Earticle

본 연구는 산학협동 캡스톤 디자인과 지속가능한 패션이라는 두 가지 개념을 결합시키고자 하는 목표에서 출발하였다. 연구의 목적은 지속가능한 패션을 개발하는 패션기업과의 산학협동 캡스톤 디자인 수업을 통하여 지속가능한 패션을 위한 대학의 교육프로그램을 제시하는 것이다. 먼저, 이론적 배경으로 지속가능한 패션, 대학의 지속가능한 패션 교육, 문제중심학습에 기반한 캡스톤 디자인에 대해 알아보고 이에 관한 선행연구를 고찰하였다. (주)페어트레이드 코리아를 선정한 후, 수도권소재 대학교 섬유패션디자인전공 3학년 학생들이 캡스톤 디자인을 수행하였다. 문제중심학습 모형에 따라 수업전개, 문제의 제시, 문제의 분석 및 해결, 결과물 발표, 학습결과 정리 및 평가의 순서로 진행하였다. 캡스톤 디자인 수업을 통해 학생들은 인지적 문제해결 기술과 실무능력을 고취하였으며, 지속가능한 패션의 진정한 실천자이지만 디자인과 혁신역량이 부족한 중소기업에게는 새로운 시각을 제공하였다. 또한, 제시한 캡스톤 디자인 수업내용과 교육방법은 그 중요성이 날로 커지고 있는 지속가능한 패션디자인 교과과정 개발에 기초자료를 제공할 수 있다.

This study started with a view to combining an industry-university cooperative capstone design course with sustainable fashion. The purpose of this study was to present a university education program for sustainable fashion using the industry-university cooperative capstone design. Literature review was conducted on sustainable fashion, sustainable fashion education in a university level, and capstone design based on the problem-based learning(PBL). Fairtradekorea,Ltd. was selected as an industry partner, and juniors majoring in textile & fashion design in a metropolitan region university accomplished the capstone design. Under the PBL procedure, course followed 5 steps hierarchically; class development, problem identification, problem research & solving, findings presentation, learning evaluation. Results enhanced students’ metacognitive and problem solving skills as well as real-world practices, giving new ideas to industry that practices sustainable fashion and needs innovative design ability. This study presented a framework for course design and provided pedagogical disciplines that can be used to develop and launch a sustainable fashion design course which is a subject of increasing importance.

본 논문은 빛의 시공간적 표현을 연구하고 이를 접목한 패션디자인 개발에 그 목적이 있다. 연구 목적을 위하여 빛의 개념 및 물리적 특성, 시공간에 관련된 서적 및 선행 연구를 문헌 연구하였으며, 예술 분야의 문헌 연구를 통해 그 표현사례를 연구하고 이를 적용한 시공간적 디자인을 개발하였다. 예술 분야에 활용된 빛의 시공간성은 ‘시간 흐름’의 표현과 ‘공간 확장’으로 나누어 살펴볼 수 있다. 첫째, 빛에 의한 ‘시간 흐름’의 표현은 빛의 조도ㆍ색상ㆍ점멸ㆍ움직임 등에 의한 변화로 나타나며, 광원의 직접변화와 광원을 둘러싼 환경에 의한 발광 효과의 변화에 의해 표현되고 있다. 둘째, 빛에 의한 시공간적 ‘공간 확장’은 빛의 투과로 인한 투명성에 의한 공간의 중첩, 빛의 그림자에 의한 공간의 연장, 빛의 광적에 의한 가상공간으로 표현된다. 빛의 시공간성을 활용한 디자인 개발은 헤드피스를 아이템으로 하여 빛의 효과를 최대한 살리기 위해 무채색을 사용하여 기획하였다. 디자인Ⅰ은 빛의 점멸을 통한 ‘시간 흐름’을 적용하였으며, 디자인 Ⅱ는 외부광원에 의한 그림자를 활용하여 공간의 연장이 나타나는 ‘공간 확장’을 적용하였다. 디자인 Ⅲ은 광원의 색상변화와 점멸 효과 및 빛에 의한 가상공간을 이용하여 ‘시간 흐름’과 ‘공간 확장’ 모두를 적용한 시공간적 디자인을 개발하였다. 이러한 빛의 시공간성을 활용한 디자인 개발은 빛을 패션 아이템에 접목하고 활용하여 디자인 소재의 폭을 넓혀 보았다는데 그 의의가 있다고 할 수 있다.

This dissertation aims at researching spatio-temporal expressions of light and developing a fashion design that grafts these characteristics. For the research, documentary research was conducted on books and precedent studies related to the concept and physical traits of light, space-time characteristics. Also, research was done for the cases of expression by conducting a documentary research on the field of art, and it was applied to the development of a spatio-temporal design. The space-time characteristics of light used in the field of art can be divided into the expression of “time” and “extension of space.” First, the expression of “time” by light appears as change influenced by the illumination, color, flickering, and movement and is expressed by the direct change of a light source and change of a luminous effect created by the environment surrounding the light source. Secondly, spatio-temporal “space extension” by light is expressed as the overlapping of space created by the transparency of light, the expansion of space created by the shadows of light, and as the virtual space created by light. The development of design using the space-time characteristics of light was created by using achromatic colors in order to maximize the effect of light, setting the headpiece as an item. “Time” created through the flickering of light was applied to design I and for design II, “space extension,” where space extension appears by using the shadow created by the external light source, was applied. For design III, both “time” and “space extension” were applied using the change in color and flickering effect of the light source and the virtual space created by light to develop a spatio-temporal design. Such a design development using the space-temporality of light has significance in that it diversified design materials by grafting the light on fashion items.

패션디자이너 마리 카트란주는 프린트 패션 트렌드의 선구자로, 예술 작품과 같은 컬렉션 의상과 다양한 콜래보래이션 작업을 통해, 패션계에서 영향력을 인정받고 있다. 본 연구는 마리 카트란주의 작품 활동을 고찰하고, 작품 특성을 밝히는 것을 목적으로 한다. 연구 방법은 마리 카트란주의 생애와 작품 활동에 대한 문헌 연구와, 마리 카트란주 작품의 조형적 특징과 작품 특성을 밝히는 사례 연구를 진행하였다. 마리 카트란주의 주요 작품 활동을 살펴보면, 마리 카트란주는 2008년 디지털 텍스타일 프린팅 기법을 이용한 프린트 드레스로 런던 패션계에 데뷔하였다. 이후 그녀는 매 시즌, 주제를 잘 드러내는 프린트, 혁신적인 텍스타일, 정교한 실루엣의 진화된 컬렉션을 발표하며, 창의성을 인정받고 있다. 또한, 그녀는 여러 브랜드와의 콜래보래이션 작업을 통해, 다양한 소비자층을 만족시키고 있다. 마리 카트란주 컬렉션의 주요 조형적 요소는 프린트, 텍스타일, 형태이다. 마리 카트란주는 패션, 일상용품, 공예품, 사진, 조각 등에서 영감을 받아 트롱프뢰유 프린트를 완성하고 있다. 또한, 그녀는 패턴 패브릭, 일반 패브릭, 표면 장식을 혼합하여 혁신적인 텍스타일을 개발하고 있다. 마리 카트란주 컬렉션에서 형태는 주제와 텍스타일에 따라 스트레이트 실루엣, 풍성한 A형 실루엣과 O형 실루엣, X형 실루엣, 비대칭 실루엣 등이 다양하게 나타나고 있다. 마리 카트란주의 작품을 살펴본 결과, 주요 작품 특성으로 초현실주의 비전의 사실적 표현, 절제된 형태미의 맥시멀리즘, 수공예 장식을 통해 데미 쿠튀르 추구가 고찰되었다. 마리 카트란주는 입힐 수 없는 것을 여성에게 입히겠다는 디자인 철학을 트롱프뢰유 프린트, 혁신적인 텍스타일과 수공예 장식, 정교한 재단법의 의상에 담아 창조성의 한계를 확장시키고 있다.

As a forerunner of the print fashion trend, a fashion designer Mary Katrantzou has a great deal of influence on the fashion industry through collection costumes like artworks and various kinds of collaborations. This study aims at examining Mary Katrantzou's work activities and identifying work characteristics. As for research methods, it conducted literature research on a life and work activities of Mary Katrantzou and a case study on formative characteristics of her works. In terms of main work activities, Mary Katrantzou made her debut in the London fashion industry as a print dress using a digital textile printing technique in 2008. Since then in every season, she has been presenting evolutionary collections of print expressing a theme well, innovative textile and an elaborate silhouette, winning much recognition on creativity. Besides, she satisfies a range of consumers through collaborations with a lot of brands. In Mary Katrantzou collections, main formative elements contain the print, textile and form. Mary Katrantzou brings trompe-l'œil print to perfection inspired by fashion, daily articles, craft works, photos and sculptures. Furthermore, she is developing the innovative textile through mixing patterned fabric, general fabric and surface decoration. Mary Katrantzou collections show various silhouettes including straight-typed, flowing A-typed and O-typed, X-typed and asymmetrical silhouettes according to a theme and textile. As a result of analyzing Mary Katrantzou's works, research findings show realistic expressions of surrealistic vision, maximalism of moderate formative beauty and pursuit of demi couture by handicraft decoration as main characteristics. Mary Katrantzou integrates her design philosophy on dressing women in clothes that they can't wear with dress of trompe-l'œil print, innovative textile, handicraft decoration and exquisite cutting, expanding a boundary of creativity.

한국 중장년층은 그 통계적 점유율과 구매력을 바탕으로 패션 시장에서 중요한 영향력을 행사하기에, 이들의 친환경 패션 제품에 대한 인식을 이해하는 것은 향후 관련 시장의 성장에 의미 있는 제언을 제공할 것이다. 따라서, 본 연구는 한국 중장년층 소비자들의 친환경 의류 제품 구매에 관련한 위험지각, 소비가치, 그리고 위험감소를 위한 행동이 구매의도에 미치는 영향력을 조사하였다. 총 213명의 50-60대 중장년층을 대상으로 설문조사가 진행되었으며, 분석결과, 세 가지 요인의 지각된 위험 (사회적/의복관리/경제적 위험) 및 두 가지 요인의 소비 가치 (감정적/기능적 소비가치)가 친환경 패션 제품 구매에 관한 소비자의 위험감소행동을 증가시키는 것으로 나타났다. 하지만 사회적 소비가치는 위험감소행동과 유의한 연관이 발견되지 않았다. 지각된 위험의 세 요소 (사회적/의복관리/경제적 위험) 모두 친환경 패션 제품에 대한 구매의도에는 직접적인 영향이 없었다. 위험감소행동 중 방송매체 정보원 사용만이 구매의도에 유의한 정적 영향을 미치고, 업체광고 정보원 및 대인 정보원 이용은 구매의도에 영향을 미치지 않는 것으로 나타났다. 마지막으로, 지각된 위험이 구매의도에 미치는 영향 관계에서는 위험감소행동이 유의한 매개효과를 나타냈으나, 소비가치와 구매의도와의 관계에서는 그 매개효과가 유의하지 않았다.

Given the managers’ growing interest in middle- and old-aged consumers’ buying powers in the Korean fashion industry, little research exists regarding their consumption patterns and attitudes regarding eco-friendly clothing. This study tested the impacts of Korean middle- and old-aged shoppers’ consumption value and perceived risk on their intentions to purchase eco-friendly clothing. We performed a self-administrated survey with a total of 213 participants in their 50s and 60s. Firstly, the results revealed that all three factors of perceived risk (i.e., social risk, clothing care risk, and economic risk) and two out of three factors of consumption value (i.e., emotional and functional consumption values) significantly increased participants’ risk reduction behaviors. Secondly, the results revealed positive effects of emotional and social factors of consumption value on purchase intentions of eco-friendly clothing, whereas the effect of functional factor of consumption value was insignificant. All three factors of risk perception had significant impacts on purchase intentions. Thirdly, out of three factors of risk reduction behaviors, participants’ media information usage only had a significant effect on purchase intentions, whereas two other factors (i.e., use of company advertising and interpersonal sources) did not. Lastly, the mediation effect of risk reduction behaviors between perceived risk and purchase intentions was found significant, while the mediation effect of risk reduction behaviors between consumption value and purchase intentions was not significant.

뉴욕과 영국에서 시작된 펑크스타일은 20세기 중반에 발생한 청년하위문화 스타일 중 지속적인 관심의 대상이 되어 왔다. 그들은 가난이라는 시대적 배경 속에서 국가와 사회에 대한 불만 그리고 기성세대에 대한 실망과 절망 속에서 자아 절규적이고 무정부적인 삶의 태도를 갖게 되면서 동시에 분노와 파괴적 성향을 표출했다. 펑크의 사회에 대한 저항적 자세는 1970년대가 마감하면서 서서히 도태했지만 펑크가 남긴 스타일과 DIY 에토스는 패션계에 지대한 영향력을 펼쳤다. 본 연구에서는 2000년대 이후 나타난 펑크 패션을 살펴보고 조형적 특성과 그에 따른 미학적 해석을 시도하고 패션의 새로운 해석을 모색해보고자 하였다. 펑크 패션은 많은 디자이너들에 의해 반복적으로 패션 콘셉트로 적용되었는데 그에 대한 조형성을 고급화된 하드웨어의 장식성, 브리콜라주의 예술성, 낙서와 선전문구의 디자인성, 정교한 구성의 파괴성으로 분류하고 살펴보았다. 그에 따른 조형적 특성으로 절제적 융합성, 상호침투성, 창의적 가치성이 분석되었는데 이는 21세기의 펑크 패션이 펑크의 재해석과 재구성의 맥락을 형성하면서 새로운 형으로서의 펑크 패션을 구현하고자하기 때문이다. 포스트모던시대 디자이너의 자율적 해석은 펑크의 DIY 에토스를 정교함과 완성도 높은 작품으로 구현하고 있으며 내적으로 패션의 아름다움과 인간 가치성에 대해 끊임없이 질문하고 있다. 빈곤의 미학으로서의 펑크 패션은 하이패션의 전문적 구성으로 고급 반미학에 가까워지기 까지 하였고 반미학적인 패션의 범주에서 해석될 수 있으며 현대 문화의 중요한 문화적 유산으로서의 가치를 지닌다.

Punks created in the middle of the Twentieth century from New York and London has become one of the major concerns of all youth-subcultural styles. In those days, the world was in a big economy crisis, having an effect on all young contemporaries who suffered from their lives. They were angry, desperate, and disappointed towards the country, the society and their parents-generation while imputing poverty to them with no hope at all. Youths were relying on the anarchy and self-cry out as well as increasing their angers and destructive tendencies. Those emotions were expressed through their clothing style and the ugliness was treated as a symbol of punk style. After 1970s, punks’ spiritual values faded away slowly, however, the fashion style and DIY ethos continued to remain having a profound effect. This research aims to conducting the aesthetic analysis on the punks fashion revealed after 2000 considering its formative characteristics; decorativeness of luxurious hardware, artistry of bricolage, designed graffiti & agitprop, and exquisite destructibility. Punk fashion achieved restrained convergence, interactive penetrability, and creative values as a result of reinterpreted and reconstructed punk style to realize a new formation. Contemporary fashion designers who create the fashion in an autonomous manner evaluate inner beauty and humanity of fashion through completing it in perfection of DIY ethos in the postmodern era. Punk fashion, as the aesthetic of poverty, is approaching the (anti-)aesthetic of luxury through a professional composition of high fashion and it can be analyzed in the anti-aesthetic category as a continuing legacy.

기존의 시니어 세대와 다른 소비행태를 보이는 뉴 시니어(new senior)는 건강과 외모에 관심이 많고 자기개발에도 적극적인 50-60대를 지칭한다. 이들의 특성으로 은퇴로 인한 시간적 여유, 중년과 노년의 과도기라는 인생의 변화, 경제적 안정과 신체적 건강, 학습의지가 높아 자기개발 욕구가 강한 것 등을 들 수 있다. 따라서, 개인의 내적 상태가 반영된 자신이 지각하는 연령인 주관적 연령(subjective age)으로 시장을 세분화할 필요가 있다. 그러므로, 본 연구에서는 뉴시니어 소비자의 실제 연령과 주관적 연령에 따른 패션정보원활용과 패션점포선택기준에 대한 차이를 알아보고자 한다. 연구방법은 설문기관에 의뢰하여 2014년 10월 13일 - 10월 23일까지 서울시에 거주하는 50-60대 성인을 대상으로 조사하였다. 분석결과는 다음과 같다. 첫째, 주관적 연령집단은 자신의 실제연령보다 젊게 지각하는 집단, 실제연령과 같게 지각하는 집단, 실제연령보다 많게 지각하는 집단의 세 유형으로 나누어졌다. 둘째, 뉴 시니어 소비자의 주관적 연령에 따른 패션정보원활용과 패션점포선택기준이 유의하게 다르므로 시장을 세분화할 필요가 있다. 셋째, 전체적인 패션정보원활용은 50대가 60대에 비해 높고, 주관적 연령을 젊게 지각하는 집단이 인적정보원활용이 높게 나타났다. 따라서, 기업에서는 브랜드에 대한 충성도를 높이기 위한 방법으로 판매원을 단순판매업무가 아닌 사회적 교류를 중요시하는 뉴시니어 소비자의 특성을 고려하여 소비자와 판매원과의 관계를 통한 사회적 활동으로 발전시키는 인식의 전환과 시각의 변화가 필요하다. 넷째, 패션점포선택기준은 50대가 60대보다 상품ㆍ시설ㆍ분위기 요인을 더 고려하며, 주관적 연령을 젊게 지각하는 집단이 상품ㆍ시설ㆍ분위기요인과 판매원ㆍ서비스요인을 더 고려하는 것으로 나타났다. 따라서, 나이를 강조하기보다는 뉴시니어의 젊음에 대한 욕구와 신체적 변화를 고려한 디스플레이와 상품, 시설 및 인적서비스를 제공하여 소비자의 니즈를 충족시키는 것이 중요하다. 뉴시니어의 등장은 향후 시니어 계층의 특성변화를 의미하므로 뉴 시니어 시장의 특성을 파악함으로써 고객 니즈에 맞는 상품개발 및 서비스를 제공할 수 있다는 점에서 본 연구의 의의가 있다고 할 수 있다.

The purpose of this study is to understand the newly rising consumer entity named as New Senior and provide the preliminary data to establish an effective marketing strategy by studying their criteria for selecting stores and their use of fashion informational source. The subjects of this study were adults in their fifties and sixties residing in Seoul and SPSS 18.0 was used for data analysis. The analysis results are as follows: 1. Subjective age groups were categorized into three: groups who perceive their age younger than their actual age, perceive their age equal to their actual age, perceive their age older than their actual age. 2. In the case of the use of fashion informational source, group of fifties who perceive their subjective age younger than their actual age and group of sixties who perceive their subjective age younger than their actual age relatively use more of human informational source. The difference found was that in case of non-human informational source, the group of fifties who perceive their subjective age older than their actual age and the group of sixties who perceive their subjective age older than their actual age use relatively more of non-human informational source. 3. As for the criteria for selecting stores, the product․facility․ambiance were more seriously considered in the order of the group with their actual age of fifties who perceives their subjective age younger, older, and equal to their actual age. In the group with their actual age of sixties the results were different in that product․facility․ambiance were more seriously considered in the order of the group who perceives their subjective age younger, equal and older than their actual age.

최근 들어 저소득층 지역을 대상으로 적정기술의 활용에 대한 관심이 고조되고 있는 가운데, 텍스타일 디자인 분야에서도 적정기술 개념 적용을 통한 사회적 책임을 수행하는 성공 사례가 소개되고 있다. 이에 본 연구는 텍스타일 디자인 분야에서의 적정기술 개념 적용 사례들을 조사하고, 그 특성 분석을 통해 향후 발전을 위한 토대를 마련하는데 의의가 있다. 선행연구와 참고문헌 등을 통해 적정기술의 개념과 디자인에 적용된 적정기술에 대해 살펴보고 저소득층 지역 경제의 지속적 발전을 가능하게 한 사례들을 조사하였다. 남아메리카, 동남아시아, 아프리카 등 BOP(Bottom of Pyramid) 지역 텍스타일 수공예 조합들의 성공적인 사례들을 통해 적정기술을 적용한 사업에서 요구되는 특성들을 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, 지속가능한 인력, 둘째, 지속가능한 소재와 기법, 셋째, 지속가능한 시스템 그리고 마지막으로, 현대적 트렌드를 반영한 고부가가치 디자인 상품개발로, 다른 디자인 영역과 달리 현대적 트렌드 및 디자인 감성이 반영된 고부가가치 지향이 사업의 지속가능성을 더욱 확고히 할 수 있다는 것이다. 전통 수공예는 계속 존재해왔지만 현대적 디자인과의 협업을 통해 이를 적정기술 개념으로 활용하고 발전시킨 사례들을 바탕으로 텍스타일 디자인의 사회적 역할과 고부가가치 제품 생산의 동시 시행 가능성도 확인할 수 있었다.

As the interest in the use of appropriate technology for low-income area is heightened, there are many successful cases in the textile design field applying the appropriate technology to fulfill social responsibility. This study aims at examining the cases which can apply the appropriate technology to the textile design and analyzing their characteristics. It has significance in that it prepares the ground for the future development of textile design through appropriate technology. It conducted research on various theories and definitions about appropriate technology and other designs applying the appropriate technology, and examined the cases which succeeded in achieving the sustainable development in low-income area. The characteristics of the successful cases of the regional textile handicraft corporations in BOP area such as South America, Southeast Asia, Africa are as follows; sustainable supply of labor, sustainable supply of materials and techniques, sustainable system. Finally. especially for the textile cases different from other design fields, high-value product development applying contemporary trends can lead to the stable sustainability of business. It also shows that traditional craft can have a possibility to be utilized and developed to verify the feasibility of appropriate technology and social concept of textile design.

최근 해외에서 호평을 받고 있는 한국 패션 디자이너들의 수가 늘어나고 있다. 이에 따라, 본 연구에서는 근래에 국내외에 이름을 널리 알리고 있는 한국의 듀오 디자이너 브랜드인 스티브 J. & 요니 P.의 작품 연구를 통해 이들이 컬렉션에서 보여주고 있는 동시대적 미적 특성을 고찰함을 목적으로 한다. 연구 방법으로는 스티브 J. & 요니 P.의 컬렉션 시작 단계인 2007 F/W 컬렉션부터 최근 2015 S/S 컬렉션까지의 작품 사진 총 343점을 대상으로 스티브 J. & 요니 P.의 패션 디자인에 나타난 미적 특성에 대하여 연구하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 디자이너 스티브 J. & 요니 P.는 자신들의 컬렉션 뿐만 아니라, 다양한 콜라보레이션 디자인 작업을 진행하고, 그들 스스로의 모습을 대중 매체에 많이 노출시킴으로써 새로운 현대 패션 디자이너의 모습을 보여주고 있었다. 둘째, 스티브 J. & 요니 P.의 패션 디자인의 시기별 변화를 보면, 초기에는 디자이너로서의 감성 표현에 치중하였으나, 점차 상업적인 디자이너로 성장하였고, 2011년 이후 최근까지 컬렉션에서는 소녀 감성의 재미있는 디자인을 이들의 특징으로 완성해 가고 있음을 알 수 있었다. 셋째, 스티브 J. & 요니 P.의 패션 디자인의 미적 특성은 순수성, 유희성, 환상성으로 요약할 수 있었다. 스티브 J. & 요니 P.의 고유함과 동시대 보편적인 감성을 보여주는 패션 디자인은 현대 한국 패션 디자이너의 나아갈 바를 제시하고 있다고 할 수 있다.

There are an increasing number of Korean designers who have received rave reviews from abroad in recent years. This paper takes a look at the collections of the duo-designer brand, Steve J. & Yoni P., two of the well-known Korean designers, and analyzes the contemporary aesthetic characteristics of their fashion collections. For this study, 343 photographs of their work were analyzed, spanning from their 2007 F/W collection to 2015 S/S collection. The results may be summarized as the following. First, designers Steve J. and Yoni P. not only present their own collections but also collaborate with various artists and expose themselves to mass media in many ways, creating a new brand of modern fashion designers. Second, their chronological changes suggest their focus on the expression of emotion as designers in the initial phase, their later successful growth as commercial designers, and their most recent completion of interesting design of girlish sensitivity since 2011. Third, the aesthetic characteristics of their design may be summarized as the beauty of purity, the beauty of amusement and the beauty of fantasy. The fashion design of Steve J. & Yoni P. with their uniqueness and a contemporary universal sensitivity seems to present the future direction for modern Korean fashion designers.