Earticle

본 연구의 목적은 패션 컬렉션을 중심으로 신발 디자인을 분석함으로써 신발 디자인의 무한한 잠재적 표현 영역을 확인하고 미래의 신발 트렌드 예측과 디자인 발상을 위한 기초 자료를 마련하는데 있다. 연구방법은 패션 잡지와 웹 사이트에서 2001년부터 2008년까지 파리, 밀라노, 뉴욕, 런던 컬렉션에 발표된 사진 자료를 추출하여 신발의 종류와 형태, 컬러, 소재의 특성을 분석하였다. 분석결과, 신발의 종류는 구두가 가장 많았고, 샌들, 부츠, 슬리퍼 순이었다. 토와 굽은 테퍼리드 토와 스파이크 힐이 가장 많았다. 색채는 다색보다 단색이 약 두 배로 많았고, 단색은 유채색과 무채색이 비슷한 빈도로 나타났다. 유채색에서는 YR계열, 무채색에서는 블랙이 가장 많았다. 다색에서는 액센트 배색이 가장 많았고, 그라데이션 배색은 빈도가 낮았다. 소재는 단일 소재가 혼합 소재보다 많았는데, 단일 소재는 가죽, 페이턴트, 스웨이드, 패브릭, 비닐, 고무 순이었고, 혼합 소재는 가죽+패브릭이 가장 많았다.

The purpose of this study is to look at the footwear in fashion collections, analyze its creative potentials in footwear design, and to provide a basis for the trend forecast and idea development for the future footwear design. Photos from the 2001-2008 Paris, New York, and London collections were analyzed in accordance with their categories, shapes, colors, and materials. As a result, closed toe heels were the most popular items in fashion collections, followed by sandals, boots, and slippers. In terms of the shapes of toe and heel, tapered toes and spike heels appeared most frequently. In terms of color, there were twice as many single colors than multicolor, and the number of monocolor and chromatic color were about the same. YR series appeared most frequently among the chromatic colors, and there were more black than white. Accent color combinations were more popular than those of gradation. In terms of material, shoes made out of one material appeared more often than those of mixed materials in the order of leather, patent, suede, fabric, vinyl, and rubber. For mixed materials, a mixture of leather and fabric was most preferred.

본 연구는 면직물의 다양한 유형을 수록하고 있는「리슐리유 컬렉션」을 통해, 18세기 초중반 프랑스 면직물에 관한 연구를 목적으로 하며, 연구 방법은 다음과 같다. 첫째, 선행연구를 토대로 18세기 프랑스 직물의 유형 및 면 프린트 직물 산업과 기술에 대한 역사적 배경을 고찰하였다. 둘째,「리슐리유 컬렉션」의 직물 견본 총 4818개 중 분류된 면직물 264점의 목록을 작성, 유형 및 명칭에 따른 역사, 조성 및 조직 특성, 용도, 생산지 등을 조사하고, 18세기 직물에 관한 문헌 및 선행연구와 종합하여 그 제반 특성을 연구하였다. 뚜왈, 쉬노아즈, 시아모아즈, 엥디엔느 등 다양한 기법의 프린트 직물이 215점으로 수집된 견본의 주를 이루고 있다. 조성에 따른 직물의 종류는 뚜왈, 꾸띠, 퓌뗀느, 다마는 교직하지 않고 면으로만 제직되었고, 꺄디는 모, 바젱은 마, 뽀쁠린과 빠스멍띠에는 견과 각각 교직하였다. 조직에 따른 직물의 종류로는 뚜왈, 부딴느, 꾸띠, 뽀쁠린은 평직, 퓌뗀느, 바젱, 꺄디는 능직, 다마는 변형 능직으로 이루어졌으며, 빠스멍띠에는 특수 조직으로 이루어진 장식끈이다. 뚜왈, 쉬노아즈, 시아모아즈, 엥디엔느 등의 프린트 직물을 포함한 대부분의 직물들은 옷감으로 사용되었다. 섬세하게 짠 퓌뗀느는 안감, 모와 교직한 기모직의 꺄디는 겨울옷감, 견과 교직하여 섬세하게 제직한 뽀쁠린은 란제리류로 사용되었다. 마와 섞어 굵게 짠 꾸띠는 콜셋에 사용되었고, 부딴느, 바젱, 꾸띠, 다마는 침장구용으로 쓰였다. 수록된 직물의 주 생산지는 프랑스 북부의 루앙, 메슬레, 아베빌, 젠느와 중부의 오를레앙 그리고 남부의 마르세이유, 앙띠브, 프로방스, 뻬르삐냥, 뚤롱 등이다.

The purpose of this study is to examine French cotton in the early and mid-18th century through a variety of cottons from ｢La Collection Richelieu｣. The research methods are as follows: First, the historical background of French textile industry and the development of textile technology throughout the 18th century were carefully reviewed. Second, 264 cottons were selected from 4818 textile samples in「La Collection Richelieu」and analyzed in accordance with the type, name, composition, characteristic, use, and production site. The final samples of 215 consist of a variety of kinds including: toile, chinoise, siamoise, and indienne. In terms of composition, toile, coutil, futaine, and damas were woven with cotton only whereas cadis was a mixture of cotton and wool bazin was made with cotton and linen and popeline and passementier were made with cotton and silk. Toile, boutanes, coutil and popeline were plain weave. Futaine, bazin and cadis were twill, and damas was modified twill. Passementier is a braided tassel used for decoration. Fabrics such as toile, chinoise, siamoise and indienne were used to make clothes. The main production sites for these textiles were Rouen, Meslay, Abbeville, and Gennes located in the northern part of France Orléans, the middle part of France and Marseille, Antibes, Provence, Perpignan, and Toulon, the southern part of France.

문양은 한 민족의 미의식, 생활의 여건과 감정, 정신적 가치 등을 반영하여 시대와 민족에 따라 특징적 양상을 보이므로 디자인에 한국 전통 문양의 활용은 우리나라의 고유성을 나타내어 국제화 사회에서 독창적이고 차별화된 모습을 보여준다. 따라서 본 연구에서는 전통미의 한 모티브로 꽃담에 나타난 문양 중 꽃문양의 다양한 형태와 조형성을 연구하고 현대 패션에 응용된 꽃문양의 사례를 살펴봄으로써 꽃담에 나타난 꽃문양을 이용한 새로운 표현기법과 디자인을 개발하고 전통 문양의 현대적 활용 가능성을 제시하고자한다. 이를 바탕으로 꽃담에 나타난 문양을 재구성하여 실물 작품 6벌을 제작하였다. 이를 통해 얻은 결론은 다음과 같다. 첫째, 꽃담에 나타난 꽃문양은 형(形)과 선(線)이 단아하고 소박하며, 자연과의 합일을 추구하는 우리 미의식을 그대로 반영한다. 둘째, 담에 나타난 꽃문양 모티브 재구성을 통해 문양 디자인의 무한한 창출 가능성을 확인할 수 있었으며, 셋째, 가죽을 응용한 핸드페인팅은 채도가 낮고 고풍스런 꽃담의 색을 표현하는데 용이하며, 또한 올 풀림이 없어 아플리케 기법으로 꽃담 문양의 다양한 특징적 형태와 조형성을 응용하는데 적합하다.

Shapes and patterns in textiles from different cultures are a reflection of the aesthetics, lifestyles, emotions, and psychological values of a certain era or an ethnic group. Thus, Korean traditional patterns and shapes may well represent Korean culture and differentiates its own characteristics from others. This study analyzes the significance of the Korean traditional flower-patterned wall called ‘kkot-dam' and some examples of its re-appearance in fashion design in the present day. The study leads to rediscovery of the practical and artistic advantages of the conventional flowery pattern as well as suggests the possibility of use in modern fashion design. In the end, six garment samples were created using kkot-dam. The results from this study are as follows. First, the lines and shape that form kkot-dam are simple but graceful which is representative of the Korean aesthetics: unity with nature. Second, there is a great possibility of creating new designs by reorganizing the shapes of kkot-dam. Third, hand-painting techniques with leather are great in expressing graceful kkot-dam's low saturation color and is a suitable method for applying applique technique to express various shapes of kkot-dam.

본 연구에서는 조선시대 복식 120점, 한국적 디자인요소를 지닌 국내 디자이너 2인 이상봉, 이영희 컬렉션에서 각각 120점씩, 국내 대표적인 패션정보기획사 삼성디자인넷과 인터패션플래닝의 트렌드 색채 497색상을 대상으로 색채 경향을 체계적으로 분석하여 그 특징을 제시하고 이를 기반으로 미래의 한국적 이미지 상품개발에 색상 정보로 활용 가능한 색채 범위를 색채 팔레트로 제안하여 한국적 색채특성을 반영한 2011년 트렌드 색채기획을 수립하는 것을 목적으로 한다. 색채분석은 표준화된 색채 전달 도구인 자연색체계(Natural Color System)를 사용하였다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 조선시대 복식의 분석결과 색채 활용빈도는 Y계열이 가장 높게 나타났으며, R계열, B계열, N계열, G계열 순으로 나타났다. 남성복식의 경우 Y계열이 가장 높은 빈도를 나타냈고, 여성복식의 경우는 R계열이 가장 높은 빈도를 나타내어 남녀복식에 있어서 색채 활용의 빈도 차이가 존재했다. 둘째, 한국적인 디자인요소를 지닌 디자이너 2인의 색채특성은 이상봉의 컬렉션 색채 활용 빈도는 B계열이 가장 높았으며, N계열, R계열, Y계열, G계열 순이었다. 이영희의 컬렉션 색채 활용 빈도는 R계열이 가장 높았고, B계열, Y계열, N계열, G계열 순이었고, 이영희 컬렉션은 B계열과 Y계열의 순위를 제외한 나머지 색채의 빈도 순위는 조선시대 여성복식의 색채빈도와 동일하게 나타나 한국적인 색채와의 연관성이 높은 것으로 나타났으며, 이상봉의 컬렉션에 나타난 색채특성은 그 연관성이 미미하였다. 셋째, 최근 3년간의 국내 패션정보기획사 삼성디자인넷과 인터패션플래닝의 트렌드 컬러 분석결과 S/S시즌은 R계열, Y계열, B계열,G계열 순이며, F/W시즌은 R계열, B계열, Y계열, G계열 N계열 순으로 나타났다. 넷째, 분석적 방법에 의해 도출된 트렌드 색채의 자료를 기본색으로 설정하고, 조선시대 복식에 나타난 한국적인 색채를 새롭게 제시하여 한국의 전통성과 현대의 트렌드 감성이 어우러진 Universal Korea라는 새로운 테마에 부합하는 실용적인 색채 팔레트를 제시하였다.

This study analyzes a broad range of colors based on the Natural Color System (NCS) - selected from 120 colors found in the Korean traditional clothing, hanbok, from Chosun dynasty, another 120 from Lee Sang Bong and Lee Young Hee’s collections, who are two Korean designers with traditional influences, and another 497 colors that have been chosen by local fashion agencies: Samsung Design Net and Inter Fashion Planning - in order to create a color palette to be utilized for the development of Korean merchandises as well as in the planning of trend colors for the 2011. The findings of study are as follows: First, during Chosun dynasty, Y series was used most frequently, followed by R, B, N and G. As for men’s clothing, Y series appeared most frequently whereas R series was most frequently used in the women’s. This indicates some color preferences by gender. Second, among the colors used in Lee Sang Bong and Lee Young Hee’s collections, Lee Sang Bong has used B series the most, followed by N, R, Y, and G. In Lee Young Hee's collection, R series has appeared most frequently, followed by B, Y, N, and G, which in fact is the same order as Chosun dynasty’s womens’ clothes except for B and Y series. There is a rather loose correlation between the colors from Lee Sang Bong's collection and those of Chosun dynasty in terms of the order of frequency. Third, as a result of the analysis of trend color for the past three years by agencies, the order of frequency turns out to be R, Y, B and G for the S/S season, and R, B Y G, and N for the F/W season. Incorporating the traditional Korean color schemes with the contemporary trend colors proposes the Universal Korean color palette, a new way of promoting Korean culture.

1990년을 기점으로 하우스 음악이 전 세계적으로 인기를 얻기 시작했다. 하우스 음악은 단순히 음악의 한 장르로서가 아닌 사회 전반에 걸쳐 큰 영향을 미친 문화의 한 축으로까지 성장하기에 이르렀다. 하우스 음악은 패션에도 큰 영향을 미쳤으며 ‘하우스 스타일’ 이라는 고유의 스타일을 만들어내기에 이르렀다. 2000년 이후에는 영국을 비롯한 유럽을 시작으로 하우스 음악에 영향을 받은 디자이너들이 등장하기 시작했으며, 하우스 스타일을 모티브로 삼는 상품들을 출시하는 대중 의류 브랜드들이 나타나기 시작했다. 또한, 하우스 음악에 영향을 받은 스타일을 한 가수들이나 연기자들이 대중들 앞에 나서기 시작하면서 하우스 음악은 패션을 포함한 대중 유행문화의 형성과 발전에 큰 영향을 끼치기 시작했다. 강렬한 비주얼 이펙트가 기본이 되는 화려한 네온컬러의 심플한 실루엣과 기하학적이며 극단적으로 단순화시킨 기하학적 문양이나 반복적인 패턴들이 주종을 이루고 있는 것이 특징인 하우스 음악 스타일은 이제 더 이상 하우스 음악을 즐기는 마니아들만을 위한 소수의 제한된 하위문화적인 스타일이 아닌 다양한 계층의 일반인들이 즐길 수 있는 대중의상으로써의 한 축으로 자리 잡기에 이르렀다. 이에 본 논문에서는 클럽문화가 대중문화 그 중에서도 특히 대중의상분야에 미친 영향에 대해서 클럽문화의 근간인 클럽음악 특히 하우스 음악에 기반을 두어서 구체적이고 심도 있게 연구를 해 보았으며 구체적인 연구방법으로는 관련 선행 연구와 단행본, 관련 잡지, 웹사이트 등을 조사하였고, 국내외 패션 브랜드 시장조사와, 국내외 패션, 클럽, 음악잡지에 실린 사진자료를 수집, 조사하였다. 실증적 연구를 위해 유럽과 한국의 여러 클럽현장 조사를 통해 취합한 자료들을 첨부하여 분석하였다.

The house music started becoming popular among general audiences. House music is now more than a genre of music; it has given some considerable impact on the popular culture and society. It has also influenced fashion, resulting in the creation of a unique style called house style. Since 2000, some designers, influenced by house music, appeared in Europe and the UK, and the clothing inspired by house style became more available. In additions, as some singers or actors, who adopted house style, got more media exposure, house music started playing an important role in the development of public culture. House style, characterized by simple silhouettes and splendid neon colors with strong visual effects as well as extremely simplified geometric or repetitive patterns, is no longer a subculture style, but has become more familiar to the general public. Therefore, the purpose of this study is to perform an in-depth research on the socio-cultural influence of house music on popular culture, specifically in the context of fashion. Precedent researches, literatures, magazines, websites as well as the market data on the domestic and overseas brands were examined. In additions, the pictures published in the domestic and foreign fashion, club and music magazines were reviewed. For the purpose of the empirical study, field data collected from various clubs were analyzed.

패션산업 중에서도 전통적으로 개인의 창의력과 기술, 재능을 바탕으로 발전해온 디자이너패션산업은 현대 지식사회가 요구하는 지식기반산업으로서 국가의 발전을 위해 중요한 역할을 수행할 수 있다. 본 연구는 디자이너패션산업의 육성을 위한 정부 지원정책의 방향성을 제안하고자 한다. 본 연구에서 제안하는 국내 디자이너패션산업을 육성하기 위한 전략과 정책적 함의는 다음과 같다. 첫째, 디자이너패션산업의 발전을 도모하기 위해서는 무엇보다 정책의 지속성이 필요하다. 현재 국내에서 시행 중인 디자이너 대상 지원정책은 대부분 단기적 성격이 강하다. 둘째, 정부지원정책을 집중시켜 효율성을 강화할 필요가 있다. 현재 국내 디자이너패션산업을 위한 정부의 지원은 중앙과 지방정부, 민간 조직 등 많은 단체에서 시행되고 있다. 하지만 전체를 아우르고 조정하는 역할을 맡은 기관은 없으며 이러한 현실은 중복투자와 정책 홍보 실패, 지원기관 간의 불필요한 경쟁관계 형성 등의 문제들을 낳고 있다. 셋째, 단계별 차별화 지원이 필요하다. 특히 신인디자이너의 육성과 시장 진입을 위한 차별화된 지원 전략이 필요하다. 신인디자이너의 육성은 산업의 건전한 발전을 위해서 꼭 필요한 요소다.

Designer Fashion industry has played a major role in Korea’s creative industries and the society. The industry is a knowledge-based industry, which expands based on individual qualities such as creativity, techniques, and talents. This study suggests how the government should take innovative approaches to help the Korean designer fashion industry to flourish. Some of the suggestions are as follows. First, the most important factor is sustainable policy implementation. Most of the existing programs for designers are for short term only. Second, the government needs a strong centralized system that efficiently overlooks the support programs. Currently, the existing programs of designer fashion industry are carried out by various institutions including central and local governments as well as private organizations. Having no single entity that manages the entire system has caused some problems including redundant investments, failure in advertising policy, and unnecessary competitions amongst institutions. Third, policy support needs to be differentiated for each stage. For instance, a separate intensive support policy for new designers to settle in the market would be extremely crucial for both the designer and the industry. For the future of Korean fashion industry, focusing on implementation of sustainable long term government support programs for designers, instead of several short term ones, is far more important. When such long term plans start obtaining some tangible outcomes, designer fashion industry will certainly become a major driving force of Korean fashion industry.

현대 패션에 표현된 신체의 혼성적(hybrid) 이미지들을 연구하기 위해, 현대미술에 표현된 신체미술을 살펴본 결과 다양한 범주의 인간들이 지니는 몸에 대한 주관적 관찰들을 담고 있으며 억압된 몸, 소외된 몸, 변형된 몸 등의 양상으로 나타남을 알 수 있었다. 이와 함께 현대 패션에 표현된 신체의 혼성적 이미지들을 분류 해 본 결과 크게 네 가지 유형으로 나눠졌다. 첫째, 사실적인 신체이미지들이 의상에 직접적으로 차용된 유형으로써, 에로티시즘의 표현과 함께 의상과 신체의 경계가 허물어진 양상으로 나타났다. 둘째, 일상의 사물들이 의상과 함께 혼합적으로 섞여 표현된 양상으로써, 흔히 볼 수 있는 재료들이 전체적으로 혹은 부분적으로 의상에 도입되어 기존의 전형적인 의상 소재에서 벗어났다. 셋째, 동물의 특징적인 이미지들이 의상 전체에 혹은 부분적으로 도입되어 인간과 동물의 경계를 모호하게 한 디자인들로 나타났다. 넷째, 테크놀로지와 접목된 신체이미지들로서, 다양한 영상이나, 기계적 움직임을 의상에 도입하여 움직이는 신체, 변하는 의상이미지들로 나타남을 시도하였다. 이 연구를 통하여 여러 종류의 이미지들을 신체와 결합시켜 혼성적 이미지를 형성한 의상들은 특정하고 구체적인 하나의 의미로 해석되지 않고 시각적으로 다양한 이미지들만큼이나 다양한 의미로 해석됨을 알 수 있었다.

In order to study the hybrid images of the human body represented in the modern fashion, different forms of Body Art in the contemporary art were carefully examined. As a resul tof subjective observations, images as: the suppressed body, the alienated body, and the distorted body were often found. Hybrid images of the human body represented in modern fashion may be categorized into four. First, body image represents eroticism which blends the human body with clothes and crosses the boundary between the human body and clothes. In the second hybrid image, everyday objects were incorporated into clothes and re-created into unconventional costumes. Third, images of animals were used in costumes in whole or by part, and resulted in the obscure animalistic designs. Fourth is a combination of technology and the human body, which integrate media arts and mechanical movements into clothes and the human body, As a result, the hybrid images in fashion may be interpreted into as many different ways as possible rather than be defined alone as a single specific meaning.