Earticle

본 연구의 목적은 에밀리오 푸치(Emilio Pucci)의 패션디자인에서 나타난 색채의 특성을 분석하고 브랜드의 색채 특성을 규명해 봄으로 패션디자인 분야의 조화로운 색채 개발에 도움을 주고자 하는데 있다. 연구의 방법은 2005년 S/S부터 2009년 F/W까지의 에밀리오 푸치 작품을 웹사이트 자료를 통하여 수집하였으며, 수집된 사진들을 일정한 형식(jpg)으로 저장한 후, Munsell Conversion(10.0 version)을 이용하여 HV/C 값으로 변하여 색채를 추출하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 2005년 S/S~2009년 F/W 컬렉션의 멘셀 40색상의 특징은 7.5YR에서 10Y 계열의 노란 기를 띠는 색상과 7.5PB에서 5RP 계열의 붉은 기를 띠는 색상의 사용 빈도가 두드러지며 S/S 컬렉션의 색 사용이 F/W 컬렉션보다 다양하게 보여 진다. 2005년 S/S~2009년 F/W 컬렉션의 먼셀 10색상과 PCCS 색조의 특징은 색상은 Y가 가장 많이 나타났으며, 그 다음으로는 PB, P순으로 색조는 고명도･저채도의 p, 고명도･중채도의 lt, 고명도･중채도의 sf순으로 보여 지며, 계절에 상관없이 Y, PB 계열의 색과 고명도･저채도의 p, 고명도･중채도의 lt의 출현 빈도가 높다. 2005년 S/S~2009년 F/W 컬렉션의 색상과 색조에서 G, BG, B와 v, dp, dk의 출현 빈도는 현저하게 낮게 나타난다. 2005년 S/S~2009년 F/W 컬렉션의 배색 특징은 대비색상 배색의 출현 빈도가 높았으며, 무채색은 W, B순으로 보여 지고, 2009년 컬렉션으로 갈수록 사용빈도수가 줄어들고 있다.

The aims of this study were to analyze the color characteristics of designs by Emilio Pucci, to identify the color characteristics of the Emilio Pucci brand, and contribute to the development of harmonious colors. Data was collected from the web sites about the works of Emilio Pucci from the 2005 S/S season to the 2009 F/W season. After storing the collected photos in jpg format, the investigator converted them into HV/C values and extracted colors using Munsell Conversion. The analysis results were as follows: the 40 Munsell hues of the collections from the 2005 S/S season to the 2009 F/W season can be characterized by the outstanding frequency of yellows from 7.5YR to 10Y and reddish colors from 7.5PB to 5RP. The color uses were more diverse in the S/S collections than the F/W collections. The 10 Munsell hues and PCCS colors of his collections from the 2005 S/S to 2009 F/W seasons can be characterized by the highest frequency of Y, which is followed by PB and P, in order of most frequent. The most frequent shades in order were p of high luminosity and low chroma, lt of high luminosity and medium chroma, and sf of high luminosity and medium chroma. The frequency of Y and PB colors, p of high luminosity and low chroma, and lt of high luminosity and medium chroma was high regardless of the season. The frequency of colors such as G, BG, and B and shades such as v, dp, and dk was considerably low in from the 2005 S/S to 2009 F/W seasons. The color arrangements of the collections from 2005 to 2009 can be characterized by the high frequency of arrangement of contrasting colors, the frequent use of achromatic colors in the order of W and B, and the increasingly lower frequency of achromatic colors towards the 2009 collections.

공연예술에서 디지털 테크놀로지의 도입은 표현력의 확대와 시각적 효과의 다변화로 인해 기존의 공연예술이 보여주었던 무대 디자인의 한계를 극복하고 작품의 상호 작용성을 극적으로 향상시켰다. 실제로 많은 무용예술가들이 안무창작에서부터 무용의상에 이르기까지 각 영역에 테크놀로지의 잠재력을 활용하여 무용예술의 끊임없는 발전과 변모를 꾀하고 있다. 컴퓨터의 소형화와 센서기술의 발달은 무용수의 신체 움직임을 몸짓 그 자체에 그치지 않고 소리와 빛으로 치환하는 것을 가능하게 하여 무용수가 표현해 낼 수 있는 범위를 확장시켰다. 그러나 무용수 입장에서 테크놀로지의 도입이 어떤 영향을 끼치고 있는지에 대한 연구는 미비한 것이 사실이다. 이에 따라 본 연구는 무용수의 표현능력을 확대시킬 수 있는 여러 공연요소 중 무용수의 몸과 가장 밀접하게 닿아있는 무용의상에 주목하여, 이 분야에서 테크놀로지 도입과 관련된 선행사례를 분석하였다. 또한 본 연구는 릴리패드 아두이노(Lilypad Arduino)라는 마이크로 컨트롤러 보드를 이용하여 실제 공연에 바로 적용이 가능한 디지털 의상을 디자인, 제작하고 춤추는 무용수에게 착장시켜봄으로써 그 효과를 측정하고자 했다. 실제 의상을 제작하는 데 있어, 무용수의 자연스러운 움직임을 방해하지 않고 착용성을 극대화하는 데 집중하였으며 무용의 시각적인 미를 향상시키기 위해 가속도 센서와 발광다이오드(LED)를 적용했다.

With the expansion of expressive power and the diversification of visual effects, the introduction of digital technology in performing arts has helped to overcome the limitations of stage design in existing performing arts and improved the interactive quality of work dramatically. In fact, many dance artists are pursuing continuous development and transformation of dance by taking advantage of the potential of technology in areas ranging from creative choreography to costume design. Miniaturization of computers and the advancement of sensor technology have enabled the transformation of dancers' bodily movements into sound and light, expanding the scope of dancers' expressions. However, there is paucity of research on how the adoption of technology affects dancers. Accordingly, this study focuses on dance costume that is most closely associated with the body of the dancer out of the many components of performance that can expand the expressive capacity of dancers, and analyzes previous cases of technology adoption in this field. In addition, making use of a micro controller board called Lilypad Arduino, this study attempts to test the effects of a digital costume that can be readily applied to actual performances through the stages of design, construction and fitting. During the process of costume construction, focus was placed on maximizing wearability without interrupting the spontaneous movement of dancers on the one hand and enhancing the visual aesthetic of the dance through the application of a light-emitting diode (LED) and a speed sensor on the other hand.

오늘날 여성들의 사회적 지위가 높아짐에 따라 기존의 중년여성과는 다른 사고개념을 가지고 자기 가치적 소비의식을 갖는 등 자기연출에 인색하지 않은 현대의 중년여성 소비층이 부각되고 있다. 따라서 패션기업에서 내부고객인 판매원의 욕구를 충족시킴으로서 서비스품질을 높여 고객에게 만족을 주며, 궁극적인 경영목표를 달성하기 위해 내부마케팅은 절실히 필요한 요소로 대두되고 있다. 본 연구의 목적은 패션브랜드에서 내부고객인 판매원의 욕구를 충족시킴으로서 서비스품질을 높여 고객에게 만족을 주며, 궁극적인 경영목표를 달성하기 위한 기초자료를 마련하는데 있다. 연구방법은 서울과 경기지역 백화점 및 가두점에 근무하는 판매사원을 대상으로 설문지를 이용하여 자료를 수집하였다. 분석 결과 첫째, 내부마케팅 요소 중 내부커뮤니케이션, 보상･복리후생, 경영층지원이 내부고객인 판매원의 직무만족도에 영향을 미치는 것으로 나타났다. 둘째, 내부고객인 판매원의 직무만족도 요소 중 직무자체에 대한 만족도, 동료와의 관계에 대한 만족도가 높아지면 고객지향성 전체가 높아지는 것으로 나타났다. 셋째, 내부마케팅 요소 중 내부커뮤니케이션, 교육훈련요인이 고객지향성에 영향을 미치는 것으로 나타났다. 본 연구의 실증분석에서 도출된 결과를 바탕으로 중･장년층 패션브랜드의 효율적인 내부마케팅 활성화를 위한 전략을 제시하면 다음과 같다. 첫째, 내부마케팅이 판매원의 직무만족도와 고객지향성에 유의한 영향을 미치는 요인들의 활용은 중･장년층 패션브랜드의 내부역량 확보를 위한 인적자원관리 측면에서 이론적 활용이 가능하리라 기대된다. 둘째, 내부마케팅 요소 중 교육훈련과 내부커뮤니케이션이 고객지향성에 긍정적인 영향을 미친다는 결과는 고객을 위한 서비스 제공 시 고객 관리를 위한 이론적 기초를 제공할 수 있다고 기대된다.

Internal marketing is an indispensable factor to satisfy customers and achieve an ultimate management goal in an apparel company. It is used to meet the needs of salespersons and ultimately improve the quality of service for middle-aged women who are the end customers. The purpose of this study is examine how to satisfy customers by satisfying the desires of salespersons who are the internal customers in a fashion brand and raise service quality, and to provide the basic data needed to accomplish the ultimate management goal. Subjects of the study were salespersons who worked in department stores and road shops in Seoul and Gyeonggido and data was collected through a questionnaire. The analytical results were as follows: First, internal communication, compensation and welfare benefits, and management support of internal marketing elements have an effect on job satisfaction of salespersons. Second, customer orientation was higher when satisfaction with the job itself and the relationship with colleagues were higher with the salespersons. Third, educational training was another internal marketing element that had an effect on customer orientation. Based on the results of the empirical analysis, the following management strategies can be implemented to activate internal marketing. First, internal marketing significantly affects the job satisfaction and customer orientation of salespersons, which can be used theoretically for an apparel company targeting the middle-aged group. Second, educational training and internal communication may provide a theoretical foundation for managing internal customers and providing services that reflect customers' needs.

복식은 성별 관념의 범주를 확정하고, 남녀성의 특징을 표현하는 역할을 한다. 최근에는 성별문화에 관한 연구가 늘어나면서 의복의 성전환이 시도되고, 이러한 변화가 다양한 방법과 시각으로 표현되어지고 있다. 특히 60년대 여성은 성의 불평등에 대한 거부의 표시로 바지를 착용하였고, 이것이 70년대 여성에게 정당한 것이 되면서 셔츠, 바지, 스웨터 등의 중성화된 디자인으로 발전되어 도입되었다. 오늘날의 매니쉬(mannish)룩은 사회활동의 요구에 적합한 남성복의 요소를 여성복에 수용하고 다양한 측면의 여성정신을 디자인에 반영하며 변화되고 발전되어져 왔다. 이러한 관점에서 포스트모더니즘(postmodernism) 예술 사조를 도입하여 매니쉬룩을 포스트모더니즘의 접근을 통한 새로운 시각으로 디자인을 전개하여 현대 패션 산업에 부응하는 독창적 매니쉬룩을 모색하는데 연구 목적이 있다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 제 1차 세계대전 후 여성의 사회진출이 늘어나면서 등장하기 시작하였던 매니쉬룩은 90년대 말에 이르러 성이 해체된 복식으로써 독립적인 패션영역을 구축하게 된 것을 알 수 있었다. 둘째, 이론적 고찰을 통하여 인체 구조와 일반적 사고를 초월하여 디자인을 연구 할 수 있었고 포스트모더니즘의 특징인 남녀성의 구별이 사라지고 있는 현상이 패션디자인에 중요한 영향력이 된다는 것을 인식 할 수 있었다. 셋째, 매니쉬룩의 포스트모더니즘적 접근을 통한 패션 디자인 사례 연구 결과 해체가 디자인 특성으로 다양하게 개발되고 있음을 알 수 있었다. 넷째, 다양성, 차별성을 중시하는 현대인들의 욕구를 반영한 디자인 개발을 통하여 포스트모더니즘 패션의 특징인 해체, 아방가르드, 혼성모방을 통하여 새로운 소재와 색채, 구성방식을 사용하고 단일적인 형태를 벗어난 무한한 디자인개발의 가능성을 확인 할 수 있었다.

Fashion confirms the idea of gender boundary, and plays the role of expressing features of each gender. Sex change in fashion has been attempted as the number of researches on gender culture has increased, and such changes are expressed through various methods and visuals. In the 1960s, women especially wore pants as a symbol of rejecting sexual inequality, and this was developed and introduced as a neutralized design as it became reasonable and natural for women to wear pants in the 70s. As elements of male clothing have been accepted by women, the mannish look has changed and developed as the feminine spirit has been reflected to designs. Artistic postmodern ways of thinking were introduced and original design developments have been pursued by practicing a creative and experimental spirit. Therefore, the aim of this study is to seek an original mannish look that satisfies the demands of the contemporary fashion industry by unfolding designs from a new viewpoint through a postmodern approach. The results of the study were as follows. First, the background of the mannish look and the significance of the look for women today were understood through an examination of fashion history. Second, it was recognized that the phenomenon of disappearing gender distinction and characteristics of postmodernism are important influences on fashion design. Third, the infinite possibilities of design development using new materials, colors and composition methods through a postmodern approach was confirmed.

과장은 일반적으로 물체가 가진 고유의 형태에서 벗어나 확대되어진 것을 말하며, 과장의 사전적인 의미는 사물이나 상황을 사실보다 지나치게 불려서 나타내는 것을 의미한다. 복식에서의 과장은 대체로 실루엣의 과장을 의미하는데, 즉 복식의 선과 실루엣이 실제의 신체보다 눈에 띄게 확대되거나 지나치게 과장된 의복을 말한다. 과거 부유 혹은 신분상징의 도구로써, 칼라, 어깨, 소매, 스커트 등을 강조시켰다. 특히 여성의 복식에서, 신분이 높을수록 호화롭고 사치스러웠으며 착용하기 불편했다. 그리고 신분이 낮을수록 검소하였고 형태가 간소화되어 착용이 간편하였다. 이러한 현상은 동양과 서양을 막론하고 비슷한 복식형태를 이룬다. 과장은 현대에 들어오면서 신분을 나타내기보다는, 점차 나 자신의 아름다움과 개성을 표출하는 도구로 사용되고 있다. 그리고 현대에는 시대의 흐름에 맞게 의복을 착용하는 것이 중요해졌다. 본 연구에서는 문헌조사 및 2011년 여성복컬렉션 분석을 통해, 과거와 현대의 과장요소가 ‘어떻게, 왜’ 다른지 분석해 보고, 과장형 복식이 사회적 배경과 심리에 미치는 영향에 대해서도 알아보았다. 결과적으로 과거에는 르네상스 시대이후, 아워글래스 실루엣의 과도한 과장을 보편적으로 하였으며, 이렇게 과장을 한 이유는 상류사회 사람들의 부와 계급을 과시하기 위해서였다. 그러나 현대는 계급이 사라진 평등사회이다. 그래서 이러한 실루엣의 구속을 받지 않고, 트렌드와 각자의 개성을 결합하여 다양한 요소에서, 다양한 소재와 컬러, 디테일로 과장을 나타내는 것을 볼 수 있다.

Exaggeration generally means expansion of materials that goes out of their own form. Its lexical definition is expressing excessively a thing or situation. Exaggeration in dressing usually means exaggeration of silhouette -- in other words, a dress with lines and silhouette that are expanded or more excessively expressed than the body. In the past, collars, shoulders, sleeves and skirts were often emphasized as a symbol of social status. Women’s dress was especially more luxurious and splendid and uncomfortable to wear for those of a higher social status. The lower the social status, the more comfortable clothes were to wear due to the simple form. This was true in both the East and the West. Exaggeration in modern times is used as an instrument to express one’s beauty and own personality rather than to show social status. And today, it is important to wear a dress in concordance with the trend. How and why the exaggerating factors are different in the past and present was analyzed in this study through investigation of references and women’s fashion collections of 2011. The influences of exaggerated dress considering social circumstance and mentality were also researched. Exaggeration of hourglass silhouette was very common after the Renaissance Period, where the silhouette served as a way of showing wealth and social class. However, we currently live in an egalitarian society without social classes. Therefore observations for the present day included exaggerations with various materials, colors and details, combining trends and one’s own personality, and no expression of social status through silhouette

본 연구는 국내 20대 여성의 체형별 상의원형 패턴에 관한 연구이다. 연구의 목적은 단일 원형과 체형 사이의 오차를 최소화하기 위한 방안으로서, 체형별 상의원형 패턴을 통해 단일 원형의 한계점을 극복하고자 하였다. 따라서 대량생산의 효율성과 개인별 체형의 차이성을 현실적으로 만족시킬 수 있는 최선안은 패턴의 세분화로 결론지을 수 있으며, 미래에 실현될 3D패턴의 상용화에 앞서 체형별 원형패턴의 활용은 과도기적인 상황 하에서의 합리적인 방안으로 제시할 수 있다. 그러므로 매스커스터마이제이션 시대의 패턴에 관한 소비자의 요구를 가장 적절한 방법으로 적용시킬 수 있는 체형별 상의원형 패턴의 제작과 그에 관한 관계식의 설정은 시기적인 상황을 고려할 때 의미가 있는 일이라 판단된다. 연구의 방법은 첫째, 국내에서 사용되는 13종의 상의원형 패턴을 비교하고, 둘째, 상의원형 패턴 설계의 관계식 설정에 기준이 될 수 있는 채촌 부위별 상호연관성에 관하여 연구하였으며, 셋째, 앞서의 내용을 토대로 연구원형 설계를 위한 패턴 계산식을 체형별로 체계화하였고, 또한 이러한 패턴 계산식을 토대로 연구 실험복을 제작, 분석 평가하였다. 결론적으로 본 연구는 체형별 상의원형 패턴에 관한 연구로서 향후 세분화 원형패턴의 설계를 위한 기초 자료로 활용되기를 기대한다.

This study is on the bodice pattern of Korean women in their 20s according to body type. The purpose of the study is to suggest an idea to minimize errors between single bodice patterns and different body types and overcome the limitations of single bodice patterns by taking people's physical shapes into account. It can be concuded that the best idea to satisfy the efficiency of mass production and consider the differences of individual physical shapes in realistic ways is fractionalization of patterns. Accordingly before the commercialization of future 3D patterns, the use of bodice patterns according to body type can be suggested as a rational solution under the circumstances of this transition period. The method of research is as follows. First, the bodice patterns of 13 Korean upper garments were compared. Second, relations among body parts that can be indexes for designing upper garment patterns were researched. Third, pattern calculation formula for designing the bodice patterns of this research were systemized according to types of physical shapes from previous study results. Furthermore, pattern calculation formulas needed for designing the bodice patterns of categorized and systemized into formulas for five physical shapes. Samples were designed and analyzed. It is hoped that this research will be used as a basic reference on bodice patterns according to body types when designing fractionalized bodice patterns in the future.

오늘날 급변하고 있는 현대 사회는 20세기 후반 계속되고 있는 포스트모더니즘의 영향으로 대중예술 및 패션영역의 확대와 전통에 대한 우리의 기대가 파괴되고 재구성됨으로써 새로운 영역이 확장되고 있으며 이에 메이크업디자인은 디자이너가 표현하고자 하는 패션이미지와 디자인 컨셉을 설명할 수 있는 중요한 역할과 함께 패션트렌드를 주도하는 독자적인 디자인영역으로 발전하고 있다. 본 연구에서는 21세기 전반에 대두가 되고 있는 복합적 요소로 조합된 맥시멀리즘(Maximalism)의 특성을 유형화하여 유형화된 특징들을 연대별･시즌별 메이크업디자인의 발표경향 분석과 유형별 메이크업디자인의 분석을 통하여 국외 컬렉션에 나타난 메이크업디자인에 어떻게 표현되었는지를 분석하고자 함에 목적을 두고자 한다. 본 연구의 결과는 첫째, 연대별･시즌별 맥시멀리즘 메이크업디자인의 전체적인 발표경향을 통하여 장식성은 다소 낮은 출현빈도에도 불구하고 해를 거듭할수록 늘고 있는 추세의 발표결과를 나타냄으로써 향후 국외 컬렉션에서는 꾸준하게 발표될 것으로 판단된다. 둘째, 맥시멀리즘 특징을 이용한 메이크업디자인의 유형 중 과장성은 기본적인 메이크업요소를 확대하거나 과장하여 기존의 정형화되고 완벽함에서 벗어난 이미지를 과도하게 극대화하여 표현하고 있음을 알 수 있었으며, 셋째, 장식성은 메이크업요소의 변형과 인체의 정형화된 아름다움을 고의로 부정하고 추상적이고 생물적인 조화로 해학적인 장식적 이미지를 표현하고 있음을 알 수 있었다. 넷째, 실험성은 이목구비 형태를 무시, 왜곡하거나 괴기스럽고 부자연스러운 이미지로 절망, 공포 등 미적기준에 어긋나는 극단적인 그로테스크(grotesque)한 감정과 동시에 예술적 효과와 퍼포먼스적인 효과를 혼합하여 나타내는 메이크업 현상이 두드러졌다. 본 연구의 결과를 통하여 자유롭고 주관적인 개성과 미적가치에 따라 폭넓고 다양한 기법으로 표현되어지고 있는 메이크업디자인의 무제한적 미의 수용들을 분석함으로써 향후 메이크업디자인의 표현영역 확대에 기여하고 새로운 표현가능성을 열어주는데 의의가 있다.

Rapid changes in modern society are leading to expansions of public art and fashion and destruction and reconstruction of people’s expectations of tradition under the influence of postmodernism since the latter half of the 20th century. In accordance with this tendency, make-up design plays an important role for designers to express their intended fashion image and design concept and is developing into a design field of its own. This study aims at materializing the characteristics of maximalism associated with complex factors appearing throughout the 21st century, and analyzing how the materialized characteristics express exaggeration, experimentation and decoration in make-up designs of overseas collection through a study of the trend of make-up designs according to year and season and classified by types. The results of this study are as follows. First, the general trends according to year and season showed that as years went by, frequency of the decoration increased in spite of a rather low frequency in general. Second, there was a tendency to express exaggeration by expanding and exaggerating the fundamental make-up factors of an existing standard and breaking away from existing ideas of perfection. Third, decoration was expressed in a witty way by transforming make-up factors and denying the beauty of a human body on purpose. Lastly, experimentation was expressed not only as a mixture of art or performance effect but as extremely grotesque emotions different from the aesthetic standard such as despair and horror, and mysterious and unnatural images by distorting the shape of the ears, eyes, mouth or nose. The significance of this study is in expanding the field of expression in make-up design and opening new possibilities of expression by analyzing the unlimited aesthetic acceptance expressed by wide and various techniques in accordance with free and subjective personalities and the aesthetic value.