Earticle

고전 역사물 공연의상의 경우 재현에 충실해야하므로 작품에 대한 이해와 더불어 복식사적 배경은 물론 고증에 관한 전문적인 지식이 필요하다. 소설 ｢레 미제라블｣은 대중들의 관심이 큰 작품이며 흥미 있는 연구주제임에도 불구하고 국내외 연구는 미비한 편이므로 연구가 요구된다고 하겠다. 본 연구는 이미 공연된 뮤지컬 및 영화 등의 무대의상을 자료로 하는 기존의 분석방법을 따르지 않고, 시대 및 복식배경의 사적 고찰을 바탕으로 원작 분석에 중점을 두었으며, ｢레 미제라블｣에 표현된 등장인물의 특성과 의상표현을 분석하므로 고증자료는 물론 공연의상에 실제적으로 활용 가능한 자료를 개발한다는 점에서 그 의미가 있다고 하겠다. ｢레 미제라블｣ 전 6권의 180부분에서 발췌된 글 자료를 기초자료로 분석하였고 삽화 150여 점을 참고하였다. 첫째, 시대 및 복식배경에 대한 사적 고찰로 소설에 대한 이해를 높인다. 둘째, 자료 발굴 및 분석 단계에서는 소설의 전반적인 구성 및 줄거리를 파악한 후, 주요 등장인물의 연령, 성별 및 각 인물의 신분이나 직업 등의 사회･문화적인 배경과 소설 속에 직접적으로 나타난 성격 표현을 발췌하여 주요 등장인물의 특징을 분석한다. 또 주요 등장인물의 상황별 의상표현 분석에 의한 전체적인 의상형태 및 분위기 특징을 파악한다. 셋째, 분석 및 종합 단계에서는 등장인물의 특징, 의상표현 분석으로부터 주요 등장인물의 의상 이미지 컨셉을 도출하고, 상황별로 등장하는 의상의 아이템, 색채, 소재, 액세서리 등을 분석하고 종합한다. 발췌문 180부분의 분석을 통해 주요 등장인물 6인의 연령, 성별 및 사회･문화적인 배경, 성격 특징과 각 인물의 상황별 의상표현이 파악되었다. 등장인물의 이미지 컨셉 및 의상 분석 및 종합 결과, 소설의 세밀한 의상표현을 통해 시대 기본 유형을 따르고 있지만 상황에 따른 성별, 연령별, 계층별로 다양한 복식의 차이점을 파악할 수 있었다.

The novel titled ｢Les Misérables｣ is a work in which people have great interest, and is an interesting research theme. Nevertheless, there is a lack of both domestic and international studies on the topic, creating a demand for related research. This study focused on analyzing the original novel based on historical consideration of the period and costume background, instead of following preceding analytical methods that focused on materials such as stage costumes in musicals or films. It analyzes the characteristics of the characters as expressed in ｢Les Misérables｣, and the costume descriptions. Thus, it can be said that the study is significant for it will help with development of performance costume and provide materials of historical research. The analysis was based on 180 excerpts from six 6 volumes of ｢Les Misérables｣. Around 150 different episodes in the book were referred. First, historical consideration of period and costume background increases understanding of the novel. Second, understanding of the entire construction and plot of the novel is gained through the stage of excavating and analyzing materials, which includes extracting social and cultural background and analyzing characteristics of the main characters. Also, this method examines the general costume style and mood characteristics by analyzing the costume expression of the main characters according to situation. Third, in the stage of analyzing and synthesizing, the costume image concepts of the main characters are clarified through analysis of costume according to situation. By analyzing 180 different excerpts, the age and gender of the main characters, social and cultural background, personality characteristics, and each situation-based costume expression of each character were examined. As a result of analyzing and synthesizing image concept and costume of the characters, the detailed costume expressions in the novel were found to include diverse costumes according to gender, age, class and situation, even if not necessarily following the basic style of the period.

오늘날 남성복에서 품위와 개성을 나타내는 필수적인 아이템인 넥타이는 17세기 크라바트에서 시작되었다. 크라바트는 현대 타이의 전신으로 남성의 미적 센스를 보여주는 중요한 아이템인데도 불구하고 복식미적 접근이 많지 않은 상황이다. 의상의 복식미는 다른 조형예술에 비해 실용성이란 목적에서 다소 소홀히 다루어져 왔으나 현대에 이르러서는 실용적 목적을 지나 치장하는데 무게를 둔 미적 가치를 지니게 되었으며 의상의 복식미에 관한 연구가 점차 활발해졌다. 그러나 패션소품으로 중요한 위치의 넥타이의 미적 특성을 연구한 자료는 부족한 실정이다. 특히나 미적 범주로 나뉜 특정의 미를 넥타이에 결부시켜 연구한 자료는 많이 부족한 상태이다. 이러한 시점에서 남성복의 비중있는 장신구인 넥타이의 전신인 크라바트의 우아미를 연구하는 것은 장신구의 의상 소품으로서의 중요성을 재확인하는데 의미 있을 것이다. 본 연구의 목적은 17세기 발생된 크라바트의 종류와 변천을 알아본다. 둘째, 크라바트의 미적 범주를 알아봄으로써 패션소품이 의상에서 지니는 비중을 알아본다. 셋째, 로코코 크라바트의 미적 특성과 우아미를 살펴봄으로써 미학적 측면과 패션소품이 결부 되어 지니게 되는 그 예술적 가치를 확인한다. 본 연구는 다음과 같은 결론을 얻을 수 있었다. 첫째, 의상의 변화에 따라 늘 변천해왔던 크라바트의 종류와 변천을 살펴봄으로써 패션소품이 의상 못지않은 민감한 유행 주기를 갖고 있다는 것을 확인했다. 둘째, 크라바트도 시대의 의상처럼 미적 범주가 적용됨을 확인하여 패션소품의 중요성을 재조명해 보았다. 셋째, 로코코 시대의 크라바트의 조형성이 어떻게 우아미와 연결되어 있는 알아봄으로써 미학적 측면과 패션 소품이 결부되어 그 예술적 가치를 지니고 있다는 것을 확인했다.

The current form of neckties originated from cravats of the 17th century, which respect individuality, allowing men to pursue one’s own character and style. When cravats were first introduced to royalty, they were simply considered as one of many fashion accessories, but as time went on, they were worn as a part of formal wear that shows authority. Although the modern day presents more varied and liberal designs for neckties, there is a lack of studies on the aesthetics of costumes, especially in the field of aesthetics of ties and cravats. Thus, it would be meaningful to confirm the weight of ties as a fashion accessory by analyzing aesthetics of cravats that have been developed as ties. Hence, the purpose of this study is as follows. First, studying the aesthetic characteristic of cravats of the 17th century to understand influences from the aesthetics of costumes and art and prove the importance of fashion accessories as an independent fashion item. Secondly, this study aimed to examine changes in cravats in order to find out the artistic value of cravats as a fashion item. This study reached the following conclusions. First, this study confirmed the trend of cravats in fashion by reviewing changes of cravats that were influenced based on shifts in fashion. Secondly, this study illuminated the aesthetic value of cravat design beyond the notion of a simple accessory. Lastly, this study proved the firm relationship between aesthetic value and cravat design by analyzing the relation between the formative aspects and graceful aesthetic of cravats of the Rococo period.

본 연구는 이집트의 마지막 파라오였던 클레오파트라의 이미지를 모티브로 진행한 패션디자인 연구이다. 이는 브랜드 디자인 진행과정에서 콘셉트 도출 과정을 표본화 하여 제시함으로써, 각 패션 브랜드 및 디자이너의 패션디자인 전개 프로세스 중 도입부인 메인 콘셉트를 합리적으로 성립할 수 있게 함에 그 목적이 있다. 다문화적 코드를 함양할 수 있는 콘셉트 표본으로 클레오파트라를 선정하여, 클레오파트라 생존 시기 당대의 시대상과 현대에 이르기까지의 클레오파트라의 이미지 형성과정을 검토해보고, 현대여성으로서 클레오파트라는 어떠한 여성으로 재탄생할 수 있을지 해석해보았다. 여기서 추출된 이미지들을 콘셉트로 정리하여 3가지 방향성을 제시한 후, 이렇게 정리된 콘셉트와 함께 시대에 부합하는 패션디자인 상품으로 만들어내기 위하여 2012년 트렌드를 분석하여 적용시켰다. 클레오파트라를 통해 도출한 3가지 이미지는 첫째 다양한 문화가 혼재된 크로스오버 이미지, 둘째 남성을 능가하는 리더십과 지력을 지닌 페미니스트 이미지, 그리고 셋째 매력적이고 아름다운 여성으로서의 관능적 이미지이다. 이러한 클레오파트라 콘셉트의 3가지 방향성을 적용하여 고대이집트 쉬스스커트(sheath skirt)와 현대의 테일러드 재킷의 크로스오버 디자인, 고대이집트의 웨세크(wesekh)와 현대의 고어드원피스 크로스오버 디자인, 그리스 민속복식 새쉬벨트(sash belt)와 현대복식 드레스셔츠의 크로스오버까지의 3가지 디자인을 전개하였다. 콘셉트 도출을 위해 하나의 키워드가 정해지면, 이에 대한 역사적 조사와 함께, 사회적으로 통용되는 의미성을 정립해야 하며, 여기서 도출된 콘셉트는 반드시 선행 트렌드 조사에서 얻어진 결과물과 합성되어 디자인으로 표현되어야 한다. 본 연구는 콘셉트 도출, 트렌드 분석 및 적용, 그리고 디자인까지의 과정을 진행함으로서 콘셉트 도출과정의 표본을 제시하고자 하였다.

This research shows the use of Egypt's last Pharaoh, Cleopatra VII, as a motif in fashion design. It will sample and present the method of concept deduction during the process of design and aim to present a rational method of creation of a main concept of fashion design by a designer. First of all, Cleopatra was selected for a theme with a multi-cultural code. Cleopatra’s image during the Hellenistic period was investigated and compared with her present image. Then, how Cleopatra would look if she were reborn in the modern era was studied. Various possible images were extracted and organized into 3 different directions, and fashion trends of 2012 were analyzed for application in the process of fashion goods production. The three images that were deduced from Cleopatra were a crossover from her multi-cultural image, an image of feminist leadership and intelligence, and a charming, beautiful and sensual image. By applying the three images, the following fashion designs were presented. First, a crossover-designed tailored jacket and ancient Egypt sheath skirt, second, an ancient Egypt wesekh crossed over with a gored dress, and third, a Greek sash belt crossed over with a modern dress shirt. Selection of key words during concept deduction establishes semanticity that is used widely used to study historical background. The concepts deduced in this research were combined with information obtained from previous trend investigations and expressed through design. This research covers the process of concept deduction, trend investigation, trend application and fashion design.

본 연구는 현대의 새로운 패러다임인 디지털시대를 중심으로 동시대의 문화･사회적 패러다임 속에서 외형적 유사성을 보이고 있는 패션과 건축의 상호유사성을 토대로 건축적 패션을 연구하였다. 이를 위해, 디지털의 특성을 디지털시대의 문화와 디지털 예술을 바탕으로 살펴보았다. 또한 시대별 건축적 패션을 토대로 디지털시대에 나타난 건축적 패션의 출현의 근거를 제시하였고, 건축과 패션의 사례분석을 통해 표현특성을 도출하였다. 따라서 디지털시대에 나타난 패션을 물리적･하이 테크놀러지를 통해 움직임을 활용한 패션디자인과 발광형･투사형의 빛을 활용한 패션디자인, 컴퓨터와 디지털 기술을 활용한 기능성을 강조한 패션디자인으로 분류하여 분석한 결과, 이동성, 비물질, 표피성, 지능성이라는 표현특성을 도출하였다. 이러한 디지털시대에 나타난 건축적 패션은 디지털의 특성인 이동성, 변형의 용이성, 상호작용성이 다양한 표현특성에 반영되었다. 건축에서는 움직임이 도입되어 고정된 건축 사고에서 벗어난 구조의 변형으로 이동성이 강조되었고, 이는 패션에서도 적용되어 물리적 움직임과 하이 테크놀러지를 통한 패션디자인을 추구하여 이동성과 비물질, 표피성의 특성을 나타냈다. 발광형과 투사형의 건축은 패션에서도 유사하게 나타나며 비물질과 표피성을 강조하였고, 첨단 소재와 테크놀러지를 활용하여 기능성을 강조한 패션디자인은 컴퓨터와 디지털 기술을 통한 지능형 건축과 유사성을 갖고 이동성과 지능성을 추구하였다. 이와 같이, 디지털시대의 건축적 패션은 건축과 패션의 상호유사성을 통해 움직이고 있으며, 디지털 기술의 발달에 따라 새로운 표현 방법의 시도 및 확대 등으로 그 영역을 넓히고 있다.

Fashion and architecture share a fundamental quality as they are both based on a concept of a human body, dimension and movement, in order to accomplish a three-dimensional figurative outcome that embodies rationality and aesthetic value. Elements of each subject influence one another, providing inspiration for each other. Both fashion and architecture have shown similarities in appearance within social and cultural paradigms of our time, and there have been steady discussions of similarities in form and structure between fashion and architecture. The aim of this study is to examine architectural fashion in a digital era, with consideration of common qualities and the relationship between fashion and architecture. Characteristics of the digital age were first examined from the perspective of digital art and culture, and the study also examined the emergence of architectural fashion, referring to historic materials on the periodic styles of architectural fashion. Fashion in a digital era can be categorized into fashion that utilizes elements of high technology, fashion that makes use of radiant, projective light, and fashion that emphasizes the functional aspect of digital technology. The following expressive properties were drawn based on examination of each category: mobility, non-materiality, superficiality and intellectuality. Architectural fashion in the digital age seems to reflect prominent qualities of the digital age such as mobility, easy of transformation and interactivity. In terms of architecture, flexibility was much emphasized to allow various spatial layouts. A similar trend was applied to the world of fashion as designers pursued designs reflecting physical movement and high technology. As a result, mobility, non-materiality and superficiality became important factors. Radiant and projective elements of architecture also became noticeable in the realm of fashion. Fashion design that emphasized functions using cutting edge materials and technology sought after mobility and intellectuality, emulating computer-based intelligent architecture. Architectural fashion in a digital era operates on a principle of a relationship of exchange between architecture and fashion, expanding its scope with new methods of digital expression. Further development in fashion design should pursue progressive aesthetic value, and stress the emotional aspect of fashion that fulfills people's inner desires and sensibility.

본 연구의 목적은 국내에 도입되어 있는 SPA 브랜드들을 대상으로 SPA 브랜드 매장의 VMD에 대한 소비자 평가와 이에 따른 제품평가 및 구매 선호도의 영향관계에 대해 살펴보는 것이다. 또한 SPA 브랜드의 유형에 따른 소비자의 VMD 평가와 제품평가 그리고 구매 선호도의 차이를 비교하고자 한다. 실증적 연구를 위해 사용될 상표의 선정을 돕기 위해 전문가 자문과 패션 유통 관련 2차 자료를 검색하여 국내에서 유통되는 10개의 SPA 브랜드를 선정한 후, SPA 브랜드의 주 고객 연령층인 20대~40대 여성을 대상으로 자기 기입식 설문작성을 하도록 유도하여 유효 데이터만을 추출해냈다. 본 연구결과는 다음과 같다. SPA 브랜드의 VMD 평가에 대한 요인 분석결과 ‘공간구성 및 정보성’, ‘연출 및 유행성’, ‘전반적인 매장분위기’의 3가지 요인이 추출되었으며, SPA 브랜드의 제품평가에 대한 요인 분석결과 ‘감성적 제품평가’, ‘기능적 제품평가’의 2가지 요인이 추출되었다. VMD 평가를 구성하는 하위차원들은 제품평가의 각 차원에 모두 영향을 주며, 제품 평가의 각 차원은 모두 구매 선호도에 영향을 주었다. 특히 주목할 부분은 VMD 평가차원 중 공간구성 및 정보성 요인은 구매 선호도로의 직접경로뿐 아니라 제품평가의 두 가지 차원인 감성적 제품평가와 기능적 제품평가를 매개로 한 간접경로가 모두 관찰되었다는 것이다. 이는 매장의 역할이 더욱 중요하게 부각되는 SPA 브랜드의 경우 매장의 공간구성 및 상품에 의한 정보전달만으로 소비자의 구매의사결정을 이끌어 낼 수 있다는 것을 의미한 것으로서 단순히 VMD가 상품의 연출 및 유행성을 보여주는 심미적 평가의 부각으로는 구매 욕구를 자극하기에 부족하다는 것을 시사한다.

The purpose of this study is to investigate consumers’ evaluation of the VMD of SPA brands and examine the effect their evaluation has on product evaluation and purchase preferences, focusing on SPA brands introduced into Korea. In addition, it compares the difference between consumers’ evaluation of the VMD and products according to type of SPA brand by comparing the differences in VMD evaluation, product evaluation and purchase preferences according to consumers’ shopping tendencies. 10 SPA brands distributed in Korea were selected based on consultations with experts and a search for second stage data related to fashion distribution to help select brands used for an empirical study. Then, women in their twenties to forties, the main age customer groups of SPA brands, filled out self-entry typed questionnaires and the results were used to extract only valid data. The results of this study are as follows: As a result of analyzing factors for the VMD evaluation of SPA brands, three kinds of factors were extracted - ‘space layout and information factor’, ‘display and trend factor’ and ‘store atmosphere factor’. As a result of analyzing factors for the product evaluation of SPA brands, two kinds of factors were extracted, such as ‘emotional product evaluation’ and ‘functional product evaluation’. All the sub-composition dimensions of VMD evaluation had an effect on all the sub-composition dimensions of product evaluation and sub-composition dimensions of product evaluation had an effect on the purchasing preferences as well. Moreover, out of the sub-composition dimensions of VMD evaluation, the ‘space layout and information factor’ was observed not only to be a direct course to purchase preferences, but also to be an indirect course mediating the sub-composition dimensions of product evaluation. For SPA brands that highlight the role of a store more than anything else in particular, just the space layout and information factor can induce a decision to make a purchase in consumers, which implies that aesthetic VMDs that only display products and trends are not good enough to lead to purchases.

오늘날은 산업화와 과학기술의 발달로 문화가 다변화되고 있다. 패션 일러스트레이션도 더불어 다양한 변화로 하나의 창조활동으로 예술성을 전달하고 패션의 이미지를 창출하는 표현 예술분야로 발전하고 있다. 빠르게 변하는 패션의 방향성에 초점을 두고 표현의 자율성과 독자적인 표현으로 발전시켜 패션 일러스트레이션의 기능적, 예술적 가치를 공유하고 있다. 또한 패션 일러스트레이션은 작가의 개성 표현과 이미지를 대중에게 전달하는 목적을 위해 다양한 표현기법을 등장시켰다. 그 예술적 가치가 높아짐에 따라 컴퓨터 그래픽과 전통적인 표현 기법도 새로운 재료의 선택과 시각적 효과를 높일 수 있는 특색 있는 표현 기법의 개발을 통해 하나의 조형 활동으로 예술적 범주를 넓혀 가고 있다. 일상과 밀접한 종이는 자연스럽게 인간의 삶에 스며들어 있고 형태의 변형이 자유롭고 쉽게 다룰 수 있다. 예술 분야에서도 종이는 예술표현의 매체로 독자적인 조형 형태를 갖추고 그 가치를 발휘하고 있다. 이에 종이조형기법의 한 분야인 페이퍼 컷 아웃은 종이를 재료로 가위나 칼로 종이를 오려내 원하는 평면적 조형을 입체적 조형으로까지 표현이 가능한 기법이다. 특히 근대에 이르러 예술가들은 과거의 페이퍼 컷 아웃 기법의 입체성, 시간, 공간성등과 관련된 가치를 전면적으로 파악하고 재인식을 하고 있다. 본 연구에서는 꽃을 모티브로 인체에서 곡선미와 율동미가 있는 다리에 창의적이고 개성적인 표현을 위해 평면적 기법을 탈피하여 기본재료로 종이로 하여 페이퍼 컷 아웃 기법을 통해 새로운 표현 방법을 개발함으로써 패션 일러스트레이션의 독창적이고 창의적 기법으로 확립시켜 새로운 조형세계를 창출하고 그 예술적 가치를 높이는데 의의가 있다.

Industrialization and development of science and technology today are leading to diversification of culture. Fashion illustration is also changing, with a variety of creative activities relaying artistry and personal expression, to create an image of fashion as art. Fashion illustration also expresses the artist's personality and image to the public through various new techniques. The artistic value of fashion illustration has increased. From traditional representation to computer graphics and the selection of new materials and techniques, development of distinctive expression techniques in expanding artistic categories increases visual impact. In the field of art, paper is recognized for its value as an independent form of artistic medium. Paper cut-out is a method of paper sculpting that uses paper as materials and cuts the paper using scissors or a knife to turn the two-dimensional form into a three-dimensional form of expression. Artists in the modern age are especially understanding and re-recognizing the values related to the paper cut-out technique, such as three-dimensionality, time and space. In this study, floral motifs were used on the legs, a part of the human body with curves and movement, to create a unique method of expression that breaks away from two-dimensional techniques based on paper and the paper cut-out technique. The significance of the study is in creating a new world of formative expression by developing a fashion illustration method that uses new techniques and thus increasing the value of fashion illustration.

20세기에 접어들면서 민족주의의 등장과 더불어 아시아지역이 정치, 경제 등 세계사적으로 중요한 위치로 부각되기 시작하고 포스트모더니즘과 같은 문화요인과 결합하면서 아시아 풍은 세계의 문화를 선도하는 하나의 문화사조로 자리 잡게 되었다. 이에 본 연구의 목적은 현대 패션에 적용 가능한 아시아지역 민족복식의 조형적 특징을 추출하여 디자인을 개발함으로써 아시아지역 복식의 융합된 형태를 반영한 상품 기획에 도움이 되고자한다. 연구의 범위는 16세기말∼19세기의 아시아 민족복식에 관한 선행논문과 문헌자료를 통한 이론적 고찰과 2000년대 이후의 현대 패션에 나타난 아시안 룩의 사례를 분석하였다. 그 결과 현대 패션에 적용 가능한 아시아지역 민족복식의 조형적 특징을 첫째, 직선적 실루엣의 비구조적인 평면성 둘째, 유기적인 율동미 셋째, 형태의 가변성으로 도출하였다. 이러한 3가지 조형적 특징을 토대로 형태적 접근 가능성을 모색하여 아시아지역의 민족복식을 응용한 10종의 디자인을 개발하였다. 본 연구 결과를 통해 현대 패션에 적용 가능한 아시아지역의 민족복식을 응용한 패션디자인 작품제작 연구 결론은 다음과 같다. 첫째, 평면형의 직선적인 실루엣을 통한 공간적인 형태미는 아시아 룩의 전통미를 표현해 주는 동시에 현대 패션의 조형적 요소로도 활용되고 있어 현대적인 재해석을 할 경우 그 가능성이 무한하다. 둘째, 아시아지역의 민족복식에서 보이는 자유로운 여밈은 다양한 비균제적인 미를 표현하는 방법이며 특히 현대적인 이미지로 비례, 균형, 율동미 등을 적절하게 표현한다면 그 가능성을 기대할 수 있을 것이다. 셋째, 비구조적인 평면성을 통해 근본적인 선을 발전 변형시킨 디자인 개발은 현대적 감각으로 재구성이 가능하여 패션 테마의 다양성과 확대가 높다는 특징이 있다.

In the 20th century, Asia started to stand out as an important position historically in terms of politics and the economy, and Asian style surfaced as one of the cultural trends that leads global culture as it combines with cultural factors such as modernism. The purpose of this study is to aid planning of a product that reflects a mixed form of costume history of Asia by developing a design based on the formative characteristics of ethnic costumes of the Asian region which can be applied to contemporary fashion. Theoretical examination and analysis was conducted on cases of Asian style presented in contemporary fashion since the year 2000 and through precedent studies and literature about ethnic costumes of Asia from the end of the 16th century to 19th century. The results show that the formative characteristics of ethnic costume of the Asian region that can be applied to contemporary fashion are as follows: first, a plaintive planar characteristic of a linear silhouette, second, organic rhythmical beauty, third, variability of form, and fourth, symbolic expression of external elements. 10 types of designs that applied ethnic costumes of Asia were developed through formative approaches based on the four formative characteristics above. The conclusion of this study of fashion design production that applies ethnic costumes of the Asian region to contemporary fashion is as follows: First, the formative beauty of space implemented through a planar straight line is utilized as a sculptural element of contemporary fashion while simultaneously highlighting the features of Asian tradition, and thus offers limitless potential when re-interpreted to a contemporary perspective. Second, the free adjustment in the ethnic costumes of Asia is a way of expressing diverse asymmetric beauties, and if expressed properly with the use of elements such as proportion, balance and motion from a contemporary perspective, presents limitless potential. Third, designs developed through modification of base line on a non-structural plane can be re-organized in a contemporary sense, and can accommodate extensive themes of fashions.