Earticle

본 연구는 고령자의 건강한 노화와 자립적 생활 지원을 목표로, 의복을 단순한 피복이 아닌 ‘상시 인터페 이스’로 재정의하고 요구–설계–검증을 통합하는 체계적 접근 방법을 제시하였다. 연구의 목적은 고령자의 신체 기능 저하와 환경 제약(온·습도, 보행, 착탈의 등)을 보완할 수 있는 기능성 의복의 설계 원칙과 절차를 정립하는 데 있다. 이를 위해 고령자 의복의 기능적 요구를 이동성·균형, 의복 기후, 피부·위생, 착탈의·사용 성, 안전·모니터링, 착용 만족도의 6개 측면으로 구조화하였다. 각 요구에 대응하는 12개 디자인 원칙을 도출 하고, 고령자-활동-환경 기반의 가중치를 적용하여 우선 순위를 산정하였다. 상위 원칙은 정량 설계 파라미터 로 치환되었으며, 시나리오별 성능 목표와 프로토타입 사양(야간 보행 안전형, 민감 피부 실내용, 작은 힘·신 속 착탈형, 하계 이동성·계단형, 케어 연동 센싱형)은 압박 1–3 kPa, 재귀반사휘도계수 RA ≥ 330 cd·lx⁻¹·m⁻², ROM +5–10°, 경표피수분손실 증분 < 5 g·m⁻²·h⁻¹ 등의 정량 경계값과 표준 시험으로 규정하였다. 또한, 공통 바디 패턴과 표준 모듈 슬롯 기반 플랫폼, 총소유비용 관점의 가치 제안, 규제·표준 준비를 포함한 3단계 확 산 로드맵을 제시하였다. 설계 관점에서는 기능 모듈화·공정 통합·표준 부자재, 이중락·스냅락·세탁 전 분리 절차와 라벨링 가이드를 통해 비용·사용·세탁·규제 리스크를 선제적으로 완화할 수 있도록 하였다. 본 프레 임워크는 고령자 맥락에 최적화된 기능성 의복의 설계 의사결정을 표준화하고, 재현 가능한 검증과 비용 효 율적 보급을 가능하게 할 잠재력을 가진다. 다만, 다기관 검증과 장기 순응도·비용–효과 자료의 부재 등은 한계로 남아 있으며, 후속 연구에서는 다지역 파일럿·장기 추적, 개인 맞춤 고령자-활동-환경 가중치와 시뮬 레이션 기반 설계 탐색, 표준 상호 인정 체계 구축을 진행하고자 한다

This study aims to support healthy aging and independent living in older adults by reframing clothing as an always-on human–skin interface that integrates needs, design, and verification into a unified framework. The research proposes a set of functional clothing design principles and procedures that address the physical and environmental limitations of older adults. Functional requirements were structured into six domains—mobility and balance, thermal microclimate, skin health and hygiene, donning–doffing and usability, safety and monitoring, and user satisfaction. Building on these, twelve design principles (DP1–DP12) were derived, and their relative importance was prioritized using a Person–Task– Environment (PTE) weighting scheme (P 0.40, T 0.35, E 0.25). The upper-tier principles were translated into quantitative design parameters, with scenario-based specifications and performance targets defined by standard test boundaries— localized pressure 1–3 kPa, retroreflective luminance coefficient RA ≥ 330 cd·lx⁻¹·m⁻², range of motion +5–10°, and transepidermal water loss < 5 g·m⁻²·h⁻¹. A modular platform using a common base pattern and standardized component slots (e.g., reflective, ventilation, closure, sensor modules) was proposed, together with a three-phase diffusion roadmap encompassing cost, usability, and regulatory readiness perspectives. From a design standpoint, risk factors related to cost, use, washing, and regulation were mitigated through functional modularization, process integration, standardized trims, and detachable pre-wash components. The proposed framework provides a standardized and reproducible decision-making process for functional clothing design in aging contexts and offers practical potential for scalable, cost-efficient dissemination. Limitations include the lack of multicenter validation, long-term adherence and cost–effectiveness data, and limited generalizability across climate, culture, and body types. Future research seeks to conduct multicenter pilots, longitudinal tracking, personalized PTE weighting with simulation-assisted design exploration, and international harmonization of test standards.

애니메이션에서 전통 복식은 단순한 장식이나 시대적 배경 재현의 요소를 넘어 문화를 시각화하고 정체성을 구성하는 핵심적 장치로 기능한다. 특히 복식은 인물의 사회적 위치, 문화적 소속, 가치 체계, 권력 관계 등을 표상하며, 서사 전개 과정에서 주체의 정체성이 형성되고 규율되는 방식을 구체화하는 매개체로 작동한 다. 이에 따라 본 연구는 󰡔가구야공주 이야기󰡕에 등장하는 주니히토에를 분석 대상으로 설정하고 해당 복식 이 민족성과 주체성을 협상하는 복식 알레고리로서 어떠한 기능을 수행하는지를 탐구한다. 본 연구에서 복식 알레고리는 미디어 콘텐츠 속에서 복식의 착용과 변형을 통해 인물의 감정과 서사를 드러내고, 이미지와 기 호의 조합을 통해 사회적·이데올로기적 의미를 은유적으로 구성하는 표현 방식으로 정의한다. 연구 방법으로 는 작품 내에서 전통 복식이 서사적으로 중요한 역할을 수행하는 11개의 주요 장면을 선정하여 장면 구성, 인물의 행위, 복식의 착용과 변형 양상을 분석하였다. 이를 통해 주니히토에가 전통과 민족 정체성의 내면화, 거부, 재수용이라는 복합적 과정을 서사적으로 가시화함을 확인하였다. 분석 결과, 전통 복식의 의례적 착용 은 사회 규범과 민족성을 자연화하고 주체 내부에 주입하는 기능을 수행하는 반면, 복식의 제거는 기존 전통 질서에 대한 저항의 가능성을 상징한다. 또한 복식의 재수용 과정은 전통과 민족성이 다시 주체 내부로 재주 입되고 내면화되는 순환 구조를 구성하는 장치로 작동한다. 이는 전통 복식이 문화유산이나 미적 요소를 넘 어 사회적 의미와 주체성을 형성하는 서사적 장치로 기능한다는 점을 시사하며, 애니메이션이라는 매체 안에 서 복식, 정체성, 문화 재현이 상호작용하는 방식을 구체적으로 드러낸다. 궁극적으로 본 연구는 현대 미디어 에서 전통 의상이 민족성과 정체성을 시각화하는 알레고리적 상징으로 기능함을 밝힘으로써 전통 복식에 대한 비판적 분석의 기초 자료를 제공하고 문화 재현에 대한 폭넓은 논의에 기여한다.

Traditional dress in animation functions not merely as decorative ornamentation or a means of historical setting, but as a key device through which culture is visualized and identity is constructed. Dress signifies characters’ social position, cultural affiliation, value systems, and power relations, and mediates how subjectivity is formed and regulated through narrative development. Accordingly, this study examines the junihitoe in The Tale of the Princess Kaguyaand investigates how it operates as a dress allegory that negotiates ethnicity and subjectivity. Dress allegory is defined as a representational mode in which social and ideological meanings are articulated through the wearing and transformation of dress within narrative contexts. In methodological terms, eleven key scenes were selected and analyzed with attention to scene composition, character actions, and patterns of dress transformation. The analysis identified a narrative process encompassing the internalization, rejection, and re-adoption of tradition and ethnic identity. The findings suggest that the ritualized wearing of traditional dress naturalizes social norms and ethnicity and inscribes them within the subject, whereas the removal of dress signifies the potential for resistance to established traditional orders. Furthermore, re-adoption operates as a mechanism through which tradition and ethnicity are re-inscribed and internalized, producing a cyclical structure of incorporation. These dynamics underscore that traditional dress functions not merely as cultural heritage or aesthetic decoration, but as a narrative device that shapes social meaning and subjectivity, thereby illuminating how dress, identity, and cultural representation interact within animation. Ultimately, this study contributes to discussions on cultural representation by clarifying how traditional costume operates as an allegorical symbol for visualizing ethnicity and identity in contemporary media.

본 연구는 농식품 부산물인 쌀겨를 주원료로 활용하여 시트형 바이오 텍스타일인 쌀가죽을 개발하고, 이를 패션 디자인에 실험적으로 적용하여 지속 가능한 소재로서의 가능성을 탐색하는 데 목적이 있다. 기존 천연가죽은 무두질 과정에서 환경 오염과 윤리적 문제가 발생하여 대체 소재 개발의 필요성이 지속적으로 제기되어 왔다. 바이오레더에 관해서는 균사체, 박테리아 셀룰로스, 식물성 폐기물 기반 등 다양한 연구가 이루어지고 있으나, 지역 기반 자원의 활용과 디자인 적용을 병행한 연구는 상대적으로 부족한 실정이다. 이에 본 연구는 한국 농업 부산물인 쌀겨에 주목하여, 부가가치가 낮은 나머지 자원의 물질적 가능성을 패션 소재로 확장하고자 하였다. 연구 방법은 실천을 통해 지식을 창출하는 방법론인 실천 기반 연구를 바탕으로, 반복적 순환망 모델에 따라 창의적 실험, 응용 실천, 성찰적 이론화의 과정을 유기적으로 순환하며 진행하였다. 창의적 실험 단계에서는 쌀겨와 알긴산을 기반으로 한 바이오 시트 제작 실험을 다섯 차례 반복 수행하 며, 글리세린 함량, 혼합 방식, 숙성 조건, 건조 방식, 몰드 유형에 따른 물성 변화를 체계적으로 분석하였다. 그 결과, 쌀가죽의 취성과 파손 문제를 해결하기 위해 면 원단을 삽입한 샌드위치형 접합 구조를 고안하였으 며, 이를 통해 실제 의복 제작이 가능한 수준의 봉제성과 내구성을 확보하였다. 디자인 적용 단계에서는 최대 25×25cm 규격의 시트 한계를 조형적 제약이 아닌 디자인적 기회로 전환하고자 한국 전통 조각보 기법과 핸 드 스티치를 적용하였다. 이를 통해 리버서블 조끼와 랩스커트를 제작하였으며, 제작 과정에서 봉제 적합성, 입체 구성력, 착용 안정성 및 시각적 완성도를 종합적으로 검증하였다. 본 연구는 쌀겨라는 지역 기반 나머지 자원의 물성적 한계를 디자인 전략과 결합하여 새로운 소재 정체성으로 전환하였다는 점에서 의의가 있으며, 바이오 텍스타일 연구에 있어 소재 개발과 디자인 적용을 통합한 실천 기반 연구의 가능성을 제시한다. 나아가 본 연구는 친환경 패션 산업에서 바이오레더의 문화적 서사와 상업적 확장 가능성을 동시에 탐색하는 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다.

This study aims to develop a sheet type bio-textile, referred to as rice leather, using rice bran, an agricultural by product, as the primary material, and to explore its potential as a sustainable fashion material. Conventional natural leather production has raised persistent environmental and ethical concerns, leading to increasing demand for alternative materials. Although various forms of bio-leather have been developed, research that integrates region based resources with design applications remains relatively limited. This study focuses on rice bran, an underutilized by product of Korean agriculture, and seeks to expand its material potential into fashion textiles. The research adopts Practice-Led Research as its methodological framework and follows the iterative cyclic web model, in which creative experimentation, applied practice, and reflective theorization interact in a continuous cycle. During the creative experimentation stage, five rounds of material trials were conducted to fabricate bio-based sheets using rice bran and alginate, systematically analyzing the effects of glycerin content, mixing methods, aging conditions, drying processes, and mold types on material properties. To address the inherent brittleness and fragility of the material, a sandwich-type bonding structure incorporating cotton fabric was developed, resulting in sufficient durability and sewability for garment construction. In the design application stage, the material limitation of a maximum sheet size of 25×25 cm was reframed as a design opportunity through the application of traditional Korean Jogakbo patchwork techniques and hand stitching. Based on this approach, a reversible vest and a wrap skirt were produced. This study is significant in that it transforms the material limitations of rice bran into a distinctive design identity, while demonstrating the potential of practice-led research that integrates material development and fashion design. Furthermore, it provides foundational insight into the commercial scalability of bio-textiles in the future sustainable fashion industry.

본 연구는 현대 패션이 젠더, 인종, 기술, 문화적 정체성 등 다층적 담론을 매개하는 시각문화 실천이라는 문제의식을 바탕으로 Saya Woolfalk의 작품 세계를 아프로퓨처리즘의 주요 이론적 관점에서 분석하고, 패션 을 세계관 구축의 핵심 매개로 설정함으로써 탈식민적 미학과 미래 정체성 담론이 시각문화 실천 속에서 어떻게 구현되는지를 규명하는 데 목적을 두었다. 이를 위해 아프로퓨처리즘의 이론적 토대에서 도출한 분석 범주를 바탕으로 울폴크의 작업에 나타나는 신체, 의상, 퍼포먼스, 설치의 표현 양상을 시각적 도상, 신체 표현, 서사적 장치의 세 가지 지표를 중심으로 고찰하였다. 특히 울폴크는 회화, 퍼포먼스, 조각, 비디오 등 다양한 매체를 넘나들며 아프로퓨처리즘의 세계관을 구현해 온 작가로서, 그의 작업에서 패션은 신체, 정체 성, 서사를 가시화하는 핵심 매개로 작동한다. 분석 결과, 울폴크의 패션 미학은 시각적 혼종성을 통해 식민 주의적 미학 질서와 고정된 정체성 개념을 해체하고, 변형 중심의 신체 표현을 통해 인간 중심적 신체관을 재구성하는 것으로 나타났다. 또한 패션은 단순한 조형 요소를 넘어 기억, 기술, 미래를 재구성하고 세계관을 서사화하는 핵심적 시각 매개체이자 예견적 개입의 장으로 기능하며, 대항적 미래를 감각적으로 제시하는 탈식민적 실천의 도구임이 확인되었다. 본 연구는 문학, 음악, 영화 중심으로 전개되어 온 기존 아프로퓨처리 즘 논의를 패션 영역으로 확장하고, 신체와 의상을 통합된 미학적·담론적 체계로 논증하였다는 점에서 학술 적 의의를 지닌다. 비록 특정 작가의 사례 연구라는 한계가 있으나, 이는 패션이 정체성 재구성 및 기억의 정치학이 교차하는 시각문화 담론의 장이 될 수 있음을 시사한다. 향후 연구에서는 본 분석 틀을 다양한 작가 와 디지털 환경으로 확장하여 아프로퓨처리즘 패션 담론의 가능성을 보다 입체적으로 검증할 필요가 있다.

This study analyzed the work of Saya Woolfalk from the theoretical perspectives of Afrofuturism and examined how decolonial aesthetics and discourses of future identity are embodied in visual-cultural practice by positioning fashion as a key medium of world-building. To this end, the study established an analytical framework derived from the theoretical foundations of Afrofuturism and systematically examined the expressive aspects of the body, costume, performance, and installation in Woolfalk’s work through three indicators: visual iconography, bodily representation, and narrative devices. The findings show that Woolfalk’s fashion aesthetics dismantle colonial aesthetic orders and fixed notions of identity through visual hybridity, while reconstructing anthropocentric understandings of the body through transformation-centered bodily representation. In addition, her use of narrative devices functions as a decolonial practice that presents counter-futures in a sensory manner. In this process, fashion operates not merely as a formal or decorative element, but as a crucial visual mediator that reorganizes memory, technology, and futurity. Woolfalk’s imaginary world is thus interpreted as a site of proleptic intervention in which suppressed histories are reconfigured through the technological possibilities of the future. By extending Afrofuturist discourse beyond its predominant focus on literature, music, and film into the field of fashion, this study demonstrates that fashion can serve as a site of visual-cultural discourse where identity reconstruction, the politics of memory, and decolonial imagination intersect. In this respect, the study contributes to expanding the theoretical scope of both Afrofuturism and fashion studies.

제로웨이스트는 제품의 사용 전 단계에서 환경 폐기물을 최소화하는 전략으로, 생산자가 실천할 수 있는 지속 가능한 대안으로 주목받았다. 그러나 제로웨이스트 패션 디자인을 위한 커리큘럼을 연구한 사례는 제한 적이며, 교육 환경에서는 지속 가능성에 관한 이론적 학습을 실제로 실천할 기회와 산업의 구조적 문제를 비판적으로 인식할 환경이 부족하다. 이에 본 연구의 목적은 제로웨이스트 패션 디자인의 창의적인 실현 방 식을 탐구하고 패션과 지속 가능성을 성찰하는 교육적 토대를 마련하는 것이다. 이를 위해 문헌 연구와 사례 분석을 바탕으로 커리큘럼을 개발하고, 교과목 <제로웨이스트패션캡스톤 디자인>에 적용하여 그 효과를 분 석했다. 커리큘럼은 지속 가능한 패션과 제로웨이스트 패션 디자인에 관한 이론 교육과 토론, 제로웨이스트 패션 디자인 전개, 시제품 제작 및 포트폴리오 개발, 룩북 촬영과 전시 진행 순으로 진행했다. 본 연구는 기존 에 이루어지던 스케치 중심의 디자인 교육과 차별화하여 PBL과 캡스톤 디자인을 기반으로 ‘비판적 토론’과 ‘오픈 피드백’ 체계를 구축하였다. 특히, 스케치에서 패턴으로 이어지는 선형적인 디자인 프로세스에서 탈피 한 “Model-Resourced Three-Dimensional Sketching”을 디자인 프레임워크로 제안하여, 3차원적 구현과 2차원적 설계가 상호 피드백을 주고받는 순환적인 디자인 방법론을 적용하였다. 연구 결과, 첫째, 토론을 통해 지속 가능성과 패션의 모순적 관계에 대한 진정성 있는 성찰을 유도했다. 이는 학생들이 겪는 혼란, 딜레마에 접근 할 수 있는 효과적인 장치가 되었다. 둘째, 순환적인 디자인 방법론으로 제로웨이스트 실현을 위한 실험을 독려할 뿐만 아니라 학생들의 창의성과 문제해결 능력을 고취했다. 셋째, 시제품 제작과 전시 기획 및 설치, 룩북 제작, 영상 제작, 홍보 활동 등 학생 주도의 실무적 경험을 제공했다. 학생들의 반응을 통해 본 교과목은 학생들이 지속 가능한 디자인 접근법과 실무적 활동을 경험하고, 미래 산업 종사자로서 사회적 책임을 인식 하여 지속 가능성을 고민하는 계기가 되었음을 확인하였다.

Zero-waste aims to minimize waste in production, yet education often lacks practical sustainability engagement and critical discourse on the structural problems of the fashion industry. Therefore, this study intends to develop a curriculum that explores creative approaches to zero-waste fashion design and reflects on sustainability. A curriculum was developed based on literature reviews and case analyses and subsequently applied to the course <Zero-Waste Fashion Capstone Design> to analyze its effectiveness. The curriculum was structured into theoretical instruction and discussion, zero-waste design development, prototyping and portfolio development, and lookbook photography and exhibition. This study established a system of 'critical discussion' and 'open feedback' based on PBL and Capstone Design frameworks. In particular, it proposed “Model-Resourced Three-Dimensional Sketching” as a design framework to move away from the linear process that translates sketches into patterns, and instead employing a cyclical design methodology where three-dimensional realization and two-dimensional design provide mutual feedback. The results of the course were as follows: First, it encouraged authentic reflection on the oxymoronic relationship between sustainability and fashion through discussion-based learning, serving as an effective mechanism for addressing the confusion and dilemmas faced by students. Second, the cyclical design methodology not only encouraged experimentation for zero-waste design but also fostered students' creativity and problem-solving abilities. Third, it provided practical experience by having students lead prototyping, exhibition curation, lookbook production, video creation, and promotional activities. Student feedback indicated that the course enabled them to experience sustainable design and recognize their social responsibility as future professionals.

현대 글로벌 패션 산업에서는 다양한 하위문화에 기반한 스트리트 스타일이 주요 트렌드이자 창의적 동력 으로 부상하고 있으며, 디자인에 반영된 문화적 정체성의 가치가 더욱 강조되고 있다. 이러한 흐름 속에서 치카노 패션은 미국 남서부 멕시코계 미국인 공동체의 삶과 경험에서 비롯된 지역 스타일을 넘어 글로벌 스트리트 패션의 핵심 미학으로 재조명되고 있다. 본 연구는 치카노 문화의 역사적 전개와 시각문화적 의미 를 통합적으로 고찰하여 치카노 패션의 주요 스타일 경향을 도출하고, 그에 내재된 하위문화 정체성을 분석 하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 치카노 하위문화가 형성된 로스앤젤레스 지역의 전문 도서관, 연구기관, 미술관 등에서 문헌, 시각, 영상 자료를 수집하고, 디지털 아카이브 자료 검색을 통해 치카노 역사, 사회운동, 패션, 시각예술 관련 자료를 검토하였다. 이후 목적적 표집에 기반한 질적 사례 분석을 통해 치카노 패션의 주요 스타일과 문화적 의미를 분석하였다. 연구 결과, 치카노 패션은 파추코 주트 수트 스타일, 촐로 워크웨 어 스타일, 로우라이더 커스텀 클럽 스타일, 치카노 레터링·타투 스타일, 서부 힙합·스케이트보드 스타일이라 는 다섯 가지 주요 스타일 경향으로 나타났다. 또한, 치카노 패션에 내재된 문화 정체성은 민족 정체성과 저항성, 가족주의와 형제애에 기반한 공동체 연대성, 라스쿠아치스모 기반의 실용적 창의성, 전통과 도시문 화가 결합된 문화적 혼종성, 그리고 글로벌 스트리트 문화로의 확산이라는 다섯 가지 의미 구조로 도출되었 다. 이러한 결과는 치카노 패션이 지역적 하위문화 스타일을 넘어 글로벌 패션 디자인에서 문화적 정체성과 공동체 서사를 창의적으로 재해석할 수 있는 중요한 디자인 자원으로 기능함을 보여준다. 본 연구는 치카노 패션을 저항의 정체성, 일상적 창의성이 결합된 하위문화 실천 사례이자 패션 현상으로 제시함으로써 다문화 패션 연구의 확장과 정체성 기반 디자인 교육, 글로벌 패션 실무에 의미 있는 시사점을 제공하리라 기대한다.

In the contemporary global fashion industry, subculture-based street styles have become key creative drivers, with increasing emphasis on cultural identity in design. Within this context, Chicano fashion has been reexamined as a significant aesthetic in global street fashion, extending beyond its origins in the Mexican American community of the southwestern United States. This study aims to identify major stylistic trends in Chicano fashion and analyze the subcultural identities embedded within them by examining its historical development and visual-cultural meanings. Data were collected from specialized libraries, research institutes, museums in the Los Angeles area where Chicano subculture developed, and digital archives, including literature as well as visual and audiovisual materials. A qualitative case analysis based on purposive sampling was conducted. The findings reveal five major stylistic trends: Pachuco zoot suit style, Cholo workwear style, lowrider customization style, Chicano lettering and tattoo style, and West Coast hip-hop and skateboarding style. These styles are understood as overlapping visual practices rather than fixed categories. Five interrelated forms of subcultural identity were identified: ethnic identity and resistance, community solidarity, Rasquachismo-based practical creativity, cultural hybridity, and global diffusion. These identities emerge across multiple stylistic practices rather than corresponding to individual styles. The study demonstrates that Chicano fashion has evolved into a global design language connecting streetwear and high fashion. By interpreting Chicano fashion as a visual-cultural practice shaped by identity, community, and creativity, this research contributes to expanding multicultural perspectives in fashion studies and highlights the potential of subcultural aesthetics as a resource for contemporary design and identity-based education.

본 연구는 2001년부터 2024년까지 현대 패션에 나타난 레디메이드 요소가 찰스 샌더스 퍼스의 삼원기호론 을 통해 어떠한 방식으로 기호학적 의미를 생성하는지 실증적으로 규명하는 데 목적을 둔다. 해당 시기는 메종 마르지엘라를 필두로 레디메이드 기법이 현대 패션의 주요한 표현 양식으로 부상하며 독자적인 미학적 담론을 형성하기 시작한 시점으로 설정하였다. 연구 대상으로는 이 기법을 선도적으로 활용해 온 메종 마르 지엘라, 모스키노, 빅터 앤 롤프의 컬렉션을 주요 사례로 선정하였으며 보그 런웨이 등 컬렉션 아카이브 자료 를 중심으로 기타 디자이너들의 관련 작품을 보조 사례로 포함하여 분석의 객관성을 확보하였다. 연구 방법 론으로는 문헌 연구와 사례 분석을 병행하였으며 퍼스의 표상체, 대상체, 해석체로 구성되는 삼원 관계를 일차성, 이차성, 삼차성의 현상학적 범주와 결합한 다각적 분석틀을 적용하였다. 나아가 이들의 교차를 통해 도출되는 9가지 기호 유형을 바탕으로 패션 텍스트 내에서 상징이 조작되고 수용되는 과정을 심층적으로 고찰하였다. 연구 결과 패션에 적용된 레디메이드는 원래 사물이 지닌 물리적 맥락에서 분리되어 새로운 해 석의 가능성을 열어 보이며 사물의 기능·가치 체계를 전도하는 전유 과정 속에서 소비주의에 대한 비판적 사유, 문화적 상징의 재맥락화, 유희적 초현실주의의 구현, 그리고 지속 가능성 담론과 같은 사회적 이슈와 결합하는 과정에서 다층적인 기호적 의미를 생성하는 것으로 나타났다. 특히 질적 기호에서 존재 기호를 거 쳐 법칙 기호로 심화되는 과정은 단순한 시각적 충격을 넘어 철학적 논증으로 기능하며 관객의 능동적 해석 을 이끌어낸다. 본 연구는 일상적 사물이 패션을 매개로 고차원적인 문화적 텍스트로 전환되는 의미 생성 과정을 이론적으로 체계화함으로써 현대 패션 기호학 연구의 방법론적 지평을 확장하는 데 기여한다.

This study aims to investigate how ready-made elements in contemporary fashion generate semiotic meanings through the application of Charles Sanders Peirce's triadic theory of signs, focusing on the period from 2001 to 2024. This timeframe was selected because it represents an era when ready-made techniques emerged as an expressive mode in contemporary fashion, led by pioneering brands such as Maison Margiela. For the case analysis, collections by Maison Margiela, Moschino, and Viktor & Rolf were selected as the primary cases. To ensure analytical depth and objectivity, these were supplemented by relevant works from other designers, primarily sourced from collection archives such as Vogue Runway. The research methodology integrates comprehensive literature review with qualitative case studies, employing an analytical framework that combines Peirce's triad of representamen, object, and interpretant with the phenomenological categories of Firstness, Secondness, and Thirdness. Specifically, the study conducts an in-depth exploration of the sign manipulation and reception processes within fashion texts, utilizing the nine sign types derived from these intersections. The findings reveal that ready-mades in fashion create multi-layered semiotic meanings by decoupling objects from their original physical contexts and opening up new interpretative possibilities. By appropriating and inverting the object's original function and value system, this design approach facilitates engagement with critical social discourses. These include the critique of consumerism, the recontextualization of cultural symbols, the expression of playful surrealism, and the exploration of sustainability. Notably, the signifying trajectory—advancing from qualisigns to sinsigns and ultimately to legisigns—transcends mere visual impact, functioning as a vehicle for philosophical argumentation and inciting active interpretation from the audience. By theoretically systematizing the process through which quotidian objects are transformed into sophisticated cultural texts via fashion, this research contributes to the methodological expansion of semiotic studies in contemporary fashion.

본 연구는 미디어 콘텐츠를 통해 확산된 Y2K 패션이 Z세대에게 어떠한 방식으로 수용되고 실천되며, 이러한 실천이 레트로 향유의 경험으로 어떻게 확장되는지를 탐구하는 데 목적이 있다. 나아가 이러한 수용이 실제 착용과 소셜 미디어 기반 실천으로 전개되는 과정을 규명하고자 한다. 이를 위해 Y2K 패션을 지속적으 로 착용하고 관련 콘텐츠를 소셜 미디어에 공유한 경험이 있는 대한민국 Z세대 남녀 20명을 대상으로 심층 인터뷰를 실시하였다. 수집된 인터뷰 자료는 참여자들의 소셜 미디어 게시물과 함께 분석하여, 미디어 수용 과정, 스타일링 방식, 콘텐츠 공유 동기, 감정 및 기억 경험을 중심으로 해석하였다. 연구 결과, Z세대는 미디 어에 제시된 Y2K 패션 이미지를 그대로 모방하기보다, 뮤직비디오나 드라마 장면, 연예인 이미지 등 구체적 인 레퍼런스를 선택적으로 차용하여 개인의 취향과 일상적 맥락, 실용적 조건에 맞게 재구성하고 있었다. 즉, Y2K 패션 착용은 일회적인 유행 추종이 아니라, 반복적인 실험과 조정을 통해 스타일을 구성하고 조정해 가는 지속적인 실천 과정으로 나타났다. 또한 이러한 착용 경험은 소셜 미디어 콘텐츠 제작과 공유로 자연스 럽게 이어지며, 댓글과 반응을 매개로 타인과의 정서적 교류를 촉발하고 있었다. 특히 참여자들은 직접 경험 하지 않은 과거의 스타일과 감성을 현재의 일상 속에서 놀이적으로 체험하며, 이를 통해 향수와 즐거움을 경험하고 있었다. 이때의 향수는 개인적 기억에 기반하기보다, 미디어를 통해 매개된 집합적 이미지가 환기 하는 상상적 경험과 향수 자극의 형태로 나타났다. 이러한 실천이 반복되면서 Y2K 패션은 Z세대에게 일상적 루틴의 일부로 정착되었고, 자신감 향상과 자기 인식의 변화로 이어졌다. 본 연구는 Y2K 패션을 디지털 미디 어 환경에서 형성되는 과정적 문화 실천으로 개념화하고, Z세대의 레트로 향유가 일상적 패션 실천과 사회적 상호작용을 통해 구성되는 방식을 구체적으로 제시한다는 점에서 학술적 의의를 지닌다.

This study examines how Y2K fashion, disseminated through media content, is received and practiced by Generation Z and how such practices evolve into experiences of retro appreciation. It further aims to clarify the process through which media reception develops into fashion wearing and social media–based practices. To achieve this, in-depth interviews were conducted with 20 Generation Z individuals in South Korea who regularly wear Y2K fashion and share related content on social media. The collected interview data were analyzed alongside participants’ social media posts, focusing on media reception processes, styling practices, motivations for content sharing, and experiences related to emotion and memory. The findings show that Generation Z does not simply imitate Y2K fashion images presented in media. Instead, they selectively appropriate references—such as scenes from music videos, television dramas, or celebrity images—and reconstruct them according to their personal taste, everyday contexts, and practical conditions. In this sense, wearing Y2K fashion emerges not as a one-time trend-following behavior but as a continuous process of experimentation and adjustment through which individuals refine their styles. These practices extend into the production and sharing of social media content, where comments and reactions facilitate emotional exchanges with others. Participants also engage in playful experiences of past styles and sensibilities they did not directly encounter, there by evoking nostalgia and enjoyment. In this context, nostalgia does not stem from personal memory but from imaginative experiences and nostalgic stimulation evoked by mediated images of the past. As these practices are repeated, Y2K fashion becomes integrated into everyday routines and contributes to increased confidence and shifts in self-perception. This study contributes to fashion and media research by conceptualizing Y2K fashion as a processual cultural practice shaped within digital media environments and demonstrating how retro appreciation is constructed through everyday fashion practices and social interaction.

21세기 패션 산업은 단순한 의복 제작을 넘어 감각적 경험과 문화적 가치를 전달하는 복합 콘텐츠 산업으로 확장되었으며, 디지털 환경의 확산과 함께 소비자는 제품 자체보다 브랜드가 제시하는 세계관과 정서적 경험에 주목하고 있다. 이에 따라 패션 디자이너의 역할은 제작자에서 기획자로, 나아가 브랜드의 철학과 정체성을 통합적으로 설계하는 크리에이티브 디렉터로 전환되고 있다. 본 연구는 이러한 변화 속에서 크리에 이티브 디렉터를 미적 연출자가 아닌 전략적·문화적 통합기획자로 정의하고, 통합 디자인 개념을 이론적 틀 로 삼아 그 핵심 역량 구조를 규명하고자 하였다. 이를 위해 전략적 기획력, 통합적 사고력, 문화적 감응력의 세 축을 중심으로 분석 틀을 구성하였다. 연구 방법으로는 2018년부터 2025년까지 발렌시아가, 자크뮈스, 구찌, 프라다, 젠틀몬스터의 크리에이티브 디렉터가 생산한 디지털 발화 자료 520건을 대상으로 텍스트 마이닝 과 네트워크 분석을 수행하였으며, 이후 패션 전문가 워크숍을 통해 역량 분류에 대한 검토를 진행하였다. 분석 결과, 공통적으로 정체성, 감정, 스토리텔링 중심의 언어 사용이 두드러졌으며, 브랜드별로 상이한 전략 적 성향이 확인되었다. 자크뮈스는 직관적 서사와 조직·시장 운영을 아우르는 다각적 전략을 보였고, 발렌시 아가와 젠틀몬스터는 단일 전략 축의 강한 일관성을, 프라다와 구찌는 구조적 사고와 이미지 중심의 통합 기획을 특징으로 나타냈다. 종합적으로 전략적 기획력은 브랜드 비전과 메시지를 장기적 서사로 조직하는 능력으로, 통합적 사고력은 의복, 공간, 디지털 매체를 하나의 경험으로 결합하는 역량으로, 문화적 감응력은 동시대 사회·문화적 담론을 브랜드 언어로 전환해 소비자와 공명하는 능력으로 도출되었다. 본 연구는 패션 교육과 산업 현장에서 크리에이티브 디렉터의 통합기획 역량을 체계화하는 기초 자료로 활용될 수 있을 것 이다.

In the twenty-first century, the fashion industry has expanded beyond garment production into a content industry delivering sensory experiences and cultural value. As digital environments proliferate, consumers prioritize brand worldviews and emotional experiences over products. Consequently, the role of the fashion designer has evolved from a maker to a planner, and further toward a creative director who designs a brand philosophy and identity. Against this backdrop, this study conceptualizes the creative director not as an aesthetic stylist but as a strategic and cultural integrator, identifying core competencies through integrated design. An analytical framework was developed around three axes: strategic planning, integrative thinking, and cultural sensitivity. Text mining and network analysis were conducted on 520 digital discourse samples produced by the creative directors at Balenciaga, Jacquemus, Gucci, Prada, and Gentle Monster (2018–2025), followed by an expert workshop. Findings indicate a shared emphasis on identity, emotion, and storytelling, alongside distinct brand orientations. Jacquemus demonstrated multifaceted strategies combining intuitive narratives with organizational and market considerations, while Balenciaga and Gentle Monster showed strong consistency along a dominant axis. Prada and Gucci were characterized by integrative planning grounded in structural thinking and image-centered narratives. Overall, these competencies involve organizing brand vision into long-term narratives, integrating garments, spaces, and digital media into unified experiences, and translating socio-cultural discourse into resonant brand language. This study offers insights into integrative planning competencies for creative directors in fashion education and industry practice.

힐마 아프 클린트의 추상 미학을 생성형 AI 기반 패션 디자인에 적용하며 그 가능성을 탐구한 본 연구는 회화에 내재된 조형 특징이 AI 학습 및 생성 과정에서 재현되고 변주되는 양상을 검토하며 추상주의 미학이 AI 패션 연구에서 새로운 디자인 자원으로 활용될 수 있음을 확인하는 데 목적을 두었다. 연구 문제는 첫째, 아프 클린트의 추상 체계를 패션의 구축 언어로 일관되게 번역할 수 있는가, 둘째, 추상 회화 이미지가 LoRA 미세조정 학습을 통해 모델 내부에 내재화될 때 호출 조건에 따라 조형 체계가 구분되어 작동하는가, 셋째, 생성 결과가 시점 변환 이후에도 구조적 일관성을 유지하여 실제 의상 구조로 확장되는 가능성을 갖는가로 설정하였다. 방법적으로는 아프 클린트 대표 연작 23점을 선정해 전처리를 수행하고, Flux-dev LoRA trainer 환경에서 학습을 진행하였다. 연작 회화들을 󰡔The Ten Largest󰡕의 유기적 추상과 󰡔The Swan󰡕의 구조적 추상 으로 구분하여 태깅하였으며, 이를 통해 서로 다른 조형 체계가 하나의 LoRA에서 혼합되거나 소거되는 현상 을 방지하였다. 생성된 디자인 제안을 대상으로 제미나이 2.5 플래시 기반 변환을 적용해, 정면, 측면, 후면의 일관된 생성까지 수행하였다. 결과적으로 유기적 추상 시리즈에서는 곡면 패널의 유기적 중첩, 나선형 접힘, 측후면 확장 등 생성과 확장이 지속되는 비선형 구조로 인지되는 실루엣 경향이 확인되었고, 구조적 추상 시리즈에서는 중심축 정렬, 기하학적 분할, 모듈 반복을 통해 질서와 균형을 기반으로 한 구조 경향이 형성되 었으며, 절개와 분할이 기하학적 규칙에 따라 조직됨을 확인하였다. 또한 단일 시점의 시각적 완성에 머무르 지 않고 시점 변환 이후에도 실루엣, 절개선, 패널 흐름, 소재 질감의 유지 여부를 점검함으로써 AI 생성 이미 지가 실제 의상 구조로 확장되는 가능성을 확인하였다.

This study investigates the feasibility of applying Hilma af Klint’s abstract aesthetics to generative AI–based fashion design by examining how the formal characteristics of her paintings are reproduced and transformed through LoRA fine-tuning and image generation, and by assessing whether abstract aesthetics can serve as a new design resource for AI fashion research. The study addresses three questions: first, whether af Klint’s abstract system can be translated into a consistent constructive language of fashion; second, whether, once internalized via LoRA, the organic and structural systems can be differentially activated by trigger words; and third, whether generated outputs retain structural consistency after viewpoint transformation, indicating their potential extension to realizable garment structures. Twenty-three representative works were preprocessed and used to train a single LoRA in a Flux-dev LoRA trainer environment. The series were categorized and tagged as the organic abstraction of 󰡔The Ten Largest󰡕 and the structural abstraction of 󰡔The Swan󰡕, thereby preventing distinct formal systems from being mixed or attenuated within a single LoRA. The generated design proposals were further tested through Gemini 2.5 Flash–based multi-view transformation to obtain consistent front, side, and back views. Results indicate that the organic series tends to produce nonlinear silhouettes characterized by layered curved panels, spiral folding, and lateral/backward expansion, whereas the structural series yields ordered constructions based on central axis alignment, geometric segmentation, and modular repetition. By assessing the preservation of silhouette, cut lines, panel flow, and material texture across viewpoints, the study confirms that AI-generated fashion images can move beyond single-view visual completion toward structural feasibility.