Earticle

본 연구는 3D 프린팅의 확산과 함께 일반화되고 있는 디지털 기반 디자인의 특성을 조형적 측면에서 통해 분석해 보고자 하였으며, 그 대상은 현재 패션디자인 분야 중 3D 프린팅이 가장 적극적으로 수용되고 있는 패션 액세서리 분야로 한정하였다. 전통적 패션 액세서리 디자인과 차별화된 조형 요소 중 디지털 디자인 기법을 통해 만들어지는 확장적이며 비정형적인 형태를 중심으로 디자인 사례를 분석하였다. 형태의 생성 원리와 툴의 특성이 다른 디지털 디자인의 기법을, 현재 가장 많이 사용되는 프랙탈(Fractal), 넙스(NURBS), 파라메트릭(Parametric) 기법으로 유형화하고 이를 기반으로 3D 프린팅 패션 액세서리 디자인 사례들의 형태, 면, 공간 특성을 분석하였다. 연구 결과, 프랙탈 기법에 기반한 3D 프린팅 패션 액세서리 디자인은 유닛의 독창성과 중첩, 연결 방식에 따른 형태의 비정형성이 특징적이었고, 넙스 기법에 기반한 3D 프린팅 패션 액세서리 디자인의 경우 선과 각도에 의한 유기적 곡면과 공간의 교차를 통해 만들어지는 비정형적 형태와 공간을 특징으로 하고 있었다. 파라메트릭의 경우 유닛의 가변적 확장성 및 비정형적 형태와 공간이 표피 형태와 결합되면서 만들어지는 비정형적 조형 특성을 나타냈다. 종합해 보면, 디지털 디자인 기법에 따른 3D 프린팅 패션 액세서리 디자인의 비정형적 조형 특성은 가변적이며 확장적인 형태, 유기적이며 상호관입적 공간, 표피 형태에 의해 확장되는 비정형적 형태로 특징지을 수 있었다. 본 연구의 결과는 디지털 디자인 기법에 따른 비정형적 조형 특성에 대한 기반 연구로 의미가 있으며, 디지털 기반 패션디자인의 조형적 특성을 이해하고 조형 활동에 활용할 수 있는 실용적 의미가 있다. 본 연구의 대상은 패션 액세서리 분야로 한정되었으나, 디지털 패션에 대한 포괄적 이해를 위해 추후 연구에서는 디지털 프린팅을 활용한 패션디자인으로 확장될 수 있을 것이다.

This study aimed to analyze the formative characteristics of digital design regarding the spread of 3D printing technology. The scope of this study was limited to fashion accessories based on 3D printing technology. This study focused on the scalable and atypical forms which are discriminatory to the traditional fashion accessories. The generating principle of atypical forms and the methods of digital design were used to assess the characteristics of 3D printing fashion accessories. The general methods of digital design for 3D printing were grouped as Fractal, NURBS modeling, Parametric design. As a result, 3D printed fashion accessories based on Fractal method were characterized by the abnormal formation of the uniqueness of unit and the connection of the units. In the case of 3D printed fashion accessories based on NURBS modeling, atypical forms and space created by the intersection of the organically curved lines and space were the main factors for the atypical forms. In the case of Parametric design, the variable scalability, atypical forms and spaces of the units were the important atypical characteristics that made atypical forms combined with the skin type. In conclusion, the atypical characteristics of 3D printing fashion accessory designs were summarized as follows; the variable and expandable forms, the organic and interpenetrating spaces, atypical forms extended by skin shapes. This result could be used as an academic base to study atypical characteristics of digital design and suggest an adaptive direction of digital fashion design. For the further study, the range of digitalized fashion design could be extended to the digitally printed clothing.

본 연구의 목적은 피오나 디펜바허(Fiona Dieffenbacher)가 제시한 디자인 프로세스인 ‘The Design Cycle’ (이하 TDC)을 통한 한국적 버내큘러(vernacular) 요소를 반영한 패션디자인의 도출과 디자이너의 독창성을 중시하는 해당 프로세스의 유효성 탐색에 있다. 이를 위해 TDC의 구조와 버내큘러 디자인의 개념, TDC를 기준으로 분석된 패션디자인 사례를 고찰하였다. 프로세스의 첫 단계인 발상(idea) 단계에서는 브레인스토밍과 마인드 맵핑, 문헌조사를 통해, 전통과 현재를 잇는 한국의 버내큘러 요소로 무속과 K-pop, 거리응원 등에 내재된 ‘흥’의 역동성을 발견하였고, 이를 표현하기 위한 매체로서 무속의식의 운동성을 추출하였다. 두 번째 콘셉트(concept) 단계에서는 아이디어에 관한 해석 작업을 수행하여, 무속의식의 운동성을 시각화하기 위한 디자인 콘셉트로 ‘좌우’와 ‘상하’, ‘원 회전’ 운동의 방향성을 추출하였고, 그래픽 툴과 축도 패턴 작업을 통해 운동 방향성과 역동성을 시각화하기 위한 방안을 탐색하였다. 마지막 디자인(design) 단계에서는 상기의 콘셉트를 패션디자인으로서 구체화하고 세 가지 콘셉트를 반영하는 시그니처 스타일의 완성을 위한 재인식 및 재창조 작업을 수행하여, ‘좌우’회전의 운동이미지가 의복의 디자인 선으로 적용된 스타일과 ‘상하’의 운동이미지를 수직으로 비대칭 및 레이어드 구조로 적용한 스타일, ‘원’ 운동의 이미지가 디자인 선에 적용된 스타일을 도출하였다. 이로써 TDC가 정서적 요소의 시각화를 가능하게 하여 ‘오래된’ 이미지로 비춰질 수 있는 버내큘러 요소를 활용하더라도 현대적인 패션디자인 도출이 가능함을 확인할 수 있었다. 본 연구의 과정 및 결과는 향후 국제적인 취향이 공유되는 현대 패션디자인에 있어 디자이너의 독창성을 강화하기 위한 패션디자인 프로세스 및 차별적인 영감의 원천으로서 버내큘러 요소를 다루는 유사 연구에 참고 될 수 있기를 기대하며 여기에 연구의 의의를 둔다.

The purpose of this study is to extract modern fashion design by re-interpreting Korean vernacular elements through The Design Cycle(refer to as TDC hereafter) suggested by ‘Fiona Dieffenbacher’ and investigate its effectiveness for unique fashion design works reflecting designers’ characteristics as well as own interpretation of design theme. In order to achieve this purpose, literature reviews on TDC, vernacular design, glocalism and a designer’s case which had been analyzed by criteria of TDC were conducted. At the 1st Idea stage, through brainstorming, mind-mapping and literary researches, ‘Korean excitement’ which could be found out from Korean shamanism in the past and which has been continued as the cultural aspect until this modern society, K-POP and the street cheering in the present Korea was payed attention and the directional motility of shaman’s action in ceremonies of Korean shamanism was then extracted as expressive design key words. At the 2nd Concept stage, ideas had been re-investigated and images of three directional motility; ‘horizontal’, ‘vertical’ and ‘circular movement’ were then configured as the design concept. At the 3rd Design stage, the concept had been visualized and the signature styles reflecting the three directional motility were then established to be modern fashion designs; the 1st style was constructed adapting ‘horizontal’ image in design lines on the surface, 2nd style was constructed to indicate ‘vertical’ image by the asymmetric and layered structures and 3rd style was constructed to illustrate ‘circular’ image through design lines on the surface. As a result, the emotional element of Korean vernacular was able to be visualized and established as modern Fashion by TDC. Therefore, it was also confirmed that the modern fashion design could be created although it’s design inspiration was come from the ‘old image’ of the vernacular element.

3D 프린팅은 제3의 산업혁명을 예고하며, 제조업의 혁명을 가져올 것이라 예상되고 있다. 그러나 패션에서는 프린터 크기, 속도, 소재의 문제로 패션 소품 개발이 주가 되고 있다. 이에 본 연구는 3D 프린팅의 가능성 확대와 상품화를 위해 3D 프린팅을 활용하여 일상생활에 착용 가능한 모자 디자인을 제안하였다. 디자인의 요소로는 조형미와 더불어 프린팅 시간 절약과 견고성을 지녀 3D 프린팅 영역에서 활용도가 높은 보로노이 다이아그램(Voronoi Diagram)을 이용하였다. 3D 프린팅으로 제작된 모자, 보로노이 디자인 제품을 분석하여, 보로노이 패턴의 조형성, 실용성, 조화, 공극의 활용, 입체 구현, 맞춤화의 특성을 디자인에 이용하였다. 대중적인 프린터 방식인 FDM 프린터를 사용하여 모자의 부분 또는 장식을 프린트 해, 니트 비니 1점, 스냅백 1점, 페도라 1점의 총 3점을 제작한 결과는 다음과 같다. 첫째, 형태적으로 모자의 곡선과 보로노이 패턴의 곡선은 자연스럽게 연결 될 수 있었다. 둘째, 패턴의 공극은 다른 소재와의 연결을 용이하게 하였다. 셋째, 출력물의 가벼운 중량과 견고함은 모자의 부분 또는 장식에 모두 적합하였다. 넷째, 프린트의 단단한 소재와 일반 모자 형태와의 결합은 편안한 착용감과 동시에 모자의 입체감과 형태를 살리기에 적합하였다. 다섯째, 컴퓨터 CAD 파일의 변형만으로 디자인의 변형이 용이하였다. 이를 통해 현재의 3D 프린터 개발 상황에서 3D 프린팅 기법과 보로노이 패턴은 기존의 모자 소재와 함께 형태를 잡아주고, 또한 착용감을 높이고 제작 시간 절감함으로써, 실용화에 적합함을 알 수 있었다. 이론 연구와 모자 제작을 통해 본 연구는 3D 프린팅 기법과 보로노이 패턴을 기존의 모자 형태에 접목하여 착용감, 시간, 형태를 보강하는 유용한 방법을 보여 줌으로써, 3D 프린팅 모자 제품의 상용화, 대중화에 기여 할 수 있을 것이다.

3D printing technology is expected to bring about the Third Industrial Revolution and a revolution in manufacturing. However, due to the size and speed of printing along with current printing materials, fashion accessories are mainly developed in the fashion industry. This research proposes an innovative millinery design in order to widen the possibility of usage, popularisation and commercialisation of 3D printing. The Voronoi diagram, a geometrical pattern based on the shortest distance between set points, is used as design inspiration to achieve practicality, aesthetics, and balance, as well as optimise the position of holes, make a 3D model and customise it. A FDM printer is used to achieve these above. Further, 3D printed millinery products using Voronoi patterns are analysed in order to assist designing. In this way, two fedora hats, one hand-knitted beanie, three snapbacks are made, with the following results: firstly, the curve of the hat and the Voronoi pattern are well connected; secondly, the holes in the pattern make other materials connect easily through stitching; thirdly, the lightweight but firmness of 3D printing are suitable for being used in both the body and the decoration of the hat; fourthly, the combination of hard material and wool is good for making a three-dimensional hat shape. Lastly, changes in the design are made easier by changing the CAD file instead of making a new mould. Voronoi pattern 3D printed hats are light but strong and comfortable, requiring shorter production times. They are suitable for commercialisation at the current development stage of 3D printing. Through theoretical research and the practice of 6 millineries, this study can contribute to the commercialisation and popularisation of 3D printing products.

본 연구는 패션 브랜드 샤넬(Chanel)의 스토리스케이핑(Storyscaping)에 관한 연구 논문이다. 연구의 목적은 첫째, 현대 사회와 브랜드의 마케팅에 있어서 중요시되는 감성 커뮤니케이션인 브랜드 스토리스케이핑에 관한 개념과 특징을 중점적으로 살펴보고, 둘째, 패션 브랜드 샤넬의 마케팅 전반에 스며들어 있는 스토리스케이핑에 관한 사례 분석을 통해 그 특징과 가치를 규명하고자 한다. 구체적으로 본 연구의 사례는 예술적 영감 표현의 브랜드 감성을 전시로 보여주는 󰡔문화 샤넬전(Culture Chanel)󰡕, 샤넬 공방 장인들의 특별함을 보여주고 선정 도시의 문화와 역사 속에 샤넬 브랜드의 정신이 흡수되도록 스토리를 전개하는 공방 컬렉션(Chanel Métiers d'Art Show), 다양한 스토리 라인을 주제로 디지털 매체를 활용하여 브랜드 감성을 공유하는 패션 필름(fashion film)으로 나누어 분석하였다. 마지막으로, 연구의 분석으로 얻어진 샤넬 브랜드가 추구하는 감성 커뮤니케이션의 가치를 패션 문화 마케팅의 다양한 분야에서 활용하는 데 그 목적이 있다. 본 연구는 문헌 고찰을 통한 이론적 연구와 사례 분석을 통한 실증적 연구를 병행하였다. 이론적 배경과 사례를 토대로 얻어진 스토리스케이핑의 특징은 감성적 공유, 스토리의 투명성, 몰입과 상호 작용에 의한 경험 공간의 구축으로 체계화 시킬 수 있었다. 또한 패션 브랜드 샤넬의 스토리스케이핑은 인물, 장소, 사건을 스토리의 중심에 두고 전개하고 있다는 사실을 확인할 수 있었으며, 하나의 사건은 또 다른 사건을 생산하며 브랜드와 대중이 상호 교류하고 공감하는데 있어서 관계 형성을 유도한다는 사실을 확인하였다. 샤넬 브랜드의 스토리스케이핑은 다양한 측면에서 소비자의 참여를 유도하며 브랜드 공유의 문화를 창출하고 결과적으로 브랜드 가치를 상승시키며 브랜드 고유의 패션 문화를 형성하고 있다. 또한 현대 사회의 미디어 콘텐츠와 맞물려 자발적으로 확산되며 타 브랜드와는 차별화된 관계를 구축하고 있다.

This research focuses on the value of storyscaping case studies of fashion brand, ‘chanel’. There are three objectives for this research. Firstly, it is to investigate the concepts and characteristics of brand, story and storyscaping, which plays an important role today in brand marketing. Secondly, it is to examine characteristics and values of fashion brand Chanel’s communicating method of emotional communication through analyzing fashion brand Chanel's storyscaping case studies. The specific case studies of this research are 󰡔Culture-Chanel󰡕, Chanel Meteriers d’Art Show, and fashion film. 󰡔Culture Chanel󰡕 is the exhibition that expresses artistic inspirations of Chanel brand’s emotion, Meteriers d’Art Show is a fashion show that shows up Chanel atelier artisan’s specificity. It is a collection with a story aiming for fashion brand Chanel’s spirit to be absorbed into the selected city’s culture and history. And fashion film is sharing brand sensibilities through a variety of digital media. Lastly, it is to understand the use-value of storyscaping and the effectiveness of communication through emotional perception in a fashion brand -marketing environment where many competing global fashion brands co-exit. This research combined a theoretical study through literature review with an objective study through case analysis. The results of this research indicate that characteristic of storyscaping was emotional sharing, story's clarity, and construction of experience space by immersion and interaction. And the characteristics of Chanel's storyscaping were analyzed as figure-centered, location-centered, and event-centered. In addition, the one event produced another event. and they derived relationships by interaction and empathy. Chanel's storyscaping included public participation and created Chanel's own culture. As a result, Chanel established distinctive relationships that differentiate from the other brands with media contents.

본 논문은 선행 연구인「3D 형태(shapes)의 의상 디자인 개념과 디자인 조형성 연구」의 후속 논문으로 다트 머니퓰레이션(dart manipulation)을 통해 3D 형태의 의상 디자인을 연구하고 개발하고자 하는데 그 목적이 있다. 연구방법으로 관련 문헌과 선행 논문의 조사를 통해 문헌연구를 하였으며, 3D 형태로 나타난 의상의 실증적 사례를 찾아 제시하고 3D 형태의 의상 디자인을 개발하였다. 문헌 자료의 연구를 통하여 다트와 다트 머니퓰레션의 개념 및 3D 형태 의상에 나타난 미적 특성을 정리하였다. 또한 다트 머니퓰레이션이 적용될 수 있는 3D 형태의 의상 조형성을 연구하여 2010년 SS부터 2016년 SS 패션 컬렉션까지 발표된 의상들로부터 3D 형태의 사례를 찾아 제시하였다. 이와 같은 연구를 바탕으로 다트의 이동, 분할, 병합, 변형, 삭제에 의한 다트 머니퓰레이션을 활용하여 3D 형태의 의상 디자인 3벌을 개발하였다. 연구 결과 인체의 기본 라인을 벗어나 형성되는 과장된 공간감과 부피감으로 인해, 입체적인 형태를 구축하는 3D 의상은 ‘과장’, ‘왜곡’, ‘구축’에 의한 미적 특성을 띠게 된다. 3D 형태를 나타내는 디자인 조형성 중 다트 머니퓰레이션이 적용되는 것은 ‘착장 방법’, ‘디테일’, ‘구조’이며, 3D 형태의 의상 디자인 개발은 각각의 3D 형태의 디자인 조형성에 초점을 맞추어 디자인하였다. 디자인 Ⅰ, Ⅱ, Ⅲ는 흰색 부직포를 사용하였으며 ‘과장’, ‘왜곡’, ‘구축’의 미적 특성이 표현되어 나타나도록 제작되었다. 3D 형태의 의상 디자인을 다트 머니퓰레이션을 활용하여 개발한 본 연구는 패션 정보지와 컬렉션 의상에 나타나고 있는 형태의 조형성과 미적 특성을 이해하고 디자인으로 연결하였다는데 의의가 있다.

This thesis is a follow-up paper of the advanced research on the「The fashion designs concept of 3 dimensional shapes and the designs formativeness」and its object is to develop and research designs that form 3D shapes by using dart manipulation. As a research method, we implemented a literature study by studying literatures related to the advanced paper, and proposed an empirical case of fashion and developed designs. Through the literature materials, we clarified the concept of dart and dart manipulation, as well as the aesthetic characteristics of fashion designs of 3D shapes. Moreover, we researched the 3D formativeness in which dart manipulation can be applied and proposed fashion cases that were presented to 2016 SS from 2010 SS fashion collection. With this, we developed 3 sets of 3D fashion designs using dart manipulation via transition, division, amalgamation, transformation and deletion of dart. As a result of the study, 3D fashion designs that form a three-dimensional effect through exaggerated space and volume breaking away from the basic line of the body show aesthetic characteristics of ‘exaggeration’, ‘distortion’ and ‘deployment’. Of 3D formativeness, elements in which dart manipulation is applied are ‘wearing configuration’, ‘detail’ and ‘structure’. Development of 3D fashion design is focused around each of its formativeness. DesignⅠ, Ⅱ, Ⅲ of top wear were manufactured using a white nonwovens to show aesthetic characteristics of ‘exaggeration’, ‘distortion’ and ‘construction’. This research, in line with developing 3D fashion designs using dart manipulation, is significant in the sense that it understands the formativeness and aesthetic characteristics that are shown in designs of infosheets and collections, and that it has connected these factors through design.

본 연구는 패션관련 산업의 환경 변화 속에서 국내 패션전문학원의 정규 교육과정을 분석하고 그 실태를 파악함으로써 국내 패션전문학원 교육과정의 새로운 방향을 모색하고자 한 것이다. 이를 위해 국내 패션전문학원들의 정규과정을 비교 분석하고 교육과정의 개선 및 발전에 관한 방향을 제시하였다. 먼저 전국의 지역별 교육청에 등록되어 있는 20개 학원의 교육과정 현황을 조사하였으며 심화 분석을 위해서는 주요 8개 학원을 선정하여 교과 영역을 분류하고 비교함으로써 교육과정을 분석하였다. 선정된 8개의 학원은 서울에 소재한 국제 패션디자인직업전문학교, 에스모드 서울, 라사라 패션직업전문학교, 에스디 패션실용전문학교, 코오롱 패션산업연구원, SADI, 대구에 소재한 에프밀라노 패션디자인학원 그리고 부산에 위치한 노라노 디자인아카데미이다. 6개의 교과 영역은 패션디자인, 의복구성, 패션일러스트레이션, 패션스타일리스트, MD/VMD, CAD이다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 전문인 양성을 위한 장기적 프로그램보다는 단기적 프로그램이 많다. 둘째, 학원 별 교육과정이 매우 유사하며 학원 별 차별화되고 창조적인 프로그램이 부족하다. 셋째, 교육과정의 대부분이 패션디자인 분야에 과도하게 치중되어 있다. 넷째, 에스모드 서울이 가장 체계적인 교과과정을 마련한 학원으로 분석된다. 다섯째, 라사라 패션직업전문학교는 교과 영역별, 분야별, 난이도별로 하위 교과 과정이 잘 구분되어 있고, 수업의 각 내용이 확실히 명시되어 있어서 학생들의 수업에 대한 이해도를 높이는 것으로 보인다. 여섯째, 코오롱 패션산업연구원은 기업과 연계하는 산학 협동 등 실무 위주의 수업이 체계적으로 구성되어 있다. 일곱째, 노라노 디자인아카데미는 패션디자인 분야뿐만 아니라 패션 분야와 직접적으로 연관이 깊은 멀티미디어, 3D 프린트 모델링 등의 정규과정을 도입하고 있다.

The purpose of this study is to analyze an actual situation of the regular curriculums of fashion academies in Korea and try to seek for solution for future development of a more desirable and effective curriculum. In order to analyze the current curriculum structure, Homepages of 20 registered design academies are investigated and for a deeper research, 8 major academies are selected and 6 areas of curriculum are examined. 8 major academies are Kukje fashion design academy, Esmod Seoul, Rasara fashion design academy, SD fashion design academy, Fashion Institute of KOLON, and Samsung Art and Design Institute in Seoul, F. Milano fashion design institute in Daegu, and Norano design academy in Busan. 6 areas are fashion design, clothing construction, fashion illustration, fashion stylist, merchandizing(MD)/ visual merchandizing(VMD), and fashion CAD. The findings are as follows: First, it needs to establish a curriculum with a long term perspective for prospective professionals. Second, most of the programs operated by the academies are comparable, lacking in differentiated and creative programs such as fashion history and fashion culture. Third, programs are biased towards fashion design area compared with fashion business area. Fourth, Esmod Seoul serves the most systematic curriculums. Fifth, Rasara fashion design academy provides well-suited programs for each level of students. Sixth, Fashion institute of KOLON is specialized in academic industrial cooperation. Seventh, Norano design academy provides various programs related with fashion like multi-media, 3D printing and Auto CAD.

3D 프린팅은 산업 분야를 막론하고 가장 주목받는 신기술로 인정받고 있으며 이미 제조업 분야의 시제품 제작 시장을 중심으로 크게 성장하고 있다. 이러한 시장 성장에 힘입어 3D 프린팅은 의료, 예술, 디자인 분야에서도 패러다임을 바꿀 혁신적인 기술로서의 가능성을 인정받고 있다. 패션산업 역시 이러한 추세를 받아들여 3D 프린팅을 이용한 다양한 시도들이 이어지고 있다. 이에 본 연구에서는 3D 프린팅으로 인한 패러다임 변화에 대한 이해를 바탕으로 패션디자인 분야에서 하나의 표현 방법으로 사용되고 있는 3D 프린팅을 이용하여 작품을 제작하고자 한다. 본 작품은 FDM(Fused Deposition Modeling) 방식 3D 프린팅을 이용하여 의상 제작에 적합한 안정적인 니트 조직을 출력할 수 있는 실험 결과를 바탕으로 니트 조직을 개발하고 의상을 제작함으로써 패션디자인에서의 효율적인 3D 프린팅의 활용과 응용에 대한 기초 연구가 되고자 한다. 작품 제작 방법은 니트 조직을 O-ring이 겹치는 형태로 설정하였으며, 3D 프린팅에 적합한 니트 조직을 도출하기 위해 O-ring의 내외경과 적층두께에 차이를 주어 실험하였고, 실험 결과 O-ring의 내경 9mm, 외경 10mm, 적층두께 0.1mm와 0.2mm의 조합이 가장 안정적인 출력 결과물로 도출되었다. 이러한 실험 결과를 작품 제작에 응용하여 인체 곡선이 자연스럽게 표현되는 의상을 제작하였다. 이를 위해 사용한 하드웨어는 Makerbot Replicator2, white PLA 필라멘트, 소프트웨어로는 Sketchup 8.0, Makeware 3.9.0.을 활용하였다. 작품 제작 순서는 첫째, Sketchup 8.0에서 3D 렌더링 작업을 거친 후, 둘째, 출력용 프로그램인 Makerware 3.9.0과 Makerbot Replicator2를 통해 출력하고, 셋째, 출력물을 흑니켈 O-ring으로 연결하는 순서로 작업하여 드레이핑 기법으로 인체 곡선을 자연스럽게 표현하는 의상 작품을 제작하였다. 본 연구 결과는 패션디자이너가 다양한 제품 제작에 실제적으로 응용 가능한 3D 프린팅 기술을 제공하여 후속 연구의 접근성을 높이고 더불어 패션디자인에 새로운 가능성을 제시하였다는 것에 의의가 있다.

3D printing technology recognized in several aspiring industry has grown significantly mainly in a manufacturing market. Also, its potential is recognized as a revolutionary technology to change the paradigm in medicine, art, architecture and design. The fashion industry has also led various attempts using 3D printing embracing this trend. In this study, I want to create a fashion design work using 3D printing based on the understanding of the paradigm shift caused by 3D printing. Knit organization was developed based on the results that can output a stable knit organization using 3D printing and it aims to be the basis of research on the effective use of 3D printing in fashion design by creating the costumes and applications. Experimental work production method was conducted to give a difference in thickness of the laminated inside and outside the passage O-ring in order to derive the knit organization for 3D printing. The experimental results of outside diameter O-ring 10mm, inner diameter of 9mm, a combination of laminate thickness 0.2mm and 0.1mm was drawn to be the most reliable output results. These results in the application of productions allowed to make costumes that represent a natural body curves. Hardware used for this purpose includes Makerbot Replicator2, white PLA filament and software Sketchup 8.0, Makeware 3.9.0. This result is significant in that it improved the accessibility of the subsequent research by providing a 3D printing technology available practically applied to various products manufactured by fashion designer and suggesting new possibilities to fashion design.

본 연구는 앨버트 밴듀라(Albert Bandura)의 자기효능감 이론에 근거하여 의류학 전공 대학생들의 패션디자인 독창성에 대한 자기효능감 수준을 알아보고 이에 대한 선행요인들, 즉, 과거 성과, 대리 경험, 언어적 설득, 생리적 피드백과 인구통계적 특성의 영향을 알아보는 것을 목적으로 하였다. 의류학 전공 대학생들의 창의성과 윤리성을 고양시키기 위해서는, 학생들이 창의적 과정을 적극적으로 추구하면서 동시에 윤리적인 결정을 내릴 수 있도록 충분히 높은 자기효능감을 갖도록 하는 것이 중요하다. 따라서 학생들의 패션디자인 독창성에 대한 자기효능감에 영향을 미치는 것으로 선행연구에서 제시된 변수들의 영향을 알아보고자 하였다. 이를 위하여 전국의 의류학 관련 학과에서 패션디자인 과제를 수행해 본 경험이 있는 학생들을 대상으로 설문조사를 실시하였고, 총 174부를 분석하였다. 패션디자인 독창성에 대한 자기효능감에 대한 선행요인으로 과거 성과, 대리 경험, 언어적 설득, 생리적 피드백 및 인구통계적 특성의 효과를 알아보기 위하여 단계적 회귀분석을 실시하였다. 첫 번째 단계에서는 과거 성과, 대리 경험, 언어적 설득, 생리적 피드백을 독립변수로 투입하였으며, 두 번째 단계에서는 인구통계적 특성을 독립변수로 추가 투입하였다. 그 결과 첫 단계에서는 과거 성과, 대리 경험, 생리적 피드백이 유의한 패션디자인 독창성에 대한 자기효능감에 대해 유의한 효과를 갖는 것으로 나타났다. 즉, 과거에 창의적·윤리적 패션디자인을 수행한 경험이 있거나, 다른 사람이 이러한 작업을 하는 것을 지켜본 경험이 있는 경우, 그리고 이러한 작업에 대한 스트레스를 적게 받는 경우 패션디자인 독창성에 대한 자기효능감이 높은 것으로 나타났다. 이러한 경향은 두 번째 단계에서 인구통계적 특성을 통제하였을 때에도 변화가 없었다. 단계 2에서 추가 투입된 인구통계적 특성 중에서는 성별만이 유의한 효과를 가졌는데, 여성보다 남성이 패션디자인 독창성에 대한 자기효능감이 높은 것으로 나타났다. 연구의 결과에 근거하여 대학의 교육자들이 학생들을 지도하는 데 도움을 주기 위한 교육적 함의가 제시되었다.

The purpose of this study was to examine the influences of performance outcomes, oral persuasion, vicarious experience, and physiological feedback on fashion design and merchandising students’ creativity and ethical fashion design self-efficacy, based on Bandura’s theory. In order to foster both creativity and ethics among apparel design and merchandising students in higher education, it is essential to encourage students to have sufficiently high self-efficacy to make sound ethical decisions while actively pursuing their creative processes. South Korean college students majoring in fashion design and merchandising from ten different universities were surveyed through an online survey website. A total of 174 questionnaires were collected. Stepwise regression was used to analyze the data. On the first stage, creativity and ethical fashion design self-efficacy was regressed on performance outcomes, oral persuasion, vicarious experience, and physiological feedback. On the second stage, the dependent variable was regressed on demographic characteristics including age, gender, residence, and subjective social status in addition to the four precedent variables entered on the first stage. The results showed that performance outcomes and vicarious experience are positively correlated with self-efficacy and physiological feedback is negatively correlated with self-efficacy, even when the effects of demographic characteristics were controlled for. Among the demographic variables that were added on the second stage, only gender had significantly positive relationship with self-efficacy. Specifically, men showed higher creativity and ethical fashion design self-efficacy than women. Educational implications were suggested based on the results for the educators at a higher education level.

척주동해비(陟州東海碑)는 1661년 삼척부사로 부임한 미수(眉瘦) 허목(許穆)이 동해를 예찬하는 동해송(東海頌)을 짓고 이를 독특한 전서체로 새겨서 만든 비석이다. 이 서체는 허목의 전서체 중에서 예술성이 가장 뛰어난 대표작품으로 평가받고 있다. 또한 이 비석은 세워진 이후부터 삼척지역에 상습적인 해일과 홍수로 인한 자연재해가 더 이상 발생하지 않았다는 주술적인 상징적 의미를 갖고 있다. 이에 본 연구는 삼척시의 대표적인 역사문화원형으로 주술적 상징성이 담겨있는 척주동해비의 서체를 패턴모티브로 활용하여 현대적 감각요소가 응용된 패턴디자인의 개발을 목적으로 하였다. 연구방법은 척주동해비의 역사·문화적 가치와 주술적인 상징적 의미를 선행연구와 참고문헌을 통해 조사하였으며 서체에서 현대적인 패턴모티브로서 활용 가능한 조형적 특성을 찾아내어 전통적 요소와 현대적인 감성과 기호를 접목시켜 패턴디자인을 개발하였다. 연구 결과로는 첫째, 서체의 조형적 특성 중 미수 허목의 전서체의 특성이 잘 나타나는 것으로 좌우 대칭형, 기하학적 단순형, 정중·장엄형으로 크게 세 개의 형태로 분류하여 패턴디자인의 모티브로 사용할 서체들을 도출하였다. 둘째, 조형적 특성이 드러나는 서체에서 패턴디자인의 전개 및 배열에 활용할 모티브를 추출하여 텍스타일디자인의 기본 전개방식과 리차드 프록터(Richard Proctor)의 단위형 패턴 전개방식을 적용하여 패턴디자인을 하였다. 또한 색채 활용은 삼척의 지역적 특성인 바다, 산, 동굴, 너와집 등이 반영된 지역 색을 추출하여 적용을 하였으며 각 각의 패턴디자인에 삼척지역의 자연환경, 전통문화, 생활양식, 관광명소, 먹거리 등의 상징적 의미를 담아 22종류의 패턴디자인을 개발하였다. 셋째, 개발된 패턴디자인은 넥타이, 스카프, 가방, 모자, 지갑, 파우치, 우산 등 패션소품으로 활용하여 텍스타일문화상품을 제안하였다. 텍스타일디자인 제품 활용은 척주동해비가 주술적인 상징성을 갖고 있으므로 복을 기원하고 가정의 안녕을 바라는 의미를 내포하였으므로 지역의 관광 상품에 개발된 패턴디자인을 적용한다면 차별화 된 상품개발로 이어질 것이다. 따라서 역사문화원형을 활용한 패턴디자인의 개발은 지역의 이미지 구축과 홍보에 기여할 것으로 기대한다.

Cheokjudonghaebi Monument is a stele built in 1661 by Huh Mok, District Governor of Samcheok, and "Donghaesong," a poem written by him in praise of the East Coast is engraved in his unique seal script (zhuànshū;篆書) style on it. Aiming at the development of new pattern design based upon the local cultural archetype, this study utilizes the calligraphic style of the monument and adds a touch of modern sensibility and taste to it. The historical and cultural value of the monument as well as its shamanistic symbolism is explicated by surveying preceding researches. For the creation of new pattern design, the formative characteristics of the monument applicable as modern pattern motive are sought after, and its traditional elements are engrafted onto contemporary sensibility and taste. The research results are as follows. Firstly, the formative characteristics of calligraphic style to be applied as pattern motive are to be classified into the bilateral symmetric type, the simple geometric type, and the courteous and grand type. Secondly, this study develops and displays 22 kinds of pattern designs by extracting the motive from the calligraphic style revealing formative characteristics, using the basic developmental method and Proctor’s unit pattern developmental method, and reflecting local color. Thirdly, to apply the developed pattern design to fashion accessories, several textile design products reflecting local cultural archetypes and shamanistic symbolism are proposed: such as neckties, scarves, bags, wallets, pouches, and umbrellas. Expectedly the development of new pattern design utilizing the cultural archetype of the local historic monument will contribute to consolidating the image of the local area and making unique cultural products based upon it.

현대 사회 전반에 걸쳐 19세기의 정형화된 남성다움 혹은 여성다움이라는 고정관념적 젠더 이미지는 다양한 매체에 의해 재현되고 있다. 그러나 20세기 후반부터 다원화된 젠더 이미지가 사회 전반에 자리 잡고, 여성의 역할과 지위가 향상됨으로 인해 고착된 이미지를 탈피하고자 하는 시도가 다양하게 이루어 졌다. 고정관념적 여성 이미지가 다수 차용되던 패션 사진에서도 여성 이미지 재현에 있어 비판적인 시각을 접목하거나 다양한 방식으로 재해석하여 표현하는 패션 사진 사례를 발견할 수 있었다. 이에 본 연구는 마일스 알드리지(Miles Aldridge) 패션 사진 속에 표현된 고정관념적 여성 이미지의 재현 행태를 파악하고, 비판적 재현 표현 특성을 도출하였다. 본 연구에서 패션 사진을 유형화 하여 분석하기 위해 어빙 고프만(Erving Goffman)의 연구 젠더 애드버타이즈먼트(gender advertisements) 및 후속 연구 결과를 적용하여 분류하였다. 알드리지는 미인대회, 가사노동과 같은 주제를 비롯하여, 페티시즘을 연상하게 하는 소품 사용 등을 통해 고정관념적 여성 이미지를 재현하고 있었지만, 여성과 색채의 이중적 표현을 통해 비판적 시각을 드러내었다. 알드리지가 창조해 내고 있는 여성들은 단순히 고정관념화된 아름다운 이미지를 전달하는 것이 아닌 공허한 표정과 창백한 피부 표현을 통해 인공적이고 모순된 모습으로 연출되었다. 이를 통해 작가의 자의식적인 인공성을 여성 모델을 통해 연출하여 불편하고 왜곡된 느낌을 전달하고, 환경, 소품 등으로 그 의미를 부각시켰다. 또한, 강렬한 색상대비와 명도대비를 적극적으로 활용하고 있었고 초현실주의적인 레드, 옐로우, 그린 컬러를 주조색으로 사용한 사례가 많았다. 이러한 강렬하고 인공적인 빛과 색채의 사용은 고정관념적 이미지와의 부조화를 극대화 하였다. 즉, 현실성 있는 스토리텔링에 색채와 인공조명이라는 허구를 혼합하여 실재와 인공성이 공존하는 비현실적인 현실을 표현하고 있었다.

In the entire modern society, stereotyped gender images of the 19th century's standardized masculinity and feminity are being represented by various media. However, since the late 20th century when multi-gender images were settled in a society and female role and status were improved, there have been many various attempts to escape from a fixed image. In fashion photos that borrowed a lot of stereotyped female images, this paper identified quite a few cases of fashion photos that embraced a critical perspective or expressed female images through reinterpretation in many ways. So, this study identified representation manners of stereotyped female images and derived characteristics of the critical representation expressed in fashion photos by Miles Aldridge. Including themes of a beauty pageant or domestic labor, Aldridge represents stereotyped female images using props suggestive of fetishism but shows a critical viewpoint by dual expression of women and colors. Women created by Aldridge are represented as a void expression, pale skin and an artificial image rather than convey simply stereotyped images. As such, the artist conveys an uncomfortable and distorted feeling by presenting his self -conscious artificiality through female models, emphasizing its meaning by contexts and props. Besides, there are many cases to use intense color/brightness contrasts, employing surrealistic red, yellow and green as dominant colors. Utilization of such strong and artificial light and color maximizes discord with stereotyped images. In other words, it is expression of unrealistic reality that substance and artificiality coexist through transplanting a fiction of color and artificial lighting on the realistic storytelling.

오늘날 사회가 다양화·복잡화되면서 라이프 스타일이 변화하여 소비자 스스로가 자신의 스타일을 만들어 내고 창조해내기 시작하였으며, 자신의 욕구 충족이자 이미지 표출의 도구로 생각하는 현대인들의 사고는 남성 패션에도 다양한 변화를 가져오게 되었다. 현대사회의 남성들은 패션을 선택함에 있어서 능동적이고 개성적인 면을 중요하게 드러냄으로써 정형화된 틀을 벗어나 자신을 가장 잘 표현할 수 있는 패션을 선호하고 있다. 또한 남성 패션 상품에 대한 소비자들의 욕구가 다양해지는 가운데 남성 패션의 시장도 점차 변해가고 있다. 21세기 패션에 있어서 현대 남성복의 원류라고 할 수 있는 19세기 서양 남성복의 댄디즘(Dandyism)은 18~19세기에 대두되어 현대 남성 복식 근대화의 계기를 마련하고, 19세기의 사회·문화적 맥락으로부터 자유로운 수 없으며 댄디즘의 유행을 불러일으킨 당시의 예술적 맥락은 중요한 요인이 된다. 본 연구는 19세기 서양 남성 복식이 미친 영향을 실루엣, 색채, 소재로 구분하여 이미지 자료를 통해 분석하였다. 19세기 남성복의 댄디즘의 미적 특성과 조형적 특징의 접목을 통해 남성 재킷에 응용하여 활용함으로써 현대 남성의 재킷의 다양성을 새롭게 제시하는데 목적이 있다. 따라서 본 연구는 댄디즘의 미적특성을 살려 독창적이고 창의적인 현대 의상디자인으로 재탄생시키는데 의의가 있으며, 현대 패션의 특징적 흐름에 착안하여 19세기 남성복의 요소를 기성복을 넘어서 조금 더 창의적인 스타일을 재창출할 수 있는 표현방법을 모색하고, 감각 있고 창의적인 제시하며, 새로운 디자인을 창조하는 새로운 패션 경향의 기초 자료가 되는 시발점이 되었으면 한다. 앞으로 19세기 남성복의 댄디즘을 다각적인 시각에서 연구·분석하고 다양한 패션 경향과 연계하여 패션디자인에 적용할 수 있는 효율적이고 창조적인 방법이 다양하게 제시되기를 바란다.

In the current climate of today’s world, lifestyle has changed and presented changing factors requiring a necessity for social diversification. Individuals as lone sole persons and/or customers need to possess a stronger element of independence in relation to fashion style(s). Thinking of modern persons regarding it as a tool for satisfying their desire and expressing the image will bring out a variety of changes in men's fashion. Men in the modern society prefer fashion that is able to show them at their best, displaying the more active individual and allowing for a wearer to step out of the concept of the fixed frame. In addition, the modern customer's desire for men's fashion goods is gradually beginning to vary accordingly to what is seen across the male fashion market. The study reviewed the dandyism of the 9th century's men's clothing that is most likely the origin of the 21st century's modern men's clothing. The 18th and 19th centuries' arrangement of modern men's clothing culturally formulized the desire and opportunity for modernization; this did not happen outside of the standard sociological and cultural aspects of the 19th century. The effect of 19th century's men's clothing on modern men's clothing was additionally analyzed using imagery, materials, silhouette, color and fabric work. Based on such a study, the aspects of 19th century's dandyism and emerging modern fashion can be seen. This allowed for the factoring in the men's clothing on the basis of the characteristics of modern fashion, the suggestion of sensual creative designs and the creation of new designs.