Earticle

본 연구의 목적은 윤리적 패션의 기초연구로 지속가능한 패션 사례를 분석하는데 있다. 연구 방법은 사례연구로써 국내외 관련 서적과 논문 등의 선행 연구와 국내외 인터넷과 신문, 잡지와 같은 보도 자료 등의 자료들을 수집 조사하였다. 본 연구의 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 패스트(fast) 패션이 강세를 이루는 현 상황에서 효율적이고 경제적인 자원 활용에 대한 노력과 지속가능한 환경실천에 대한 관심증대가 지속가능한 패션의 출현을 야기 시켰다. 둘째, 지속가능한 패션제품들은 제품의 설계에서부터 생산, 폐기 후 재사용에 이르기까지 생태계를 보호하고 다음세대를 위해 자연 순환과정에 순응하는 제품이 주를 이루고 있었다. 셋째, 지속가능한 패션은 디자인기획의 초기단계에서는 환경 친화적인 소재를 사용하고 있었다. 넷째, 지속가능한 패션은 제품의 생명주기를 연장하여 불필요한 자원낭비를 막아 환경오염을 최소화하는 재활용이 활용되고 있었다. 이러한 지속가능한 재활용 패션디자인은 그린디자인이나 환경 친화적 제품의 시스템에서 보여주는 재사용, 재생 등의 방법들을 포함하고 있었다. 다섯째, 오래되거나 낡은 소재의 재사용은 패션의류와 패션잡화에 활용도가 높은 것으로 연구 되어졌다. 여섯째, 다른 형태의 소재로 만들어 사용하는 재생은 아웃도어, 스포츠 웨어에 활용도가 높은 것으로 연구 되어졌다.

The purpose of this study was to conduct basic research on the background of the emergence of sustainable fashion and the different types of sustainable fashion. The findings of the study were as follows: First, fast fashion was found to be rampant, but the emergence of sustainable fashion was triggered as there were efforts for efficient and economic utilization of resources available. Another reason was that there was growing concern for a sustainable environment. Second, most sustainable fashion products at present were intended to protect the eco system in every process of design, production, disuse and reuse, and to comply with the cycle of nature for the sake of next generations to come. Third, sustainable fashion products made use of environment-friendly materials in the initial stage of design planning. Fourth, recycled materials were used in sustainable fashion, in an effort to extend the life span of products, to prevent the unnecessary waste of resources and ultimately to minimize possible environmental pollution. This type of recycled, sustainable fashion design included methods of reuse and recycling used in green design or environment-friendly product systems. Fifth, studies found that the reuse of old and outdated materials was widespread in fashion apparels and goods. Sixth, the study found that the recycling of materials initially produced in a different form was common in outdoor clothing and sport-wear.

본 연구는 생성형 AI라는 새로운 기술을 패션 디자인의 당면 과제인 ‘지속 가능한 패션’에 적용함으로써, 실제 디자인 과정에서 어떤 가능성과 한계를 보일 수 있는지를 검토하고자 수행되었다. 먼저 챗지피티를 통 해 다양하게 축적된 텍스트 기반 지식을 바탕으로 친환경 소재·바이오 레더·재활용 소재·업사이클링·패치워 크·종이접기 기법 등 여섯 가지 테마를 도출하고, 각 테마별로 세부적인 디자인 콘셉트와 핵심 키워드를 구 체화하였다. 이후 미드저니를 활용해 설계한 텍스트 프롬프트를 입력하고 결과 이미지를 반복 생성·수정함으 로써, 물리적 샘플을 제작하지 않고도 총 60벌에 이르는 디지털 패션 컬렉션을 완성했다. 이를 통해 전통적으 로 여러 차례의 실물 샘플 제작과 패턴 수정 과정을 거쳐야 했던 디자인 프로세스를 대폭 단축하고, 시간과 비용을 절감하며, 자원 낭비를 줄일 가능성을 확인했다. 또한 챗지피티가 제공하는 풍부한 아이디어와 미드 저니의 시각화 기술이 서로 보완적으로 작용하여, 디자이너가 필요로 하는 구체적인 이미지를 빠르게 얻을 수 있었고, 이를 통해 폭넓은 창의적 의사결정이 가능했다. 다만, 퍼즐 형태나 모듈형 디테일과 같이 실제 의상 제작 시 복합적인 재단·봉제 기술이 요구되는 부분은 AI가 현실적 제약을 충분히 반영하지 못하는 한계 를 드러냈으며, 이를 보완하기 위해서는 알고리즘 정교화와 추가 학습 데이터 확보가 필요하다는 점을 확인 했다. 그럼에도 불구하고, 본 연구는 물리적 시제품 없이 AI 중심의 디지털 디자인 과정을 구체적으로 실험하 여, 전문적인 패턴 지식이나 오랜 숙련 과정을 거치지 않고도 지속 가능한 패션 기획이 가능함을 실제 사례로 입증했다는 점에서 의의가 있다. 나아가 이러한 접근은 생성형 AI를 패션 디자인 분야에서 단순 보조가 아닌 창의적 파트너로 발전시킴으로써, 향후 패션업계가 직면한 환경·경제적 요구를 동시에 충족할 수 있는 효율 적이며 실천적인 대안이 될 수 있음을 시사한다.

This study explored what possibilities and limitations the application of generative AI to the pressing challenge of "sustainable fashion" has in real-world design workflows. By leveraging the broad textual knowledge in ChatGPT, researchers identified six themes—eco-friendly materials, bio-leather, recycled materials, upcycling, patchwork, and origami techniques—and refined each into specific design concepts with key focal points. Through carefully crafted text prompts for MidJourney and the iterative generation and revision of output images, the team completed a digital fashion collection of 60 pieces without physical samples. This process demonstrated that traditional design workflows— typically involving multiple rounds of physical sample production and pattern modification—could be significantly shortened, saving time and reducing costs, which could minimize resource waste. The rich ideas from ChatGPT and the visual output of MidJourney complemented each other, enabling designers to quickly obtain concrete images and supporting creative decision-making. However, the study revealed limitations in areas that require complex cutting and sewing techniques—such as puzzle-like structures or modular details—where AI struggled to fully account for practical constraints. Addressing these gaps will require refined algorithms and expanded training data. Nevertheless, this research provides a concrete example of an AI-centered digital design process without physical prototypes, demonstrating how sustainable fashion can be planned without extensive pattern expertise or long-term experience. This approach suggests that advancing generative AI from an assistive tool to a creative partner in fashion design offers an efficient and practical alternative that meets the environmental and economic demands facing the industry.

최근 Z세대가 패션 산업을 포함한 여러 분야에서 소비문화를 주도하는 주역으로 떠오르고 있다. Z세대는 이전 세대와 비교했을 때 자신의 독특함이나 개성을 보여주는 소비를 추구한다. 본 연구는 Z세대를 패션 제 품 소비의 관점에서 종합적으로 이해하는 것을 목적으로, 이들의 전반적인 의복 소비 행동을 조사하고 Z세대 의 독특성 욕구와 유행 선도력이 패션 제품의 상징적 소비에 어떠한 영향을 미치는지 살펴보았으며 연령별 차이를 비교하였다. 연구는 1995~2005년 사이에 출생한 Z세대 400명을 대상으로 온라인 설문 조사를 진행하 였고 기술 통계, 빈도 분석, 구조방정식 모형을 분석하였다. 연구 결과, Z세대의 독특성 욕구 중 독창적 선택 이 내재적 소비에 정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 유행 선도력의 경우 Z세대의 내재적, 외재적 소비 모두에 유의미한 영향을 미치고 있었다. 유행 선도력은 의견을 선도하며 타인에게 조언이나 정보 전달과 같 이 본인이 구전 커뮤니케이션에서 중심 역할을 할 수 있으며 새로운 스타일이라는 가시적 단서를 패션으로 표출하며 유행을 주도할 수 있다는 점이 특징적이다. 이에 자기애적 성향이 강하고 소셜 미디어를 통해 타인 과의 상호작용에 익숙한 Z세대의 소비 성향에 더욱 유의미한 영향을 미친 것으로 보인다. 다음으로 Z세대 성인과 청소년 간 차이를 살펴보았다. 연구 결과, Z세대 성인의 독특성 욕구는 내재적 소비에만 영향을 미치 는 것으로 나타나 패션 제품의 선택이나 소비 행동을 통해 자기 이미지 전달이나 자기 계발, 자신감 획득과 같은 자아 표현을 실현하는 측면이 확인되었다. 한편, 유행 선도력은 Z세대 성인과 청소년의 상징적 소비 전반에 영향을 미치고 있었다. 이에 패션 제품은 Z세대에게 자아 표현과 동시에 주변인 사이에서 유행 선도 력을 확인하는 중요한 도구임을 알 수 있다. 본 연구는 Z세대의 독특성 욕구와 유행 선도력을 측정하고 집단 의 표면적인 소비 행동 이면에 존재하는 상징적 소비의 개념을 구체화한다는 의의가 있다.

Recently, Generation Z has emerged as a leading player in fashion industry. Generation Z pursues consumption that can show one’s uniqueness or personality compared to the previous generation. In this study, for the purpose of comprehensively understanding generation Z from the perspective of fashion product consumption, the overall clothing consumption behavior of generation Z was investigated, and then, how the need for uniqueness and fashion leadership effect the symbolic consumption of fashion products and compared the differences by ages. The study conducted an online survey of 400 people from generation Z born between 1995 and 2005, and analyzed descriptive statistics, frequency analysis, and structural equation models. As a result of the study, creative choice had a positive effect on intrinsic consumption. In the case of fashion leadership, both intrinsic and extrinsic consumption had a significant effect. Fashion leadership leads opinions and can play a central role in oral communication, such as advice and information delivery to others, and can lead the trend by expressing visible clues that are new styles through fashion. Accordingly, it seems to have had a more significant effect on the consumption behavior, which has a strong narcissistic tendency and is familiar with interactions with others through social media. Also, the differences by age was found. the need for uniqueness of adults only affects intrinsic consumption, confirming the aspect of realizing a self-image delivery, self-development, and confidence acquisition through consumption behavior of fashion. Meanwhile, the fashion leadership was affecting the overall symbolic consumption. Accordingly, it can be seen that fashion products are an important tool to express oneself to generation Z and to confirm the fashion leadership among friends. This study is meaningful that measures symbolic consumption of generation Z that exists behind the group’s superficial consumption behavior.

본 연구는 패션 산업에서 이미지 생성형 AI를 활용한 창의적인 디스플레이 디자인 발상 도구로서의 가능성을 모색하고자, 패션 브랜드의 쇼윈도 디스플레이 구성 요소를 도출하고, 패션 브랜드 에르메스의 쇼윈도 디스플레이 특성을 고찰하였다. 이를 기반으로 AI를 활용한 쇼윈도 디스플레이 디자인의 프롬프트 툴킷을 제안하고 에르메스의 쇼윈도 디스플레이 디자인을 분석함으로써 이미지 생성형 AI의 활용 가능을 모색하였 다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 문헌 연구를 통해 패션 쇼윈도 디스플레이 구성 요소는 감성적 요소, 시각적 요소, 공간적 요소로 도출되었다. 둘째, 패션 브랜드 에르메스의 쇼윈도 디스플레이 콘셉트를 분석한 결과, 전통과 현대의 조화, 예술적인 시도와 실험적이고 환상적인 이미지로 브랜드의 혁신성을 표현하고 있 다. 셋째, 패션 브랜드의 쇼윈도 디스플레이 디자인을 위한 프롬프트 툴킷을 개발하고 이를 기반으로 이미지 생성형 AI 미드저니를 사용해 결과물을 도출하였다. 그 결과, 원하는 디스플레이 이미지를 생성할 수 있었으 나, 보다 정교한 결과물을 얻기 위해서는 연출 방향과 테마를 명확히 제시하는 단어, 구체적인 색채 팔레트, 주요 상품 및 소품을 나타내는 명확한 키워드가 제시되어야 한다. 또한 각 구성 요소 간의 적절한 배치와 연결성을 설명하는 문구가 포함되어야 한다. 본 연구는 생성형 AI를 활용하여 패션 브랜드 디스플레이 프롬 프트를 개발하고 패션 디자인 분야에서 쇼윈도 디스플레이 아이디어 발상 및 시뮬레이션 도구로서 생성형 AI의 활용 가능성을 제시하였다는 데 의의가 있다.

This study explores the potential of generative AI as a creative ideation tool for display design in the fashion industry. It aims to identify the key components of window displays for fashion brands and examine the characteristics of Hermès’ window displays. Based on this analysis, the study proposes a prompt toolkit for AI-assisted window display design and explores the applicability of generative AI by analyzing Hermès’ display designs. The findings of this study are as follows. First, a literature review identified fashion window displays consist of emotional, visual, and spatial elements. Second, the analysis of Hermès’ window display concepts revealed a harmony between tradition and modernity, showing that the brand expresses its spirit of innovation through artistic attempts and fantastical, experimental imagery. Third, a prompt toolkit was developed for window display design for fashion brands, and based on this toolkit, images were generated using the generative AI tool Midjourney. While it was possible to generate the desired display images, achieving more refined outcomes required the inclusion of clearly defined themes and direction, specific color palettes, and precise keywords representing key products and props. Additionally, it was essential to include descriptive phrases that explain the appropriate arrangement and coherence among display components. This study is significant in that it developed AI-based prompts for fashion brand displays and demonstrated the potential of generative AI as an ideation and simulation tool for window display design in the field of fashion design.

본 연구는 21세기 초에 유행했던 Y2K 패션과 2020년대에 재등장한 Y2K 패션을 비교 분석하여, 레트로 패션으로서 Y2K 패션의 변화상을 살펴보고 현대 Y2K 패션의 특성을 도출한다. 연구 방법은 문헌 고찰을 통해 1990년대 말과 2000년대 초의 사회문화적 배경 속 Y2K 패션의 개념을 조망하고, 뉴트로 패션의 범주를 탐색한다. 또한, 1999년부터 2004년 사이에 발간된 패션매거진의 스트리트 패션 사진과 2020년부터 2022년 사이 인스타그램에 게시된 패션 사진을 분석함으로써, 두 시기의 Y2K 패션 유형을 분류하고 그 특징을 비교 한다. 연구 결과, 21세기 초반의 Y2K 패션의 유형은 캐주얼 힙합 룩, 어반 스포츠 룩, 영 어덜트 룩, 에스닉 룩, 미드리프 룩으로 분류되었다. 2020년대의 Y2K 패션은 21세기 초의 과거를 회상하며 이로부터 영감을 받 았지만, 더 포괄적이고 다양한 해석으로 진화했다. 현대 Y2K 패션은 과거의 스타일을 많이 차용하면서도 새로운 사회적 맥락과 현대적 트렌드를 반영하고 있었다. 특히 신체 노출의 증가와 실루엣의 다양화는 더 대담하고 다양한 패션 표현으로 나타났다. 또한, Y2K 미학의 특징인 대담하고 기발한 액세서리의 사용이 2020년대 Y2K 패션 트렌드까지 지속되고 있음을 알 수 있었다. 최근의 Y2K 패션은 과거와 유사하게 캐주얼 하고 스포티한 요소가 계속해서 반영되고 있었으나, 점차 현대적인 색상의 사용과 신체 노출의 대담한 접근 방식으로 변화함을 밝힐 수 있었다. 본 연구는 몇 시즌 동안 지속적으로 유행하는 Y2K 패션을 분류하고 특징 을 도출함으로써, 미래의 레트로 패션 트렌드를 예측하는 데 유용한 자료를 제공한다는 점에서 의의가 있다.

This study analyzes the evolution of Y2K fashion from its early 21st-century origins to its 2020s revival, aiming to understand its transition as a retro trend and to delineate modern Y2K fashion traits. Utilizing a methodology that combines literature review and case study, it contextualizes Y2K fashion within the socio-cultural milieu of the late '90s and early 2000s and investigates 'newtro' fashion. The analysis of street fashion images from 1999-2004 fashion magazines and 2020-2022 Instagram posts allows for a comparative classification of Y2K styles. Findings reveal that while the 2020s Y2K fashion recalls early 2000s styles, it introduces more diverse interpretations with a diminished presence of ethnic looks. Modern Y2K fashion, characterized by increased body exposure and varied silhouettes, incorporates bold accessories, a signature of Y2K aesthetics. The research highlights the shift towards more contemporary colors and daring body exposure, offering insights into the enduring popularity of Y2K fashion and its implications for future retro trends.

생성형 AI의 등장은 패션산업을 포함한 다양한 분야에 혁신을 가져왔다. 이 기술은 예술가와 디자이너에 게 창의적인 표현을 위한 새로운 수단을 제공하였고 생산자와 소비자 간의 경계를 허물어 사용자들이 직접 패션디자인에 참여하는 창작 활동을 촉진하였다. 본 연구는 2022년부터 현재까지 꾸준하게 포착되는 생성형 AI 기반의 페이크 컬래버레이션, 즉 아티스트 임의로 패션 브랜드 협업을 연출한 이미지 현상을 포착하여 이를 연구하였다. 연구의 목적은 AI 아티스트들이 자발적으로 창작하고 소셜미디어에 공유한 패션 브랜드와 의 페이크 컬래버레이션 사례들을 수집하고 분석함으로써 그 유형을 구분하고 패션 브랜드에 전하는 시사점 을 찾는 데 있다. 이를 위해 연구대상은 미드저니 관련 소셜미디어로서 인스타그램 계정 중 가장 많은 팔로워 수를 기록하는 @designmidjourney, @midjourney.gallery 2개 계정을 통해 페이크 컬래버레이션 작업을 하는 최 종 10명의 아티스트를 선정하였다. 이들 각각의 계정 게시물에서 패션 브랜드가 명확히 노출되어 페이크 컬 래버레이션이 분명한 것만 선별하여 최종으로 259장의 피드와 댓글, 해시태그 단어들을 연구에 사용하였다. 생성형 AI 기반의 페이크 컬래버레이션을 통해 볼 때 오늘날 패션 브랜드는 학습 대상, 놀이 대상, 예술 대상 으로 인식될 수 있다. 패션 브랜드 이미지 자료는 AI 학습 자료로 사용되어 향후 새로운 디자인을 생성하는 데 중요한 역할을 하며 사용자들은 이러한 이미지들을 통해 패션 브랜드를 놀이 대상으로 바라보고 커뮤니 티 내에서 의견을 나누고, 평가 및 비평의 새로운 형태를 즐긴다. 독창적 예술 세계 내에서 시각화된 AI 페이 크 컬래버레이션은 패션 브랜드들이 어떻게 혁신적인 방식으로 서로 협력할 수 있는지에 대한 브랜드의 상 상력을 자극하고 대안을 제시하고 있다. 이상의 내용들은 향후 패션산업을 향한 패션 브랜드들의 전략을 위 해 의미 있는 시사점으로서 인식될 만하다.

The emergence of generative AI has brought innovation to various fields, including the fashion industry. This technology offers new creative avenues for artists and designers, breaking down the boundaries between producers and consumers and promoting direct participation in fashion design. This study examines the phenomenon of generative AI-driven fake collaborations, where artists arbitrarily collaborate with fashion brands, consistently observed from 2022 to the present. The study aims to collect and analyze cases of fake collaborations with fashion brands that AI artists voluntarily created and shared on social media, classifying its types and drawing implications for fashion brands. The research focuses on the top 10 artists involved in fake collaborations via the two most-followed Midjourney-related social media accounts on Instagram, @designmidjourney and @midjourney.gallery. The posts with clear fake collaborations with fashion brands were selected only, resulting in 259 feeds, comments, and hashtags used in the analysis. Generative AI-driven fake collaborations allow today's fashion brands to be viewed as objects of learning, play, and art. Fashion brand image materials are used as AI learning materials, playing a significant role in future design creation. These images enable users to see fashion brands as objects of play, share their opinions within the community, and enjoy new forms of evaluation and criticism. Visualized within the realm of original art, fake collaborations stimulate the imagination and offer innovative alternatives for fashion brand partnerships. These findings provide meaningful insights into fashion brands' strategies for the future fashion industry.

본 연구는 지속가능성과 디지털이 미래 패션의 생산과 소비의 모습을 결정하는 데 있어서 중요한 역할을 할 것으로 전제하고, 빅데이터 텍스트마이닝 분석을 통해 패션산업에 있어 지속가능성과 디지털 실행에 대해 형성되고 있는 소비자 인식과 주요 의제를 파악하는 것을 목적으로 한다. 이론적 배경으로 패션산업에서의 지속가능성과 디지털 실행에 대해 알아보고, 빅데이터 활용 패션 선행연구를 고찰하였다. 연구 방법으로는 소셜매트릭스 프로그램인 텍스톰을 활용하였으며, 네이버와 구글을 수집 채널로 하였다. ‘지속가능+패션+디 지털’을 키워드로 설정하였고, 수집 기간은 2020년 1월 1일부터 2023년 11월 30일까지로 하였다. 연구의 결과 는 다음과 같다. 빈도, TF-IDF, 워드 클라우드 시각화, N-gram 분석 결과 가장 많이 출현한 단어는 ‘지속가능’, ‘디지털’, ‘패션’, ‘브랜드’, ‘활용’, ‘글로벌’, ‘기업’, ‘제품’, ‘기술’, ‘친환경’, ‘고객’ 순이었으며, 지속가능, 패션, 그리고 디지털의 연결성을 확인하였다. UcINet을 활용하여 네트워크 시각화와 CONCOR 분석을 실시한 결과 ‘지속가능+디지털 패션의 핵심 가치’, ‘디지털 주도 지속가능+디지털 패션의 방향’, ‘지속가능 주도 지속가능 +디지털 패션의 방법’, ‘지속가능+디지털 패션 시스템’의 4개의 군집을 도출하였다. 대체적으로 군집 간 균형 있는 사이즈와 연결을 보였으며, ‘지속가능’과 ‘디지털’이 같은 군집에 포함된 것을 확인할 수 있었다. 본 연 구 결과는 대량의 빅데이터를 활용하여 지속가능성과 디지털이 패션산업의 미래를 만들어가는 방향임을 재 확인하고 주요 의제를 규명하였다는 데에 의의가 있다. 현재 소비자에 대한 이해정도에 기반하여 타깃 소비 자 경험을 정의 또는 재정의하는 패션기업의 비즈니스 전략 수립과 정부 정책을 수립하는 데에도 기초적인 자료로 활용될 수 있을 것이다. 연구 결과와 제한점을 토대로 시사점과 후속연구를 위한 제언을 제시하였다.

This study stems from the premise that sustainability and digital technology will be pivotal in shaping the future of fashion production and consumption. The purpose of this study is to identify consumer perceptions and key agendas shaping sustainability and digital practice in the fashion industry through big data analysis. For the theoretical background, it reviewed the sustainability with digital practice in fashion industry and literature related to fashion using big data. Textom, a social matrix program, was used to collect and analyze data from the collection channel of Naver and Google. ‘Sustainability+ Fashion+Digital’ was set as the keyword, and the collection period was from January 1, 2020 through November 30, 2023. As for the text analysis, frequency, TF-IDF, word cloud visualization, and N-gram analysis were performed. The words which appeared most often were ‘sustainability’, ‘digital’, ‘fashion’, ‘brand’, ‘utilization’, ‘global’, ‘company’, ‘product’, ‘technology’, ‘eco-friendly’, and ‘customer’, confirming the connection between sustainability-fashion-digital. For the network analysis, network visualization and CONCOR analysis using UcINet were performed. Four distinct groups emerged: 'core values of sustainable+digital fashion', 'direction of digital-led sustainable+digital fashion', 'method of sustainability-led sustainable+digital fashion', 'sustainable+digital fashion system'. The groups were balanced in size as well as connection and it was confirmed that ‘sustainable’ and ‘digital’ were included in the same group. The findings of this study reconfirmed that sustainability and digital are the direction for creating the future of the fashion industry and identified the agendas through utilizing a large amount of big data. The findings could be used as basic data to establish business strategies for fashion companies and government policies that define or redefine target consumer or public experiences based on the current level of understanding.

K-pop은 전 세계에서 인기를 얻으며 동시대의 청춘의 소리이자 정체성으로 자리 잡았다. 패션은 음악과 긴밀히 상호 작용하면서 글로벌 문화의 중심에 선 K-pop 아티스트의 창작 활동에 시각적으로 기여하고 있다. 그러나 동시에 타문화권의 유산을 도용하는 행위로 간주하는 문화적 전유의 문제를 지적받고 있다. K-pop이 다양한 문화권의 젊은 세대에게 많은 영향을 미치고 있는 만큼 그 어느 때보다 성찰적 연구가 필요한 시점이 다. 본 연구는 뉴스 기사와 유튜브 영상 콘텐츠를 기반으로 K-pop 아티스트의 패션에서 나타나는 문화적 전유 에 대하여 사례연구를 실시했다. 뉴스 기사를 통한 사례분석에서는 문화적 전유의 대상과 방식을 분석했다. 첫째, K-pop 아티스트의 패션에서 나타나는 문화적 전유의 사례에서는 인종의 전형화와 희화화, 전통의 비맥 락화와 환상 및 낭만화, 역사의 비맥락화와 환상 및 낭만화 그리고 종교의 환상 및 낭만화로 총 7가지 유형으 로 이루어진 것으로 분석되었다. 각 유형의 사례에서는 블랙피싱이나 블랙페이스를 통해 타인종을 모방하거 나 희화화하고, 복식이나 헤어 관습을 무분별하게 차용하고 미적으로 소구하며, 역사적 사실과 다른 맥락에서 왜곡하고, 종교의 영적인 의미를 무시한 것으로 나타났다. 둘째, 연구 대상으로 삼은 유튜브 영상 콘텐츠는 개념 및 사례 소개, 비판 및 의견 전달 그리고 리액션 콘텐츠의 세 가지 유형이 있었다. 유튜브 영상 콘텐츠 창작자의 견해를 종합한 결과 K-pop 아티스트의 패션에서 나타나는 문화적 전유 사례는 해당 인종에 대한 선입견 초래, 인종차별 담론 형성, 전통에 대한 존중 결여 및 가치 절하, 역사적 사실 왜곡 및 식민주의 착취 재현 그리고 종교에 대한 모독이라는 위험성이 있었다. 본 연구는 K-pop 패션과 문화에 대한 종합적 논의를 통해 비판적 시야를 제공했다. 또한, 문화적 전유를 방지할 수 있는 제언을 다문화 감수성 교육, 크리테리아 개발 및 활용 그리고 문화 당사자에 대한 경제적 지원으로 제언하고 K-pop 산업 기여를 꾀했다.

K-pop has gained popularity worldwide, becoming both the identity and voice of the contemporary youth. Fashion is closely intertwined with music and visually contributes to the creative activities of global K-pop artists. However, the issue of cultural appropriation, an act of stealing the heritage from other cultures, is being pointed out simultaneously. Given K-pop’s significant influence on the younger generation from various cultures, it is crucial to conduct reflective studies. This paper conducted a case study on cultural appropriation in K-pop artists’ fashion based on news articles and YouTube video content. Types of objectification and methods of cultural appropriation were examined in the content analysis of news articles. First, seven types of cultural appropriation are identified through K-pop artists’ fashion: typicalization and caricature of race; non-contextualization and fantasizing-romanticization of tradition; non-contextualization and fantasizing-romanticization of history; fantasizing- romanticization of religion. In each type, K-pop artists imitated and caricatured race through blackfishing or blackface, borrowed costume and hair traditions out of context, misinterpreted historical facts, and ignored religious meanings. YouTube videos are categorized into three: introduction of concepts and cases, criticism and opinion, and reaction content. YouTube creators criticized problems of cultural appropriation in K-pop artists’ fashion, who posed risks such as creating stereotypes for certain races, causing racial discrimination discourses, lacking in respect for tradition, misinterpreting historical facts, reproducing exploitation of colonialism, and insulting religion. This study provided a critical perspective through a comprehensive discussion of K-pop fashion and culture. In addition, this paper proposed multicultural sensitivity education, criteria development and application, and economic contributions to cultural stakeholders, as a possible way to prevent cultural appropriation, thereby aiming to enhance the contribution of the K-pop industry.

신조어는 사회적 전환이나 새로운 현상을 기존 어휘로 포착하기 어려울 때, 새로운 감각과 현실을 명명하 며 등장한다. 따라서 신조어 분석은 시대적 맥락에서 형성된 가치 체계와 상징 질서를 해석하는 데 유효한 도구가 될 수 있다. 본 연구는 1990년부터 2024년까지 한국 사회의 뉴스 기사에 등장한 외모 관련 신조어를 중심으로, 각 시대의 외모 담론이 어떻게 형성되고 변화해 왔는지를 통시적으로 고찰하였다. 1990년부터 2024년까지 8개 중앙 일간지에서 외모 관련 신조어가 언급된 8,634건의 기사를 수집하고, 파이썬 기반 형태소 분석을 수행하였다. 외모를 신체와 복식이 결합된 총체적 개념으로 정의하고, Ahn(2018)의 외모 택소노미를 이론적 틀로 삼아, 총 98개의 외모 관련 신조어를 추출하고 유형화하였다. 신조어의 시기별 분포와 사회문화 적 의미를 분석한 결과, 외모 관련 신조어는 단순한 언어 유행이 아니라 당대의 정체성 실천, 소비 감수성, 기술 환경을 반영한 상징적 담론으로 작동하고 있음을 확인하였다. 1990년대는 민주화와 소비문화의 확산 속에서 외모가 개인 정체성과 사회적 지위를 표현하는 수단으로 부상하였으며, 2000년대는 신자유주의적 경 쟁 질서와 디지털 환경의 정착 속에서 외모가 사회적 자본으로 기능하게 되었다. 2010년대는 SNS를 기반으 로 외모 표현이 보다 다양해졌고, 감시와 평가가 일상화되는 한편, 기존의 외모 규범에 저항하는 담론이 전개 되기도 하였다. 2020년대는 팬데믹이라는 특수한 시대 상황에 맞게 기능성, 자기 연출, 안정성을 추구하는 양상이 드러났다. 본 연구는 외모 관련 신조어가 시대별 외모 인식의 변화와 담론을 드러내는 언어적 지표로 서 기능함을 밝히며, 외모와 언어, 문화의 관계를 의류학적 관점에서 통합적으로 조망하는 데 의의를 둔다.

Neologisms emerge when existing vocabulary falls short of capturing social transformations or new phenomena, offering new terms to articulate contemporary experiences and realities. As such, the analysis of neologisms can serve as a valuable tool for interpreting value systems and symbolic orders shaped within a given historical context. This study investigates how appearance-related discourses in Korean society evolved from 1990 to 2024, focusing on neologisms that reflect prevailing perceptions of appearance. A total of 8,634 news articles from eight major national newspapers were collected, and morpheme analysis was conducted using Python-based text processing. Appearance was conceptualized as an integrated construct encompassing both the body and dress, with Ahn’s (2018) taxonomy of appearance employed as the theoretical framework. On this basis, 98 appearance-related neologisms were identified and classified. The results reveal that these neologisms are not merely linguistic trends but symbolic discourses embodying identity practices, consumer sensibilities, and the technological conditions of each era. In the 1990s, appearance became a means of expressing personal identity and social status amid democratization and the expansion of consumer culture. In the 2000s, it evolved into a form of social capital shaped by neoliberal competition and digital environments. The 2010s saw the diversification of appearance expressions through social media, the normalization of visual self-monitoring, and the rise of counter-discourses against normative beauty standards. In the 2020s, under the unprecedented circumstances of the COVID-19 pandemic, appearance discourses began to emphasize functionality, self-styling, and psychological stability. This study highlights the role of neologisms as linguistic indicators of shifting appearance discourses over time and offers an integrated perspective on the interrelationship between appearance, language, and culture from the standpoint of fashion studies.

본 연구는 가상 인플루언서의 페르소나 유형을 분석하고, 기업이 페르소나를 접목한 AI 가상 인플루언서 를 제작하는 데 필요한 기초 자료를 제공하는 것을 목적으로 한다. 연구 방법으로는 국내·외 기사를 통해 가상 인플루언서의 최근 동향과 사례를 조사하였으며, 선행연구에서 적용된 롤랑 바르트의 기호학적 분석 틀과 Stone and Stone의 9가지 페르소나 분석 유형을 활용하여 가상 인플루언서 릴 미켈라와 이마, 아이타나 로페즈의 인스타그램 게시물 이미지와 문구를 분석하였다. 연구 결과 첫째, 릴 미켈라는 유희적 어린이 페르 소나와 보호통제 페르소나, 민감한 어린이 페르소나가 도출되었음을 확인하였다. 이는, 자유로운 이미지를 통해 젊은 세대와 소통하며, 진정성 있는 자기표현과 자기관리의 중요성을 반영한다. 둘째, 이마는 유희적 어린이 페르소나와 히피지향 페르소나, 성취지향 페르소나가 도출되었음을 확인하였다. 이는, 놀이와 상상력, 다양한 문화적 경험을 통해 자유를 추구하고, 끊임없는 자기 계발과 긍정적 태도로 소비자들에게 자신감과 동기부여를 제공한다. 셋째, 아이타나 로페즈는 유희적 어린이 페르소나와 보호통제 페르소나, 성취지향 페 르소나가 도출되었음을 확인하였다. 이는, 모험과 자유를 추구하는 모습과 아름다운 외모를 강조하고, 목표 를 향해 도전하며 자기관리의 중요성을 나타낸다. 이들에게 공통적으로 나타나는 페르소나는 유희적 어린이 페르소나로, 3인의 가상 인플루언서 모두 자유롭고 개성 있는 자기표현을 통해 소비자들과 사회적 유대감을 형성하고 있음을 확인하였다. 이를 통해 본 연구는 가상 인플루언서의 페르소나 분석이 디지털 마케팅에서 중요한 역할을 한다는 것을 시사하며, 기업이 가상 인플루언서를 활용할 때 페르소나의 중요성을 고려해야 함을 제언하고자 한다.

This study aims to analyze the persona types of virtual influencers and provide foundational insights for companies seeking to develop AI-based virtual influencers with integrated personas. To this end, recent trends and case studies of virtual influencers were examined through a review of both domestic and international articles. Using Roland Barthes' semiotic analysis framework and the nine persona types identified by Stone and Stone, this study analyzed the images and captions from the Instagram posts of virtual influencers Lil Miquela, Imma, and Aitana Lopez. The results reveal the following: First, Lil Miquela embodies a playful child persona, protective persona, and sensitive child persona. This combination allows her to connect with younger audiences through a sense of freedom while emphasizing the importance of authentic self-expression and self-discipline. Second, Imma exhibits a playful child persona, hippie-oriented persona, and achievement-oriented persona. She uses playfulness, imagination, and diverse cultural experiences to pursue freedom, and her continuous self-development and positive attitude offer consumers a sense of confidence and motivation. Aitana Lopez also displays a playful child persona, along with a protective persona and an achievement-oriented persona. Her personas highlight a spirit of adventure and freedom, emphasizing both her attractive appearance and her dedication to achieving goals and maintaining self-discipline. A common thread among these influencers is the playful child persona, which reflects their ability to express individuality and freedom. This approach helps them establish emotional connections with their audience. That study suggests that persona analysis plays a crucial role in digital marketing, and that companies should consider the significance of personas when leveraging virtual influencers.