Earticle

현대 예술 분야의 각 장르들은 서로 중첩되는 표현영역이 확대되어 점차 그 경계선이 모호해지기도 하며, 서로 융합되는 경향을 보이기도 한다. 예술이 접근하기 어려운 독립된 하나의 개체에서 벗어나 실생활의 한 부분으로 자리하면서 회화, 조각, 건축 등의 순수예술과 패션의 접목이 활발히 이루어지고 있다. 이에 본 연구는 추상표현주의 대표 작가 중 한명인 프란츠 클라인(Franz Kline)의 회화를 분석하여 1950년대 이후 그의 대담하고 구조적이며 건축적인 굵은 선 획으로 표현되는 회화를 패션디자인으로 나타내고자 하였다. 프란츠 클라인 회화에서 나타나는 직선, 사선들로 이루어진 선들은 하나의 건축적인 구조를 만들고 배경의 여백을 적극적인 형태로 활용하면서 구조적인 이미지를 나타내며, 프란츠 클라인은 이를 통해 광대한 공간과 대조되는 강한 긴장감을 표현하고자 하였다. 본 연구의 목적은 작가의 정신과 그것을 통해 표현되는 회화의 조형성을 응용하여 패션의 모티브로 활용함으로써 창의적인 패션디자인을 제안하고, 이를 통해 패션이 예술의 또 다른 표현 방법이 될 수 있음을 보여주고자 한다. 이에 본 연구는 추상표현주의 화가 프란츠 클라인의 회화를 모티브로 하여 창의적인 패션디자인의 표현 방법을 모색하였다. 이를 통해 프란츠 클라인 회화에서 나타나는 건축적이고 구조적인 붓의 휘두름과 색채의 표현을 모티브로 구성하고 이를 작품으로 제작함으로써 프란츠 클라인의 회화가 패션디자인의 예술적 모티브로 적합한 표현 요소임을 알 수 있었다. 이와 같이 회화의 부분과 전체, 그리고 기법을 패션의 표현 요소로 개발함으로써 회화와 패션의 결합을 통해 패션디자인에 예술적 가치를 부여하고 독창적인 패션 디자인이 가능하다는 것을 알 수 있었다.

The overlapped expression area of each genre of modern arts expands and its border has been vague or tends to be blended. As art becomes part of a real life away from an inaccessible separated entity, there has been active grafts between fashion and high arts such as painting, sculpture, architecture, and so on. Accordingly, this study selected the painting of Franz Kline(1910~1962) who is a representative painter of Abstract Expressionism as motif. This study tried to make 'Black-and-White Painting' after 1950, which expresses his bold and structural thick stroke realized in clothes. The lines composed of straight line and biased line in the painting of Franz Kline make one architectural structure, showing structural image by utilizing the blank of the background in the active form. In this way, he tried to express a strong tension, which contrasts with a vast space. The purpose of this study is to suggest creative clothing through expressing materials suitable for fashion, applying the spirit of the artist and its plasticity and to show that fashion can be another way of expression of art. This study could express Franz Kline's bold and structural image of painting as motif of clothing by combining his architectural line and characterized expression of 'Black-and-White Painting' with fashion through modern embroidery techniques. Likewise, it turns out that the creation of novelty through combination of painting and fashion is indefinite by developing a part or whole of painting into the motif of clothing.

3D 프린팅은 제조업의 혁신, 디지털 사회의 요구, 친환경으로 미래 전략 산업으로 꼽힌다. 본 연구는 3D 프린팅을 통한 산업영역에서의 변화와 의미를 살펴보고, 3D 패션 대중화를 위한 현재 3D 프린팅 패션의 개발 상황을 살펴보았다. 이를 기초로 3D 프린팅의 대중화, 보편화 단계에서의 패션 산업 변화, 사회 변화를 예측해 미래 패션 산업 변화에 미리 준비 할 수 있도록 한다. 연구 방법은 산업 연구 자료, 학술 논문, 뉴스 기사와 패션에서의 실용화 시킬 수 있는 적용 사례를 중심으로 3D 프린팅 개발 상황을 살펴보았다. 3D 프린팅으로 다가올 패션에서의 변화를 살펴보면 다음과 같다. 첫째, 3D 프린팅의 대중화 단계에서는 맞춤 의상이 대중화된다. 둘째, 소비자의 디자인 참여가 늘 것이다. 셋째, 전문 3D 패션 디자이너의 직종이 등장할 것이며, 넷째, 패션 전자상거래 시장이 더욱 활성화 될 것이다. 다섯째, 원단 개발이 의상으로 제작 가능한 3D 프린트 잉크 소재 개발 영역으로 확대되고, 여섯째, 타 분야와의 협업이 더욱 강화될 것이다. 일곱째, 프린팅으로 인해 패션 산업 생산단계가 단순화될 것이며, 여덟째, 3D 프린팅 패션 산업의 발달은 친환경에 크게 기여할 것이다. 3D 프린팅이 보편화 단계에 이르면, 브랜드의 개념에 대한 재정의가 필요해 지며, 패션 산업 서클이 단순화 되며, 결국 생산방식의 변화로 인한 산업 가치 사슬이 바뀔 것이다. 그러나 3D 프린팅은 저작권의 문제와 품질 관리, 진품 구분의 어려움의 문제가 있고, 3D 프린팅의 단순화되고 새로운 방식의 생산 시스템은 패션 생산 직종을 사라지게 할 것이며, 더 나아가 패션 생산업이란 산업군이 없어질 것이다. 이를 위한 대책을 강구하여 발생할 수 있는 문제점을 미리 준비해 대비한다면, 3D 프린팅은 기업의 이윤 창출, 소비자 만족을 높여, 패션 산업 발전에 크게 이바지할 것이다.

3D printing is the future strategic industry, due to innovation in manufacturing, the desirability of its substantial quality by makers and dealers and the demand from digital society. This study investigates the changes taking place in the industrial field through the development of 3D printing and its meanings, and forecasts the changes in fashion and society through its popularisation and generalisation, exemplified by a case study of 3D printing in fashion. The development of 3D printing is researched through industrial reports, journals, news articles and commercial case studies in fashion. The changes in fashion are as follows: made-to-measure garments would become popular; the e-commerce fashion market would be re-vitalised, with the emergence of professional 3D fashion; the textile industry would develop 3D printing ink; collaboration with other sectors, such as mathematics and engineering, would be enhanced; the growth of the 3D printing industry would contribute to substantiality; at the generalisation stage, the notion of 'brand' would be differentiated, the textile developing industry would be simplified; finally, the industrial value chain would be transformed as a result of changes in the manufacturing method. However, there are still problems of copyright, quality control, the classification of genuine items. Fashion producing jobs would become irrelevant and fashion manufacturers would disappear. If some viable alternatives or solutions are found, 3D printing will contribute to the development of fashion industry by adding more profits to fashion companies and heightening customer satisfaction.

골프의 대중화, 영 골퍼 및 여성골퍼의 증가에 따라 골프웨어 시장은 점점 확장하고 있으며 기능성과 심미성을 고려한 골프웨어에 대한 소비자의 소구가 커지고 있다. 본 연구는 실용적이며 착용률이 높은 아이템인 골프폴로셔츠 디자인을 위한 스트라이프 패턴을 개발하고 이를 2016년 S/S 시즌을 위한 여성용 골프폴로셔츠에 적용하였다. 문헌연구를 통하여 골프폴로셔츠와 스트라이프 패턴의 개념 및 디자인 특성을 파악하였으며 국내외 18개 골프웨어브랜드의 최근 3년간 제품이미지 898장을 분석하여 골프웨어에 사용빈도가 높은 스트라이프와 골프폴로셔츠의 스타일, 색상, 소재, 패턴 등의 디자인 특성을 분석하였다. 스트라이프 패턴의 개발은 국내외 브랜드의 여성 골프폴로셔츠에 주요하게 사용되는 컬러를 기반으로 하였다. 여성폴로셔츠에 사용된 색채를 먼셀 시스템의 10색에 무채색을 더한 11개의 기준으로 분석하였으며, 트렌드 정보 사이트에서 제시한 컬러 트렌드를 참고하여 전문가 3인이 12개의 사용컬러를 추출하였다. 디자인 라인은 세분화된 여성 골프웨어 마켓의 경향에 맞추어 스포츠 웨어의 기능성을 강조하는 액티브 라인과 일상생활에서 착용 가능한 라이프스타일 라인으로 이원화 하여 총 16개의 디자인을 제안하였다. 그 결과 여성 골프폴로셔츠에서 그 활용 빈도가 매우 높은 스트라이프 패턴은 컬러와 배열에 따라 분위기와 용도가 다양하게 표현되었으며, 스트라이프 패턴은 간격이나 형태, 컬러의 변화에 따라 컨셉에 맞춰 기획될 수 있는 수많은 가능성을 지님을 확인 할 수 있었다. 골프폴로셔츠의 활용 영역 범위가 더욱 확장될 것으로 예상되는 가운데 스트라이프 패턴을 활용한 여성 골프폴로셔츠의 디자인 제안은 무한한 변화가 가능하며, 이것은 향후 패션 디자인의 창의적 개발 영역 확장에 있어 연구의 의의를 갖는다.

There has been an increasing demand on golf-wear in the consideration of active functionality and aesthetics from popularization of golf, the influx of young golfers, an increase in the number of female golfers, and expansion of golf-wear market. Therefore, this study was intended to develop a stripe pattern for the design of golf polo-shirts, a steady and long-lasting product with practical style and high wearing rate, and to apply them on female golf polo-shirts in 2016 S/S season. The concept of female golf polo-shirts and stripe patterns and design characteristics were identified in literature review. In addition, 898 pictures of 18 domestic and abroad golf-wear brands were specifically analyzed, scrutinizing design characteristics of stripe with high frequency of use of female golf polo-shirts. The development of stripe patterns was based on the trend color in trend information website and market search. Design line of female golf polo-shirts was dualized into active line and life-style line in accordance with detailed trends in the market. Hereupon, total 16 designs have been suggested. As a result, stripe pattern with a very high frequency of use of golf polo-shirts has been diversely expressed in terms of image and use depending on colors and arrangement. In addition, it was confirmed that there was a number of possibilities for stripe pattern to be planned in accordance with concepts depending on changes in intervals, forms, and colors. As it is anticipated for the range of areas in application of golf polo-shirts to be expanded further, this study has significance in terms of development of creative fashion design in the future reflecting the suggestion of design for golf polo-shirts in the use of stripe patterns that entail unlimited changes in the image.

패션 디자인은 디자인 발상을 통해 의상을 미적, 기능적으로 전개시키는 예술적인 과정이다. 디자인 발상의 과정은 개개인마다 차이가 있으나, 마인드 맵은 생각을 지도화하여 주제와 연상되는 단어를 통해 이미지를 도출해 내어 이를 디자인으로 적용하는 방법이다. 본 연구는 패션 디자인에서 주제를 전개시키는 방법으로 마인드 맵을 이용해 의상 전개 시키는 과정을 이론적 연구와 수업 실습을 통해 분석하였다. 이를 통해 디자인 발상과 전개 과정에 대한 이해를 돕고, 실례를 통해 추후 패션 디자인 수업 지도에 도움을 줄 수 있을 것이다. 64인의 학생들로 구성된 패션 컬렉션 수업에서 학생들에게 이미지 맵의 4가지 진행 방법을 소개하고, 디자인을 전개하도록 하였다. 4가지 전개 방식은 다음과 같다. 이미지 맵에 제시된 서로 다른 성격의 단어들을 하나로 조합하여 패션디자인 전반에 적용 시킨다. 둘째, 주제와 연관된 단어 중 하나의 관심 단어를 키워드로 심도 있게 들어가 주제에 대한 속성을 도출하여 패션 디자인을 전개시킨다. 셋째, 이미지 매핑을 통해 연상되는 시각적인 자료 (건축, 회화, 영화 등)를 활용하여 그 안에서 특징적 요소를 도출하여 디자인을 전개한다. 넷째, 주제와 관련하여 연상되는 사물을 가지고 그에 대한 시각적 특징을 디자인의 요소로 사용하였다. 이를 통해 도출된 디자인 요소를 통해 조사, 분석하고, 형태를 구성하는 과정으로 완성품이 나오고, 완성품을 재검토하며 최종 완성품을 제작한다. 패션과 언어적인 전개인 마인드 맵 과정은 생각을 표현하는 매개로서 디자인 발상에 있어, 상호적 관계에 있으며, 패션 컬렉션 수업을 분석하여 정리한 결과, 이는 디자이너나 학생들에게 적합하고 효율적인 방식임을 알 수 있었다.

Fashion design is an artistic process of developing a creative idea to a clothing both aesthetically and functionally. There are various ways to design garments. ‘Mind-mapping’ is one way to develope a central idea by brainstorming at a beginning stage of fashion design. This research aims to explore ‘Mind-mapping’ through theoretical studies and class practice. Through the class of <Fashion Design and Seasonal Collection>, the total number of 64 students became the experimental participants. Students were assigned for four different categories of design applications. They are described as follows: 1. Based on finding two contrasting ideas on an implicit topic, they are to converge these different meanings to produce a single concept for a clothing, 2. Students think of a keyword on one topic out of all and further discover to reduce to the essence of the meaning of the idea/word. 3. Students are allowed to use other form of inspirations such as architecture, painting, film to associate with the central idea of their developed design. 4. Students select an alternative ‘object’ to resemble its visual components and transfer them to their central ideas. From the collected date, students proceed to further analysis, investigation, design and final evaluation of their clothing. The experimentation demonstrates that mind-mapping method as a representation by its use of language, is localized to express many abstract ideas by fashion designers. In conclusion, it tells that the mind-mapping method in fashion design is a proper way for fashion designers and students.

본 연구는 커뮤니케이션 도구로서 팀 워커의 에디토리얼 패션사진에 나타난 오마주 사례를 분석하였다. 시각 예술 분야에서 혼동되고 있는 오마주의 개념을 명확히 하여 오마주의 표현 방식과 의의를 재조명하였다. 또한 시대와 영역별로 나타난 다양한 사례를 분류하였으며 재해석, 삽입, 재구성으로 유형별 분석을 통하여 팀 워커의 오마주 패션사진의 개념을 정립하였다. 선대의 거장에 대한 외경심이 창작의 동기가 되는 오마주는 영화 예술 분야에서 부각된 이래 중요한 창작 방법의 하나로 주목받으며 현대의 다양한 창작 분야 내에서 굳게 자리 잡고 있다. 본 연구의 방법은 먼저 문헌 연구를 통하여 에디토리얼 패션사진의 특징과 오마주의 개념 및 그 표현 특징을 밝히고, 패션사진의 대표적인 사진작가 중 한 명인 팀 워커의 오마주 패션사진의 사례 연구를 통해 패션사진이 내포하는 오마주의 의미를 고찰하기 위해 2006년부터 2015년까지 10년 동안 팀 워커가 주로 활동한 패션 잡지인 영국 보그, 미국 보그, 이탈리아 보그의 오마주 기법이 사용된 에디토리얼 사진을 분석하고자 한다. 팀 워커의 패션사진에서 오마주는 고전 예술 작품이 갖고 있는 생명력을 창조적으로 이어받아 패션 산업과 현대 예술 양자 사이의 매개체로 작용하고 있다. 그로 인해 패션 사진에 대한 대중의 흥미를 이끌어 내는 강력한 도구로 일조하고 있다. 원작을 계승하면서도 차이를 디자인하는 오마주는 늘 변화를 추구하는 패션에서 패션사진의 표현기법으로서 앞으로도 중요한 기술로서 나타날 것이며, 그 다양한 전개에 대한 기대가 크다고 볼 수 있다.

This study is to analyze homage examples into Tim Walker's editorial fashion photography as a communication tool and polish representation and meaning of homage by refining existing confusion about homage. Also examples are categorized by different time period and various field. Lastly, a concept for Tim Walker's homage fashion photography is established through analyzation of divided category such as representation, insertion, reconfiguration. Since homage, a genre in which awe for a maestro is the creative motive, appeared as a characteristic in the film arts field, it has been considered as one of the leading creative methods and has established itself in various fields of modern art. The method of the present research is to first reveal the editorial fashion photo features the concept of homage and its representations characterized by the literature, fashion photo of a master Tim Walker's the leading photographers through a study case of homage fashion photography that implies to investigate the significance of homage from 2006 to 2015 for 10 years Tim Walker is mainly active fashion magazines, the United Kingdom, the United States, the homage of the Italian vogue and techniques to analyze editorial photo used. Homage of Tim Walker's fashion photographs intends to creatively extend the life of classic works of art, and has acted as an intermediary between industry and modern art and thus become a powerful tool that helps attract the public's interest in the fashion photographs. Homage, which succeeds the originals and designs differences, will become an important technique of fashion photographic expression in the fashion industry that pursues differences, it is expected to develop in various ways.

본 연구에서는 지금까지의 공간 마케팅, 공간 아이덴티티에 관한 연구를 패션산업의 공간을 매개로한 브랜드 확장에 접목시키고 그 역할을 구체화하고자 하였다. 패션 브랜드 확장에서 공간 아이덴티티는 확장의 효과적인 매개역할을 수행하고 있음을 고찰하고 확장 평가에 긍정적 영향을 준다는 것을 검증하는데 그 목적을 두고 있다. 본 연구의 결과 첫째, 모 브랜드의 아이덴티티를 상징화한 공간 아이덴티티는 소비자에게 모 브랜드 이미지 연상과 컨셉트 유사성에 대한 지각 효과가 있다는 것이 검증되었다. 둘째, 확장공간을 통한 이미지 연상과 컨셉트 유사성은 차별화를 만든다는 가설은 동종 산업 군에서의 차별화를 의미하며 조사결과 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 셋째, 이미지 연상과 컨셉트 유사성은 브랜드 확장평가에 영향을 준다는 가설은 컨셉트 유사성이 이미지연상 보다 브랜드확장 평가에 더 큰 영향을 치미는 것으로 분석되었으며 두 요소다 확장평가에 긍정적인 영향을 준다는 가설이 검증 되었다. 넷째, 이미지 연상과 컨셉트 유사성은 확장 후 브랜드 이미지에 긍정적 영향을 미친다는 가설은 브랜드 컨셉트 유사성이 이미지 연상보다 브랜드 이미지에 더 큰 영향을 미치는 것으로 분석되었으며 이미지 제고에 유의미한 영향이 검증되었다. 연구를 통해 공간을 매개로한 브랜드 확장에서 공간 아이덴티티는 모 브랜드의 이미지 연상과 컨셉트 유사성을 지각하게 하고 이는 차별화와 브랜드 확장평가에 긍정적 역할을 하며 이후 브랜드 이미지 제고에도 긍정적 역할을 담당하는 요소임을 검증하였다. 또한 공간이 브랜드 아이덴티티를 소비자에게 효과적으로 보여줄 수 있는 마케팅 요소임을 검증 시켜주었며 그 동안 경험적 또는 관행적으로 수행해온 공간 디자인 과정에 마케팅적 역할의 의미를 부여 할 수 있다는데 의의를 둔다.

Brand extension through the intermediation of a space in the fashion industry and tried to develop the role. The object of this research is to contemplate that a space identity does have a role as the intermediation in brand extension and to examine whether it gives a positive influence. The results of the research are as follows. First, the element of space identity is limited to color, shape, texture, logo and symbol, furniture, lighting, and graphic. In addition, it was proved that the space identity which symbolizes the brand identity of a certain brand has positive influences on consumers to remind the brand and recognize the similarity in concepts. Moreover, the hypothesis in which image association and concept similarity differentiates within the same industry has a positive influence according to the survey. Furthermore, it was verified that both the image association and the recognition of concept similarity have a positive influence on brand extension evaluation, but the similarity recognition has a greater impact. Through the research, it shows that the space identity in brand extension through space enhances the brand image association and the recognition of similar concept. These factors have a positive influence on brand extension evaluation and brand image improvement, and the case study of a certain brand substantiates it. Besides, it was corroborated that the space became a marketing elements that could effectively show the brand identity to its consumers. In conclusion, this research has significance for imparting a marketing role in space design which was previously done through experience and practice.

쿠사마 야요이는 자신이 앓고 있는 정신질환을 예술로 승화시켜 미술, 영화, 패션디자인, 문학 등 매체와 장르를 자유롭게 넘나들며 역동적이고 실험적인 예술작품을 만드는 현대 미술작가이다. 이에 본 연구에서는, 이러한 쿠사마 야요이의 회화 작품 후르츠 바스켓에서 보이는 조형적 특징을 분석해서 패션 디자인에 모티브로 활용하고 레이저 컷팅 기법을 더함으로써 패션의 예술적 가치를 높이고 새로운 표현 가능성을 제시하고자 하는데 그 목적이 있다. 본 연구의 방법은 쿠사마 야요이와 레이저 컷팅에 관련된 학위논문과 단행본, 학술 연구지 등의 문헌 자료와 작품 제작을 위한 패션 전문지와 인터넷, 패션 정보 사이트의 자료를 토대로 수집 및 분석하였다. 이를 바탕으로 총 5착장의 작품을 제작하였으며 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 쿠사마 야요이 후르츠 바스켓 연작의 조형적 특징인 작품에서 ‘점의 반복’, ‘원의 반복과 중첩’, ‘무한 망’은 새로운 모티브로 디자인되어 다양한 방식으로 의상에 응용하기에 적합하였다. 둘째, 사용된 레이저 컷팅 기법은 정교하고 섬세하며 절단면이 깨끗하게 잘려 반복되는 모티브의 시각적 효과를 극대화해 의상에 적용하는데 용이함을 확인하였다. 셋째, 작품에 사용한 색상을 블랙과 옐로우 두 가지로만 제한하여 적용한 결과 쿠사마 야요이 후르츠 바스켓 연작의 특징 중 하나인 강렬한 색의 대비 효과를 패션디자인에도 적용할 수 있었다. 넷째, 네오프렌(Neoprene) 소재를 디자인에 사용함으로써 작품의 실루엣을 이루는데 용이하였으며 조형적인 입체감과 두께감으로 쿠사마 야요이 작품의 예술적 요소를 의상디자인에 표현할 수 있었다. 다섯째, 작품이 주는 예술적 가치를 의상에 적용함으로 다양한 표현 방법과 패션디자인 개발 가능성을 확인하였다.

Yayoi Kusama is one of the most renowned contemporary visual artists creating dynamic and experimental artworks covering a wide range of genres from fine art to film, fashion design and literature, etc. while transcending her conditions of mental illness through art. The purpose of this research lies in enhancing the artistic value of fashion and proposing a new possibilities of expression by employing the formality of painting in the field of fashion design through the laser cutting technique. The conclusions from this study are as follows. First, an infinitely appearing sequence of dots and nets was drawn from the works of Yayoi Kusama through the analysis of formal qualities and they were appropriate to apply to clothes in various ways as designed as a new motif. Second, it was verified that the laser cutting technique which was used as the primary method is suitable for maximizing the visual effect in applying the motif as it cuts in great detail and in clear cut. Third, the stark contrast of colors which is also another feature of Yayoi Kusama’s art works was applied to the fashion design as a result of limiting the palettes to two colors. Fourth, it was easy to form a silhouette of the work by designing with the Neoprene material, and it allowed to represent the artistic element of Yayoi Kusama’s art works for its three dimensionality and thickness. Fifth, through unique design, it was possible to confirm the infinite design possibility of dots and nets patterns which are contemporary and able to express the aesthetic values inherent in them.

현대사회는 패션에 대한 의식이 고조됨에 따라 개인의 다양화된 특성을 만족하기 위해 더욱 독특하고 자기중심적인 패션스타일을 구현하며 이에 따라 패션아이템의 역할은 더욱 강조되고 있다. 수많은 패션아이템 중 신발은 패션스타일의 완성에 중요한 부분을 차지한다. 과거에는 특별한 날에만 신었던 하이힐이 패션의 개성화가 이루어지며 다양한 의상에 필요하게 되었다. 신발의 착용은 발의 보호, 사회적 지위 등을 표현하고자 하는 것으로부터 시작되었으나, 오늘날 혼잡한 문화 속에서 더욱 개성적이고 독창적이며 새로움을 추구하는 포스트모더니즘의 영향으로 나타나고 있다. 고도로 발달한 과학기술은 인간성 부재, 자연파괴 등의 부정적 이미지를 드러내고 있으며 새로운 방향을 모색해야 했다. 이러한 현상은 과거에 대한 향수와 함께 여유롭고 화려한 로맨티시즘을 부활시켰고, 현대 아방가르드 패션은 과거의 특징적이고 화려한 장식성을 현재의 이미지에 맞게 표현하는 로맨틱 아방가르드 스타일로 나타나고 있다. 본 연구는 로맨틱 아방가르드 신발의 특성을 활용하여 새로운 양식의 신발 디자인 개발 및 제작에 목적이 있다. 이를 위해 로맨틱 아방가르드의 개념 및 특성을 고찰하고, 2005년 S/S부터 2014년 S/S까지 로맨틱 아방가르드 디자이너의 신발 디자인 특성을 분석하여 새로운 양식의 로맨틱 아방가르드 신발 디자인을 개발하였다. 본 연구는 신발이 복식에 있어 액세서리가 아닌 하나의 패션아이템으로 새롭게 인식되어 패션 영역에서의 가치를 높이고자 한다. 로맨틱 아방가르드 신발을 개발 및 제작함으로써 향후 신발 디자인 산업의 활용 및 교육에 기초적인 정보를 제공하는데 그 의의가 있다.

The modern society has been realized more unique and egocentric fashion styles to satisfy the diversified individuality as the awareness on fashion rises and with this, the role of fashion items are emphasized more. Among numerous fashion items, the shoes are important to the completion of fashion. As the fashion individualizes, the high-heeled shoes, which was worn during special occasions in the past, became necessary for various clothes. Although wearing of shoes had started to protect the feet and express the social position, it has been influenced by the post-modernism that seeks for something new that is more individual and creative within today’s chaotic culture. This phenomenon revived the relaxing and fancy romanticism along with the nostalgia. Modern avant-garde fashion is shown in a romantic avant-garde style expressing the particular and fancy features of the past according to the modern image. This study aims to develop and produce a newly formed romantic avant-garde shoes design through shoes characteristics of romantic avant-garde. For this, the notion of a romantic avant-garde was studied and characterized The shoes design characteristics of the notion of romantic avant-garde designer were observed from S/S of 2005 to S/S of 2014 and a romantic avant-garde shoes design was developed. This study aims to increase the value of shoes in the field of fashion by newly recognizing it as one of fashion items instead of an accessory in terms of dressing. Developing and producing the romantic avant-garde shoes are significant in utilizing the design industry of shoes and providing basic information for education.

현대사회는 가격대비 가치가 높은 제품을 구매하려는 실용적 소비문화의 영향으로 패션시장에서도 중저가 SPA브랜드 고객층들이 급속히 확대되고 있다. 이에 본 연구는 소비자의 가격민감도, SPA 브랜드 유형과 판매촉진 유형에 대한 소비자의 구매태도를 연구하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 본 연구의 실험설계는 2(가격민감도: 고 vs 저) x 2(SPA브랜드 유형: 트렌디한 SPA브랜드 vs 베이직한 SPA브랜드) x 2(판매촉진유형: 가격할인적 판매촉진 vs 가치부가적 판매촉진)로 3원 혼합 요인설계를 하였다. 본 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 판매촉진유형과 SPA브랜드유형은 소비자의 구매의도에 유의한 영향을 주는 것으로 나타났다. 둘째, 트랜디한 SPA브랜드의 경우 가격민감도가 높은 소비자가 더 높은 구매의도를 가지며, 베이직한 SPA브랜드인 경우 가격민감도가 낮은 소비자가 더 높은 구매의도를 갖고 있었다. 셋째, 가격민감도가 높은 집단에서는 베이직한 SPA브랜드가 사은품을 주는 가치부가보다 가격할인 판매촉진일 때 더 높은 구매의도를 가졌다. 그러나 트렌디한 SPA브랜드 일 때는 가치부가적 판매촉진일 때 더 높은 구매의도를 느끼는 것으로 나타났다. 이러한 결과는 최근 가치소비 성향이 증가함에 따라 가격민감도가 높은 소비자들에게는 SPA브랜드 컨셉트와 판매촉진유형이 구매의도에 영향을 주는 변수임을 보여준다. 본 연구는 SPA 브랜드들 트렌디한 SPA와 베이직한 SPA로 세분화시켜 연구를 하였기 때문에 SPA 유형에 따라 효율적인 판촉전략을 세우는데 활용될 수 있는 마케팅 시사점을 갖는다. 또한 본 연구의 결과는 새로운 수익모델을 만들기 위해서 노력하고 있는 국내 패션기업들에게 차별화된 판촉전략을 개발하여 판매를 증대시키는데 기초자료로 활용될 수 있을 것이다.

In the contemporary society, customer base for low-mid SPA brands are rapidly increasing owing to the influence of the practical consumption culture favoring to purchase product with high values compared to their prices. This study aimed to research the effect consumer's price sensitivity, SPA brand types and sales promotion types had on consumer's purchasing intention. This study designed a model for this with the mixed function design of 2(price sensitivity: high vs low) x 2(SPA brand types: trendy brand vs basic brand) x 2(sales promotion types: promotion through price discount vs promotion through value added). The subjects were 287 women, living in Seoul and Gyeonggi province in their 20-30s. Data were analyzed T-test, three-way ANOVA, simple interaction and Simple main effect analysis based on SPSS statistical packages for data analysis. As the result of interaction among 3 variables, the consumers with high price sensitivity showed much stronger purchasing intention for trendy SPA brands when sales promotion was done through value added, on the other hand, for basic SPA brands when sales promotion was done through price discount. These results proved that brand types and sales promotion types were important variables influencing the purchasing intention to the consumers with high price sensitivity, as well as, they implied that varying sales promotion types in accordance with each brand could be an effective sales technique for the consumers with high price sensitivity.

등산과 캠핑 등의 아웃도어 활동을 즐기는 소비자가 많아지면서 아웃도어 관련 시장이 매년 큰 폭으로 성장하고 있다. 또한 기술의 발전으로 각종 기능성 소재에 다양한 컬러를 제공하는 것이 가능해짐에 따라 다양한 컬러사용을 하는 것으로 알려져 있다. 본 연구의 목적은 아웃도어웨어 컬러선택 경향과 함께 컬러 선택에 어떠한 요인들이 작용하는지 알아보고, 이와 같은 과정에 있어서 인구통계적 특성의 영향을 알아보며 평상복과의 컬러선택 차이를 봄으로써 컬러선택에 대한 현상을 알아보는 데 있다. 283명을 대상으로 한 실증적 연구결과 아웃도어웨어의 컬러선택 요인으로 계절, 의복관리, 체형, 선호하는 컬러, 추구이미지, 개인의 감정, 가시도 측면이 아웃도어웨어 컬러 선택 시 모두 고려되는 것으로 확인 되었다. 계절에 따라 아웃도어웨어의 선호색상과 계통컬러선택이 달랐다. 의복종류에 따라서는 검정이 무난한 컬러로 인지되면서도 상의와 외투의 경우는 빨간계열과 남색계열을 선호하는 것으로 나타났다. 여성이 남성보다 의복관리와 활용용도를 고려해 컬러를 선택하는 것으로 나타났고, 중년층이 청년층보다 의복관리와 선호하는 컬러, 개인의 감정을 더욱 고려하여 컬러선택을 하는 것으로 나타났다. 또한 저체중 집단이 과체중 집단보다 계절과 체형을 더욱 고려하는 것으로 나타났다. 응답자들은 아웃도어웨어 보다 평상복 구입 시 계절적인 조건을 더욱 고려하는 것으로 나타났다. 선호컬러는 빨간계열, 파랑계열, 남색계열, 검정을, 아웃도어웨어 선호컬러는 빨간계열, 주황계열, 파랑계열, 남색계열, 검정을, 평상복 선호컬러는 빨간계열, 파랑계열, 남색계열, 회색계열, 검정을 선호하는 것으로 나타났다. 또한 아웃도어웨어의 외투와 상의의 경우 평상복 보다 가시도가 높은 빨간계열과 주황계열의 컬러를 많이 보유하고 있었고, 하의는 아웃도어웨어와 평상복 모두 검정을 가장 많이 보유하고 있었다. 계통컬러 선택에 있어서는 평상복과 아웃도어웨어 선호경향이 유사한 것으로 나타났다.

With the recent increase in interest in health, healing, travel, and spending leisure time, the number of consumers who enjoy outdoor activities has also increased, leading to significant annual growth in outdoor-related markets. Recent developments in technology have enriched the previously limited color palette, enabling outdoor apparel companies to phase out black gradually and introduce more primary colors in their clothing lines. As such, consumers are presented with abundant choices in color selection, including bold colors not commonly seen in other categories of clothing. The aim of this study is to identify the factors influencing consumers' outdoor wear color preferences by examining differences observed in their casual wear color selection. Results from a survey of 283 consumers indicated that outdoor wear color preference differed significantly in relation to clothing care requirements, preferred colors, emotions, and body shapes; gender, age, and degree of obesity also played a significant role in the variation of preferences. Outdoor wear jackets and tops have diverse variations in reds and oranges compared with casual wear. Meanwhile, black and other deep, dark colors were preferred for both outdoor wear bottoms and casual wear. Yellows were prevalent for spring wear, blues for summer, bluish violets for fall, and black shades for winter. The preferred color schemes for spring and summer were pale, light, and vivid colors; for fall, vivid, deep, and dark colors; for winter, deep and dark colors. The colors selected for spring and summer were similar, as were the colors selected for fall and winter.

현대패션산업의 윤리성 회복을 위한 지속가능성 추구활동은 제품의 ‘수명연장’이라는 초기목적에서 ‘가치제고’를 통한 소비자 만족으로 그 이상을 확대하고 있다. 친환경 추구 소비자를 위한 자연친화적이면서 현대적 세련됨이 있는 디자인을 위한 방법은 폭넓게 연구되고 있다. 본 연구는 패션 디자이너의 윤리적 패션 철학을 바탕으로 사회와의 공감을 통한 패션의 지속가능성을 위해 제로 웨이스트 디자인을 실천하고 있는 브랜드, 파츠파츠 임선옥의 특성도출을 목적으로 진행되었다. 문헌연구와 사례연구, 그리고 디자이너 인터뷰를 통하여, 소재와 제작공법, 평면 재단의 창의적 활용, 지속가능경영의 측면에서 파츠파츠 임선옥의 브랜드 특성을 도출하였다. 제로 웨이스트 디자인을 위해 파츠파츠 임선옥은 한 종류의 소재를 개발사용하고 소재 특성을 고려한 고압력 접착공법을 하이패션에 접목하였다. 또한 제로 웨이스트 커팅 방식을 개발하고 패턴의 분할과 직물교환 방식을 통해 상업적이면서도 장식적인 디자인을 효과적으로 구현하였다. 한편 파츠파츠 임선옥은 환경을 고려한 윤리적 각성으로 제작 과정에서 발생하는 폐원단을 재사용하고, 슬로우 패션을 지향하며 가치 있는 디자인 생산철학을 보여주었다. 파츠파츠 임선옥은 협업을 통한 다양한 문화 활동에서 디자인 영감을 얻고 지속적인 기술 개발을 하고 있으며, 이로써 브랜드 이미지를 구축하여 마케팅의 상승효과를 도모하고 있었다. 본 연구는 현대 패션의 사회참여적 윤리실천의 실정을 밝혔다는 점, 상업적 목적의 제로 웨이스트 디자인 방법의 자료를 구축한 점, 나아가 미래 패션디자인교육의 예시를 제시하였다는 점에서 의의를 지닌다.

In the contemporary fashion industry, activities for sustainability to recover ethicality are expanding their ideal from the initial ‘life extension of products' to customer satisfaction through ‘raising values'. Methodologies of nature-friendly design having modern refinement are being researched for environment-friendly consumers in various fields. This study aims at deriving characteristics of a brand PartspARTs IMSEONOC to practice zero-waste design for fashion sustainability through social sympathy based on ethical fashion philosophy of fashion designers. Through literature and case studies and interview with a designer, it derived brand characteristics of PartspARTs IMSEONOC in terms of materials, manufacturing techniques, creative use of flat pattern, sustainable management for zero-waste design, PartspARTs IMSEONOC developed and utilized a material and grafted a high-pressure bonding method to high fashion considering a characteristic of the material. Besides, along with the development of zero-waste cutting method, both commercial and decorative design was realized effectively through pattern segmentation and textile exchange. On the other hand, PartspARTs IMSEONOC showed valuable design production philosophy, reusing textile wastes from manufacturing and pursuing the slow fashion with consideration on environments and ethical perception. PartspARTs IMSEONOC drew design inspiration from a variety of cultural activities through collaboration, developed technologies continually so constructed a brand image with increased synergy effect of marketing. This study has significance in that it examined present ethical practice by modern fashion through engagement, constructed data on commercial zero-waste design methodologies and suggested a guideline for future fashion design education.

본 연구는 일반적인 패션의 표현 방식과 기능에서 벗어나 상황에 따라 역할과 형태가 변형되는 인플레이터블 웨어(inflatable wear)의 다양한 유형을 형태별 특성별로 분석함으로써 표현 특성과 내적인 의미에 대해서 알아보고자 하였다. 연구 결과, 인플레이터블 웨어의 첫 번째 유형은 신체와 패션의 실루엣에 대한 고정관념에 대한 도전으로, 단순히 디자인의 확장적 이미지를 표현한 형태로서 스커트나 재킷, 드레스의 일부분이 부풀어 확대되는 유형이다. 두 번째 유형은 미적 시각적 형태변환을 위한 퍼포먼스 컨셉의 유형으로서 리모트 컨트롤에 의한 시차적 형태변환이다. 과거에는 단순한 공기주입을 통한 형태의 확장에 그쳤다면 이 유형은 테크놀로지를 도입시켜 즉각적인 가변성을 강조한 퍼포먼스 형태로 제작되고 있다. 세 번째 유형은 다목적성, 다기능성 개념의 용도변환 형태이다. 형태의 변환을 통한 다용도의 개념이 기술을 통한 기능의 전환 디자인으로 표현된 것이다. 인플레이터블 웨어의 유형분석을 통해서 첫째, 기존 패션의 전통적 고정관념에서 벗어나 매우 확대된 개념의 디자인으로 소통과 확장된 교류 공간을 만들어 냄으로써 인체를 감싼 의복을 더 자유롭고 다양한 방식으로 표현하고 있음을 알 수 있었다. 둘째, 테크놀로지와 결합한 패션은 이동성과 가변성을 디자인에 적극 도입함으로써 패션에 대한 의미와 개념을 확대시켜 다목적 디자인으로서의 역할을 담당하고 있음을 알 수 있었다. 셋째, 실험적 패션쇼 형태에서 나아가 공기주입 전과 공기주입 후의 과정을 시차적으로 보여주는 퍼포먼스의 장으로서 표현되고 있음을 알 수 있었다. 이를 통해 패션이 인간의 감성을 자극하고, 감정을 교류하는 장임은 물론 환경에 따른 인체의 보호와 은폐를 가능케 하는 다목적 디자인으로서 사회문화적 흐름과 상황을 표출하는 비주얼 스토리를 만들어 낼 수 있는 최고의 장임을 다시 한 번 알 수 있었다.

This study identifies expressive characteristics and the implicative meaning of inflatable fashion beyond traditional methods and functional wear to analyze various types of inflatable wear that have functions and forms varying depending on the situation. The first type of inflatable wear is expressed as a swollen and expanded type such as part of skirt or jacket or dress. The second type has been produced by performance fashion that focuses on immediate variability through technology. The third type of inflatable wear is the usage conversion type of a multi-function concept. It is expressed by a function shifting design that uses a multipurpose concept through a conversion of usage and form. An analysis of inflatable wear types showed the following results. First, inflatable wear is an enlarged concept of fashion different from traditional conventional stereotypes that creates an expanded communication and exchange space to express the garment of wrapping human bodies in liberal and various ways. Second, inflatable wear fashion is expressed as a performance arena moving forward from an experimental fashion show form that shows a distinctive difference before and after air insertion. Third, fashion combined with technology acts as a multi-function that actively introduces mobility and variability in costumes and expands the meaning and concept of fashion. Fashion design is identified as a method to stimulate human emotion and exchange mutual feelings and as a multi-purpose device that allows the protection and concealment; consequently, it is the best method to create visual stories that express the socio-cultural trends and conditions.