Earticle

현재 패션 리테일 분야에서 발생하는 폐기물의 양은 점차 증가하는 추세이며 패션 브랜드의 특성상 대부 분의 매장 디스플레이 집기가 일회성 소비에 그치거나 복합 재료에 해당하여 재활용 과정 또한 복잡하다는 특징이 있다. 이에 본 연구는 오늘날 패션 브랜드가 실천하는 지속가능성의 범위가 패션 제품 개발에서 패션 리테일 분야의 VM 활동으로 확장되고 있다는 점에 주목하였다. 연구에서는 패션 매장의 인테리어나 윈도우 디스플레이, 인테리어 소품, 패키지 디자인에 지속가능성을 고려한 재료를 적용하거나 이를 실천한 사례를 수집하여 구체적인 내용을 살펴보았다. 연구를 통해 패션 VM 영역에서 지속가능성에 관한 활동을 종합적으 로 이해하는 데 기여하고자 하며 패션 브랜드와 소비자들이 패션 VM을 통한 지속가능성의 실천 가능성에 대한 인식을 더욱 넓게 확장할 수 있는 기회를 제공하고자 하였다. 먼저 재료에 기반하여 지속가능성을 고려 한 VM 사례를 살펴본 결과, 가장 일반적으로 사용되는 업사이클링 재료는 플라스틱이었으며, 플라스틱을 녹인 후 압착 및 성형을 거쳐 새로운 용도의 플라스틱 소품을 제작하거나 플라스틱병을 있는 그대로 매장 디스플레이에 활용하기도 했다. 이와 함께 의류 폐기물과 산업 폐기물, 자연 재료, 빈티지 가구의 매장 재활 용 등 다양한 재료들이 최소한의 공정을 거쳐 새로운 패션 VM으로 재탄생하고 있었다. VM의 재료를 통한 지속가능성의 실천 사례를 구체적으로 살펴본 결과는 크게 업사이클링을 적용한 매장 인테리어와 지속가능 성을 고려한 집기 디자인, 그리고 지속가능한 재료 기반의 패키지 디자인과 같이 세 유형으로 구분되었다. 여기서는 패션산업에서 일반적인 업사이클링 재료로 활용되어 온 폐원단이나 가죽, 플라스틱 외에도 VM을 위해 새로운 재료 개발과 창의적인 시도가 이루어지고 있었다. 본 연구는 지속가능성을 고려하는 패션 매장 의 관행이 이벤트성에 그치지 않고 연속성을 가질 수 있기를 바라며, 이를 위해 패션 브랜드뿐만 아니라 소비 자의 적극적인 참여와 전문 기관과의 협업, 재정적 지원이 다각적으로 필요함을 제안하고자 한다.

Currently, the amount of waste generated in the field of fashion retail is gradually increasing, and due to the nature of fashion brands, most store display props are consumed on a one-time basis only or are composite materials whose recycling process is also complicated. Therefore, this study paid attention to the fact that the scope of sustainability practiced by fashion brands today is expanding from fashion product development to VM activities. The study examined specific details by collecting examples where sustainability-considered materials were applied or practiced to the store interiors, window displays, interior props, and package designs of fashion stores. The research aims to contribute to a comprehensive understanding of sustainability activities in the fashion VM domain and to provide an opportunity for fashion brands and consumers to expand their awareness of the feasibility of sustainability through fashion VM. First, as a result of examining the VM case considering sustainability based on materials, plastic was the most commonly used upcycling material, and plastic items were melted, compressed, and molded to make new plastic props or plastic bottles were used in-store displays as they were. At the same time, various materials such as clothing and industrial waste, natural materials were being reborn as new fashion VMs through minimal processes along with vintage furniture recycling for stores. As a results of detailed examination of the practical examples of sustainability through VM materials, it was divided into three types: store interior with upcycling, props design considering sustainability, and package design based on sustainable materials. Here, in addition to waste cloth, leather, and plastic that have been used as general upcycling materials in the fashion industry, new material development and creative attempts were being made for VM. This study hopes that the fashion store’s practice of considering sustainability can have continuity rather than being a one-time event. Also, it suggests that active participation of consumers, fashion brands, collaboration with specialized organizations, and financial support are needed from various angles.

생성형 AI의 등장은 패션산업을 포함한 다양한 분야에 혁신을 가져왔다. 이 기술은 예술가와 디자이너에 게 창의적인 표현을 위한 새로운 수단을 제공하였고 생산자와 소비자 간의 경계를 허물어 사용자들이 직접 패션디자인에 참여하는 창작 활동을 촉진하였다. 본 연구는 2022년부터 현재까지 꾸준하게 포착되는 생성형 AI 기반의 페이크 컬래버레이션, 즉 아티스트 임의로 패션 브랜드 협업을 연출한 이미지 현상을 포착하여 이를 연구하였다. 연구의 목적은 AI 아티스트들이 자발적으로 창작하고 소셜미디어에 공유한 패션 브랜드와 의 페이크 컬래버레이션 사례들을 수집하고 분석함으로써 그 유형을 구분하고 패션 브랜드에 전하는 시사점 을 찾는 데 있다. 이를 위해 연구대상은 미드저니 관련 소셜미디어로서 인스타그램 계정 중 가장 많은 팔로워 수를 기록하는 @designmidjourney, @midjourney.gallery 2개 계정을 통해 페이크 컬래버레이션 작업을 하는 최 종 10명의 아티스트를 선정하였다. 이들 각각의 계정 게시물에서 패션 브랜드가 명확히 노출되어 페이크 컬 래버레이션이 분명한 것만 선별하여 최종으로 259장의 피드와 댓글, 해시태그 단어들을 연구에 사용하였다. 생성형 AI 기반의 페이크 컬래버레이션을 통해 볼 때 오늘날 패션 브랜드는 학습 대상, 놀이 대상, 예술 대상 으로 인식될 수 있다. 패션 브랜드 이미지 자료는 AI 학습 자료로 사용되어 향후 새로운 디자인을 생성하는 데 중요한 역할을 하며 사용자들은 이러한 이미지들을 통해 패션 브랜드를 놀이 대상으로 바라보고 커뮤니 티 내에서 의견을 나누고, 평가 및 비평의 새로운 형태를 즐긴다. 독창적 예술 세계 내에서 시각화된 AI 페이 크 컬래버레이션은 패션 브랜드들이 어떻게 혁신적인 방식으로 서로 협력할 수 있는지에 대한 브랜드의 상 상력을 자극하고 대안을 제시하고 있다. 이상의 내용들은 향후 패션산업을 향한 패션 브랜드들의 전략을 위 해 의미 있는 시사점으로서 인식될 만하다.

The emergence of generative AI has brought innovation to various fields, including the fashion industry. This technology offers new creative avenues for artists and designers, breaking down the boundaries between producers and consumers and promoting direct participation in fashion design. This study examines the phenomenon of generative AI-driven fake collaborations, where artists arbitrarily collaborate with fashion brands, consistently observed from 2022 to the present. The study aims to collect and analyze cases of fake collaborations with fashion brands that AI artists voluntarily created and shared on social media, classifying its types and drawing implications for fashion brands. The research focuses on the top 10 artists involved in fake collaborations via the two most-followed Midjourney-related social media accounts on Instagram, @designmidjourney and @midjourney.gallery. The posts with clear fake collaborations with fashion brands were selected only, resulting in 259 feeds, comments, and hashtags used in the analysis. Generative AI-driven fake collaborations allow today's fashion brands to be viewed as objects of learning, play, and art. Fashion brand image materials are used as AI learning materials, playing a significant role in future design creation. These images enable users to see fashion brands as objects of play, share their opinions within the community, and enjoy new forms of evaluation and criticism. Visualized within the realm of original art, fake collaborations stimulate the imagination and offer innovative alternatives for fashion brand partnerships. These findings provide meaningful insights into fashion brands' strategies for the future fashion industry.

아상블라주는 특성이 다른 새로운 구성과 실험적 효과를 만들어낸다는 점에서 회화의 영역을 넘어 다양한 분야에서의 표현방법으로 발전해왔다. 디지털 시대 디지털 기술에 의해 확장된 표현공간은 주제를 형성하고 경험하는 방식을 바꾸고 있다. 표현공간의 확장을 현실과 가상의 중첩이라는 증강현실의 특성과 연결지어보 고자 한다. 이를 위해 아상블라주의 내적의미와 외적 표현요소를 분석하여 기하학적 추상과 조합의 재구성을 디자인 및 제작의 방향으로 설정한다. 인체를 디자인 구성요소로 도입하여 3벌의 아상블라주 패션디자인 작 품을 제작하고, 이는 증강현실 기술을 통해 디지털 패션디자인으로 구현된다. 현실 공간의 표현 한계를 넘어 가상공간에서 오브젝트의 자유롭고 역동적인 조형표현을 통한 조합으로 아상블라주 패션디자인의 표현영역 을 확장하는 데 목적이 있다. 연구방법은 선행연구를 토대로 기존 연구와의 차별화를 도모, 연구의 방향성을 수립한다. 또한 문헌고찰을 통하여 아상블라주의 특징을 사례 중심으로 분석하여 디자인 방향을 도출하고 아상블라주 패션디자인을 위한 구성요소(오브젝트) 설정을 위하여 인체를 기하학적으로 분석, 분해하고 미적 기능적 조합을 통해 아상블라주 패션디자인을 제시한다. 주요 연구결과는 기하학적 형태를 활용한 총 3벌의 실물작품에 증강현실 기술을 적용함으로써 그 표현한계를 극복하고 가상공간에서 다양한 조형표현이 이루 어지는 디지털 작품으로 제작하여 구현한다. 이 디자인 연구를 통해 얻은 결과로 아상블라주 미술의 취지를 현대 아상블라주 패션디자인 안에 실현시키기 위해 디지털 기술을 도입하여 현실과 가상의 융합, 시각의 전 환에 따른 다양한 조형 표현공간의 경험을 가져올 수 있다. 본 연구는 오브젝트를 통해 3차원의 표현공간으 로 확장을 시도했던 아상블라주의 기법을 적용한 패션디자인에 디지털 이미지를 3차원으로 결합시켜 현실 공간을 재창조하고 패션디자인의 표현공간과 표현영역을 확장시키는 시도를 제안함에 의의가 있다.

Assemblage has evolved from painting into diverse forms of expression, creating new compositions and experimental effects. In the digital age, the expressive space expanded by digital technology transforms how subjects are formed and experienced. This study aims to connect this expanded expressive space with augmented reality, which merges the reality and the virtual. To this end, the inner meanings and external expressive elements of the assemblage will be analyzed, guiding the direction for design and production through geometric abstraction and combination. By incorporating the human body as a design component, three assemblage fashion design works will be created and realized as digital designs through augmented reality technology. The goal is to extend the expressive realm of assemblage fashion design through dynamic and free formative expressions of objects in virtual space, transcending the limitations of real-world representation. The research methodology differentiates this study from existing research and establishes a clear direction. The characteristics of assemblage will analyzed through the literature review on a case-by-case basis to derive design directions. The human body will be geometrically analyzed and deconstructed to set the components for assemblage fashion design, combining aesthetic and functional elements. The primary research results involve applying augmented reality technology to three physical works that utilize geometric forms. In such an approach, it is expected expression occur in virtual space. By introducing digital technology to capture the essence of assemblage art within contemporary assemblage fashion design, this research will foster diverse experiences of expressive spaces by merging the reality and the virtual, along with visual transitions. This study is significant in proposing a recreation of real space by integrating three-dimensional digital images into fashion design and applying assemblage techniques to expand the expressive space and realm of fashion design.

고령화 인구의 전 세계적인 증가 추세를 통해 장애 인구 비중 또한 더욱 빠르게 증가 될 것이 예상된다. 그러나 기성복의 제한된 사이즈와 기능성, 맞춤형 서비스의 부족으로 인해 장애 인구는 그들에게 적합한 의 류를 찾는 데 어려움을 겪고 있는 실정이다. 특히, 기성복 및 어댑티브 의류가 현재 중증 장애인의 수요를 충분히 반영하지 못하고 있기 때문에 수선 서비스는 필수적인 의복 제공 방법으로 이해될 수 있다. 수선은 훼손된 옷을 복구, 혹은 밑단의 수선, 옷의 사이즈·모양 등을 수정하는 등 의복을 더 나은 방향으로 변경하는 행위를 총칭한다. 본 연구는 시중에서 제공되는 장애인을 위한 수선 디자인을 유형화하고 수선 서비스 범위 를 확장하는 것을 목표로 한다. 또한 시장 조사와 선행 연구를 바탕으로, 다양한 신체적 역량과 경증부터 중증까지의 장애인을 고려하여 그들이 편안하게 의복 생활을 할 수 있도록 방법론적 정보를 제공한다. 장애 인을 대상으로 수선 서비스를 제공하는 해외 사이트 15개를 선별하여 내용 분석이 이루어졌다. 그 결과, 수선 위치, 사용된 여밈 도구, 사이즈와 비율을 조정하는 수선 방법 등 세 가지의 주요 의복 수선 유형이 나타났다. 본 연구의 결과는 장애인 및 간병인이 의복의 수선을 필요로 할 때 유용한 정보를 제공함으로써 장애인의 전반적인 삶의 질을 향상시키고자 하였다. 또한, 관련 의복 제품의 개발 및 수선자에게 중요한 방법론적 정보 를 제공하여 수선 서비스의 종류와 범위를 확대하고자 하였다. 이러한 맞춤 수선 서비스의 중요성과 이용 가능성에 대한 인식을 높여 대중에게 중요한 교육적 자료를 제공하고, 어댑티브 의류 제품에 대한 선입견을 줄이는 데 기여할 것으로 기대된다.

The global trend of an increasing aging population is expected to accelerate the growth of the disabled population. However, they continue to face challenges in finding suitable clothing due to the limited size options and functionality of the ready-to-wear market and the lack of tailoring services. Alteration services, in particular, are essential for addressing the clothing needs of people with severe disabilities, as standard and adaptive apparel often fall short. Alteration refers to activities that improve garments by restoring damaged clothes, hemming, mending, or modifying the size and shape of garments. This study aims to categorize commercially available alteration design methods for people with disabilities. Drawing on market research and previous studies, this research intends to provide methodological design information to enhance the clothing experience for individuals with varying physical capabilities, including those with mild to severe disabilities. Content analysis of the collected data identified three main types of garment alterations: the location of the alteration, the fastening tools used, and the methods for adjusting size and proportions. Fifteen international websites offering alteration services for people with disabilities were selected and analyzed. As a result, three main types of garment alterations were identified: alteration of garment locations, use of fasteners, and methods for adjusting size and proportions. The findings of this study are expected to provide useful information when they or their caregivers require garment alterations. Furthermore, this research aims to expand the types and scope of alteration services by offering important methodological information to developers and designers involved in the adaptive apparel industry. By raising awareness of the importance and availability of these customized alteration services, this study, eventually, is expected to serve as a valuable educational resource for the public and contribute to reducing prejudices against adaptive clothing products.

중국 패션 시장의 중요성이 높아지면서 외국 영화와 패션의 영향에 대한 연구가 필요하다. 본 연구는 중국 수입영화의 의상과 대중 유행의 관계를 분석하기 위해 문헌연구와 사례분석을 병행하였다. 개혁개방 이후 수입영화의 흥행과 주인공들의 패셔너블 스타일을 조사하고, 이를 통해 40년간 수입영화 의상이 중국 패션에 미친 영향을 분석한다. 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 1978년 개혁개방 이후 일본 영화가 큰 인기를 끌며 일본 배우들이 패션 선도자로 떠올랐다. 쿠리하라 코마키의 하프 트렌치코트와 테니스 치마, 모리오카 코사 이 스타일의 트렌치코트와 선글라스 등이 유행했다. 둘째, 1980년대 이후 서양 문화가 유입되면서 미국과 홍콩 영화의 영향으로 새로운 패셔너블 스타일이 등장했다. 1987년 미국 뮤지컬 영화 『브레이크』의 인기로 브레이크댄스와 관련된 패션이 유행했고, 1980-90년대 홍콩 영화의 인기로 꽃무늬 셔츠, 가죽 옷, 청바지 등 이 젊은이들 사이에서 유행했다. 셋째, 영국 영화의 흥행과 함께 ‘영륜풍'이 유행했다. 이는 영국 신사나 귀부 인의 품격과 귀족적인 기질을 표현하는 스타일로, 스코틀랜드식 스커트, 체크무늬 코트 등이 대표적이다. 21 세기 이후 『007』시리즈가 인기를 끌며 레트로 정장, 베레모 등이 유행했다. 넷째, 중국이 WTO에 가입한 후 할리우드 블록버스터 영화들이 대거 유입되면서 할리우드 영화의 전성시대가 열렸다. 톰 크루즈가 입은 캐주 얼 재킷, 가죽 옷, 청바지 등이 유행했고, 『미션 임파서블』과 『007』시리즈의 본드 걸들이 입은 화려한 의상은 명품 브랜드와 사치품의 개념을 소개했다. 이 연구는 외국영화가 중국 패션에 미친 다양한 영향을 조명함으로써, 중국 패션 문화의 형성과 발전을 심층적으로 이해하는 데 기여한다.

As the significance of the Chinese fashion market continues to grow, there is an increasing need to examine the influence of foreign films on fashion. This study combines literature review and case analysis to explore the relationship between the costumes in imported films and popular trends in China. By investigating the popularity of imported films and the fashionable styles of their main characters following the Reform and Opening-up, this study analyzes the impact of these costumes on Chinese fashion over the past 40 years. The key findings are as follows. First, since the 1978 Reform and Opening-up, Japanese films gained widespread popularity, with Japanese actors emerging as fashion trendsetters. Notably, Komaki Kurihara’s half trench coat and tennis skirts, as well as the Morioka Kosai-inspired trench coats and sunglasses, became fashionable. Second, following the 1980s, the influx of Western culture through American and Hong Kong films introduced new fashionable styles. The 1987 American musical film Breakin'popularized breakdancing and related fashion, while in the 1980s and 1990s, floral shirts, leather jackets, and jeans from Hong Kong films gained traction among young people. Third, British films also contributed to the rise of the 'British-inspired' trend, reflecting the elegance and aristocratic demeanor of British gentlemen and ladies. Representative items include Scottish skirts and plaid coats. After 2000, the popularity of the James Bondseries spurred the retro suit and beret trends. Fourth, following China's entry into the WTO, Hollywood blockbusters flooded the market, heralding the golden age of Hollywood in China. Casual jackets, leather outfits, and jeans worn by Tom Cruise became fashionable, while the glamorous attire of Bond girls in Mission Impossibleand the James Bondseries introduced the concepts of luxury brands and extravagance. By shedding light on the diverse ways foreign films have influenced Chinese fashion, this study contributes to a deeper understanding of the formation and evolution of Chinese fashion culture.

패션 사진은 사진작가에 의해 재현된 이미지로, 패션과 트렌드를 보여주는 역할을 수행하는 동시에 사진 작가의 의도와 목적을 반영한다. 과거, 남성 사진작가들은 패션 사진을 통해 수동적이고 타자화된 여성의 이미지를 연출해 왔다. 20세기 이후 페미니즘 이론가들은 남성 중심적인 사회 체계 속 가려진 여성의 존재와 여성성을 다시 드러내어 여성의 타자성을 전복시키려는 시도를 하였다. 정신분석 페미니즘 이론가 뤼스 이리 가라이는 지그문트 프로이트와 자크 라캉의 정신분석학 속 남근 중심주의를 비판하며, 여성과 남성의 성차를 기반으로 남성과는 구분된 독립적이고 특수한 여성성을 정의 내리는 것의 중요성을 강조하였다. 본 연구는 여성성을 재정의하고자 하였던 이리가라이의 페미니즘 이론을 중심으로 여성 사진작가의 패션 이미지에 나 타난 여성성 표현 경향을 확인하는 데 목적을 두고 수행되었다. 연구 수행을 위해 이리가라이의 이론을 고찰 하여 사진 분석에 대한 이론적 틀을 마련하였다. 이후 사진 분석을 목적으로 여성 패션 사진작가 10인을 선정 하고 860장의 이미지를 수집하였다. 수집된 이미지를 대상으로 패션 이미지에 나타난 다양한 여성성의 표현 을 확인하고 이리가라이의 ‘두 입술’ 이론을 바탕으로 여성성 표현을 해석하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 패션 사진에 자기긍정, 성적 표현의 표현이 나타나는 것이 확인되었다. 사진작가는 사회적인 미적 기준 이 아닌 다양한 여성 신체를 사진을 통해 재현하거나 여성의 성적 매력을 자연스럽게 표현하였다. ‘두 입술’ 은 맞닿아 있는 형상과 같이 스스로 성적 쾌락을 실현하고 여성성으로 해석된다. 패션 사진 속 여성 표현은 ‘두 입술’ 이론에서 나타나는 고유함과 복수성을 지닌 여성의 성적 욕망과 매력 표현으로 해석될 수 있다. 둘째, 패션 사진에 여성 연대, 여성 동성애의 표현이 나타나는 것이 확인되었다. 사진작가는 공간이나 소품을 활용하거나 모델의 신체 접촉, 실제 젠더 및 관계를 활용한 작업을 진행하였다. ‘두 입술’ 이론은 두 여성의 접촉으로 해석되기도 한다. 패션 사진 속 여성 표현은 '두 입술' 이론에서 나타나는 두 여성의 접촉, 즉 여성 애와 자매애로 해석될 수 있다. 본 연구는 패션 이미지의 표현 경향을 탐구하여 새로운 시각으로 패션 이미지 를 분석하고 의미를 해석하였다. 또한 예술과 미디어에서 재현되는 여성 이미지에 대한 논의점을 제시하고 다양한 표현의 여성 이미지를 고찰하였다는 데 의의가 있다.

Fashion photography, as a representation created by photographers, serves the dual role of showcasing fashion and trends while reflecting the photographer's intent and purpose. Historically, male photographers have often depicted passive and objectified images of women in fashion photography. Since the 20th century, feminist theorists have sought to subvert the concept of women's otherness within a male-centric societal structure by reasserting female visibility and femininity. Psychoanalytic feminist theorist Irigaray criticized the phallocentrism inherent in the works of Freud and Lacan, emphasizing the importance of defining a distinct and independent femininity based on sexual difference. This study aims to identify trends in the representation of femininity in the fashion images created by female photographers, using Irigaray's theory as a central framework. The study established a theoretical framework for analyzing photographs through a review of Irigaray's theories. It examined the various expressions of femininity in these fashion images and interpreted them through Irigaray's theory of the "two lips." The findings of this research are as follows: First, self-affirmation and sexual expression were evident in the fashion photographs. Photographers portrayed diverse female bodies and expressed women's sexual allure naturally, beyond the confines of societal aesthetic standards. The "two lips" metaphor, symbolizing self-realization of sexual pleasure, can be interpreted as a representation of women's sexual desire and allure in the photographs. Second, themes of female solidarity and lesbianism were observed in the images. Photographers utilized elements such as space, props, physical contact between models, and real-life gender dynamics and relationships. The "two lips" metaphor can also be understood as representing contact between two women, interpreted as expressions of sisterhood and female intimacy. This study contributes to a new perspective in the analysis and interpretation of fashion images, offering insights into the diverse representations of femininity in art and media.

본 연구는 패션에서 활발히 사용되는 슬로건 패션 중 한국과 중국의 온라인 쇼핑몰에서 판매되는 슬로건 티셔츠의 내용과 표현 특성을 분석하고자 한다. 한국과 중국의 패션에 나타난 슬로건을 비교 연구함으로써 그 내용과 표현 특성의 유사점과 차이점을 파악하는 것을 목적으로 한다. 이를 통해 한국과 중국 사회의 가치 관과 문화를 깊이 이해하는 데 기여할 수 있다. 연구 대상은 2021년 10월 7일부터 2023년 1월 7일까지 한국과 중국의 온라인 쇼핑몰에서 판매된 슬로건 티셔츠 651개로 설정하였다. 분석을 위해 본 논문에서는 슬로건을 1) 정치적 메시지, 2) 사회문화적 메시지, 3) 감성적 메시지, 4) 브랜드 메시지로 분류하였다. 분석 결과는 다음과 같이 정리된다. 1) 슬로건 티셔츠는 해당 사회의 정치적 상황과 종교·문화적 배경을 그대로 드러낸다. 2) 슬로건 티셔츠는 사회 환경의 변화를 반영하여, 그 시기의 사회적 이슈와 대중의 관심을 슬로건의 내용을 통해 알 수 있었다. 3) 슬로건 티셔츠의 형식적 표현은 공통점보다는 차이점이 더 많았다. 본 연구에서 두 나라의 문화적 차이를 발견할 수 있었으나, 인터넷 쇼핑 사이트에서 판매되는 티셔츠를 대상으로 분석하였기 에 일부 표현은 순화되거나 일반화되었을 가능성이 있다. 판매용이 아닌 실제 착용되는 스트리트 웨어로 슬 로건 티셔츠를 비교 분석하는 것도 향후 연구의 가치가 있을 것으로 보인다.

This study aims to analyze the content and expressive characteristics of slogan T-shirts sold in online shopping malls in Korea and China, which are commonly featured in fashion. By conducting a comparative study of the slogans that appear in the fashion of Korea and China, the study seeks to identify similarities and differences in their content and expressive characteristics. Through this analysis, it aims to contribute to a deeper understanding of the values and cultures of Korean and Chinese societies. The study targeted 651 slogan T-shirts sold in online shopping malls in Korea and China from October 7, 2021, to January 7, 2023. For the analysis, slogans were classified into four categories: 1) political messages, 2) socio-cultural messages, 3) emotional messages, and 4) brand messages. The analysis results are summarized as follows: 1. Slogan T-shirts directly reflect the political situation, religious, and cultural backgrounds of each society. 2. Slogan T-shirts, reflecting changes in the social landscape, provide insight into the social issues and public interests of the time through their content. 3. The formal expressions of slogan T-shirts showed more differences than similarities. This study identified cultural differences between the two countries; however, since the analysis was based on T-shirts sold on internet shopping sites, some expressions may have been refined or generalized. It would be valuable for future research to conduct a comparative analysis of slogan T-shirts worn as part of actual streetwear, rather than those sold for commercial purposes.

본 연구는 PolyJet 3D 프린팅을 패션디자인에 활용하여 패션 제품을 개발하고자 하였다. 연구의 목적은 PolyJet 3D 프린팅을 활용한 패션디자인 프로세스를 개발하고, 이를 통해 실용적인 패션 제품을 제작하여 기 술 상용화와 패션 산업에 기여하는 것이다. PolyJet 3D 프린팅 기술의 개념 고찰과 패션디자인의 활용 사례를 유형과 조형적 특성으로 나누어 분석하였다. 본 연구에서는 실습 기반 연구법을 통해 Stratasys사와 협업하여 J850 Prime Fabrix 3D 프린터를 사용해 7가지 원단 샘플과 2벌의 실용 의상을 제작하였다. 연구 범위는 PolyJet 3D 프린팅의 한 유형인 Direct-to-textile 기술로 한정하였다. 연구 결과, 첫째, PolyJet 3D 프린팅은 액상 아크릴 수지를 섬유 표면에 분사한 후 자외선으로 경화시키는 방식이다. 둘째, 이 기술을 활용한 패션디자인 사례의 유형은 3D 모델 방식과 Direct-to-textile 방식으로 나뉘며, 조형적 특징을 형태, 색채, 표면 효과로 나누어 분석 하였다. 셋째, PolyJet 3D 프린팅의 디자인 프로세스는 기존 원단 장식 프로세스와 유사하지만, 3D 모델링과 컬러링, 맵핑 등 디지털 단계가 추가되는 차이가 나타났다. 이 기술은 아직 출력 크기 제한, 인쇄 시간과 비용 문제, 접착력 부족 등의 한계를 가지고 있으며, 이를 해결하기 위해 원단을 접어서 출력하거나 부분적으로 3D 프린팅을 적용하는 방안이 제안되었다. 또한, 잉크젯 신소재와 원단 물성에 대한 후속 연구가 요구된다. 이 연구는 PolyJet 3D 프린팅의 상용화와 패션디자인 분야 확장에 기여할 수 있는 구조화된 프레임워크를 제공한 점에서 의의가 있다.

This study aimed to develop a fashion design process using PolyJet 3D printing and, through this, to create practical fashion products that contribute to the commercialization of the technology and advance the fashion industry. The concept of PolyJet 3D printing technology and its application in fashion design were analyzed by categorizing the cases based on their types and formative characteristics. In collaboration with Stratasys, seven fabric samples and two practical garments were produced using the J850 Prime Fabrix 3D printer through a practice-based research method. The scope of the study was limited to Direct-to-textile technology, a type of PolyJet 3D printing. The study results showed that, first, PolyJet 3D printing involves spraying liquid photopolymer resin onto the fabric surface and then curing it with UV light. Second, fashion design cases utilizing this technology are divided into those of the 3D model method and the Direct-to-textile method, with formative characteristics analyzed in terms of shape, color, and surface effect. Third, while the PolyJet 3D printing design process is similar to traditional fabric embellishment processes, it differs in that it incorporates additional digital stages such as 3D modeling, coloring, and mapping. However, the technology still faces limitations, such as output size restrictions, printing time and cost issues, and insufficient adhesion. To address these challenges, methods such as folding the fabric during printing or partially applying 3D printing have been proposed. Additionally, further follow-up research on new inkjet materials and fabric properties is needed. This study is significant in providing a structured framework that can contribute to the commercialization of PolyJet 3D printing and the expansion of its applications in the fashion design field.

본 연구는 가상 인플루언서의 페르소나 유형을 분석하고, 기업이 페르소나를 접목한 AI 가상 인플루언서 를 제작하는 데 필요한 기초 자료를 제공하는 것을 목적으로 한다. 연구 방법으로는 국내·외 기사를 통해 가상 인플루언서의 최근 동향과 사례를 조사하였으며, 선행연구에서 적용된 롤랑 바르트의 기호학적 분석 틀과 Stone and Stone의 9가지 페르소나 분석 유형을 활용하여 가상 인플루언서 릴 미켈라와 이마, 아이타나 로페즈의 인스타그램 게시물 이미지와 문구를 분석하였다. 연구 결과 첫째, 릴 미켈라는 유희적 어린이 페르 소나와 보호통제 페르소나, 민감한 어린이 페르소나가 도출되었음을 확인하였다. 이는, 자유로운 이미지를 통해 젊은 세대와 소통하며, 진정성 있는 자기표현과 자기관리의 중요성을 반영한다. 둘째, 이마는 유희적 어린이 페르소나와 히피지향 페르소나, 성취지향 페르소나가 도출되었음을 확인하였다. 이는, 놀이와 상상력, 다양한 문화적 경험을 통해 자유를 추구하고, 끊임없는 자기 계발과 긍정적 태도로 소비자들에게 자신감과 동기부여를 제공한다. 셋째, 아이타나 로페즈는 유희적 어린이 페르소나와 보호통제 페르소나, 성취지향 페 르소나가 도출되었음을 확인하였다. 이는, 모험과 자유를 추구하는 모습과 아름다운 외모를 강조하고, 목표 를 향해 도전하며 자기관리의 중요성을 나타낸다. 이들에게 공통적으로 나타나는 페르소나는 유희적 어린이 페르소나로, 3인의 가상 인플루언서 모두 자유롭고 개성 있는 자기표현을 통해 소비자들과 사회적 유대감을 형성하고 있음을 확인하였다. 이를 통해 본 연구는 가상 인플루언서의 페르소나 분석이 디지털 마케팅에서 중요한 역할을 한다는 것을 시사하며, 기업이 가상 인플루언서를 활용할 때 페르소나의 중요성을 고려해야 함을 제언하고자 한다.

This study aims to analyze the persona types of virtual influencers and provide foundational insights for companies seeking to develop AI-based virtual influencers with integrated personas. To this end, recent trends and case studies of virtual influencers were examined through a review of both domestic and international articles. Using Roland Barthes' semiotic analysis framework and the nine persona types identified by Stone and Stone, this study analyzed the images and captions from the Instagram posts of virtual influencers Lil Miquela, Imma, and Aitana Lopez. The results reveal the following: First, Lil Miquela embodies a playful child persona, protective persona, and sensitive child persona. This combination allows her to connect with younger audiences through a sense of freedom while emphasizing the importance of authentic self-expression and self-discipline. Second, Imma exhibits a playful child persona, hippie-oriented persona, and achievement-oriented persona. She uses playfulness, imagination, and diverse cultural experiences to pursue freedom, and her continuous self-development and positive attitude offer consumers a sense of confidence and motivation. Aitana Lopez also displays a playful child persona, along with a protective persona and an achievement-oriented persona. Her personas highlight a spirit of adventure and freedom, emphasizing both her attractive appearance and her dedication to achieving goals and maintaining self-discipline. A common thread among these influencers is the playful child persona, which reflects their ability to express individuality and freedom. This approach helps them establish emotional connections with their audience. That study suggests that persona analysis plays a crucial role in digital marketing, and that companies should consider the significance of personas when leveraging virtual influencers.