Earticle

중국은 전 세계에서 가장 큰 럭셔리 시장 중 하나이다. 또한, 소비자들은 판매원과의 상호작용을 통한 매장 구매 방식을 선호하는 독특한 판매 문화를 구축하고 있다. 하지만 영업 사원의 의사소통 방식이 소비자 행동 에 어떠한 영향을 미치는지 살펴볼 필요성이 있다. 즉, 직원과 소비자와의 관계 구축 방식이나 소비 촉진 전략 에 대한 측면이 연구가 거의 진행되지 않았다. 따라서, 본 연구의 목적은 다음과 같다. 먼저 중국 시장에서 럭셔리 브랜드 직원의 의사소통 방식(과업 지향성, 상호작용 지향성, 자기 지향성) 중 어떠한 요소가 소비자 관계 구축과 브랜드 이미지에 영향을 줄 것인가, 라포 형성이 중국 소비자의 옹호를 향상시킬 수 있는 가이다. 럭셔리 매장을 방문한 소비자 319명을 대상으로 설문조사를 실시한 후 구조방정식 모형을 이용하였다. 분석 결과, 직원들이 상호작용 지향성 의사소통 방식을 했을 때, 소비자와의 관계적 라포를 형성할 수 있는 것으로 나타났다. 또한, 자기 지향적인 의사소통 방식은 소비자와의 관계적 라포 형성을 구축함으로써 소비자 옹호에 정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이는 럭셔리 직원의 커뮤니케이션 능력을 더욱 향상시켜야 한다는 사실과, 다양한 소비자 유형에 맞는 타깃 커뮤니케이션 전략의 필요성을 의미한다. 즉 럭셔리 직원은 소비자 와 커뮤니케이션을 통해 라포를 형성한다면 고객이 주도적으로 적극적인 브랜드 홍보역할을 할 수 있다. 본 연구는 중국 럭셔리 점포 영업사원의 커뮤니케이션 방식에 대한 기초 연구로 이론적 측면과 함께 오프라인 서비스에 대한 실무적 시사점도 제안하였다는 점에서 의의가 있다.

China is one of the largest markets for high-end items. Consumers in China prefer to make purchases in stores after interacting with salespeople. However, the impact of communication style on customer behavior has received little research attention in terms of how salespeople build rapport and promote consumer advocacy. Two research questions were proposed accordingly. Which aspects of luxury salespeople’s communication style (e.g., task orientation, interaction orientation, and self-orientation) affect the relationship between consumers and brands in China? Does rapport-building generate Chinese consumer advocacy? A questionnaire survey with 319 consumers who had visited luxury stores was conducted. Data was analyzed using a structural equation model. The findings show that when salespeople adopt an interactive communication style with consumers, it means they succeed in building rapport and influencing consumers’ advocacy. Self-oriented salespeople can also positively influence customer advocacy by relational rapport-building with consumers. It was suggested that luxury managers should further improve their salespeople’s communication perceptions and skills, use targeted communication strategies for various consumer types, and encourage customers to act as “brand ambassadors”. The study findings contributed to the body of the literature in that it investigated how behavior of salespeople in luxury stores affected ordinary consumers and filled knowledge gaps in the research on Chinese luxury retail service.

본 연구는 다양성과 포괄성이 중요해지고 있는 패션 산업에서 사회문화적 요소의 활용 시 논쟁이 발생되 고 있는 사례의 특성을 살펴보고 시사점을 논의하는 것을 목적으로 하였다. 연구 내용은 다음과 같다. 첫째, 패션에 대두되고 있는 다양성, 문화다양성, 문화적 전유에 대해 고찰하였다. 둘째, 패션에 나타난 사회문화적 논쟁 사례를 수집하고 범주화한 후 주요 내용을 분석하였다. 셋째, 패션에 나타난 사회문화적 논쟁의 특성과 시사점을 논의하였다. 연구 방법으로, 이론적 고찰은 선행연구와 서적 등을 통한 문헌 연구를 하였다. 그리고 패션 관련 매체 및 신문, 방송 매체의 패션 기사를 중심으로 검색어를 활용하여 사례를 수집한 뒤 내용을 실증적으로 분석하였다. 연구 범위는 2018∼2021년에 기사화된 사례로 한정하였다. 자료 분석 시 패션 전문 매체나 비평가의 논평을 참고하였다. 연구 결과 타 문화의 종교적인 상징, 토착 문화 표현의 도용과 오용에 의한 문화적 전유 사례, 인종 차별과 희화화 사례, 성적 취향 및 성범죄에 관련된 사례, 다른 나라의 주권에 관련된 사례, 사회적으로 민감한 사안 및 사건을 부적절하게 사용한 사례들이 고찰되었다. 앞으로 패션 산업 의 발전을 위해서는 사회문화적인 문제가 발생했을 때 대응하는 것에서 나아가 제품 기획 및 개발 단계부터 세밀하게 검토하고 진정성 있게 접근할 수 있는 체계적인 시스템을 개발하는 것이 중요하다. 즉, 흥미를 줄 수 있지만 윤리적, 사회적으로 문제가 될 수 있는 주제나 영감의 사용에 대해서는 패션계에서 충분히 숙고하 는 과정이 필요하며 이를 위한 매뉴얼과 교육의 지속적인 보완이 필요하다. 이 연구 결과는 앞으로 유사한 사례가 발생하는 것을 방지할 수 있도록 정보를 제공하며, 패션 산업이 바람직한 방향으로 발전하는 데 도움 이 될 수 있는 의의가 있다.

The purpose of this study is to examine the characteristics of controversial cases when using sociocultural elements in the fashion industry, where diversity and inclusion are emphasized, and to discuss its implications. The content of this study are as follows. First, diversity, cultural diversity, and cultural appropriation in fashion were examined. Second, I analyzed the content after collecting and categorizing cases of sociocultural disputes in fashion. Third, the implications of sociocultural disputes in fashion were discussed. As a research method, literature studies were conducted through previous studies and books. Content analysis was conducted empirically by collecting cases using search terms, focusing on fashion articles in fashion-related media, newspapers, and broadcasting media. The scope of the study was limited to cases published in 2018-2021. In analyzing the data, comments from fashion media and critics were referred to. As a result, cases of cultural appropriation by stealing and misusing of indigenous cultural expressions and religious symbols of other cultures, those of racism and caricature, those related to sexual orientation and sexual offenses, those related to the sovereignty of other countries, and those of inappropriate use of socially sensitive issues and events were considered. For the fashion industry in the future, it is important not only to respond when sociocultural controversies arise, but also to thoroughly review even from the product planning and development stage, and to develop a systematic system for the authentic approach. In other words, the use of inspiration or subject matter that can be interesting but ethically and socially problematic requires careful consideration, and continuous update of manuals and education is necessary. The results of this study provide information to prevent similar cases from occurring in the future, and are meaningful in helping the fashion industry develop in a desirable direction.

세계화와 지구지역화 시대의 도래에 따라 다국적 기업은 현지 시장 진출의 전략으로써 전통문화를 브랜드 마케팅에 적용하고 있다. 서구자본을 기반으로 한 럭셔리 패션 브랜드의 타문화 활용은 문화적 차용이라는 문화교류의 방법으로 인정받아왔으나, 최근 비서구권 문화를 오역하는 문화적 전유 문제가 대두됨에 따라 마케팅의 대상으로 사용하는 전통문화에 대해 진정성 있게 접근하는 태도가 요구된다. 구찌는 전통문화를 디자인과 마케팅에 적극적으로 사용하는 대표적인 브랜드로 문화적 전유 문제를 극복하기 위한 정책을 내세 우며 다양성 실행을 선도하는 이미지를 구축하고 있다. 이에 본 연구는 한국 전통문화를 활용하는 럭셔리 패션 브랜드의 정책을 진정성 표현의 관점에서 살펴보기 위하여 구찌의 사례를 분석하고, 현대 패션산업에서 의 전통문화 활용 방향을 논의하는 것에 목적을 두었다. 연구방법으로 문헌연구를 통하여 패션산업에서의 타문화 차용 현황 및 구찌의 브랜드 아이덴티티를 파악하였고, Gilmore and Pine Ⅱ의 진정성 인지 구조를 재구성하여 2012년 이후 구찌의 한국 전통문화 사용 사례를 분석하였다. 나아가 구찌와 협업한 국내 브랜드 의 실무자 및 전통문화 분야 전문가와의 인터뷰를 병행하였다. 연구 결과, 구찌는 전통문화의 대표적 이미지 를 적용한 디자인 개발, 브랜드의 비주얼 아이덴티티를 반영한 전통문화 체험, 전통문화의 지속적인 영향력 을 위한 부가적 활동을 통하여 한국 전통문화에 진정성 있게 접근하는 모습을 보여주었고, 이는 다양성의 존중이라는 브랜드 아이덴티티와 부합하는 전략이라고 할 수 있다. 그러나 현대 패션산업의 본질은 상업성에 있으며 문화적 전유로 인한 피해를 방지하기 위해서는 전통문화 차용에 대한 방향을 구체적으로 설정할 필 요가 있다. 본 연구는 럭셔리 패션 브랜드의 한국 전통문화 활용에 대한 진정성을 파악할 수 있는 기초적인 틀을 제공하고, 전통문화산업에 종사하는 전문가의 의견을 반영한 문화교류의 방향을 논의하는 점에서 의의 를 가진다.

In the era of globalization and glocalization, multinational companies are applying traditional cultures to brand marketing and using them as strategies for entering the market. The utilization of other cultures by luxury fashion brands based on Western capital has been recognized as cultural borrowing or cultural exchange. However, as the problem of cultural appropriation that misinterprets non-Western cultures has emerged, authentic approach to traditional culture employed as a marketing tool is being required. Gucci is a representative brand that actively utilizes other traditional cultures in design and marketing; building a pioneering image of diversity. This study aims to analyze Gucci's cases to examine the strategies of luxury fashion brands in utilizing traditional Korean culture from the perspective of authenticity expression, then to discuss a direction of using traditional culture in the contemporary fashion industry. For the purpose of the research, we investigated the current status of cultural borrowing in the fashion industry and analyzed the cases of traditional Korean culture utilized by Gucci since 2012 by restructuring framework of authenticity by Gilmore and Pine Ⅱ. Moreover, we conducted interviews with the domestic companies that collaborated with Gucci as well as the experts in Korean traditional culture. As a result, Gucci could be considered to have an authentic approach to Korean traditional culture through developing products which incorporate typical traditional images, offering experiences of the traditional culture combined with the brand identity, and additional practices for constant influence of traditional culture. These characteristics are parallel to the diversity strategies of Gucci. Nevertheless, guidelines for borrowing traditional culture are urgently needed to prevent the harm caused by cultural appropriation. Therefore, the authentic utilization of traditional culture by luxury fashion brands requires breaking away from stereotypes through in-depth understanding and restructuring of the scope with continuous interest, and reinterpretation of the culture in the spirit of the times. This study has significance in that it provided a frame for understanding the authenticity in utilizing Korean traditional culture and discussing a direction of cultural exchange which reflected expert opinions in the related field.

상호텍스트성은 한 대상에 내재된 의미를 재생산과 확장을 함으로써 그 안에 내재된 가능성을 나타나게 한다. 본 연구는 한국전통복식을 철학적 관점에서 분석하고자 했다. 소통의 수단으로서 패션은 상황에 따라 다른 의미를 전달해왔다. 한국전통복식은 해체하고 다른 예술형태와 결합하여 외현을 변화시키거나 의미를 확장해왔다. 따라서 이 연구는 한국관광공사에서 제작하여 배포한 홍보영상에 나타난 전통의상의 현대화를 상호텍스트성을 근거로 분석해 보고자 한다. 이미지는 인터넷을 통해서 수집되었으며 음악과 댄스의 상호텍 스트성 측면에서 분석했다. 음악과 댄스의 상호텍스트성은 TPO.의 상호텍스트성과 젠더의 상호텍스트성을 분석하여 코디네에션 방법에 따라 파악했다. 그 결과, TPO.의 상호텍스트성은 음악과 댄스 모두 과거와 현재, 동양과 서양, 공적인 것과 사적인 것을 적절히 조화시킨 것으로 나타났다. 그리고 젠더의 상호텍스트성은 여 성과 남성이 이성의 패션아이템을 착용하여 대중에게 인기있는 스타일을 차용한 앤드로지너스룩을 반영한 것이었다. 홍보영상의 댄스팀이 한국전통의상의 현대화에 대한 요구에 맞추어 사용한 믹스 & 매치 방법은 성공적이었으며 홍보영상에 속에서 가장 선명하게 증명되었다. 본 연구는 한국전통복식의 현대화를 상호텍스 트성의 측면에서 분석하여 전통복식의 무한한 변화 가능성을 확인했으며 전통복식의 대중화에도 도움이 되 는 기초자료를 제공했다는데 의의가 있다.

Intertextuality represents the potential inherent in an object by reproducing and expanding the meaning innated in it. This study adopted a philosophic view to analytically examine modernization of Korea traditional costume. Fashion, as a communication medium, transfers its meaning according to different circumstances. Korean traditional clothing also has changed its appearances and has augmented its meanings by deconstructing and combining with other art forms as time passes. Therefore, the purpose of this study is to investigate the intertextuality reflected in modernization of traditional clothing shown in commercial clips of the Korea Tourism Organization; The tiger is coming. The images were collected through the internet and analyzed based on intertextuality of music and dance. The intertextuality of music and dance was identified by analyzing coordination methods and they were analyzed through intertextuality of Time Place Occasion (TPO) and gender. As a result, it shows intertextuality of TPO with music and dance represented in the images is a harmonization of the past and present, west and east, and the public and private. The intertextuality of gender in music and dance is associated with the androgynous style which extracts a popular expression from public contexts. The mix-and-match methods by which the dance team blends the modern with the traditional of Korean costume were successful and such outcomes are most clearly evidenced in the promotional video of Korea Tourism Organization. This study explores the particular importance of intertextuality within modernization of Korea traditional clothes and attention is drawn to ways in which the insight from future studies can be used for creative formation of traditional clothes.

환경오염과 자원 고갈에 대한 위기의식이 부각되면서 각종 산업 폐기물과 일상생활에서 쉽게 버려지는 쓰레기들로 인한 환경오염 문제를 야기되고 있다. 이러한 환경문제는 이 사회가 해결해야 할 필수적인 실천 과제가 되었다. 환경에 대한 경각심이 커지면서 폐기물을 단순한 폐기의 대상이 아닌 순환과정에 있는 자원 으로 인식하고, 다양한 분야에서 재활용에 대한 연구가 활발히 이루어지고 있다. 패션산업은 유행이라는 특 성상 산업 단계별로 매우 다양한 환경 폐해 물질들을 생산해내고 있음은 물론이고, 사용하기 전에 버려지는 폐기물들도 상당히 많은 양을 차지하고 있다. 본 연구는 사회적, 환경적으로 대두되고 있는 업사이클에 대해 연구함으로써 자원의 효율적 활용도를 높이는 패션디자인 개발을 위한 디자인 방법과 표현 기법의 연구에 중점을 두었다. 먼저 업사이클이 무엇인지 그 정확한 내용을 파악하기 위해 업사이클이 탄생하게 된 배경으 로 업사이클의 개념, 유형과 특징, 업사이클링 패션디자인 사례를 파악하였다. 의복 구조의 업사이클 방법으 로 해체와 재조합을 중점적으로 다루었다. 디자인 표현 기법으로는 ‘캔버스 스티칭’을 차용하여 기법의 정의, 스티치 종류와 특징, 캔버스 스티칭을 활용한 디자인 사례들을 살펴보고, 기법을 적용한 예술적인 심미성을 표현하고자 하였다. 본 연구는 업사이클을 위한 아이템을 재고 의류와 폐원단으로 한정하여 업사이클 활용을 어떻게 극대화할 수 있는지에 대한 그 방법적인 조형적 요소와 미적 요소로 나누어 그 중요성을 강조하였다. 따라서, 독창적인 디자인과 새로운 기법의 시사점은 최근 대두되고 있는 실천적 순환 가치 체계를 장려할 수 있을 것으로 본다. 본 연구의 의의는 업사이클 패션디자인에 있어 디자인 표현 기법에 대한 다각도의 실험 적인 연구가 연구자와 패션디자이너에게 유용한 전략이 될 수 있음을 시사하였다.

As crisis awareness regarding environmental pollution and resource depletion is magnified, environmental problems due to various industrial wastes and wastes easily thrown away in our daily lives are being caused. These environmental problems became the essential practice subject to be resolved by the society. As awareness regarding the environment increases, wastes are recognized as resources that are in the process of circulation rather than an object of simple disposal and researches on recycling are carried out actively in various fields. Not only are the fashion industry manufacturing diverse harmful environmental substances by industrial steps due to the nature of trend but also wastes thrown away before use account for significant quantity. This research focused on the design methods and expressive techniques for the development of fashion design that increase the effective utilization of resources by studying up-cycling which is socially and environmentally on the rise. First of all, to exactly identify what an upcycle is, the concepts, types and features of upcycle, and cases of up-cycling fashion design were examined as the background of the advent of up-cycling. As an upcycle method of clothing structure, it was focused on disassembly and recombination. For the expressive technique of design, the study borrowed ‘Canvas Stitching’ and investigated definition of the technique, stitch types and features, cases of designs utilizing canvas stitching and the intention was to express artistic aesthetic applying the technique. This research emphasized the importance of methodological classification into formative and aesthetic elements regarding how to maximize utilization of upcycle, limiting to stocked clothing and discarded textiles. Therefore, it is deemed that the implication of original designs and new techniques can promote practical circular value system which is emerging recently. The significance of this research lies in the implication that experimental research from various perspectives regarding the expressive technique of design can be a useful strategy in terms of upcycle fashion design.

본 연구의 목적은 패션 일러스트레이션의 다양한 표현기법에 관한 영역의 확대가 가능한지를 믹스트 미디 어 기법과 사이키델릭 아트의 특성을 활용하여 희망적인 메시지 전달이란 주제로 제작한 패션 일러스트레이 션을 통해 규명하는 데 있다. 믹스트 미디어 기법은 색다른 이미지 표현을 위한 새로운 기법이므로, 이를 활용하여 시도해 봄으로써 패션 일러스트레이션의 표현기법 영역 확대가 가능하리라 사료된다. 더불어 현 상황의 사회적 문제인 코로나로 인한 심리적 우울감을 해소하기 위해 사이키델릭 아트의 환상적이면서 몽환 적인 분위기의 특성을 차용하기 위함이었다. 연구 방법은 이론적 연구와 실제적 제작 연구로 진행하였다. 이론적 연구는 문헌 및 선행연구, 인터넷 자료 등을 통해 믹스트 미디어의 개념 및 표현기법과 사이키델릭 아트의 개념 및 특성에 관해 고찰하였다. 고찰한 믹스트 미디어 기법을 활용하여 사이키델릭 아트의 특성을 기반으로 패션 일러스트레이션 작품 4점을 실제 제작하였다. 패션 일러스트레이션의 제작은 재료 및 채색 도구를 비롯한 일상의 오브제를 혼합하여 사용하였고, 색상은 사이키델릭 아트에서 주로 사용하는 원색의 강렬한 색채, 형광 색조와 사계절을 상징하는 색상을 주로 사용하였다. 그 결과는 다음과 같다. 주제를 표현 하기 위해 사이키델릭 아트의 특성 중 착시성, 유희성, 신비성을 기반으로, 사계절의 일상을 모티프로 표현하 였다. 이를 바탕으로 현실의 모습을 팬데믹 이전의 일상을 기억하며 행복해지는 즐거움을 다양한 재료와 믹 스트 미디어 기법 중 첨가기법, 반발기법, 제거 및 결합기법을 활용하여 가상의 이미지로 재창조하여 일상 회복이라는 메시지를 유머러스하게 표현하였다. 본 연구를 통해 포스트 팬데믹 시대의 일상 회복이란 희망적 메시지를 전달하기 위해 믹스트 미디어 기법을 활용한 사이키델릭 패션 일러스트레이션을 제작하여 제시함 으로써 희망적 메시지 전달은 물론 창의적이고 새로운 표현기법으로써의 활용성을 확인할 수 있었다. 본 연 구는 주제에 따라 패션 일러스트레이션을 표현하는 다양한 기법을 제안함으로써 메시지 전달은 물론 독창적 인 패션 일러스트레이션을 제작하는 데 도움이 되리라 사료된다.

This study aims to determine whether it is possible to expand the scope of various expression techniques in fashion illustrations, which is researched through fashion illustrations designed to deliver hopeful messages by using the characteristics of mixed media and psychedelic art. Since the mixed media is a new technique for expressing different images, its utilization is regarded to expand the scope of expression techniques of fashion illustrations. In addition, in order to relieve the psychological depression caused by COVID-19, a social problem in the current situation, it aims to borrow the characteristics of the fantastic and dreamy atmosphere of psychedelic art. Theoretical research includes literature review, precedent research, and Internet data analysis, which examined the concept and expression techniques of mixed media and those of psychedelic art. Using the mixed media technique, four fashion illustrations were actually produced based on the characteristics of psychedelic art. The results are as follows. To express the theme, the everyday life of the four seasons was expressed as a motif based on optical illusion, playfulness, and mystique among the characteristics of psychedelic art. Based on this, the message of Back-to-Normal was humorously expressed by recreating the joy of being happy into a virtual image by remembering the everyday life before the pandemic. For this, various materials and mixed media techniques were used. In order to deliver the hopeful message of Back-to-Normal in the post-pandemic era, this study produced and presented psychedelic fashion illustrations using the mixed media to deliver a hopeful messages and confirm its availability as a creative and new expression technique. The study proposed a variety of techniques for expressing fashion illustrations according to the theme, which will not only deliver the hopeful messages but also help produce creative fashion illustrations.

본 연구는 캐나다 섬유예술가 레이사 리치 섬유예술의 조형적 특성을 바탕으로 소재 기법과 표현양식을 응용한 패션일러스트레이션을 개발하는 작품 연구이다. 연구 내용으로 레이사 리치의 삶과 평면작품을 중심 으로 구성요소를 분석하여 그녀 작품의 독창적인 기법과 표현방식에 대한 조형적 특성을 분석한다. 이를 바 탕으로 종전의 일러스트레이션과 차별화될 수 있는 다양한 질감의 부조적 입체 표현의 패션일러스트레이션 작품을 완성한다. 이 연구의 결론으로 첫째, 레이사 리치는 개인의 경험과 사회적 주제를 자연의 유기적 형태 로 해석하여 섬유 재료의 선적 표현을 통해 유토피아를 표현하였다. 둘째, 그녀는 투명한 중첩과 불투명한 중첩으로 공간을 표현하였고 이는 연속적, 관계적 공간을 창조하여 깊이감을 보여주었음을 확인하였다. 또한 다양한 기법을 한 화면에 복합적으로 이용해 독특한 질감을 나타내었다. 다양한 기법과 재료의 맥시멀리즘은 그녀의 작품에 일상적이지 않은 새로운 질감을 창조해내었다. 색채는 자율성을 지닌 그녀의 표현 수단이고 과감한 원색의 배색 기법을 통해 확인할 수 있었다. 셋째, 그녀의 조형적 특성을 기반으로 작품 일부의 표현 방법과 디테일 표현 위주로 응용하여 제작한 패션일러스트레이션 작품은 기계자수와 손자수를 이용하여 선 의 두께와 굵기 차이를 통해 드로잉하듯 형태를 표현하고 섬세한 묘사가 가능하였다. 넷째, 여러 재료와 기법 의 중첩은 작품의 독특한 질감의 시각 효과를 가능하게 하였고 얼굴 내 공간의 깊이감을 더해주는 특징을 보였다. 다섯째, 일부 디테일의 색채 표현에 있어 배색을 통한 색면과 색선의 조합, 반짝이는 색과 투명한 색의 사용으로 독특한 질감 효과를 더욱 극대화할 수 있었다. 마지막으로 뷰티일러스트레이션의 경향에 근거 해 볼 때 얼굴표현을 중심으로 다양한 질감 표현을 시도한 본 작품의 범주 역시 뷰티일러스트레이션에 속할 수 있음을 보여주었다.

This study aims to develop fashion illustrations reinterpreting the material techniques and expression styles of Leisa Rich Textile Art. Furthermore, based on analysis of original techniques and expressions of Leisa Rich works, it aims to produce fashion illustration works of various textures that can differentiate from traditional illustrations. The conclusions of this study are as follows. First, Leisa Rich expressed utopia by interpreting individual experiences and social themes in the organic form of nature. Second, she showed a sense of depth by expressing continuous and relational space with transparent and opaque overlaps. Additionally, various techniques and materials were used at once on one screen and new textures were created with bold primary colors. Third, fashion illustration works based on the characteristics of her work technique were delicately described by expressing the form like drawing using machine embroidery and hand embroidery. Fourth, the overlap of various materials and techniques enabled the unique texture of the work and showed a characteristic of giving a sense of depth of space in the face. Fifth, the combination of faces and lines through coloration, and the use of shiny and transparent colors made the unique effects of texture maximized. Finally, based on the trend of beauty illustration, my face illustration in this study using various texture expressions can be categorized as beauty illustration.

팬데믹으로 인해 본격화된 비대면 시대에 패션산업에서는 가상현실을 활용한 콘텐츠들이 빠르게 생산되 고 있다. 본 연구는 자연의 성질을 응용하여 개발된 페로플루이드의 독특한 이미지 특징에 주목하여 이를 응용해 버추얼 헤드피스를 디자인하고 애니메이션 영상을 제작함으로써 패션 착장 경험의 확장에 대해 탐구 하며 디지털 패션디자인의 미래 가능성을 고찰하는 것에 목적을 둔다. 본 연구는 과학, 예술, 패션 등의 문헌 연구와 응용 자료들을 분석하여 이를 기반으로 페로플루이드와 버추얼 헤드피스에 대한 개념 및 디자인 사 례 분석을 통해 표현 방법을 연구하였다. 자기장에 반응하는 페로플루이드의 이미지 특징을 점, 선, 입체, 색채/질감의 측면으로 도출하여 ‘버추얼 헤드피스 AR 필터’와 ‘착장 사례를 보여주는 루프 애니메이션’을 제작하였다. 작품의 디자인 및 제작을 위해 3D 모델링 프로그램은 블렌더를, AR 구현 프로그램은 스파크AR 을 이용하였다. 작품 디자인을 통해 얻은 주요 결론은 다음과 같다. 첫째, 버추얼 헤드피스를 제작하기 위한 프로그램은 용도와 접근성의 측면에서 채택되었는데, 모델링 과정에서 다양한 질감 구현의 가능성이 확보되 었으나 AR 구현에서는 플랫폼의 용량 제한이 있어 섬세한 질감 모두를 표현하는데 어려움을 확인하였다. 둘째, 페로플루이드의 이미지 특징 중 선의 형태에 착안하여 메인 콘셉트를 정하는 과정을 통해 버추얼 헤드 피스 디자인의 방법적 사례를 제시할 수 있었다. 셋째, 버추얼 헤드피스 디자인은 물리적 착용의 개념을 넘어 서 더욱 확장된 경험을 가능하게 할 것으로 사료된다. 물질의 무게를 비롯한 여러 한계점에 구애받지 않는 디자인이 가능하므로 기존의 범주를 넘어선 디자인 혁신을 이룰 수 있을 것이다. 이와 같은 새로운 시도로서 의 버추얼 패션디자인 활성화는 디자이너의 창작 수준을 만족시킬만한 조건을 갖춘 플랫폼 발전을 통해 실 질적 결실로 이어질 수 있을 것으로 기대된다.

As the pandemic has turned many things into non-face-to-face, the fashion industry has rapidly produced content using virtual reality. This study aims to explore the extension of fashion experience and examine the potential of digital fashion by designing a virtual headpiece and creating an animated video which focused on the unique image characteristics of ferrofluid developed based on the properties of nature. This study analyzed the literature and applied data of science, art, and fashion, based on which it examined methods of expression by analyzing the concept and design cases of ferrofluid and virtual headpieces. The ‘virtual headpiece AR filter’ and ‘loop animation of wearing the headpiece’ were created by deriving the image characteristics of ferrofluid that reacts to magnetic fields in terms of dots, lines, solids, and colors/textures. Blender was used as a 3D modeling program to design and create the headpiece, and SparkAR was used to implement augmented reality (AR). The main conclusions obtained from the design are as follows. First, the programs for modeling virtual headpiece was selected in terms of use and accessibility. The modeling process ensured the possibility of implementing various textures. However, there was difficulty in expressing all the delicate textures in implementing AR due to the limited capacity of the platform. Second, the methodological cases of virtual headpiece design could be provided by determining the central concept based on the pattern of lines among the image characteristics of ferrofluid. Third, virtual headpiece design seems to enable a more extended experience beyond physical wearing of it. It would be possible to achieve design innovation by enabling the creation of designs beyond existing limitations, including the weight of the material. Promoting virtual fashion design with such a new attempt is expected to lead to substantial outcomes by developing a platform that satisfies the designer’s level of creativity.

본 연구에서는 중국적 디자인에 대한 이해와 중국 문화의 현대화를 위해 중국 패션 디자이너의 중국적 디자인에 대한 세대별 분석을 진행하였다. 본 연구의 의의는 중국적 요소 응용에 대한 학문적 이해를 높이고 패션디자인 방법 기초자료를 제공하여 ‘중국풍(国潮)’ 트렌드 장기화에 도움을 주는 것에 있다. 시대에 따른 세대 변화를 분석하기 위한 중국의 사회 환경과 문화적 영향력, 패션 교육 및 패션 시스템의 시대적 변화에 대해 살펴보고, 세대별 중국적 디자인에 대한 중국 패션 디자이너의 인식 특성을 도출하였다. 문헌연구와 사례연구를 병행하였으며, 연구 대상은 중국적 디자인을 제시한 중국 디자이너 3개 세대(1980년대~1990년대, 1990년대 중반~2000년대 초반, 2000년대~2020년대)로 분류되었다. 그 결과, 중국 패션 디자이너들은 일반적 으로 전통문화에 대한 자발적인 계승과 중국 정체성에 기반한 전통문화적 가치에 대한 자긍심을 갖고 있다 고 평가되었다. 차이점으로 1세대 패션 디자이너는 전통과 민족성을 강조하기 위해 상징적 기호화 표현을 사용했으며 전통 도안의 장식적 효과 등 여러 공통된 전통 요소들의 반복 응용이 주를 이루면서 제한적 범위 에서 유형화 요소들의 직접 응용으로 나타났다. 2세대 패션 디자이너는 ‘천인합일’ 철학사상을 중심으로 무 형화를 통한 함축적인 암시적 표현을 사용했으며, 간결하고 함축적인 형태, 저채도 및 무채색 배합의 소색과 천연소재의 사용, 전통 수공예에 깃든 소박하고 근면한 정신에 대한 추구로 표현된다. 3세대 패션 디자이너 는 ‘계승과 변혁’의 태도로 다원화에 초점을 맞춘 현대적 융합을 강조한다. 전통과 현대의 결합, 서양 복식 구조의 현대적 변형 및 전환이 주를 이루면서 패션디자인의 세계적인 발전 방향에 긍정적으로 동참하며 다 양한 콘셉트 응용, 트렌드에 기반한 다양한 색상 조합, 전통 소재와 신소재 및 지속가능한 가치 이념이 조화 되며 전통 수공예의 현대화 방법을 모색하여 트렌디하게 표현한다. 세대별 중국 패션 디자이너의 중국적 디 자인에 대한 탐구는 근본적으로 민족화와 세계화에 대한 균형의 차이에서 출발하며 서로의 우세를 결합하면 서 공존하고 공생하는 복합적인 형태로 진화하고 있다.

The study analyzed the Chinese fashion designs by generation to understand Chinese design and modernization of Chinese culture. The significance of this study is to enhance academic understanding of the application of Chinese elements and to provide basic data on fashion design methods to help prolong the "Chinese style" trend. Chinese designers who presented Chinese designs have been classified into three generations, the 1980s to the 1990s, the mid-1990s to the early 2000s, and the 2000s to the 2020s. The findings are as follows. Chinese designers were commonly considered to have been voluntarily inheriting and taken pride of traditional cultural value based on Chinese identity. Even so, the first-generation used symbolic expressions to emphasize tradition and ethnicity of China and specifically it was showed as ‘direct application of tangible elements within a limited range’ with repeated applications of various common traditional elements. The second-generation focused on the spiritual perception based on the ancient Chinese philosophy and used implicit expressions through intangibility. It was showed as the simple and implicit shape, ‘Suse’ like low-saturation and achromatic colors, natural fabrics and traditional handcraft techniques filled with the spirit of diligence. The third-generation put emphasis on the modern convergence which focused on diversification with ‘succession and transformation’. They focused on the diversified perception of tradition and modernity as well as transformations of West fashion with Chinese features. Accordingly they generated the most diverse elements in terms of concept, color combination, materials with sustainability and combined modern technology with traditional techniques in a trendy way. Chinese designs of Chinese fashion designers are presented differently based on the different perceptions about nationalization and globalization essentially, meanwhile Chinese design is evolving into the complex way of coexistence and symbiosis by combining the advantages of Chinese and global taste.

본 연구의 목적은 젠더에 대한 이론적 고찰을 바탕으로 소셜미디어에 나타나는 젠더 다양성을 위한 움직 임을 연구하는 것이다. 연구방법은 문헌연구와 빅데이터 연구방법인 텍스트마이닝과 인스타그램 아카이브 분석을 병행했다. 본 연구에서는 트랜스젠더 여성으로서 젠더 인식변화를 위해 다양한 활동을 펼치고 있는 알록 베이드-메논의 인스타그램 계정을 분석하였다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 인스타그램을 통한 젠더 인식변화의 움직임은 젠더 다양성을 의미하는 ‘degenderfashion’, ‘beyondthegenderbinary’ 등의 해시태그와 함 께 전개되었다. 둘째, 알록 베이드-메논은 이분화된 성 관념에서 벗어나 원피스 드레스, 스커트, 화려한 프린트 와 다채로운 컬러 등의 여성 복식과 진한 메이크업, 화려한 장신구 착용 등의 외양을 통해 크로스 드레싱 이미 지를 공유하며 젠더 인식변화를 위해 노력하였다. 셋째, 트랜스젠더 여성으로서 알록 베이드-메논은 페미니즘 운동의 일환인 #nothingwronghair을 전개하며, 제모가 문화 인종주의임을 알리고, 팔로워들에게 #nothingwronghair 활동을 독려하였다. 더불어 젠더 인식변화뿐만 아니라 여성 인권과 인종차별 개선을 위한 움직임에도 활동을 펼쳤다. 넷째, 인스타그램에서 알록 베이드-메논의 활동은 많은 팔로워에게 지지를 받아 팬쉽을 구축하였으 며, 사회적 자본으로 역할을 하였다. 알록 베이드-메논의 활동은 인스타그램에서 확장되어 주류 매체 및 주류 패션에도 등장하였다. 인스타그램을 통해 2015년부터 시작된 알록 베이드-메논의 젠더 다양성을 위한 움직임 의 전개 양상과 흐름을 분석한 본 연구는 최근 더욱 세분화되어 표현되는 젠더리스 및 젠더 플루이드 경향을 이해하고 예측하는 데 도움이 될 것이라 사료된다.

This study is to analyze the movement for gender diversity in social media. Hence, the purpose of this study is to investigate the relationship between fashion and gender, and to examine gender fluidity that is increasing in the recent fashion industry. For this purpose, text-mining analysis was conducted on the Instagram account of Alok Vaid-Menon who is engaged in various activities for gender awareness as a transgender woman. The research findings are as follows: First, Alok Vaid-Menon’s the movement to increase gender awareness through Instagram was developed along with hashtags such as #degenderfashion and #beyondthegenderbinary that signify gender diversity. Second, Alok Vaid-Menon made efforts to change gender stereotypes by sharing images of cross-dressing such as dresses, skirts, colorful prints and colors, makeup, and accessories, while breaking away from the dichotomous concept of gender. Third, as a transgender woman, Alok Vaid-Menon promoted #nothingwronghair as part of her feminist movement, informed that hair removal was cultural racism, and encouraged her followers to participate. In addition, she engaged not only in changing gender awareness, but also in movements for women's rights and anti-racial discrimination. Fourth, Alok Vaid-Menon’s social media activities were supported by many followers and built a huge fan-ship, which served as a social capital for her. Accordingly Alok Vaid-Menon’s activities have expanded into mainstream media and fashion industry as well. This research is significant in understanding the development and flow of Alok Vaid-Menon’s activities for gender diversity, ultimately in predicting its influence and direction.