Earticle

현대 패션은 다양한 예술과 융합하여 개성과 가치관을 표현하는 방향으로 발전하고 있으며, 종이접기 기 법은 패션과 결합된 조형 예술 중 하나로 활용된다. 한국 전통 종이접기는 고유한 역사성과 조형미를 지니고 있지만 현대적 재해석과 창의적 패션 디자인 연구는 부족한 실정이다. 반면, 애슬레저 패션은 COVID-19 이 후 실용성, 통기성, 활동성을 강조하며 빠르게 성장한 분야로 자리 잡았다. 종이접기의 접히고 펼쳐지는 구조 는 착용자의 움직임을 자유롭게 하며, 요크나 골반 등에 적용하면 애슬레저 패션의 활동성을 강화할 수 있다. 또한, 접기 패턴을 통해 공기층을 형성하여 통기성을 높이기 때문에, 여유 분량이 필요한 부위에 적용하여 공기 순환이 원활한 쾌적한 디자인을 구현할 수 있다. 본 연구는 한국 전통 종이접기의 조형미를 활용하여 신체 움직임이 용이한 구조의 애슬레저 패션 디자인을 개발하는 것을 목표로 하였다. 이를 위해 문헌 연구 및 사례 분석을 통해 한국 전통 종이접기의 유형과 애슬레저 패션의 특징을 이론적으로 고찰하고, 조형미와 기능성을 결합한 4개의 애슬레저 패션 작품을 개발하였다. 디자인 개발 과정에서 두 작품은 종이접기의 조형 미를 형태적 요소로 강조하였으며, 나머지 두 작품은 구조적 요소를 활용하여 기능성과 실용성을 극대화하였 다. 이를 통해 직관적인 디자인을 구현하고 애슬레저 아이템의 다기능성과 활용도를 강화하였으며, 등, 골반, 허벅지의 활동성과 통기성을 향상시켰다. 또한, 폴리에스터 및 가방 심지 등의 소재 결합을 통해 창의성과 디자인 가능성을 확장하였다. 그러나 일부 아이템에서 실루엣의 안정성이 부족하고, 접은 공간을 수납 구조 로 활용하기 어려운 한계가 나타났다. 따라서 향후 연구에서는 형태 유지성을 개선하고, 접기 기법을 활용한 공간을 수납 구조로 변형하여 실용성을 극대화하는 방안을 모색할 필요가 있다. 본 연구는 전통성과 현대성 이 조화를 이루는 창의적 패션 연구의 지속적 확장을 기대하며, 애슬레저 패션의 디자인 가능성을 더욱 넓히는 데 기여하고자 한다.

Modern fashion integrates various art forms to express individuality and values. Origami techniques, as a form of formative art, are being applied in fashion design. Traditional Korean origami has unique historical and aesthetic qualities, but research on its modern reinterpretation is still limited. Meanwhile, athleisure fashion has rapidly grown since the pandemic, emphasizing practicality, breathability, and mobility. The foldable structure of origami enhances movement and, when applied to areas like the yoke or hips, improves flexibility. Additionally, origami patterns create air layers, increasing ventilation and maintaining airflow, ensuring a comfortable design. Applying folding techniques to areas requiring extra volume makes movement more dynamic and unrestricted. This study develops athleisure fashion integrating traditional Korean origami aesthetics, emphasizing either visual appeal or structural functionality. A literature review and case study analyze Korean origami and athleisure characteristics, leading to four fashion designs that merge aesthetics and function. Two highlight origami’s aesthetic appeal, while two enhance mobility and practicality. These designs improve ventilation and comfort, particularly in the back, hips, and thighs. However, some designs lack silhouette stability and functional storage. Future studies should refine shape retention and storage solutions. Expanding origami-based design can lead to more functional and innovative athleisure fashion. This research promotes creative fashion development harmonizing tradition and modernity.

ESG는 기업의 비재무적 성과를 측정하는 자본주의적 지표로, 기업 가치를 평가하고 투자 결정을 유도하기 위한 맥락에서 주목받은 개념이다. 그러나 패션 산업에서 ESG에 대한 연구는 주로 브랜드 전략과 제품 디자인 분석에 집중되어 왔다. ESG의 본질이 자본주의적 속성을 가지는 만큼, 이를 비즈니스 관점에서 고찰 하는 것이 필요하다. 따라서 본 연구는 패션 미디어 『WWD』에 게재된 기사를 대상으로 텍스트마이닝 및 내 용 분석을 진행하여 패션 산업에서의 ESG 담론을 심층적으로 분석하고자 한다. 핵심 키워드를 추출하고 문 맥의 의미를 분석한 결과, 환경 영역에서는 기후변화와 순환경제 중심으로 논의되면서 정량적 관리와 기술을 통한 접근이 강조되고 있었다. 사회 영역에서는 다양성, 공급망 관련 논의가 이루어졌으며, 역시 정량적 관리 와 책임자 지정이 강조되고, 규제 준수를 위한 의무적 행위로서 ESG가 언급되고 있었다. 인권 이슈는 상대적 으로 논의가 적게 나타났다는 점에서 산업의 구조적인 문제에 대해서는 소극적으로 접근하는 경향을 파악할 수 있었다. 거버넌스 영역에서는 기업의 성장을 의식하여 중장기적 관점에서 단계적 목표를 설정하는 것과 대외 커뮤니케이션이 중시됨을 알 수 있고, 다양한 이해관계자와의 소통이 강조되지만 실질적인 소통은 투자 자에 치중됨을 알 수 있었다. 종합하여 ESG 경영은 사회환경적 문제 해결보다 기업의 성장을 추구하는 새로 운 패러다임으로 여겨지며, 구조적 문제를 해결하기보다는 정량적 관리, 기술적 접근과 같이 대안 제시가 가능한 영역을 중심으로 논의됨을 알 수 있다. 패션 매체는 ESG 성과를 홍보하면서도 실질적인 개선 방안을 논의하는 공간으로 기능하며, 비즈니스적 가치에 기반한 패션 매체의 성격과 공공의 가치를 추구하는 동시대 저널리즘의 요구가 결합하는 양상이 확인된다. 본 연구는 패션 비즈니스에서 요구되는 ESG 경영을 구체적인 항목으로 제시하고, 그 자본주의적 맥락을 포착해냈다는 데 의의가 있다.

ESG is a capitalist metric used by investment institutions to assess a company’s non-financial performance, quantify its value, and drive investment decisions. However, research on ESG in the fashion industry has predominantly focused on brand strategies and product design analysis. ESG, inherently capitalist in nature, should be examined from a business perspective. Therefore, this study aims to analyze discussions on ESG in the fashion industry through articles published in 󰡔WWD󰡕, utilizing text mining and content analysis. The analysis of keywords and contextual meanings reveals that, in the environmental domain, discussions primarily center on climate change and the circular economy, with an emphasis on quantitative management and technology-driven approaches. In the social domain, diversity and supply chain issues are frequently addressed, with a focus on quantitative management, designated accountability, and compliance with regulations as mandatory actions. However, human rights issues receive relatively less attention, indicating a passive approach to structural problems. In the governance domain, a long-term, phased approach to goal-setting and external communication is emphasized to support corporate growth. While stakeholder engagement is highlighted, actual communication tends to be investor-centric. Overall, ESG management in the fashion industry appears to be a new paradigm that prioritizes corporate growth over the resolution of social and environmental issues. Discussions tend to focus on areas where alternative solutions, such as quantitative management and technological approaches, can be proposed rather than on resolving structural problems. Fashion media serve both as a platform for promoting ESG performance and as a space for discussing practical improvement measures, reflecting the intersection of business-oriented media characteristics and contemporary journalistic demands for public value. This study is significant in that it identified specific elements required for ESG management in the fashion business and captured its capitalist context.

급격한 현대화와 도시화, 문화유산의 상품화 및 무분별한 전유는 문화유산 보존에 심각한 위협을 가한다. 이러한 배경에서 문화적 지속 가능성의 중요성이 부각되고 있으며, 특히 전통과 현대성이 공존하는 패션 분 야에서 그 의미가 더욱 중요하게 인식되고 있다. 전통문화 요소는 풍부한 문화적 원천을 제공하며, 이를 통한 영감은 창의적인 패션 디자인으로 연결된다. 그러나 문화적 지속 가능성에 관한 선행 연구들은 전통과 문화 적 지속 가능성의 관련성을 언급하면서도 전통의 활용에 대한 구조적 분석에 미흡했다. 이에 따라 본 연구의 목적은 선행 연구를 바탕으로 문화적 지속 가능성의 개념을 고찰하고, 다양한 국가의 패션 사례를 통해 전통 이 문화적 지속 가능성에 기여하는 방식과 문화 차원에서의 패션 디자인 전략을 구조적으로 분석하고자 한 다. 본 연구는 2018년부터 2024년까지 케네스 이제이, 스텔라 진, 가브리엘라 허스트, 라훌 미슈라, 앤젤 창의 사례를 중심으로 전통의 문화적 지속 가능성 기여 방식을 분석하였다. 연구 결과, 문화적 지속 가능성은 크게 전통의 보존, 전통의 발전, 전통의 관리 세 가지 방법으로 활용되고 있었다. 문화적 지속 가능성을 고려한 패션 디자인 표현은 물질적 문화 차원, 사회적 문화 차원, 정신적 문화 차원의 세 가지 차원으로 도출되었다. 특히 전통의 보존은 물질적 문화 차원, 사회적 문화 차원, 정신적 문화 차원과 관련되어 있으나 패션 디자인 관행에서는 물질적 문화 차원에 집중되어 있다. 전통의 발전은 물질적 문화 차원과 사회 문화적 차원과 관련 성이 있고 전통의 관리는 주로 사회적 문화 차원과 정신적 문화 차원에 집중되는 것으로 나타났다. 도출된 결과는 글로벌 패션 산업의 지속 가능한 발전을 위한 실질적인 방안을 제시하는 데 기여할 것으로 기대된다.

Cultural sustainability has gained heightened significance in the context of rapid societal transformation, with traditional cultural elements providing rich sources of design inspiration within the fashion industry. Nevertheless, prior research has revealed a lack of structural analysis regarding the mechanisms by which traditions are utilized. Accordingly, the purpose of this study is to examine the concept of cultural sustainability based on previous research and to structurally analyze fashion design strategies by identifying how traditions contribute to culturally sustainable development through international fashion cases. This research analyzed how traditions contribute to cultural sustainability, focusing on the cases of Kenneth Ize, Stella Jean, Gabriela Hearst, Rahul Mishra, and Angel Chang from 2018 to 2024. As a result, cultural sustainability can be categorized into three approaches: preservation, development, and management of traditions, and the expression of culturally sustainable fashion design was derived into three cultural dimensions: material, social, and spiritual. In particular, although the preservation of tradition relates to both the material-cultural and socio-cultural dimensions, it predominantly focuses on the material-cultural dimension. The development of tradition relates to the material-cultural and socio-cultural dimensions, whereas the management of tradition primarily focuses on the socio-cultural and spiritual-cultural dimensions. These findings are expected to contribute to proposing practical measures for the sustainable development of the global fashion industry.

장애인 1인 가구는 매년 증가하고 있으며, 사회활동 및 여가 활동의 증가와 그들을 위한 의류의 필요성이 증대되었다. 휠체어 사용 지체 장애인 여성은 클래식, 페미닌 등 다양한 스타일에 대한 욕구가 높음에도 불구 하고, 신체적 특성으로 인해 활동에 제약이 적은 트레이닝복, 맨투맨, 후드티 등의 캐주얼 의류를 주로 착용 한다. 원피스나 스커트 등의 제품을 포함한 트렌드가 반영된 의류는 찾아보기 힘든 실정이며, 국내 및 국외 장애인 의류 시장은 남성 장애인을 위한 의류가 여성의 의류보다 2배가량 많다. 이에 본 연구는 휠체어 사용 지체 장애인을 위한 여성복 제품의 동향과 특성을 알아보기 위해 해당 제품을 수집하여 소재, 실루엣, 색상, 무늬 및 장식으로 나누어 분석하였다. 분석 결과, 휠체어 장애인의 생활 방식에 적합한 의류 소재는 신축성과 통기성 등이 중요한 요소이며, 이는 의생활에서 발생하는 불편함을 완화하고 편안한 움직임을 제공한다. 가 장 많이 나타난 실루엣은 레귤러 핏으로, 적절한 여유를 가진 품을 통해 착용감과 활동성의 균형을 유지한다 는 점에서 많이 사용된 실루엣으로 분석된다. 가장 많이 나타난 색상은 네이비, 그레이, 블랙과 같은 무채색 계열로 나타났으며, 이는 일반적인 디자인을 선호하는 휠체어 사용 지체 장애인 여성의 의복 욕구를 반영한 다. 또한, 관리와 실용성 측면에서 적합하기 때문으로 분석된다. 무늬 및 장식에서는 민무늬 제품이 가장 많 았으며, 프릴 장식 제품은 1벌로 나타났다. 이는 디자인 선호도 적용과 활동성 및 실용성 저하를 고려하여 장식이 제한적으로 활용된 것으로 해석된다. 본 연구는 현재 판매되는 제품의 디자인 동향과 특성을 살펴보 았으며, 분석 결과 도출된 특성을 디자인 과정에 적용한다면 트렌드를 반영한 다양한 스타일의 장애인 의류 를 개발하는 데 도움이 될 것으로 판단된다.

The number of single-person households with disabilities is increasing every year, and along with the increase in social and leisure activities, the need for clothing for them has also increased. Women with physical disabilities who use wheelchairs often wear casual clothing such as tracksuits, sweatshirts, and hoodies, which are less restricted considering their physical characteristics, despite their strong desire for various styles of clothing such as classic and feminine. It is difficult to find clothing that reflects trends including products such as dresses and skirts, and in the domestic and overseas clothing markets for the disabled, clothing for men is twice as much as that for women. Therefore, this study collected and analyzed the relevant products by dividing them into materials, silhouettes, colors, patterns, and decorations to find out the trends and characteristics of women's clothing products for people with physical disabilities using wheelchairs. As a result of the analysis, stretch and flexibility are important factors in clothing materials suitable for the lifestyle of people who use wheelchairs, which provide comfortable movement and relief from discomfort in daily wear. The most common silhouette is the regular fit, which is analyzed as a widely used silhouette in that it maintains a balance of wearability and activity through appropriate comfort. The most common colors were achromatic colors such as gray and black along with navy, reflecting the desire for clothing of women with physical disabilities using wheelchairs who prefer easy designs. It is also analyzed that it is suitable in terms of management and practicality. In terms of patterns and decorations, plain products were the most, and one frill-decorated product was found. It is analyzed that decorations were limitedly utilized in consideration of the application of design preferences and the decrease in activity and practicality.

본 연구의 목적은 급변하는 패션 산업 환경 속에서 서울 패션 위크가 직면한 문제점을 파악하고, 장기적인 성장과 발전을 도모할 수 있는 발전 전략을 제시하는 데 있다. 이를 위해 먼저 패션 산업 환경의 변화와 그에 따른 패션 위크의 새로운 역할을 문헌 연구를 통해 고찰하였다. 그 결과 최근 패션업계는 디지털 전환, 스몰 브랜드의 부상, SNS 영향력 확대, 바이어 기반 수주 방식의 쇠퇴, 4대 패션 위크 편중 현상 등 다양한 변화를 겪고 있는 것으로 나타났다. 또한 이러한 변화 속에서 패션 위크는 기업 간 수주나 오프라인 쇼 중심의 플랫 폼을 넘어, 온·오프라인을 병행하며 브랜드와 대중이 직접 소통하고 경험하는 국제적인 패션 네트워킹 플랫 폼으로 진화하는 추세다. 이에 본 연구는 참가자들의 경험에 기반하여 서울 패션 위크의 강점과 구조적 문제 점을 도출하기 위해 참가 경험이 있는 디자이너 10명을 대상으로 심층 면담을 실시하였다. 수집된 자료는 근거이론 방식으로 분석하여, 서울 패션 위크의 강점과 구조적 문제점을 도출하였다. 분석 결과, 서울 패션 위크는 글로벌 시장 진출 기회를 제공하고, 아시아권에서의 브랜드 인지도 상승에 기여하며, 해외 패션쇼에 비해 시간과 비용적인 부담이 낮은 것이 강점으로 드러났다. 그러나 현재 서울 패션 위크는 수주가 활성화되 기 어려운 환경, 수준 높은 브랜드 및 파급력 있는 유명인 유치 실패, 운영 역량 부족 등 복합적인 한계 또한 지니고 있음이 확인되었다. 이러한 문제들은 디자이너와 바이어가 오프라인 패션쇼에서 직접 만나 거래를 성사시키고, 언론의 주목을 받아 브랜드를 홍보하던 기존의 기능을 약화시킬 뿐 아니라, 대중의 관심과 국제 적인 파급력이 감소하는 요인이 되고 있었다. 이를 해결하기 위해 다음과 같은 개선 방안을 제안하였다. 첫 째, 내수 시장을 적극 공략하여 디자이너들이 안정적 판매 기반을 확보하도록 지원한다. 둘째, 디자인 역량이 검증된 브랜드를 선정해 행사 전반의 수준을 향상시킨다. 셋째, 파급력 있는 유명인을 초청하고, 이를 위한 예산을 배정하여 홍보 효과와 국제적 인지도를 강화한다. 넷째, 전문 조직 운영을 통해 행사의 연속성과 전문 성을 확보한다. 이러한 개선 방안을 통해 서울 패션 위크의 위상을 한층 높이고, 한국 디자이너들의 글로벌 경쟁력을 강화하는 데 기여할 수 있기를 기대한다.

The purpose of this study is to identify the challenges faced by Seoul Fashion Week amid a rapidly changing fashion landscape and propose strategies for sustainable growth. A comprehensive literature review indicates that the industry is experiencing digital transformation, the rise of small brands, the growing influence of social media, the decline of traditional wholesale models, and an ongoing concentration on the four major global fashion weeks. Consequently, fashion weeks now function as global networking platforms that merge online and offline elements rather than serving solely as buying platforms or offline shows. In-depth interviews were conducted with ten designers who had participated in Seoul Fashion Week. Based on grounded theory, the findings revealed both strengths and structural issues within Seoul Fashion Week. Chief among its limitations are an environment that hinders buying, a lack of high-end brands and influential celebrities, and insufficient operational capacity. These weaknesses not only reduce direct opportunities for designers to meet buyers and appeal to the press but also diminish public interest and global impact. To address these challenges, this study proposes several improvements. First, designers’ access to a stable domestic market should be strengthened to ensure a solid sales foundation. Second, brands with proven design expertise should be selected to elevate the event’s overall calibre. Third, funding should be allocated to invite impactful celebrities, thereby increasing promotional effects and international visibility. Finally, a professional management body should be organised to secure continuity and expertise for Seoul Fashion Week. By implementing these measures, Seoul Fashion Week could enhance its standing and strengthen the global competitiveness of Korean designers.

생성형 AI 모델은 패션 산업 전반에 혁신적 전환을 이끌 핵심 기술로 주목받고 있으며, 특히 제품 개발 과정에서 인간의 창의성을 보조하는 역할을 확대하고 있다. 이러한 기술 발전 속에서 이미지 생성 기능은 빠르게 고도화되고 있으며, 특히 GAN 기반의 이미지 합성과 조작 기술은 AI를 디자이너의 협업 파트너로 인식하게 만드는 기반이 되고 있다. 이에 따라 패션 제품 개발에 특화된 생성형 AI 플랫폼의 기능과 활용 흐름을 체계적으로 분석할 필요성이 제기된다. 본 연구는 기술 발전에 따라 실용화되고 있는 패션 산업 내 AI 플랫폼의 개발 동향을 조사하고, 이를 토대로 산업적 의미와 미래 활용 방향성을 모색하였다. 연구의 분석 대상은 AI 도구를 목록화한 글로벌 디렉토리 사이트로서 여러 범주에 걸쳐 디렉토리에 3,000개 이상의 AI 툴 모음을 보유하고 있는 TopAI.tools와 Futurepedia에서 수집한 총 37개의 패션 관련 플랫폼이며, 각 플랫폼의 기능과 활용 목적을 중심으로 분석을 수행하였다. 분석 결과, 생성형 AI 플랫폼은 전반적으로 다기능 통합형 으로 진화하고 있으며, 제품 기획 및 디자인 개발, 제품 홍보 및 판매, 협업 및 재고 관리의 세 가지 주요 영역에서 실질적으로 활용되고 있었다. 이러한 흐름은 생성형 AI 플랫폼이 디자인 기획 주체의 다변화, 디자 인 과정의 효율성과 혁신성 제고에 기여할 가능성을 시사한다. 동시에 생성형 AI 플랫폼의 확산은 디자인 저작권과 창작 윤리와 같은 법적·사회적 쟁점을 함께 수반하고 있다. 본 연구는 생성형 AI의 패션 제품 개발 단계에서의 전략적 활용 가능성을 조명하며, 향후 창작 주체와 기술 간의 관계 변화에 따른 제도적 대응에 대한 필요성을 논의한다.

Generative AI models have recently emerged as transformative technologies within the fashion industry, offering the potential to drive innovative shifts throughout the product development process. In particular, image generation capabilities are rapidly advancing, with GAN-based synthesis and manipulation techniques enabling AI to function as a creative collaborator for designers. In this context, there is an increasing need to systematically analyze the functions and utilization patterns of generative AI platforms tailored specifically for fashion product development. This study investigates the current development trends in such AI platforms, aiming to explore their industrial implications and future applications. A total of 37 fashion-related generative AI platforms were collected from TopAI.tools and Futurepedia, two global directories that curate and categorize over 3,000 AI tools across multiple domains. The platforms were analyzed according to their functions and intended use cases. The results reveal that generative AI platforms are evolving into multifunctional, integrated systems, actively supporting three key areas: product planning and design development, product promotion and merchandising, and collaboration and inventory management. These developments indicate a diversification of design actors, increased procedural efficiency, and enhanced creative output. At the same time, the widespread adoption of generative AI platforms raises legal and ethical issues, including copyright ownership and authorship. This study highlights the strategic potential of generative AI in the context of fashion product development and discusses the need for institutional responses to evolving relationships between creators and technologies.

신조어는 사회적 전환이나 새로운 현상을 기존 어휘로 포착하기 어려울 때, 새로운 감각과 현실을 명명하 며 등장한다. 따라서 신조어 분석은 시대적 맥락에서 형성된 가치 체계와 상징 질서를 해석하는 데 유효한 도구가 될 수 있다. 본 연구는 1990년부터 2024년까지 한국 사회의 뉴스 기사에 등장한 외모 관련 신조어를 중심으로, 각 시대의 외모 담론이 어떻게 형성되고 변화해 왔는지를 통시적으로 고찰하였다. 1990년부터 2024년까지 8개 중앙 일간지에서 외모 관련 신조어가 언급된 8,634건의 기사를 수집하고, 파이썬 기반 형태소 분석을 수행하였다. 외모를 신체와 복식이 결합된 총체적 개념으로 정의하고, Ahn(2018)의 외모 택소노미를 이론적 틀로 삼아, 총 98개의 외모 관련 신조어를 추출하고 유형화하였다. 신조어의 시기별 분포와 사회문화 적 의미를 분석한 결과, 외모 관련 신조어는 단순한 언어 유행이 아니라 당대의 정체성 실천, 소비 감수성, 기술 환경을 반영한 상징적 담론으로 작동하고 있음을 확인하였다. 1990년대는 민주화와 소비문화의 확산 속에서 외모가 개인 정체성과 사회적 지위를 표현하는 수단으로 부상하였으며, 2000년대는 신자유주의적 경 쟁 질서와 디지털 환경의 정착 속에서 외모가 사회적 자본으로 기능하게 되었다. 2010년대는 SNS를 기반으 로 외모 표현이 보다 다양해졌고, 감시와 평가가 일상화되는 한편, 기존의 외모 규범에 저항하는 담론이 전개 되기도 하였다. 2020년대는 팬데믹이라는 특수한 시대 상황에 맞게 기능성, 자기 연출, 안정성을 추구하는 양상이 드러났다. 본 연구는 외모 관련 신조어가 시대별 외모 인식의 변화와 담론을 드러내는 언어적 지표로 서 기능함을 밝히며, 외모와 언어, 문화의 관계를 의류학적 관점에서 통합적으로 조망하는 데 의의를 둔다.

Neologisms emerge when existing vocabulary falls short of capturing social transformations or new phenomena, offering new terms to articulate contemporary experiences and realities. As such, the analysis of neologisms can serve as a valuable tool for interpreting value systems and symbolic orders shaped within a given historical context. This study investigates how appearance-related discourses in Korean society evolved from 1990 to 2024, focusing on neologisms that reflect prevailing perceptions of appearance. A total of 8,634 news articles from eight major national newspapers were collected, and morpheme analysis was conducted using Python-based text processing. Appearance was conceptualized as an integrated construct encompassing both the body and dress, with Ahn’s (2018) taxonomy of appearance employed as the theoretical framework. On this basis, 98 appearance-related neologisms were identified and classified. The results reveal that these neologisms are not merely linguistic trends but symbolic discourses embodying identity practices, consumer sensibilities, and the technological conditions of each era. In the 1990s, appearance became a means of expressing personal identity and social status amid democratization and the expansion of consumer culture. In the 2000s, it evolved into a form of social capital shaped by neoliberal competition and digital environments. The 2010s saw the diversification of appearance expressions through social media, the normalization of visual self-monitoring, and the rise of counter-discourses against normative beauty standards. In the 2020s, under the unprecedented circumstances of the COVID-19 pandemic, appearance discourses began to emphasize functionality, self-styling, and psychological stability. This study highlights the role of neologisms as linguistic indicators of shifting appearance discourses over time and offers an integrated perspective on the interrelationship between appearance, language, and culture from the standpoint of fashion studies.

팝 아트는 패션 디자인에 있어 다양한 표현을 위한 영감의 원천으로 활용되어 왔다. 본 연구에서는 팝 아트 회화에서 영감을 얻은 텍스타일 패턴을 입체화하기 위한 3D 프린팅의 활용성을 파악하고자 하였다. 따라서 연구의 목적을 3D 텍스타일 패턴 개발과 개발된 텍스타일 패턴 소재의 활용 가능성을 파악하기 위한 의류 제품 제작에 두었다. 팝 아트 작품의 표현 특성을 고찰하여, 반복성, 완결성, 연속성의 표현적 특성이 있음을 파악하였으며, 패션에 적용될 시 도상적 패턴 반복, 선형적 패턴 반복 사용, 상징적 이미지 단순화의 표현적 특성이 나타남을 파악하였다. 이를 토대로, 텍스타일 디자인 방향으로 완결성, 형태적 유사성, 단순 도형의 반복, 동일 형태 요소의 반복을 콘셉트로 패턴을 디자인하였으며, 3D 패턴의 출력 시 원단 위의 안착 성능을 파악하기 위한 실험을 수행하였다. 실험 결과, 면과 TPU의 조합, 폴리와 PLA의 조합을 제외하고 안정 적인 안착 결과를 확인하였다. 실험 시 안정적 활용성을 보인 원단과 필라멘트 소재의 조합을 전제로, 팝 아트에서 모티브를 얻은 단순 도형의 군집 및 유희적인 선형 이미지의 군집, 점묘 기법을 응용한 상징적 이미 지로 구성된 3D 텍스타일 패턴 12종을 모델링하였다. 또한 해당 3D 패턴 소재 활용을 전제한 2종의 패션 디자인을 도출하였다. 디자인 과정에서 CLO3D와 TinkerCAD를 병용하여 의복 평면 패턴에 3D 문양 패턴 배치 시뮬레이션을 수행하여 의복 패턴과 3D 텍스타일 패턴의 오차를 최소화하였다. 제작 과정에서는 일반 적 봉제 기법을 활용하여 의상을 제작하였다. 본 연구에서는 평면적인 텍스타일 패턴을 보다 입체적으로 표 현하기 위한 3D 프린팅의 활용성에 관해 기초자료를 제시하는 데 의의를 둔다.

Pop art has long served as a source of inspiration for diverse expressions in fashion design. This study explored the applicability of 3D printing for realizing three-dimensional textile patterns inspired by pop art paintings. Accordingly, it aimed to develop 3D textile patterns drawn from pop art motifs, and to assess the practical applicability of textiles applying the 3D patterns in the garment- making process. An examination of pop art works revealed that their expressive characteristics encompass repetition, completeness, and continuity. When translated into fashion, these qualities manifested as iconographic pattern repetition, linear pattern repetition, and simplification of symbolic images. Based on these observations, textile patterns were designed according to the principles of completeness, formal homology, repeated geometric shapes, and repeated homologous elements. To evaluate how well these 3D patterns adhered to fabric substrates, we conducted experiments in which the patterns were printed onto various combinations of textiles and filaments. Excepting the combination of cotton/TPU and polyester/PLA, overall testing results demonstrated reliable adhesion. Based on these findings, we modeled twelve distinct 3D textile patterns consisting of clusters of simple geometric motifs, playful linear imagery, and pointillist‐inspired symbolic images. We then created two conceptual fashion designs incorporating these 3D‐printed textiles. During the design process, CLO3D was used in conjunction with Tinkercad to simulate the placement of 3D patterns on flat patterns, thereby minimizing alignment errors between the garment templates and the 3D elements. Finally, the garments were fabricated using conventional sewing techniques. This research contributes basic data on the utilization of 3D printing to render flat textile patterns in three dimensions, expanding the expressive potential of pop‐art–inspired fashion.

한국 문화에 대한 글로벌 관심이 확대되었으나 전통 복식 시장의 소비는 여전히 위축된 상태이다. 이에 본 연구는 전통 신발의 착용감 개선을 통한 제품 고도화 및 소비 활성화를 위해 온라인 쇼핑몰 리뷰를 대상으 로 텍스트 마이닝과 이미지 내용 분석을 실시하였으며, 총 1,938개의 리뷰가 분석에 활용되었다. 텍스트 분석 결과, 빈도수가 높은 단어들은 사이즈, 착용감, 색상 등에 대한 내용이 되었다. 그중 사이즈와 관련된 키워드가 가장 많았으며, 굽 높이, 발볼 너비, 발 길이가 많이 언급되었다. 굽 높이는 착용감과 동시 출현 빈도가 높게 나타나 소비자들이 굽의 모양보다는 편안한 높이에 관심이 많은 것으로 확인되었기 때문에 제품 개발에서 높이별 착용감을 검토할 필요가 있었다. 발볼 너비와 발 길이에 관한 키워드들은 평가 내용이 일관되지 않고 상반된 경우도 있어 소비자들이 제품의 사이즈 선택에서 어려움이 크고 리뷰 확인 후에 불안감이 높아질 가능성도 높았다. 동시 출현 빈도 결과에서 소비자들은 사이즈를 판단할 때 발 길이와 함께 발볼 너비도 중요 하게 고려하고 있었으나, ‘정사이즈’와 동시 출현 단어로 ‘발볼적당해요’와 ‘발볼좁아요’가 다수 발견되어 발 볼 너비에 개인차가 많은 것으로 파악되기 때문에 제품 개발에서 주요 소비자 연령의 발 유형에 따라 적절한 발볼 크기를 검토할 필요가 있었다. 착용감에 대한 평가에서는 ‘편해요’가 가장 많았으며, 동시 출현하는 키워 드로 ‘정사이즈’ 외에 ‘커요’도 빈도수가 높게 나타나 소비자들은 사이즈가 크더라도 착용감이 편하다고 인식 할 가능성이 컸다. 그러나 불편하거나 아프다는 의견도 높은 빈도수를 차지하였고, 기존에 착용하는 사이즈보 다 한 치수 크게 주문하는 경우가 많이 발견되어 현재 제품 치수 체계에서 발이 작아 조이는 불편함이 없는지 에 대한 세부적인 검토가 요구되었다. 특히, 버선과 함께 착용하는 사례가 많았기 때문에 이에 적절한 권장 사이즈를 제시할 필요가 있었다. 통증의 구체적인 부위로는 앞코와 뒤꿈치 안쪽이 확인되었는데, 앞코의 높이 나 깊이에서 충분한 공간 확보가 필요했고 뒤꿈치 안쪽과 외곽선 둘레의 소재 및 마감 방법에서도 정확한 원인을 파악할 필요가 있었다. 본 연구는 온라인 리뷰 분석을 통해 전통 신발 제품의 착용감에서 소비자들이 인식하는 문제점을 구체적으로 파악하고 제품 고도화를 위해 개선 방향을 모색하였다는 점에서 의의가 있다.

Despite growing global interest in Korean culture, consumption in the traditional clothing market remains limited. This study aims to improve the comfort of traditional footwear to enhance product quality and stimulate consumer demand. A total of 1,938 online reviews were examined using text mining and image content analysis. As a result, the analysis identified frequently mentioned keywords related to size, comfort, and color, with size-related keywords— such as heel height, foot width, and foot length—appearing most often. Heel height frequently co-occurred with comfort-related keywords, suggesting consumers value comfortable height over heel design, indicating a need for heel height-specific comfort evaluations. Foot width and length keywords revealed inconsistency, suggesting consumers struggle to choose the right size. Co-occurrence analysis revealed that both foot length and width are important when determining shoe size. However, “adequate foot width” and “narrow fit” frequently appeared alongside “true to size,” indicating significant individual variation in foot width. Regarding comfort, “comfortable” was mentioned most frequently. And, in addition to “true to size,” the term “large” also frequently co-occurred, implying that consumers perceive shoes as comfortable even when they are larger than their size. But many reviews also cited discomfort and pain, with a noticeable trend of customers ordering one size larger than usual. This implies that the current sizing system needs review to prevent tightness or pressure. As many consumers mentioned wearing the shoes with Beoseon, appropriate sizing recommendations are needed in such cases. Pain was often localized in the toe and inner heel areas, suggesting the importance of sufficient toe space and careful selection of materials and finishing methods. This study is significant in that it specifically identified consumer-perceived issues related to the comfort of traditional footwear through online review analysis and explored directions for product enhancement.

본 연구는 인체 근육이 가진 조형적 요소 중 선에 주목하여 각 근육의 선적 조형미를 분석하고, 이를 다양 한 움직임이 요구되는 애슬레저 웨어에 적용함으로써 새로운 디자인 개발을 시도하는 데 목적을 두었다. 본 연구의 연구 방법은 문헌 연구와 사례 연구, 작품 개발 연구의 세 가지 방법을 통해 진행되었다. 우선 조형 요소 중 하나인 선과 인체 근육, 애슬레저 웨어에 대해 관련 전문 서적 및 학술 논문, 기사 등의 자료를 통해 문헌 연구를 진행하고, 선행 연구에서 수집한 10개의 애슬레저 웨어 브랜드 중 3개의 브랜드에서 수집 및 선정된 사례를 대상으로 사례 연구를 진행하였다. 브랜드별 사례는 디자인 특징, 제품의 유형, 모티브 등으로 구분하여 인체 근육의 선적 조형미가 적용된 양상을 분석하고 미적 가치를 도출하였다. 이를 기반으로 주요 골격근 13개와 선의 조형미 8가지를 모티브로 채택하여 애슬레저 웨어의 대표 제품인 트랙 재킷, 아노락, 보디 슈트, 스웨트 셔츠, 팬츠 등으로 구성된 총 6점의 작품을 설계 및 디자인하였다. 각 작품의 제작 의도와 방법을 기술함으로써 인체 근육의 선적 조형미를 응용한 작품의 전개 과정과 해설을 제시하였다. 본 연구는 인체 근육의 조형적 가치를 파악하고, 이를 의복 구성의 과정에 적용함으로써 애슬레저 웨어 디자인에 활용 한 작품 개발 연구이다. 이는 새로운 패션 디자인 개발의 방법을 탐구하였다는 점, 나아가 인체 근육을 활용 한 패션 디자인이 애슬레저 웨어의 특성과 융합하여 현대적으로 해석될 수 있는 가능성을 제시하였다는 점 에서 의의를 가진다. 이에 후속 연구를 통해 인체 근육이 가지고 있는 미적 가치를 작품 개발에 적용하는 것을 기대하는 바이다.

This study aims to develop new design concepts by focusing on the linear formative elements of human muscles and applying the aesthetic qualities of these lines to athleisure wear, which demands a wide range of movements. The research methodology consists of a literature review, case studies, and design-based practice. First, a literature review was conducted on the concept of ‘line’ as a formative element, the structure of human muscles, and the characteristics of athleisure wear, based on academic articles. Subsequently, a case study was carried out on selected design images from three out of ten pre-identified athleisure brands. The cases were analyzed in terms of design features, product types, and visual motifs, examining how the linear aesthetics of human muscles were embodied and identifying their aesthetic values. Based on the literature review and case studies, 13 major skeletal muscles and eight types of linear expressions were selected as design motifs. These were then applied to create six athleisure garments, including track jackets, anoraks, bodysuits, sweatshirts, and pants. The design development process for each piece was described, offering insight into how the linear beauty of human muscles was translated into fashion form. This study explored the formative potential of human muscles and demonstrated its application to garment design, specifically in the context of athleisure fashion. It is significant in that it proposed a novel approach to fashion design and underscored the potential for a contemporary reinterpretation of the human body’s muscular form through the lens of athleisure wear. Future studies are expected to further explore the aesthetic value of human musculature in creative fashion development.