Earticle

최근 빈티지 의류는 과거의 낡고, 헌 옷이라는 인식과 달리 젊은 세대를 중심으로 큰 관심을 받고 있다. 또한, 소비자들은 온·오프라인의 다양한 경로를 통해 빈티지 패션을 즐기고 소비하며, 그 경험을 SNS에서 자연스럽게 공유하고 인증하고 있다. 본 연구는 빈티지 패션이 일반 의류와 달리 오랜 선입견의 영향을 받아 왔다는 점에 주목하여, 빈티지 의류 소비자들이 추구하는 가치를 양면적이고 복합적인 태도에 주목하였으며, 빈티지 의류 소비자들이 추구하는 가치를 분석하여 그들의 소비 동기를 보다 심층적으로 이해하고자 하였다. 이를 위해 먼저 유튜브 검색창에서 ‘빈티지 패션’ 키워드를 검색하여 상위 45개 유튜브 채널을 선정하였으며, 각 채널에서 빈티지 패션과 관련된 280개의 영상을 도출하였다. 이후 영상을 시청하며 빈티지 패션 콘텐츠를 내용에 따라 분류하고, 각 영상에 나타난 빈티지 의류 소비자들의 추구가치를 분석하였다. 연구 결과, 유튜브 의 빈티지 패션 콘텐츠 유형은 쇼핑, 정보, 하울, 스타일링 순으로 많이 차지하고 있었으며, 빈티지 의류 소비 자의 추구가치는 경제적 가치, 자기표현 및 개성추구 가치, 희소 가치, 환경적 가치로 분석되었다. 본 연구는 빈티지 패션의 소비 동기를 기존 연구에서 다루지 않았던 유튜브라는 플랫폼을 중심으로 분석했다는 점에서 독창적인 의의를 가진다. 특히, 빈티지 패션 유튜브 콘텐츠를 유형화하여 소비자들이 빈티지 의류를 소비하 는 과정에서 나타나는 다양한 가치를 분석하였다는 점에서 본 새로운 관점을 제시한다.

Recently, vintage clothing has shifted from being perceived as merely old, which was somewhat negative, to being highly sought after by the younger generation for its affordability and unique designs that allow for the expression of individuality. Consumers are enjoying and purchasing vintage clothing through various online and offline channels, naturally sharing and showcasing their experiences on social media. Therefore, this study focused on that vintage fashion has been subject to prejudices for a long time compared to general apparel products and that consumers have ambivalent and complex attitudes towards vintage fashion. The study aimed to analyze the values pursued by consumers of vintage clothing. To achieve this, the study identified the top 45 YouTube channels by searching the keyword 'vintage fashion' on YouTube, from which 280 videos related to vintage fashion were collected. After watching the videos, the YouTube content related to vintage fashion was categorized according to its content and the values pursued by consumers of vintage clothing shown in each video were analyzed. The results showed that YouTube content on vintage fashion is primarily categorized into four types: shopping, information, hauls, and styling in that order. Furthermore, the values pursued by consumers of vintage clothing analyzed through YouTube's vintage fashion content could be categorized into economic value, self-expression and individuality value, rarity, environmental value. This study is significant as it provides a novel perspective by focusing on YouTube — a platform not previously emphasized in existing studies on vintage fashion consumption. By categorizing vintage fashion content and analyzing the diverse consumer values showed in these videos, this study offers fresh insights into the consumption motivations and perceptions surrounding vintage clothing.

20세기 초의 오브제 중심 미술은 현대 미술의 역사를 혁신했고, 역사 속에서 현대 미술과 패션의 교류는 분야 간 연관성과 표현적 유사성을 공유했다. 의상은 단순히 피복을 감싸고 보호하는 것 이상으로 문화적, 정치적, 사회적 가치를 내포하기에 여러 미술가에게 매력적인 소재로 채택되었다. 본 연구는 현대 설치 미술 에서 패션 오브제의 활용을 분석하여, 예술과 패션 간의 상호작용을 탐구하는 데 목적을 두었다. 연구 방법으 로는 문헌 검토, 작품 감상 및 해석, 사회적 맥락 분석, 그리고 비교 분석을 사용하였다. 연구 대상은 루시 오르타, 서도호, 아이 웨이웨이의 대표 작품으로, 각 작가당 4~7개의 주요 작품을 선정하여 총 15여 개의 작품 을 선정하였다. 분석 기준은 작품의 역할 내 수행 방식과 의미를 분석하는 절차를 따라 분석되었다. 루시 오르타는 착용 가능한 의복을 통해 생존과 연대를 표현한 작품을 생산하고, 서도호는 제복과 군복을 통해 개인과 집단의 관계를 탐구한 작품이 중점적으로 파악되었다. 아이 웨이웨이의 경우, 패션 오브제를 통해 중국의 정치적, 인권적 메시지를 전달하는 것이 특징으로 파악되었다. 결과적으로, 패션 오브제는 기성품의 조합, 새로운 오브제의 형성, 주제에 대응적 오브제 활용이라는 세 가지 주요 양상으로 활용되었음을 발견하 였다. 이 같은 분석을 통해 현대 미술과 패션의 복잡한 상호작용을 조명하며, 예술과 패션의 융합이 새로운 미술적 담론을 형성하는 방법을 제시하였다. 본 연구는 패션 오브제를 현대 설치 미술의 핵심적 표현 도구로 분석함으로써, 예술과 패션의 융합적 연구 가능성을 제시하고, 이를 통해 현대 미술의 담론을 확장하는 데 기여할 것이다.

The object-centered art of the early 20th century revolutionized the history of modern art, and throughout such a trajectory, the exchange between contemporary art and fashion has shared associations and expressive similarities across their disciplines. Clothing, beyond its function of covering and protecting the body, carries cultural, political, and social values, making it an attractive subject for many artists. This study aims to explore the interaction between art and fashion by analyzing the use of fashion objects in contemporary installation art. The research focuses on the representative works of Lucy Orta, Do Ho Suh, and Ai Weiwei, analyzing a total of 15 works, with 4 to 7 major works selected for each artist. The research methods include literature review, artwork analysis, interpretation, social context analysis, and comparative analysis. Each work was analyzed based on the role the fashion object plays within the artwork and the messages the artists aim to convey. Lucy Orta’s works focused primarily on wearable garments expressing survival and solidarity, while Do Ho Suh’s works explored the relationship between individuals and collectives through uniforms and military attire. Ai Weiwei’s works conveyed political and human rights-oriented messages using fashion objects in the context of China. The study found that fashion objects were utilized in three primary ways: the combination of ready-made products, the formation of new objects, and the use of objects corresponding to specific themes. Thus, the study shed light on the complex interaction between contemporary art and fashion, highlighting how the fusion of art and fashion creates new artistic discourse. This study aimed to analyze fashion objects as a pivotal expressive medium in contemporary installation art, thereby proposing the potential for integrative research between art and fashion, and contributing to the expansion of discourse in contemporary art.

현대 사회에서 소셜미디어는 대중의 행동에 막대한 영향력을 미치고 있으며 이와 연관하여 바이럴 마케팅은 소비자들이 자발적으로 정보를 확산시키는 기법으로서 큰 호응을 얻고 있다. 바이럴 마케팅은 패션산업에 서도 활발하게 적용되고 있으며, 최근에는 바이럴의 용어가 패션쇼와 결합되어 언급되면서 두드러진 현상으 로 주목받고 있다. 바이럴 패션쇼란 소셜미디어를 통해 널리 공유되고 화제가 되는 패션쇼로서, 특정 순간이 나 요소가 대중의 관심을 끌도록 설계된 패션 프레젠테이션이다. 본 연구는 현대 패션산업에 등장한 바이럴 패션쇼를 유형별로 분석하고 그 의미를 도출하여 패션산업 내 바이럴 패션쇼의 영향과 시사점을 살펴보는 데 목적을 두었다. 본 연구는 인스타그램 중심의 소셜미디어와 보도 매체를 대상으로 키워드 검색을 통하여 바이럴 패션쇼의 사례를 수집하였고 조회 수 및 좋아요 반응 수를 기준으로 확인된 27개 패션쇼를 재검색하 여 관련된 구체적 내용들을 수집 분석하였다. 특히 주목받았던 최근의 바이럴 패션쇼를 분석하였을 때 퍼포 먼스 중심의 바이럴 패션쇼, 디자인 중심의 바이럴 패션쇼, 관객 중심의 바이럴 패션쇼 등 세 가지로 유형 분류가 가능하였다. 현대 패션산업에서 바이럴 패션쇼가 가지는 의미는 산업적 의미, 사회적 의미, 예술적 의미 등 세 가지 측면으로 나누어 다양한 면모를 살펴볼 수 있었다. 바이럴 패션쇼의 확산은 패션이 다양한 디지털 콘텐츠 및 엔터테인먼트로 소비될 수 있는 시대적 변화를 인지하게 하며 대중과 감성적 연결을 강화 하는 패션쇼 큐레이팅이 무엇인가를 생각하게 한다. 또한 패션 브랜드들은 즉각적인 피드백 데이터를 통해 소비자의 반응을 실시간으로 파악하고 전략을 조정할 수 있게 되었으므로 미디어 변화에 빠르게 적응하고 그 가치를 인식해야 함을 시사한다.

In contemporary society, social media exert a tremendous influence on public behavior, and viral marketing has gained significant traction as a strategy where consumers spontaneously disseminate information. This marketing technique is actively being applied in the fashion industry, and recently, the concept of "viral" has become increasingly associated with fashion shows, highlighting a notable trend. A viral fashion show is a fashion presentation designed to capture public attention through specific moments or elements, which is widely shared and become topics of discussion on social media. This study aims to analyze the types and significance of viral fashion shows emerging in the contemporary fashion industry, as well as their impact and implications. The research involved collecting examples of viral fashion shows through keyword searches on Instagram-centric social media and news outlets. We identified 27 fashion shows based on the number of views and likes and reexamined these shows to gather and analyze relevant details. Upon analyzing recent notable viral fashion shows, we found that they can be categorized into three types: performance-focused, design-focused, and audience-focused viral fashion shows. The significance of viral fashion shows in the modern fashion industry can be explored from three perspectives: economic, social, and artistic. The proliferation of viral fashion shows reflects a paradigm shift where fashion is consumed as diverse digital content and entertainment, prompting reflection on what constitutes effective fashion show curation that strengthens emotional connections with the public. Furthermore, fashion brands can now understand consumers' reactions in real time and adjust their strategies using instant feedback data. This suggests they must quickly adapt to media changes and recognize their value.

티베트 장식과 민요는 티베트 문화의 핵심 요소로, 티베트 물질문화와 정신문화의 직접적인 구현된 형태 이다. 티베트 민요는 역사적 발전과 함께 의식, 생활, 감정 등 사회의 모든 면을 아우르는 폭넓은 장르로 자리 잡았다. 특히, 티베트 민요의 가사는 티베트 장식의 아름다움과 상징적 의미를 생생하게 묘사하여 티베트인 의 생활양식, 문화, 심미적 가치관을 보여준다. 본 연구의 목적은 티베트 민요에 표현된 장식의 조형성을 고 찰하여 티베트 복식 문화의 미의식을 이해하는 것이다. 본 연구는 티베트 민요 가사가 티베트 복식 문화의 미적 가치를 담고 있다는 점에 주목하였으며, 티베트 복식의 형성과 그 미적 특성을 중점적으로 분석하였다. 이를 통해 티베트 장식에 대한 깊이 있는 이해를 도모하고, 관련 연구의 확장 가능성을 제시하였다. 연구 결과는 티베트 장식은 다채로운 색채와 감정 표현, 자연과의 연결, 동적인 아름다움과 생동감이라는 세 가지 주요 특성을 통해 티베트인의 삶과 문화를 반영한다는 것을 시사한다. 이와 같은 분석을 통해 티베트 민요 속 장식의 조형성과 미의식을 탐구함으로써, 티베트 문화의 복잡성과 심오함을 이해할 수 있었으며, 이는 티베트 복식의 문화적 가치와 미적 표현을 체계적으로 설명하는 데 기여한다. 향후 연구는 다양한 지역적, 시대적 배경 속에서의 티베트 복식의 변천사를 탐구하고, 그러한 장식이 현대 티베트 문화와 어떻게 상호작 용하는지를 심도 있게 살펴볼 필요가 있다. 이러한 연구는 티베트 복식의 지속적인 문화적 가치와 재해석의 가능성을 이해하는 데 크게 기여할 것이다.

Tibetan decorations and folk songs form an essential part of the Tibetan cultural identity, directly embodying both material and spiritual aspects of Tibetan life. With the historical development, Tibetan folk songs have evolved into a broad genre covering all aspects of society, including rituals, life, and emotions. Specifically, the lyrics in these folk songs vividly portray the beauty and symbolism of Tibetan decorative clothing, showing the lifestyle, culture, and aesthetics of the Tibetan people. This study aims to investigate the structure and form of decorative attire as depicted in Tibetan folk songs, seeking to uncover the aesthetic awareness present in Tibetan clothing culture. The research highlights the aesthetic importance of Tibetan attire culture as shown in the lyrics of folk songs, focusing on analyzing how Tibetan clothing was formed and what aesthetic features it has. To this end, the study aims to deepen understanding of Tibetan decorative attire and offers ways to expand research in this area. The findings suggest that Tibetan decorative clothing reflects Tibetan life and culture through three main traits: vibrant colors associated with emotions, a close relationship with nature, and dynamic beauty full of vitality. By examining the form and beauty of clothing in Tibetan folk songs, this analysis adds to the understanding of the depth and complexity of Tibetan culture, systematically explaining the cultural and aesthetic value of Tibetan attire. Further research should explore how Tibetan attire has changed across different regions and times, and how it connects with modern Tibetan culture. These studies would contribute significantly to understanding the enduring cultural value of Tibetan attire and its potential for reinterpretation in the modern era.

본 연구는 패션 산업 내에서 발생하는 폐기물을 재활용하는 신제품 개발을 서비스디자인 프로세스의 개념 으로 체계화함으로써 패션 산업의 폐쇄루프 시스템을 제시하는 데에 목적이 있다. 이를 통해 글로벌 패션시 스템에서 필수 불가결한 개념으로 떠오른 순환 패션의 학문적 이론과 실제의 격차를 줄이고, 섬유패션 기업 의 리사이클 신제품 개발 역량과 패션 산업 공급망의 순환성과 지속가능성 강화에 기여하고자 하였다. 이론 적 배경으로 폐쇄루프 시스템을 포함한 순환 패션과 서비스디자인 프로세스에 대해 알아보고, 선행연구를 고찰하였다. 연구 방법은 참여관찰로 서비스디자인 프로세스인 “발견하기”, “해석하기”, “개발하기”, “전달하 기”에 따라 지속 가능한 패션 기업인 ㈜페어트레이드코리아를 대상으로 사례연구를 진행하였다. 연구 결과, 폐쇄루프 시스템 도입 시 소비자의 지속가능성 인식 및 신뢰를 높이기 위해 명확한 정보 제공과 감성적 커뮤 니케이션이 중요하며, 소비자들이 리사이클 패션 아이템으로 잡화를 선호하는 경향이 있음을 확인하였다. 패션 산업 내에 폐기물 중 생산과정에서 버려지는 양모 자투리 원단, 폐실, 편직 부산물 수거한 후, 섬유화하 여 리사이클 원사를 개발하고, 이를 편직한 신제품을 개발하였다. 서비스디자인 프로세스를 통해 고객 페르 소나와 고객 여정 지도를 기반으로 맞춤형 제품 및 서비스 개발이 고객 경험 극대화와 브랜드 가치 강화, 기업의 신제품 개발 역량 강화에 중요한 역할을 할 수 있음을 확인할 수 있었다. 본 연구 결과는 국내 패션 산업이 의류 폐기물 감소에 긍정적으로 기여할 수 있는 방법을 제시하고, 국내 로컬 기반의 밸류체인 구축으 로 지속 가능한 자원순환과 상생의 가치를 구현하고, 서비스디자인을 결합하여 신제품 개발 프로세스의 적정 성을 통한 기업의 경쟁 우위를 이끄는 데 도움이 될 것으로 기대된다. 본 연구는 특정 기업을 사례로 한 연구 이므로 일반화에 한계가 있을 수 있으며, 폐쇄루프 시스템의 정착을 위해서는 정책적, 사회적 지원도 함께 이루어져야 할 것이다.

The purpose of this study was to present a closed-loop system for the fashion industry by systematizing the development of new products that recycle waste generated within the fashion industry using the concept of a service design process. It aimed to bridge the gap between academic theories and practical applications of circular fashion. Additionally, this study sought to contribute to enhancing the recycled new product development capabilities of textile and fashion companies and improving the circularity and sustainability of the fashion supply chain. Literature regarding circular fashion including the closed-loop system and the service design process was reviewed. The research method was participant observation, and a case study was conducted for FairTradeKorea Co. Ltd., a sustainable fashion company, following the service design process of “discover,” “define,” “develop,” and “deliver”. The research findings showed that when implementing a closed-loop system, clear information and emotional communication are crucial to enhancing consumer trust and perception of sustainability. Consumers tend to prefer recycled fashion items such as accessories and small goods. After collecting leftover wool fabric, waste yarn, and knitting byproducts discarded during the production process, they were fiberized to develop recycled yarn, and then new knit products were developed. The service design process demonstrated that customized products and services based on customer personas and customer journey maps can significantly enhance customer experience, brand value, and a company's new product development capabilities. The results of this study suggested the ways in which the domestic fashion industry can positively contribute to reducing clothing waste, implement sustainable resource circulation and promote the value of coexistence by establishing a domestic, local-based value chain. Integrating service design into the new product development process can help companies gain a competitive advantage by optimizing the process’s suitability.

현대의 미의 개념은 점차 확장되고 있으며, 패션 분야에서 또한 다양한 미적 가치가 추구되고 있다. 그중 에서도 그로테스크 패션은 특유의 독특함과 강렬함으로 주목받고 있다. 본 연구는 그로테스크의 양면성을 패션디자인에 적용하는 데 목적이 있다. 이를 위해 문헌 연구를 통해 그로테스크의 개념과 특성을 고찰하였 으며, 패션에 나타난 그로테스크의 특성을 도출하였다. 도출된 그로테스크 패션의 특성을 바탕으로 사례 연 구를 진행하여 그로테스크 패션의 조형적 표현 요소를 도출하였다. 여러 학자가 설명한 그로테스크의 양면성 을 바탕으로 공포성과 유희성을 채택하였고, 두 특성의 표현 요소를 적용한 작품을 계획 및 개발하였다. 총 4벌의 패션디자인 작품을 제작하였으며, 후드 보디슈트, 코르셋, 뷔스티에 등의 다양한 아이템으로 구성되었 다. 디자인은 사회적 압박과 미래에 대한 불안 속에서 순수했던 어린 시절로 돌아가고자 하는 인간의 내면적 갈망을 주제로 전개되었다. 본 연구는 그로테스크의 양면성을 적용한 패션디자인 개발을 통해 그로테스크 패션의 새로운 디자인 방법을 모색한 것에 의의를 갖는다.

The concept of beauty in modern times has been gradually expanding, and various aesthetic values are also being pursued in the field of fashion. In particular, grotesque fashion is gaining attention for its uniqueness and intensity. The purpose of this study is to apply the duality of the grotesque to fashion design. To this end, a literature review was conducted to examine the concept and characteristics of the grotesque, and the characteristics of the grotesque in fashion were identified. Based on these characteristics above, a case study was carried out to derive the formal expressive elements of grotesque fashion. Based on the duality of the grotesque described by various scholars, the concepts of fearfulness and playfulness were adopted, and works incorporating these elements were planned and developed. Four fashion design pieces were created, including items like hooded bodysuits, corsets, and bustiers. The designs focused on the theme of a deep inner desire to return to the innocence of childhood amidst social pressure and anxiety about the future. This study is significant in that it explored new design approaches for grotesque fashion by applying the duality of the grotesque to fashion design.

건축에서 유래한 모듈러 개념은 제품, 패션 분야로 확장하며 다수의 모듈이 상호작용하여 구조를 이루는 모듈러 시스템으로 발전해 현재까지 다양하게 활용된다. 그러나 모듈러 시스템에 대한 용어 정의가 명확하지 않고 건축과 제품의 모듈러 시스템 구조를 그대로 적용한 선행연구가 다수여서 패션의 고유성을 반영한 패 션 디자인의 모듈러 시스템 연구가 필요하다. 본 연구는 패션 디자인의 모듈러 시스템 구조를 이해하고 체계 화하기 위해 다음과 같이 연구하였다. 첫째, 문헌연구를 바탕으로 모듈러 시스템 개념을 정리하고 건축, 제품, 패션 분야의 모듈러 시스템 사례를 고찰한다. 둘째, 이론 연구와 패션 고유성을 바탕으로 패션 디자인의 모듈 러 시스템 구조를 체계화한다. 셋째, 사례 분석을 위해 브랜드 22개의 2001년~2022년까지 모듈러 시스템이 나타난 의상 3,512개를 수집하고 기준에 따라 구조별로 분류하고 그 결과를 해석한다. 연구결과는 첫째, 패션 디자인의 모듈러 시스템을 고찰하기 위한 체계화 기준은 의복의 기본 구조 여부, 인체 곡선을 고려한 모듈의 동질 형태 여부, 내구성을 반영한 모듈의 가변성 유무 세 가지이다. 둘째, 체계화한 구조에 따라 기본형과 부가형에서 각각 동정구조, 이정구조, 동변구조, 이변구조로 나뉘어 총 8개의 구조로 분류한다. 셋째, 사례 분석 결과 기본형 1,341개, 부가형 2,171개이며 각각 동정구조 사례가 가장 많았고 이변구조 사례가 가장 적 게 집계되었다. 같은 형태의 고정형 모듈로 구성한 의복이 모듈을 활용한 패션 디자인에서 선호되며, 다른 형태의 가변형 모듈로 만든 의복은 소수이지만 독특한 형태로 디자인의 다양성을 제시하였다. 모듈러 시스템 의 일반성과 분야별 특수성을 모두 고려한 것에 의의가 있으며, 패션 사례 모수를 확대하여 신뢰성을 높이고 디자인의 다양성을 탐구하여, 패션 디자인의 모듈러 시스템에 체계적이고 실질적인 고찰과 분석 수행으로 향후 모듈러 시스템을 적용한 패션 디자인에 활용될 수 있다.

The concept of modular systems, originating in architecture, has expanded into product and fashion design, evolving into systems where multiple modules interact to form structures. Despite being widely used, there remains ambiguity in defining the term “modular system,” and prior research has often applied architectural and product modular systems directly to fashion, highlighting the need for research that reflects the uniqueness of fashion. This study aims to understand and systematize the modular systems in fashion design. First, a literature review clarifies the concept of modular systems and examines cases across architecture, product design, and fashion to understand their structures. Second, the criteria for classifying modular systems in fashion design are established based on theoretical research and fashion’s inherent characteristics. Third, the study analyzes 3,512 modular garments from 22 brands between 2001 and 2022, categorizing them into eight modular system structures: homogeneous-static, heterogeneous-static, homogeneous-dynamic, and heterogeneous-dynamic, within basic and additive forms. The analysis shows that 1,341 basic and 2,171 additive forms were used, with homogeneous-static modules being the most common and heterogeneous-dynamic modules the least frequent. Fixed modules with similar forms were preferred, while variable modules offered unique and diverse designs. This research emphasizes the need to consider both the general principles of modular systems and the specific characteristics of fashion, expanding the dataset to enhance its reliability and explore design diversity. The findings provide a systematic framework for future applications of modular systems in fashion design, contributing to both creativity and practicality in garment construction and aesthetics.

현대 패션은 영역이 확장되고 산업 기술이 발전함에 따라 타 분야와의 상호 활용도가 증가하여 디자인의 창출과 표현 영역의 확대로 나아갔으며 이는 패션의 미적 가치에 새로운 가능성을 제시하고 있다. 이에 본 연구는 실용성과 기능성에만 의존했던 기존의 의복에서 표현의 확장성과 유연성이 더해진 모듈러 시스템을 응용하여 실험적인 방법을 탐구함으로써 다양한 기법의 시도를 통해 창의적인 가변적 패션디자인을 제시하 는 데에 목적을 두었다. 연구의 방법은 모듈러와 가변적 디자인에 관한 문헌 자료의 이론적 고찰을 통해 개념 을 정립하고 이를 전개하는 다양한 디자인 분야의 사례를 유형과 표현 방법에 따라 구체적으로 살펴봄으로 써 연구의 토대를 마련하고 실물 작품 형식으로 디자인을 제안한다. 건축에서 시작된 모듈러 시스템은 수학 적 원리에 근거하여 기하학 도형의 심미적 개념과 결부되어 있으며 이에 기반한 구조 방식과 표현 특성은 가변적 패션디자인에서 기능적이고 혁신적인 방법으로 다양하게 활용된다. 이에 디자인 연구를 통해 얻는 결론으로는 모듈러 시스템의 삽입, 조립, 구조 방식을 활용하여 모듈의 결합과 해체의 방법으로 유동적인 이동이 가능하였고, 가변적 패션디자인의 리버시블, 리무버블, 개폐, 착용 위치 변경의 방법을 통해 작품의 형태적 변화와 창조적 구조를 전개할 수 있었다. 이는 패션디자인의 무한한 가능성을 제시하며 가변의 유형 에 따른 새로운 디자인 발상의 전환을 창출한다. 본 연구는 패션디자인의 차별적이고 실용적인 표현 방법으 로, 기하학 도형을 모티프로 하여 모듈러 시스템을 응용한 가변적 패션디자인을 연구함으로써 개별 단위의 유동적인 이동으로 무한한 확장 가능성을 가진 모듈을 작품의 전체와 일부에 구조적이고 기능적인 방법으로 적용함으로써 하나의 작품에서 여러 디자인을 구현하여 지속 가능한 혁신적인 패션을 선보인다는 점에서 의의가 있다.

As modern fashion continues to expand and integrate with other industries through technological advances, its design and expression have broadened, presenting new possibilities for aesthetic innovation. This study aims to explore experimental approaches to modular systems to enhance the flexibility and adaptability of traditional garments that were once primarily focused on functionality. Building upon this investigation, the research seeks to propose creative and variable fashion designs. The methodology of this research includes a theoretical review of modular and adaptable design concepts, with an examination of design cases from various fields. These cases are analyzed according to their structure and expressive methods, forming the foundation for creating experimental works. The modular system, originally from architecture, is grounded in mathematical principles and is associated with the aesthetic appeal of geometric forms. These principles are adapted in variable fashion design, offering innovative and functional expressions. The findings demonstrate that modular systems, through methods such as insertion, assembly, and structural modification, enable dynamic movement by combining and separating modules. Variable fashion design is further explored using techniques such as reversible, removable, and adjustable elements, which allow for creative changes in form and structure. These findings point to the limitless potential for new approaches to fashion design based on modular flexibility. In conclusion, this research highlights the importance of modular systems as a distinctive and practical method for fashion design, incorporating geometric forms as motifs. By applying these principles, the study develops original and innovative fashion designs that are both functional and visually engaging.

최근 건강과 웰빙 관련 라이프스타일이 다양화됨에 따라, 기존 기능성과 차별화된 에르고노믹 패션디자인 이 틈새 제품으로 등장하였다. 에르고노믹 패션은 사용자 지향 디자인으로서 인체공학적 기능성과 심미성을 겸비하면서 새로운 아이디어의 혁신성이 높아 착용자의 사용 후기가 중요하다. 이를 위한 린 스타트업은 아 이디어, 만들기, 측정, 데이터, 학습이라는 요소의 한 사이클을 통해 사용자 데이터를 반영하여 개선해나가는 모델로서 주로 온라인의 크라우드펀딩으로 연결되고 있다. 실제 펀딩 이후에도 성공적인 에르고노믹 패션 브랜드 론칭 사례들이 나타남에 따라, 린 스타트업을 토대로 크라우드펀딩 리워드 제품에 나타난 에르고노믹 패션디자인 특성을 분석하였다. 이를 통해 기능성과 혼용되는 에르고노믹 패션 개념과 주 사용자 군을 재정 립하고 디자이너 브랜딩 희망자와 전공 학생들에게 단계별로 실질적인 프로세스에 대한 기초자료를 제시하 고자 하였다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 에르고노믹 패션의 주 사용자 군 유형은 아웃도어 운동집단, 성별로 세분화된 운동집단, 움직임이 제한된 활동집단, 이동하며 일하는 집단이며, 의류보다 잡화류의 비중 이 높았다. 둘째, 에르고노믹 패션디자인은 최초제품일 때의 새로운 기능 구현과 완성도가 브랜드 론칭 후에 는 시장성과 대중성을 지닌 디자인 고도화로 집중 방향이 변화되어 나타났다. 셋째, 패션디자이너의 역량이 확장되어 제작뿐 아니라 사용자의 불편점 공감 그리고 사용 후기 정보의 데이터화 능력도 요구되었다. 마지 막으로 단일 품목에서 사이즈, 프린트 문양, 색 배합의 선택지 제공을 통해 스타일 개별화 및 다품종 소량생 산의 특징을 보여주었다. 이로써 린 스타트업 사이클로 제품이 선보인 이후에도 사용자 반응에 따라 계속 개선되고 새로운 요구가 반영될 때, 에르고노믹 패션디자인의 지속성이 가능함을 시사한다.

Ergonomic fashion refers to a user-centric design that integrates functionality, aesthetics, and innovation, with a strong emphasis on the wearer's data. Lean startup models, particularly online crowdfunding, reflect user input and enable iterative cycles of idea development, making, measuring, data collection, and learning. This study analyzes ergonomic fashion design characteristics through crowdfunding, focusing on the transition from prototype to brand launch. It aims to redefine ergonomic fashion and categorize its primary user groups. Key findings include: (1) Primary user groups for ergonomic fashion are outdoor enthusiasts, exercise groups by gender, movement- restricted groups, and digital nomads, with accessories outpacing clothing in proportion. (2) The focus of ergonomic fashion design shifted from prototypes to brand products, with new marketable functions. (3) Fashion designers' capabilities have expanded to include user-oriented design thinking and computational design, utilizing wearer data. (4) Companies personalized products by enabling choices in size, pattern, and color. This study highlights the significance of expanding the analysis beyond a single lean startup cycle, incorporating user feedback, and addressing underrepresented populations, such as those with disabilities. Sustainable ergonomic fashion is achievable through understanding user needs and continuous product improvement in the lean startup cycle.