Earticle

이 연구는 현대무용 경연에 대한 전문가의 서술형 평가 진술을 분석하여 평가 요소를 도출하고 그 구조적 특성을 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 2022년과 2023년 동아무용콩쿠르 현대무용 일반부 본선 진출자 28명의 공연 영상을 대상으로 전문가 4인의 평가 진술에 귀납적 내용분석을 적용하였다. 분석 결과 신체사용, 기술적 수행, 움직임 연결, 공간 활용, 음악성, 에너지 역동성, 표현성, 창의성/안무구성의 요소가 도출되었으며, 이들은 요소는 기술적, 예술적 표현, 안무 구성 영역으로 구분되었다. 에너지 역동성과 창의성/안무구성 요소는 기존 연구에서 다루어지지 않아 중요한 요소로 작용할 가능성을 시사한다. 본 연구는 실제 평가 언어를 기반으로 평가 요소를 도출하였다는 점에서 의의를 가지며, 향후 현대무용 평가 루브릭 개발을 위한 기초자료를 제공한다.

This study aims to derive evaluation elements and explore their structural characteristics by analyzing expert narrative evaluation statements from the general division finals of the Dong-A Dance Competition. Inductive content analysis was applied to evaluation statements from four experts based on performance videos of 28 finalists in contemporary dance (2022–2023), yielding 202 meaning units and eight evaluation elements: body use, technical execution, movement connectivity, spatial utilization, musicality, energy dynamics, expressiveness, and creativity/ choreographic composition. These elements were grouped into three domains—technical, artistic expression, and choreographic composition—and showed interactive and integrative characteristics. Notably, energy dynamics and creativity/choreographic composition emerged as previously underexplored elements, suggesting their significance as evaluative standards. This study provides empirical evidence based on actual evaluative language and offers foundational data for developing contemporary dance evaluation rubrics.

본 연구는 메이커교육 설계 원리를 적용한 블렌디드 안무 교육 프로그램을 개발하고, 실행 과정에서 나타난 무용전공 대학생의 창작 경험과 인식 변화를 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 메이커교육의 TMSIM 모형과 Laban Movement Analysis(LMA), Smith-Autard의 안무 프로세스 이론을 통합하여 안무 창작을 탐색–제작–공유 및 개선–메이커 페어의 순환구조로 재구성하고, 온라인과 오프라인 활동이 연계된 프로그램을 설계하였다. 연구는 서울 소재의 A대학교 현대무용 전공 대학생 10명을 대상으로 10주간 실시하였으며, 성찰일지, 안무 영상 및 안무 노트, 참여관찰 기록, 심층 면담 자료를 수집하여 귀납적 질적 분석을 수행하였다. 연구 결과, 개발된 프로그램은 안무창작 과정을 순환적 탐구 구조로 조직하는 교육 모형으로 의미화되었으며, 이 과정에서 학습자의 창작 경험은 문제해결 중심의 인식 형성, 자기 주도성 강화, 협업적 상호작용 확장, 탐구 중심 안무로의 인식 전환, 성찰적 사고 심화로 나타났다. 이는 메이커교육 기반 블렌디드 안무 교육이 지니는 교육적 가능성을 시사한다.

This study developed and implemented a maker education–based blended choreography program to examine undergraduate dance majors’ creative experiences and perceptual changes. Integrating the TMSIM model, Laban Movement Analysis (LMA), and Smith-Autard’s choreography process, the program reconceptualized choreography as a cyclical, inquiry-driven process, including a Maker Fair stage for sharing and reflection within a blended learning environment. Conducted over ten weeks with ten contemporary dance majors at a university in Seoul, the study analyzed reflective journals, choreography materials, participant observation, and in-depth interviews using an inductive qualitative approach. Findings reveal that the program functioned as a cyclical inquiry-based model fostering problem-solving awareness, self-directedness, expanded collaborative interaction, a shift toward inquiry-based choreography, and deeper reflective thinking, demonstrating the educational potential of maker-based blended choreography education.

본 연구는 성인발레 지도자의 감성적리더십과 카리스마리더십이 수업몰입과 수업만족도에 미치는 영향을 규명하였다. 이를 위해 사설 무용학원에서 수강 중인 성인 수강생을 대상으로 설문조사를 실시하였으며, 총 274부의 설문지를 최종 분석에 활용하였다. 설문지는 개인적특성, 감성적리더십, 카리스마리더십, 수업몰입, 수업만족도에 관한 총 44문항으로 구성되었으며, 각 변수들은 선행연구를 바탕으로 5점 리커트 척도로 구성되었다. 자료는 SPSS 프로그램을 이용해 탐색적 요인분석, 신뢰도 분석, 다중회귀분석을 통해 처리되었다. 연구결과, 감성적리더십과 카리스마리더십 모두 수업몰입과 수업만족도에 유의한 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 특히 수업몰입의 하위요인별 영향력에서 차이가 나타났으며, 수업만족도에서는 감성적리더십이 상대적으로 영향력이 높은 것으로 나타났다. 따라서, 성인발레 지도자가 수업 운영 시 학습자의 몰입과 만족도를 향상시킬 수 있는 리더십 전략을 활용할 필요성이 있음을 시사한다.

This study investigated the influence of emotional and charismatic leadership of adult ballet instructors on class engagement and class satisfaction. To this end, a survey was conducted with adult participants enrolled in private dance academies, and a total of 274 valid responses were used for the final analysis. The questionnaire consisted of 44 items covering personal characteristics, emotional leadership, charismatic leadership, class engagement, and class satisfaction. All variables were measured using a five-point Likert scale based on previous studies. Data were analyzed using SPSS through exploratory factor analysis, reliability analysis, and multiple regression analysis. The results showed that both emotional and charismatic leadership had significant positive effects of class engagement and class satisfaction. In particular, differences were observed in the influence of each sub-factor of class immersion. In terms of class satisfaction, emotional leadership was found to have a relatively stronger influence. Therefore, this suggests that adult ballet instructors need to utilize leadership strategies that can enhance learners’ immersion and satisfaction when conducting classes.

본 연구의 목적은 무용 비전공 관객의 무용공연 관람 경험을 현상학적으로 탐색하여, 관객의 감각·정서·해석이 어떻게 조직되고 의미화되는지를 규명하는 데 있다. 이를 위해 후설(Husserl)의 본질 탐구 철학과 메를로퐁티(Merleau-Ponty)의 신체 현상학을 이론적 틀로 설정하고, Colaizzi(1978)와 van Manen(1990)의 절차에 따라 개방형 설문 자료를 분석하였다. 연구 대상은 「안무가 매칭 프로젝트 제27회 생생 춤 페스티벌」을 관람한 무용비전공 일반인 20명이다. 분석 결과, 무용 비전공 관객의 무용공연 관람 경험은 개별 반응의 나열이 아니라, ① 관람의 사회적 계기와 관계적 접근 구조, ② 감각적 몰입과 인지적 긴장이 교차하는 체화된 지각 경험, ③ 관람이후 정서적 여운과 치유적 의미 형성의 세 가지 차원으로 조직된 하나의 체험 구조로 도출되었다. 관객은 무용을 ‘이해해야 할 대상’이 아니라, 신체 감각과 정서를 통해 반응하고 공명하는 경험적 사건으로 수용하였으며, 공연의 의미는 언어적 해석 이전에 감각적 동조와 정서적 공감의 과정에서 형성되었다. 또한 공연 종료 이후에도 남는 여운과 자기 성찰적 정서는 무용공연이 심리적 회복과 정서적 안정에 기여할 수 있음을 시사하였다.

This study phenomenologically examines how non-major audiences experience dance performances and how their sensory, emotional, and interpretive responses are organized. Using Husserl’s philosophy of essence and Merleau-Ponty’s phenomenology of the body, open-ended questionnaire data from 20 attendees of the 27th Saengsaeng Dance Festival were analyzed using Colaizzi’s and van Manen’s procedures. Findings show that dance viewing is an integrated experiential phenomenon involving social triggers, embodied sensory immersion with cognitive tension, and post-performance emotional resonance with healing implications. Audiences perceived dance as an embodied emotional experience grounded in bodily sensation and emotional attunement rather than cognitive understanding, suggesting its contribution to psychological recovery and emotional stability.

본 연구의 목적은 첨단기술 기반 무용공연 관람 상황에서 무용전공자가 인지하는 기술수용모델(TAM)의 주요 변인인 지각된 유용성, 지각된 사용용이성, 지각된 유희성이 관람몰입과 향후 관람의도에 미치는 구조적 관계를 규명하는 데 있다. 수도권 및 충청권의 4년제 대학교에 재학 중인 무용학과 대학생과 석·박사 과정의 대학원생을 대상으로 총 260부의 설문지를 분석에 활용하였으며, 가설 검증을 위해 AMOS를 활용한 확인적요인분석과 구조방정식모형분석을 주요 통계 분석 방법으로 사용하였다. 그 결과 첫째, 지각된 사용용이성과 지각된 유희성이 관람몰입에 정(+)의 영향을 주었고, 둘째, 지각된 유희성만이 향후 관람의도에 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 셋째, 관람몰입은 향후 관람의도에 정(+)의 영향을 주었다. 특히 지각된 유희성은 관람몰입과 향후 관람의도에 영향을 미치는 결정적인 요인으로, 이는 첨단기술 기반 무용공연에서 다감각적 자극, 독창성 및 흥미성을 가미한 공연 전략의 중요함을 시사한다.

Perceived enjoyment held a decisive position across both audience immersion and Future attendance intentions in this study. Arriving at that point took an empirical test of how the Technology Acceptance Model's perceived variables — usefulness, ease of use, enjoyment — connect structurally with viewing immersion and future viewing intention, where dance majors formed the respondent group and the viewing context was dance performance built on advanced science and technology. 260 questionnaires came in from undergraduate dance majors and from master's and doctoral graduate dance students at four-year universities across the Seoul metropolitan area and the Chungcheong region. Confirmatory factor analysis and structural equation modeling, run through AMOS, did the hypothesis testing. Perceived ease of use and perceived enjoyment fed positive weight into audience immersion. Future viewing intention registered positive influence from perceived enjoyment on its own. Audience immersion worked positively on Future attendance intentions as well. Performance strategies for technology-based dance carry an implication from this — build them around multisensory stimulation, originality, and Interest.

본 연구는 대학교 무용 전공자가 다른 분야로 경력을 전환하는 과정에서 어떠한 맥락과 반복적 패턴이 나타나는지를 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 무용 전공 후 타 직업 영역으로 이동한 6명을 대상으로 심층면담을 실시하였다. 수집된 자료는 권지성(2018)이 제시한 맥락–패턴 분석 전략에 따라 정리한 뒤 개별 사례 분석과 사례 간 통합 분석의 과정을 거쳐 해석하였다. 연구 결과, 무용 전공자의 경력전환은 전공에 대한 부정이나 실패라기보다 예술 직업 구조의 불안정성과 개인의 생애 조건의 변화 속에서 나타난 선택의 과정으로 확인되었다. 또한 무용 수행을 통해 형성되었던 신체 감각이나 미적 판단 기준, 교육 경험 등은 전환 이후의 직업 영역에서도 다양한 방식으로 이어지고 있었다. 이는 경력전환이 전공 경험의 단절이 아니라 전공 역량이 작용하는 장의 변화로 이해될 수 있다. 따라서 본 연구는 무용 전공자의 진로를 단순히 ‘지속’과 ‘이탈’의 이분법으로 구분하여 설명하기보다, 변화하는 사회적 조건 속에서 자신의 경험과 전문성을 재배치하는 과정으로 조명하였다는 점에서 의의를 가진다.

This study explores the contexts and recurring patterns in the career transitions of university dance majors into other professional fields. Based on in-depth interviews with six participants, the data were analyzed using Kwon’s (2018) context–pattern strategy. The findings show that these transitions are not failures or rejections of the major, but strategic choices shaped by the instability of the artistic labor market and changing life conditions. Moreover, competencies developed through dance, including embodied sensibilities and aesthetic judgment, continue to operate in new professional contexts. These results suggest that career transitions are not a severance of prior experience, but a reconfiguration of competencies across changing social contexts.

본 연구는 안무가 송주원의 MR 공연 작품을 통해 관객이 지각 반응하여 인지하는 장소성에 관한 논의이다. 가상의 VR 영상과 안무가가 제안하는 실제의 상황이 교차되는 송주원의 MR 공연 작품 <자리와 주름:아키타입-혼합현실 퍼포먼스>를 논의의 대상으로 진행하였다. 논의는 안무가가 제안하는 작업에서 인지되는 지각적, 인지적, 정서적 처리 과정을 통해 관객이 체험 가능한 장소성에 집중하였다. 이에 작품에서 관객이 인지한 장소성은 공연예술의 새로운 장소의 개념을 확장시켰고, VR이라는 매체를 통해 전혀 다른 관계성을 확보하였다. 이에 MR공연은 기존의 전통적인 공연 방식과의 다름을 통해 문화적 정체성을 강화하는 가능성을 제시하였을 뿐만 아니라 시공간을 넘나들면서 새로운 공동체의 형성과 연대의 가능성을 보여주었다.

This study discusses the placeness perceived and recognized by audiences through the MR (Mixed Reality) performance of choreographer Song Joowon. This research examines Song Joo-won’s MR performance <Place and Fold: Archetype-MR Performance>, which traverses between the virtual and the real, as the subject of discussion. The discussion explores the modes of perception formed within virtual space through the perceptual, cognitive, and emotional processes by which placeness is recognized. Furthermore, the VR experience within MR performance expands the concept of place in the performing arts beyond the placeness recognized by audience, while establishing entirely different relational dynamics through the medium of VR. Consequently, MR performance not only presents the possibility of strengthening cultural identity by differentiating itself from conventional performance formats, but also demonstrates the potential for forming new communities and solidarity that transcend the boundaries of time and space.

본 연구는 중국 노인을 대상으로 몽골무 체험의 집단성이 심리적 안녕감에 미치는 영향과 자아존중감의 매개효과 및 역동성의 조절된 매개효과를 검증하였다. 중국 사천성 면양 지역 노인 207명을 대상으로 설문조사를 실시하고, 회귀분석과 부트스트래핑 기반 조절된 매개분석을 수행하였다. 분석 결과, 집단성은 심리적 안녕감에 직접적인 영향을 미치지 않았으나 자아존중감을 매개로 유의미한 간접효과를 나타냈다. 또한 집단성은 자아존중감에 정(+)의 영향을 미쳤으며, 이 관계는 역동성 수준에 따라 조절되었다. 특히 역동성이 낮은 경우 간접효과가 가장 크게 나타나 조절된 매개효과가 확인되었다. 이는 몽골무 체험에서의 집단적 상호작용이 자아존중감을 통해 심리적 안녕감에 간접적으로 영향을 미침을 시사한다.

This study examined the effect of groupness in the Mongolian dance experience on psychological well-being among older adults in China, focusing on the mediating role of self-esteem and the moderated mediation effect of dynamism. A survey was conducted with 207 older adults in Mianyang, Sichuan Province, and the data were analyzed using regression and bootstrapping-based moderated mediation analysis. The results showed that groupness had no direct effect on psychological well-being but exerted a significant indirect effect through self-esteem. Groupness positively affected self-esteem, and this relationship was moderated by dynamism. The indirect effect was strongest at lower levels of dynamism, confirming a significant moderated mediation effect. These findings suggest that group interaction influences psychological well-being indirectly via self-esteem.

본 연구는 국가무형유산 제39호 처용무의 안무 구조에 내재된 반복성을 기하학적 구조와 형식주의 미학의 관점에서 분석하고, 루신다 차일즈(Lucinda Childs)의 <Dance>(1979)와의 비교를 통해 상이한 문화적 맥락에서 독립적으로 출현하는 형식 원리를 탐구하는 것을 목적으로 한다. 비교의 방법론적 정당성은 클라이브 벨(Clive Bell)의 형식주의 미학에 근거한다. 분석 결과, 첫째 처용무는 오방위(五方位)라는 비가시적 좌표로 공간을 구축하는 반면, 차일즈는 솔 르윗(Sol LeWitt)의 격자 영상이라는 가시적 그리드로 공간을 좌표화한다. 둘째 처용무는 출발 대형으로 회귀하는 수미상관의 닫힌 순환 구조를, <Dance>는 비종결적 모멘텀이 축적되는 열린 반복구조를 보인다. 셋째 처용무의 탈개인화는 가면을 통한 우주론적 좌표의 부여(소거+부여)인 반면, <Dance>의 탈개인화는 감정 배제 후 구조적 패턴만 남는 순수한 비움(소거+부재)이다. 두 작품의 형식적 유사성은 영향 관계가 아닌, 서사 배제와 형식적 질서의 추구라는 공통의 미학적 조건에서 독립적으로 산출된 현상으로 해석된다.

This study analyzes structural repetition in Cheoyongmu (National Intangible Heritage No. 39) through formalist aesthetics, comparing it with Lucinda Childs' Dance (1979) to identify formal principles emerging independently across disparate cultural contexts, grounded in Clive Bell's theory of significant form. Three findings emerge. First, Cheoyongmu constructs space via the invisible coordinates of five cardinal directions (Obangwi), while Childs uses Sol LeWitt's visible projected grid. Second, Cheoyongmu follows a closed cyclical structure returning to its initial formation; Dance exhibits an open structure accumulating non-teleological momentum. Third, depersonalization in Cheoyongmu operates through erasure-plus-investiture assigning cosmological coordinates via masks; in Dance through erasure-plus-absence reducing dancers to pure structural patterns. These similarities reflect independent emergence from shared conditions of narrative exclusion and pursuit of formal order.

본 연구는 한국 Arts & Health 정책 맥락에서 무용치료의 직업적 위치와 전문직화 수준을 진단하고, 제도적 확장 가능성을 탐색하였다. 서사적 문헌고찰과 정책 문헌 분석에 전문직 이론을 적용한 결과, 한국의 관련 정책은 예술의 치유적 기능을 포괄적으로 수용할 뿐 세부 직역의 관할권을 명확히 구조화하지 못한 과도기적 상태로 확인되었다. 특히 무용치료는 타 예술치료에 비해 정책적 가시성이 낮아 학문적 정당성 확보에도 불구하고 제도적 승인이 미비한 ‘부분적 제도화(partially institutionalized profession)’ 단계에 머물러 있다. 신체 기반 중재로서 사회적 취약계층에 독보적 가치를 지닌 무용치료가 공공보건 체계 내 독자적 전문직으로 확립되기 위해서는 다원화된 자격 체계 통합, 교육과정 표준화, 정책 내 독립적 명시 등 능동적인 관할권 구축 전략이 필수적임을 시사한다.

This study examines the occupational status and professionalization level of dance therapy within South Korea’s Arts & Health policy. Utilizing a narrative literature review, policy document analysis, and the theory of professions, the findings reveal that the current policy remains transitional, lacking clear jurisdiction for specific therapeutic modalities. Compared to other arts therapies, dance therapy exhibits lower policy visibility, remaining a "partially institutionalized profession" with insufficient institutional approval despite its academic legitimacy. Given its unique value as a body-based intervention for vulnerable populations, dance therapy must establish an independent professional status within the public health system. Ultimately, its institutional expansion requires proactive strategies to build professional jurisdiction, including integrating qualification systems, standardizing curricula, and ensuring independent specification in policy discourse.

본 연구는 예술고등학교 무용전공 입시생의 자기관리 전략을 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 통해 입시 준비 과정에서 자기관리의 중요성을 학술적으로 입증하고, 나아가 무용 교육 현장의 교수자들이 학생들의 특성에 맞는 체계적인 자기관리 방향을 확립하는 데 기여하고자 한다. 본 연구에서는 예술고등학교 소재의 무용전공 입시생 4명을 연구참여자로 선정하여 심층면담을 통한 삼각검증법을 실시하였다. 입시생들의 입시 준비과정에서 자기관리 전략을 크게 네 가지 범주로 도출되었다. 첫째, 신체 관리 내에서 외모, 운동 및 재활 관리 전략이 나타났다. 둘째, 훈련관리 내에서 개인 연습 및 지도자와의 레슨전략이 나타났다. 셋째, 대인 관리 내에서 가족 구성원 및 학교 구성원과의 관계 전략이 나타났다. 넷째, 정신관리 내에서 스트레스 관리 및 심상 관리 전략이 나타났다. 본 연구에서는 예술고등학교 무용전공 입시생의 성공적인 입시 준비를 위해 단순한 기술 연마를 넘어 신체적, 심리적, 환경적 요인이 결합 된 통합적 자기관리 전략이 필수적임을 규명하였다. 이를 토대로 체계적인 신체 회복 및 예방 교육, 심리 지원 체계 강화, 지도자의 전문적인 지도 역량 강화 교육을 제안한다.

This study investigates the self-management strategies of dance major students preparing for entrance examinations at arts high schools. Four students participated in in-depth interviews. The findings identified four key domains of self-management: physical, training, interpersonal, and mental management. Physical management involved appearance, exercise, and rehabilitation; training management included individual practice and instructor-led lessons. Interpersonal management focused on relationships with family and school members, while mental management addressed stress regulation and imagery training. The results highlight that successful entrance preparation requires integrated self-management beyond technical skill development. The study suggests strengthening physical recovery education, psychological support systems, and instructors’ professional competencies.

본 연구는 디지털 기술 확산 속에서 무용교육과 공연예술이 겪는 구조적 변화를 탐색하고 생성형 AI[ChatGPT(오픈AI), Gemini(구글)]와 무용 분야 전문가 5인의 인식 차이에 대하여 FGI를 통하여 개방–축–선택 코딩 절차로 분석하였다. 분석 결과 인간 전문가는 창작 주체성을 예술적 가치, 신체성을 중심으로 본다면 AI는 기능성, 효율성, 확장성 중심으로 보았다. 또한 태도–가치–수용성–활용으로 이어지는 인식 구조가 도출되었으며 기술 도입의 핵심 매개 변인으로 수용성이 확인되었다. 이에 본 연구는 대학 무용교육의 교육과정 개편, 기술 역량 강화, 예술성 약화, 윤리와 책임 기준 정립의 필요성을 강조하고 무용 공연예술에서는 인간 중심과 기술 중심 모델의 균형 속에서 발전해야 함을 강조하고 기술 활용의 장점으로는 교육 효율성, 자료 분석 강화, 공연 제작 환경 확장이 제시되었다. 또한 향후에 실증적 적용과 장기적인 비교 연구의 필요성을 제안하였다.

This study examines structural changes in dance education and performing arts amid the rapid diffusion of digital technologies, analyzing perceptual differences between generative AI [ChatGPT (OpenAI) and Gemini (Google)] and five dance experts through Focus Group Interviews(FGI) using open, axial, and selective coding. The findings indicate that human experts conceptualize creative agency in terms of artistic value and corporeality, whereas AI prioritizes functionality, efficiency, and scalability. An awareness structure progressing from attitude to value, acceptance, and utilization was identified, with acceptance emerging as the key mediating factor in technology adoption. The study underscores the need for curriculum reform in university dance education, enhancement of technological competencies, and the establishment of ethical standards, while advocating a balanced integration of human-centered and technology-centered models. It also calls for empirical applications and long-term comparative research.

본 연구는 제33회 영도다리축제를 사례로 하여 지역 역사문화축제의 성과 구조와 방문객 만족도 형성 요인을 실증적으로 분석하였다. 이를 위해 축제 방문객 477명을 대상으로 설문조사를 실시하고, 방문객 특성 분석, 만족도 인식 수준 분석, 전반적 만족도 결정요인에 대한 다중회귀분석을 수행하였다. 분석 결과, 영도다리축제는 전반적으로 높은 방문객 만족도를 보였으며, 만족도 형성에 있어 콘텐츠의 흥미성이나 구성 적절성보다는 운영 및 관리의 적절성과 지역발전 기여도에 대한 인식이 핵심적인 영향 요인으로 나타났다. 반면 콘텐츠 및 내용 적절성은 전반적 만족도에 통계적으로 유의미한 영향을 미치지 않았고, 전문성 및 완성도는 한계적인 수준의 영향만을 보였다. 이는 장기간 지속되어 온 역사문화축제의 경우, 콘텐츠가 방문객에게 기본적 기대 요인으로 작용하며 만족도의 차별성은 운영 안정성과 장소 기반 의미 인식에서 형성됨을 시사한다. 아울러 본 연구는 무용·공연예술 경험요인을 독립적 성과 요인으로 설정하여 분석하였으며, 그 결과 무용·공연예술을 통한 수행적·체험적 경험이 전반적 만족도 형성에 유의미한 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 이는 무용·공연예술이 지역 역사문화축제에서 단순한 프로그램 요소를 넘어, 장소성 및 공동체적 의미를 매개하는 핵심 경험 요인으로 기능함을 보여준다.

This study examines the performance structure of a regional historical–cultural festival and the determinants of visitor satisfaction, using the 33rd Yeongdo Bridge Festival as a case study. A questionnaire survey was conducted with 477 visitors, and the data were analyzed using descriptive statistics and multiple regression analysis. The results show that overall visitor satisfaction was generally high; however, satisfaction was influenced more strongly by perceptions of festival operation and management and contributions to local development than by content-related factors. Festival content appropriateness was not statistically significant, while professionalism showed only marginal effects, suggesting that in long-standing historical festivals, content functions as a basic expectation rather than a differentiating factor. In addition, this study introduced dance and performing arts experience as an independent factor and found that embodied and performative experiences significantly contributed to overall satisfaction. This indicates that dance and performing arts serve not merely as entertainment, but as core experiential elements that mediate place identity and communal meaning.

본 연구의 목적은 무용교육자들의 교육 경험을 바탕으로, 학습자의 성격 유형에 따른 학습 반응의 차이와 이에 대응하는 교수 전략의 특징을 규명하는 데 있다. 수도권의 무용교육자 5명을 대상으로 내러티브 자료를 수집하고, Big Five 성격 이론을 해석 틀로 적용하여 분석하였다. 연구문제는 교육자의 교수 철학 형성 과정, Big Five 성격 유형별 교수 전략의 양상, 성격 유형별 학습효과에 대한 인식의 세 가지로 설정하였다. 분석 결과, 교육자들은 소통과 신뢰 중심의 교수 철학을 형성하고 있었으며, Big Five 성향 차이에 따라 피드백 방식, 수업 속도, 과제 제시를 유연하게 조정하는 개별화된 교수 전략을 실천하고 있었다. 또한, 성격 요인을 고려한 교수 전략은 학습자의 자발적 참여와 표현 확장을 촉진하며, 교육자의 교수 역량 성장으로도 이어졌다. 이에 따라 교육자의 역할이 동작 지도를 넘어 학습자 성향 기반의 성장 환경 설계로 확장되어야 함을 제시하는 데 의의가 있다.

The purpose of this study is to examine differences in learning responses according to learners personality types and to identify the characteristics of corresponding teaching strategies, based on the educational experiences of dance educators. Narrative data were collected from five dance educators in the Seoul metropolitan area and analyzed using the Big Five personality theory as an interpretive framework. Three research questions were established: the formation process of educators teaching philosophies, the patterns of teaching strategies according to Big Five personality types, and educators perceptions of learning effects by personality type. The findings revealed that educators had formed teaching philosophies centered on communication and trust, and were practicing individualized teaching strategies by flexibly adjusting feedback methods, class pacing, and task presentation according to differences in Big Five personality traits. Furthermore, teaching strategies that considered personality factors were found to promote learners voluntary participation and expressive development, while also contributing to the growth of educators own teaching competencies. This study suggests that the role of dance educators should expand beyond movement instruction toward designing growth-oriented learning environments grounded in learners personality tendencies.

본 연구는 2000년부터 2026년까지 국외 브레이킹 연구의 변화를 살펴보기 위해 구글 스칼라와 스코퍼스에서 수집된 311편의 학술 논문을 대상으로 TF-IDF와 LDA 토픽모델링을 포함한 텍스트마이닝 기법을 활용하여 분석하였다. 분석 결과, 1기(2000–2017)는 올림픽 채택 이전 시기로 힙합, 문화, 정체성 등의 키워드를 중심으로 하위문화로서의 저항성과 국제적 확산, 사회적 제약 극복과 관련된 연구 경향이 나타났다. 2기(2018–2026)는 올림픽 채택 이후 시기로 gold, olympic, performance, injury, gender, experience 등의 키워드가 등장하며 연구 주제가 보다 다양하게 분화된 양상을 보였다. 최근 연구는 단순한 스포츠 관점에 한정되기보다 수행자의 신체적 경험, 젠더 관계, 신체적 위험과 회복, 사회적 통합, 역사적 맥락 등 다양한 차원이 함께 다루어지는 것으로 나타났다. 본 연구는 지난 25년간 국외 브레이킹 학술 담론의 구조적 변화를 정량적으로 제시하고 향후 브레이킹 연구를 위한 기초 자료를 제공하는 데 의의를 지닌다.

This study examines changes in international research on breaking from 2000 to 2026 by analyzing 311 academic papers collected from Google Scholar and Scopus using text-mining techniques, including TF-IDF and LDA topic modeling. The results indicate that the first period (2000–2017), prior to Olympic adoption, was characterized by research trends related to subcultural resistance, transnational diffusion, and the overcoming of social constraints, with core keywords such as hip-hop, culture, planet, and identity. The second period (2018–2026) shows a diversification of research topics, with keywords such as gold, olympic, performance, injury, gender, and experience. Studies increasingly address multiple dimensions of breaking, including embodied experience, gender relations, physical risk and recovery, social integration, and historical contexts. This study quantitatively presents the structural transformation of international academic discourse on breaking over a 25-year period and provides foundational data for future research.

본 연구는 표현활동 수업에 참여한 예비 체육교사의 성찰저널을 분석하여 움직임 수행 과정에서 나타나는 인바디드 심미적 체험의 의미를 탐색하고자 하였다. 연구참여자는 수도권 소재 A대학교 체육교육과 학생 27명이며 표현활동 실기수업(9–15주) 종료 후 작성한 성찰저널을 질적 내용분석과 주제분석을 통해 분석하였다. 분석 결과, 인바디드 심미적 체험은 다섯 가지 범주로 나타났다. 첫째, 호흡·균형·근육 긴장에 대한 신체 감각의 자각, 둘째, 음악과 움직임 속에서의 신체 몰입과 자동 반응, 셋째, 신체를 표현의 대상이 아닌 경험의 주체로 인식하는 변화, 넷째, 부담감에서 즐거움과 자신감으로의 정서적 전환, 다섯째, 수행을 통한 움직임 의미의 체화된 이해이다. 연구 결과는 표현활동의 심미적 체험이 외적 결과가 아닌 수행 과정에서 감각·정서·인지가 통합되어 형성되는 과정 중심의 체험임을 보여준다. 또한 이와 같은 체험은 향후 학습자의 감각과 정서적 과정을 중시하는 교수 관점 형성의 기반이 될 수 있음을 시사한다.

This study explored the meaning of embodied aesthetic experiences during movement performance by analyzing the reflective journals of 27 pre-service physical education teachers at a university in Seoul. Data from an expressive activities course (Weeks 9–15) were analyzed using qualitative content and thematic analysis. Five core categories emerged: heightened awareness of bodily sensations (breath, balance, and muscle tone); bodily immersion and automaticity within music and movement; a shift toward bodily agency rather than objectification; emotional transformation from pressure to confidence; and embodied understanding through internalized movement meanings. The findings suggest that aesthetic experience in expressive activities is a process-oriented integration of sensation, emotion, and cognition during performance, rather than a mere focus on external outcomes. Such experiences provide a critical foundation for pre-service teachers to develop pedagogical perspectives that prioritize learners' sensory and emotional processes.

본 연구는 ARCO 국제협업·국제예술교류 지원사업(2019–2025)과 예술경영지원센터(센터스테이지코리아) 해외진출 지원사업(2017–2024)의 결과자료를 분석하여, 한국 현대무용 해외유통의 구조적 유형과 국제예술교류 네트워크의 특성을 규명하는 데 목적이 있다. 연도별·유형별 사례 빈도 분석과 네트워크 구조 분석을 통해 해외유통 방식과 참여 주체의 분포양상을 검토하였다. 연구 결과, 한국 현대무용 해외유통은 공연·투어 중심 유통에서 협업·창제작 및 기획·네트워크 중심 유통으로 단계적으로 전환되고 있었다. 해외유통은 유럽을 중심으로 집중되는 경향을 보였으며, 해외 파트너 기관을 중심으로 한 허브–노드 구조의 네트워크가 형성되어 있었다. 개인 예술가는 단기적·단발적 참여가 많았던 반면, 단체는 반복적 해외유통을 통해 상대적으로 안정적인 네트워크 위치를 점유하였다. 본 연구는 해외유통을 공공 정책과 국제 네트워크가 결합된 구조적 과정으로 분석함으로써, 공연예술 국제교류 연구와 향후 해외유통 정책 설계에 시사점을 제공한다.

This study aims to identify the structural types of overseas distribution and the characteristics of international arts exchange networks in Korean contemporary dance by analyzing the outcomes of the ARKO International Collaboration and International Arts Exchange Support Programs (2019–2025) and the overseas distribution support programs of the Arts Management Support Center, including Center Stage Korea (2017–2024). Using year- and type-based frequency analysis and network structure analysis, the study examines patterns of overseas distribution and the distribution of participating agents. The results indicate that the overseas distribution of Korean contemporary dance has gradually shifted from performance- and tour-oriented models to collaboration-, creation-, and planning- or network-oriented models. Overseas activities were concentrated primarily in Europe, and international exchange networks exhibited hub–node structures centered on overseas partner institutions. While individual artists tended to engage in short-term and one-off participation, dance companies demonstrated more stable positions within the network through repeated overseas distribution activities. By conceptualizing overseas distribution as a structural process shaped by public policy and international networks, this study offers implications for performance arts exchange research and the future design of overseas distribution policies.

본 연구의 목적은 무용전공 대학생의 메타인지가 진로결정 자기효능감 및 진로준비행동에 미치는 영향을 실증적으로 규명하는 데 있다. 2026년 2월 1일부터 2월 28일까지 서울·경기 소재 무용전공생 202명을 대상으로 설문을 실시하였으며, SPSS 25.0을 통해 요인·신뢰도·상관관계·다중회귀분석을 수행하였다. 주요 결과는 다음과 같다. 첫째, 메타인지의 모든 하위요인은 진로결정 자기효능감에 유의한 영향을 미쳤다. 구체적으로 메타통제와 지식은 미래계획 및 문제해결에, 메타통제와 평가는 목표설정 효능감에 긍정적 영향을 주었다. 둘째, 이러한 심리적 확신은 진로준비행동으로 이어졌으며, 특히 메타통제는 정보수집, 실천행동, 목표달성 전 과정을 견인하는 핵심 예측 변인으로 나타났다. 셋째, 메타통제는 사고 조절을 통해 실천력을 높이는 결정적 기제임이 확인되었다. 결론적으로 본연구는 무용전공생의 자기효능감을 고취하고 능동적 진로준비를 이끌어내기 위해 메타인지 역량 중심의 체계적인 교육 프로그램 마련이 필요함을 시사한다.

This study empirically investigates the effects of metacognition on career decision self-efficacy and career preparation behavior among 202 dance majors. Data collected in February 2026 were analyzed using SPSS 25.0. The findings are as follows: First, all sub-factors of metacognition significantly influenced career decision self-efficacy. Second, this psychological confidence effectively translated into career preparation behavior. Notably, metacognitive control emerged as the most powerful and consistent predictor, driving the entire process of information seeking, practical action, and goal achievement. Third, it was confirmed that metacognitive control is a decisive mechanism for enhancing practical execution through cognitive regulation. These results suggest that systematic educational programs focusing on metacognitive competence are essential to fostering self-efficacy and proactive career preparation in dance students.