이미지를 선별하여 디자인을 진행하였다. 전통 문살의 패턴을 그대로 사용하거나 변형하여 재조합하는 등의 디자인 과정을 통해 5종의 11점의 스카프를 완성하였다. 각 스카프는 2~3개 이상 의 컬러웨이를 진행하였고, 다양한 실크 소재 및 사이즈로 제작되었다. 디자인된 스카프는 어도비 일러스트 레이터를 활용하여 모두 도안하여 2배수 이상의 색상을 샘플 제작한 후 전문가 3인에 의해 상품성을 평가를 진행한 후 최종 제품을 선정하여 생산하였다. 스카프는 디자인에 따라 DTP와 실크스크린을 통해서 제작하였 으며, 상품성이 높게 평가된 제품은 대량생산에 유리한 실크스크린 제작을 하였다. 그 후 상품촬영과 모델 착용 촬영까지 진행하여 상품성을 높이고자 하였다. 전통 문살을 통해 문화상품 디자인 모티프를 다양화하고 이를 그래픽적으로 리드로잉하고 변형, 합성하는 방법으로 현대적인 감각을 부여하여 전통과 현대를 잇는 새로운 상품으로 가능성과 가치를 재조명해 보고자 하였으며, 새로운 문양 개발의 가능성을 모색하는 기회가 되기를 바란다.

Global interest in Korean culture is widely growing. Now the consumption of cultural products is increasing day by day. However, as for the cultural product groups in domestic museums and art galleries, especially most of the scarf design motifs originated from traditional paintings, which lack diversity and have limited designs. Therefore, this paper proposes a high value-added product differentiated from existing scarf products by designing a scarf with a modern sensibility under the theme of various traditional Munsal(lattice pattern) in traditional buildings that have an important meaning in Korea. To this end, various image materials on traditional Korean Munsal were collected from literature review, art galleries, museums, and palaces and 12 images were selected and designed. Five types of 11 scarves were completed through a design process such as using or modifying the traditional pattern of the Munsal as it is and recombining it. The scarf is made of 2, 3 or more colorways and various silk materials and sizes. The scarf was designed using Adobe Illustrator to sample more than twice the number of colors. After evaluating the merchantability by three experts, it was finally selected and produced. The scarf was produced through DTP and silk screen according to the design, and the latter was done for products with high marketability, which is advantageous for mass production. After that, product photography and model wearing were carried out to enhance the product quality. Through traditional Munsal, it tried to diversify cultural product design motifs and give them a modern sense by graphically redrawing, transforming, and synthesizing them. It will be an opportunity to explore the possibility of developing new patterns.

럭셔리 패션 브랜드는 소비시장에서 디지털 세대의 증가로 인해 더욱 복잡하고 다각화된 환경에서 브랜드 아이덴티티를 구축하기 위해 디지털 커뮤니케이션을 확장하는 한편 예술화를 적극적으로 활용함으로써 브 랜드의 문화자본을 확보하고 브랜드 가치를 높이고자 한다. 이에 럭셔리 패션 브랜드는 예술화 전략의 일환 으로서 패션 크리에이티브 디렉터에게 예술가로서의 페르소나를 부여한다. 본 연구의 목적은 럭셔리 패션 브랜드의 예술화 전략의 일환으로서 크리에이티브 디렉터의 예술가로서의 페르소나 사례에 대해 살펴보고, 이를 피에르 부르디외 문화자본의 관점에서 논의하는 것이다. 연구 대상은 문화예술재단 운영을 통해 지속적 으로 예술화를 활용하는 샤넬, 디올, 구찌, 루이 비통, 프라다, 생 로랑에 소속되어 있으며 럭셔리 패션 브랜드 에서 예술을 전략적으로 활용하기 시작한 1980년대를 기준으로 이후에 활동한 크리에이티브 디렉터로 한정 하였다. 연구방법은 패션 디자이너의 예술가로서의 페르소나에 대한 사적고찰 및 럭셔리 패션 브랜드의 예술 화에 관한 문헌연구를 바탕으로 럭셔리 패션 브랜드의 예술화 목적의 유형을 나누었다. 이에 따라 나타나는 크리에이티브 디렉터의 예술가로서의 페르소나 사례를 분석한 후, 부르디외의 문화자본 관점에서 논의하였 다. 연구결과는 다음과 같았다. 첫째, 예술가로서의 지위에 대한 정당성을 부여하기 위해 크리에이티브 디렉 터가 직접 예술 작품을 제작하거나 예술가와 협업하여 예술품을 만들었다. 둘째, 크리에이티브 디렉터는 예 술후원자로서 엘리트적 지위를 입증하기 위해 예술품을 수집하고 이를 대중에게 공개하거나 문화예술을 후 원하였다. 셋째. 크리에이티브 디렉터의 희소성을 보증하기 위해 럭셔리 패션 브랜드는 회고전을 개최하거나 다큐멘터리 형식의 패션필름을 제작하였다. 이와 같은 크리에이티브 디렉터의 예술가로서의 페르소나는 부 르디외의 문화자본 관점에서 보았을 때, 그들이 소속된 럭셔리 패션 브랜드에 문화자본을 축적하고 전이하기 위한 예술화 전략으로 이해할 수 있다. 특정 시기의 여러 브랜드의 크리에이티브 디렉터의 사례를 분석한 횡적연구인 본 연구의 후속연구로 특정 브랜드의 크리에이티브 디렉터의 예술가적 페르소나에 관한 사적고 찰을 통한 종적연구를 제안한다.

Luxury fashion brands strategically leverage artification and digital communication to accrue cultural capital and elevate brand values within the evolving landscape shaped by the digital generation. This study delves into the practice of according fashion creative directors an artist’s persona, a key element of the broader artification process employed by luxury fashion brands. Grounded in Pierre Bourdieu's Cultural Capital Theory, the research scrutinizes the cases of creative directors active since the 1980s at renowned houses such as Chanel, Dior, Gucci, Louis Vuitton, Prada, and Saint Laurent. A nuanced literature review categorizes the distinct artification purposes of luxury fashion brands. An analysis on the creative director's artistic persona within this framework reveals three primary strategies: production or collaboration in the creation of artworks, public showcasing of artistic patronage, and the cultivation of exclusivity through retrospective exhibitions or documentary fashion films. In essence, the creative director's persona as an artist emerges as a deliberate aspect of luxury fashion brands' artification, serving as a means to amass and transfer cultural capital in alignment with Bourdieu's Cultural Capital Theory

현대 패션계는 미디어의 발달로 인해 패션 필름과 같은 새로운 형식의 커뮤니케이션 도구를 이용하여 소비자들과 빠르고 밀접한 소통을 하고 있다. 미디어화와 관련이 있는 이 현상은 패션 브랜드로 하여금 소셜 미디어를 통한 커뮤니케이션의 중요성을 알고 자체적으로 제작한 필름, 이미지 등의 콘텐츠를 통해 소비자들과 소통하도록 요하고 있다. 이전 패션계에서 보지 못했던 실험적인 콘텐츠를 통해 자신만의 브랜드 이미지 와 가치를 전달하는 발렌시아가는 유튜브와 인스타그램과 같은 소셜 미디어를 통해 주기적으로 패션 필름을 업로드하며 소비자들과 소통하고 있다. 본 연구는 최근 증가하고 있는 럭셔리 패션 브랜드의 패션 필름이 브랜드 커뮤니케이션의 중요한 역할을 한다는 것에 주목하고, 미디어화의 관점에서 발렌시아가의 패션 필름 이 어떠한 양상으로 표현되고 있는지 그 특성에 대해 고찰하였다. 연구 방법은 문헌연구와 사례연구를 병행 하였다. 문헌연구를 통해 패션 필름의 개념과 패션 영역에서의 미디어화에 대해 고찰하고, 발렌시아가의 커 뮤니케이션 경향에 대해서도 분석하였다. 이를 바탕으로 유튜브에 있는 발렌시아가 패션 필름의 특성을 분석 하였다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 발렌시아가는 이전에 패션의 영역에서 볼 수 없었던 혁신적인 하이 테크놀로지를 접목시켜 패션 필름을 통해 소비자들에게 새로운 경험을 제공한다. 둘째, 발렌시아가는 패션 필름에 사회, 정치, 문화적 이슈에 대한 브랜드의 입장을 전달하고 소비자들의 참여를 유도한다. 셋째, 발렌 시아가는 소셜 미디어의 특성을 잘 이해하고 활용하여 패션 필름을 제작하고 소비자들과의 소통 방식을 컨 트롤한다. 넷째, 발렌시아가의 패션 필름은 난해하고 실험적인 시도를 통해 모순과 도발을 의도적으로 디자 인하며 브랜드의 팬덤과 외부인을 구별하는 역할을 한다. 본 연구는 패션에서의 미디어화가 이루어지는 이 시점에 디지털 및 팬데믹 시대의 새로운 패션 미디어인 패션 필름이 커뮤니케이션 도구로서 가지는 특성을 밝히고 자료를 제공한다는 데 도움이 될 것이라 사료된다.

Recently, the fashion industry has been utilizing new forms of communication tools such as digital fashion films, facilitated by the development of digital media, to engage in rapid and intimate communication with consumers. This phenomenon, associated with mediatization, compels fashion brands to recognize the significance of communication via social media and prompts them to engage with consumers through self-produced content such as films and images. Embracing experimental content, Balenciaga, through platforms like YouTube and Instagram, regularly uploads digital fashion films to communicate with consumers, conveying its brand images and values. This study focused on the significant role of digital fashion films of luxury fashion brands in brand communication and examined the characteristics of Balenciaga’s digital fashion films from the perspective of mediatization. The research methods include both a literature review and a case study. Through the literature review, it examined digital fashion films and mediatization in the fashion area while analyzing Balenciaga’s communication trends. Based on this, the characteristics of Balenciaga’s digital fashion films on YouTube were analyzed. The results of the research are as follows: Firstly, Balenciaga integrates innovative high technology never seen before in the realm of fashion to provide consumers with new experiences through digital fashion films. Secondly, Balenciaga conveys the brand’s stance on societal, political, and cultural issues through digital fashion films, encouraging consumer engagement. Thirdly, Balenciaga demonstrates a deep understanding of the characteristics of social media and utilizes them to produce digital fashion films and control communication with consumers. Fourthly, Balenciaga’s digital fashion films deliberately design contradictions and provocations through obscure and experimental attempts, distinguishing between the brand’s fandom and outsiders. This study is deemed helpful for elucidating the characteristics of digital fashion films as communication tools in the digital fashion films as communication tools in the digital and pandemic era and for providing insights into the subject matter at this juncture of mediatization in fashion.

본 연구는 암석을 대상으로 분석하여 도출된 암석 이미지의 특징을 패션디자인 작품에 응용함으로써 패션 디자인의 표현영역에 있어 새로운 디자인 시도를 실행하고자 하는 데에 목적을 두었다. 문헌 조사를 통한 이론적 고찰과 이를 토대로 하는 작품 기획 및 제작으로 구성되는 본 연구는 암석이 갖는 과학적 속성보다는 형태, 질감, 색채의 세 가지 조형 요소의 측면에서 분석하는 종류별 암석 이미지의 특징에 집중한 연구이다. 본 연구의 연구자는 현장답사를 통해 실제 암석 사진 508장을 촬영 및 수집했으며 이론적 고찰과 작품 제작 에서 암석 이미지의 분석과 응용을 위한 자료로 활용하였다. 이는 패션디자인에 있어 암석 이미지 응용의 참고 자료가 되는 동시에 기존 선행연구들과의 차별화를 도모하는 기준 역할이 될 수 있다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 생성 원인에 따라 구분된 암석의 종류별 이미지에서 개별의 조형적 특징을 도출할 수 있었다. 둘째, 패션디자인의 사례 분석을 통해 암석 이미지는 시즌과 스타일의 구분 없이 많은 패션 컬렉션의 모티프로 응용되고 있음을 알 수 있었다. 셋째, 소재 개발에 실제 암석 사진을 응용할 경우 지극히 단순한 촬영과 편집과정만으로도 극적인 질감 및 색채 표현이 효과적인 작품 소재의 도안을 얻을 수 있었다. 향후 실사 자연물 이미지를 응용한 패션 소재 디자인의 가능성을 확인할 수 있었다. 넷째, 일부 한정된 암석의 응용보다는 다양한 종류의 암석을 응용한 작품 제작을 시도하여 암석 이미지에 내포된 폭넓은 디자인 응용 의 가능성을 제안하였다. 다섯째, 작품 제작 연구에서 디지털 텍스타일 프린팅 기법과 부분적으로 퀼팅 기법 을 적용함으로써 암석 이미지 표현 효과를 극대화할 수 있었다. 이러한 시도를 통해 대자연이 전하는 특유한 미적가치에 관하여 탐구하여 암석 이미지가 가진 다양성의 발견과 현대 패션디자인 분야에서의 디자인 응용 의 가능성을 고찰하는 기회를 얻고자 한다.

The purpose of this research is to make a new attempt at the expressive area of fashion design by using the characteristics of the rock image derived from analysis on rocks for the costume product. This study, which consists of theoretical review through literature research and planning and production of works, focuses on the characteristics of rock images by type and the analysis is done in terms of the three formative elements of form, texture, and color rather than of the scientific properties of rocks. The researchers in this study took and collected 508 actual rock images through the field survey, and used them as materials for analysis and application of rock images in theoretical consideration and production. The results of this study are as follows: First, it was possible to derive individual formative characteristics from the images of each type of rock classified according to the cause of its formation. Second, through the analysis of fashion design cases, it was observed that rock images are applied as motifs in many fashion collections, irrespective of season or style. Third, when utilizing actual rock photos for material development, it was possible to obtain designs for effective artwork materials with dramatic texture and color expression even by simple shooting and editing processes. Fourth, rather than limited applications of certain rocks, the study suggested the potential of broad design applications inherent in rock images by attempting artwork production with various types of rocks. Fifth, in the artwork production research, it was possible to maximize the expressive effect of rock images by applying techniques of digital textile printing and, partially, those of quilting. Through these efforts, the study aims to explore the unique aesthetic values conveyed by nature, discover the diversity inherent in rock images, and reflect on the potential design applications.

신체 다양성을 인정하지 않는 사회의 획일적인 기준은 지나치게 마른 몸매를 선호하는 담론을 형성하고, 섭식장애와 같은 심각한 사회 문제를 야기했다. 이에 따라 현재 ‘바디 포지티브 운동’과 같은 신체 다양성을 인정하는 활동들이 소셜 네트워크 서비스에서 많은 관심을 받고 있기에 플러스 사이즈 패션을 다루고 있는 유튜버들의 콘텐츠를 살펴볼 필요성이 있다. 본 연구는 플러스 사이즈 패션에 대해 다루고 있는 유튜버 9인 을 선정하여 인기순 상위 20개의 영상과 플러스 사이즈에 대한 개인의 생각이 드러나는 영상 모두를 선정하 여 총 203개의 영상을 시청하였다. 콘텐츠 유형을 내용에 따라 분류하고, 댓글을 통해 시청자들의 반응과 변화를 파악하고자 하였다. 첫째, 플러스 사이즈 콘텐츠 유형 분류 결과, ‘스타일링’, ‘하울’, ‘패션 정보’, ‘매 장 방문’, ‘인식’에 관한 영상으로 나타났다. 내용 분석 결과, 패션에 관한 정보만을 전달하는 유튜버와 신체 긍정의 메시지를 함께 전달하는 유튜버로 나눌 수 있었다. 둘째, 플러스 사이즈 패션 콘텐츠 속 댓글을 분석 한 결과, ‘정보 획득’, ‘심리 변화’, ‘동경과 지지’, ‘행동 변화’로 나타났다. 유튜버들은 자신의 신체를 사랑하 고 긍정하면서도, 사회적으로 이상적이라 여겨지는 미적 기준에서 완전히 벗어나지 못하고 체형 보완을 위한 정보를 제공하고 있었다. 하지만 그런 측면들 또한 시청자들이 새로운 옷을 시도하도록 용기와 자신감을 불 어 넣어주고 있었기에 이 또한 자신의 신체를 긍정하는 것으로 볼 수 있다고 사료된다. 본 연구는 유튜브 속 플러스 사이즈 콘텐츠와 그 댓글을 분석하여 어떻게 신체 긍정의 메시지를 전달하는지, 실제로 이상적인 미적 기준에서 벗어나 자신의 몸을 긍정하고 있는지를 살펴보며 신체 다양성에 대한 이해를 넓혔다는 점에서 의의가 있다.

The uniform standards of a society that do not acknowledge body diversity have led to a discourse that excessively favors thin bodies, causing severe social issues such as eating disorders. Consequently, activities for body diversity, like the ‘body positive movement,’ have garnered significant attention on social media. Therefore, it is essential to examine the content of YouTubers focusing on plus-size fashion. This study selected nine YouTubers who cover plus-size fashion and reviewed a total of 203 videos, including the top 20 most popular videos and those expressing personal views on plus-size topics. The content was categorized based on type, and viewer reactions and changes were analyzed through the comments. First, the classification of plus-size content types revealed styling, hauls, fashion information, store visits, and awareness-related videos. Content analysis showed that YouTubers could be divided into those who solely provide fashion information and those who also deliver body-positive messages. Second, an analysis of the comments on plus size fashion content revealed themes of information acquisition, psychological change, admiration and support, and behavioral change. While YouTubers conveyed love and positivity towards their bodies, they also offered tips to enhance body shapes, indicating they had not entirely broken away from socially ideal aesthetic standards. However, it also encouraged viewers to try new clothes, instilling courage and confidence, which can be seen as promoting body positivity. This study is significant in broadening the understanding of body diversity by analyzing plus-size content on YouTube and its comments to explore how body positive messages are conveyed and whether individuals are truly embracing their bodies outside of idealized beauty standards.

패션 필름은 ‘패션을 주제로 다루는 영상물’이자 디자이너가 컬렉션에 담고자 한 의도를 전달하는 영상 언어로 정의될 수 있다. 최근 몇 년간 COVID-19로 전반적인 사회·산업의 온라인·디지털 전환이 가속되었고, 패션업계 또한 디지털 기술을 활용한 캣워크 및 캠페인 필름을 제시하는 등 디지털 전환이 이루어지고 있다. 이러한 경향 속에서 최근 산업계에서는 생성형 AI의 활용성에 관한 논의가 활성화되고 있다. 생성형 AI는 사용자가 기존 것을 모방, 변형, 결합하는 과정을 능동적으로 보조함에 따라, 창작자의 발상과 탐색, 제작 프로세스에 변화를 불러올 것으로 예측된다. 생성형 AI 활용은 상업·응용 예술 분야의 제품 및 콘텐츠 개발 에서 시간과 노력 감소 등 효율성이 인정되고 있다. 이러한 경향을 고려하면 패션계에서 또한 생성형 AI 기 술의 효과적인 활용 방향 및 기법 측면의 연구 필요성이 발견된다. 본 연구에서는 제작에 많은 시간과 노력, 인력이 요구되는 패션 필름 제작에서 있어, 창작자의 시간과 노력 단축에 효과적인 생성형 AI의 활용성을 파악함에 목적을 두었다. 이를 위해 생성형 AI 프로그램을 활용하여 대안적 아웃핏을 착용한 모델의 실사 영상에 디자이너의 의도를 반영한 3D 의복 렌더링 이미지와 비일상적인 배경 이미지를 적용하여 패션 필름 작품을 제작하였으며, 이를 통해 패션 필름 제작에 생성형 AI를 활용하기 위해 사용자가 필수적으로 고려해 야 하는 영상 시퀀스 계획 및 그래픽 디자인 관련 사항을 도출하였다. 본 연구에서는 창작 활동에 전통적 기법과 최신 기술을 병용한 융합적 영상 창작 기법의 기초 자료 및 사례 제시에 연구의 의의를 둔다.

Fashion films have been defined as 'visual works that deal with fashion as a theme' and as a visual language that conveys the designers’ intentions aim to express in their collections. COVID-19 has accelerated the overall social and industrial shift towards online and digital media, and fashion industry is also undergoing digital transformation through the use of digital technologies in catwalks and campaign films. In this trend, there has been the discussion on the usability of generative AIs. Such AIs are expected to bring changes in the creators' creative processes by assisting in imitating, transforming, and combining of existing sources. The use of generative AIs is being recognized for its efficiency in reducing time and effort in the production of products and content. Considering these trends, it is evident that there is a need for research on effective applications and techniques of generative AI technologies in fashion. This study aimed to assess the usability of a generative AI in fashion film production, which requires significant time, effort, and manpower, to effectively reduce the time and effort of creators. To this end, a fashion film was created by using an AI program to apply the 3D garment and unusual background graphic images into a real-life footage with models wearing alternative outfits according to the designers’ concepts. Through this process, essential considerations necessary for utilizing generative AI in fashion film production were identified. The significance of this study lies in presenting foundational information and cases of the integrated creation technique that combines traditional methods with the currently emerging technology for creation.