Earticle

본고의 목적은 조선 후기 회화에 나타난 도가적 풍류의 낭만성을 분석해 보는 것이다. 중국 위진(魏晉) 시대 죽림칠현(竹林七賢)이 죽림에서 청담을 주고받으며 도 가적 풍류를 즐겼던 것과 같은 낭만적 풍류가 조선 사인(士人)들에게도 있었다. 위진 시대 죽림칠현은 도가사상의 낭만주의적 전통을 보여주었다. 『세설신어(世說新語)』에 등장하는 위진 명사들은 노장(老莊)의 광자(狂者) 정신을 바탕으로 자유분방한 정신적 역량을 마음껏 펼치며 산 인물들이었다. 임병양란(壬丙兩亂) 이후 변화된 시대적 상황 속에서 문인 화가들과 화원 출신 의 화가들이 당시 사인들의 풍류를 유가적 전아미에 도가적 자연미를 융합하여 사인들 의 풍류를 낭만성이 깃든 도가적 풍류로 표현했다. 그들의 그림에 표현된 정감적이며 낭만적 풍류는 도가사상에서 기인한 것이다. 물론 도가사상 그 자체로만 분석되는 것 은 아니다. 도가와 유가가 동시에 묘합적으로 담겨 있는 것이 많다. 본고는 이런 점을 인정하면서도 방법론적으로 주로 도가 차원에서 분석하고자 한다. 조선 후기 화가 중 에도 주체적으로 광자적 삶을 살며 남다른 예술 세계를 펼친 여항 화가들이 있었다. 죽림에 은거한 위진 풍류 명사들과는 다른 양상의 낭만적 풍류를 그린 화가들도 있었다. 당시 그들이 그린 낭만적 풍류의 양상은 주로 산수인물화와 산수유람 풍류, 음악․ 가ㆍ무를 동반한 연회(宴會) 풍류 작품 등에서 볼 수 있다.

The purpose of this study is to analyze the romantic qualities of pungnyu rooted in Daoist ideals as expressed in late Joseon Dynasty painting. Just as the Seven Sages of the Bamboo Grove in the Wei-Jin period exchanged philosophical ideas and enjoyed a life of Daoist pungnyu in seclusion, a similar romantic pungnyu was embraced by the sarim scholars of Joseon. The Seven Sages embodied the romantic tradition of Daoist thought. The figures featured in Shishuo Xinyu were eccentric intellectuals who lived with a free-spirited vitality grounded in the Daoist philosophy of spontaneity, channeling the unrestrained energy of Zhuangzi’s “madman” archetype. In the aftermath of the Japanese and Manchu invasions, the shifting socio- political landscape prompted both literati painters and those trained as court artists to express the pungnyu of the time by blending the Confucian aesthetics of elegance with the Daoist ideals of natural beauty. The romantic pungnyu conveyed in their paintings originated in Daoist thought, though it is not confined to Daoist philosophy alone; rather, many works reflect a syncretic harmony of Daoist and Confucian elements. While acknowledging this synthesis, this study focuses primarily on a Daoist framework as an analytical lens. Among the late Joseon painters were non-mainstream or itinerant artists who led self-directed, madman-like lives and cultivated distinctive artistic worlds of their own. Some depicted a different form of romantic pungnyu from that of the Wei-Jin sages. These expressions were particularly evident in landscape figure paintings, scenes of scenic excursions, and depictions of festive gatherings accompanied by music, singing, and dance.

중국 민간 토우 채색 조형예술의 대표적인 사례로 꼽히는 '쥔셴 니구구(浚縣泥 咕咕)'는 제1차 국가급 무형문화유산에 등재되었으며, 지역 민속 신앙과 역사 문화의 함의를 풍부하게 담고 있다. 본 연구는 민속 신앙과 고고학적 발견이라는 이중적 시각 을 바탕으로 니구구의 기원 문제를 체계적으로 고찰하고, 문화 상징 기호로서의 역사 적 변천과 사회적 기능을 규명하고자 하였다. 민속 문화 현상에 대한 분석과 함께 유적 지 및 출토 유물을 통합적으로 고찰함으로써 문화적 해석과 물질적 증거 간의 상관성 을 심층적으로 분석하였다. 연구 결과, 니구구의 민속 신앙적 기원은 주로 묘회 제사, 조류 토템 숭배, 생식 숭배, 전쟁 기념 등 원시 사회의 신앙 체계에 기반하고 있으며, 고고학적 측면에서는 한대 출토 토우 유물이 현존하는 가장 이른 사례로 확인되어 신 앙 기원의 실증적 근거를 제공한다. 민속 신앙과 고고학의 이중적 검증을 통해 니구구 의 기원을 심층적으로 해명하였을 뿐 아니라, 문화유산의 전승과 보존의 중요성에 대 한 이론적 토대를 마련하고 실천적 방향성을 제시하였다.

Mud Gugu from Xun County is a significant representative of Chinese folk clay sculpture art and was among the first items inscribed on the national list of Intangible Cultural Heritage in China. It embodies rich regional folk beliefs and historical-cultural connotations. This study explores the origins of Mud Gugu from two complementary perspectives: folk belief and archaeological discovery. By analyzing folk cultural phenomena alongside archaeological sites and unearthed artifacts, this paper investigates the interplay between intangible cultural expressions and material evidence. The findings suggest that the origins of Mud Gugu's folk belief system are closely tied to temple fair rituals, bird totem worship, fertility worship, and war memorial practices, with roots traceable to prehistoric societies. Among the earliest archaeological evidence is a Han dynasty-era Mud Gugu artifact, which substantiates the oral and ritual-based traditions. This dual validation—through both folklore and archaeology—not only deepens the inquiry into Mud Gugu’s origin but also emphasizes its cultural transmission and the importance of preservation. The study further contributes theoretical insight and practical approaches for the safeguarding of intangible cultural heritage.

As a critical component of quality-oriented education, aesthetic education plays an irreplaceable role in fostering individuals’ comprehensive development. However, current practices in aesthetic education in China face persistent challenges. To address these issues, this study proposes an Art-Following Teaching Model and rigorously evaluates its efficacy through systematic experimental research. The findings demonstrate that the model significantly enhances adolescents’ aesthetic literacy and artistic perception capabilities. The Art-Following Teaching Model presents four key advantages. First, it improves educational quality by integrating experiential and creative pedagogical approaches. Second, it aligns closely with the practical realities of primary and secondary education in China, ensuring adaptability to existing curricular frameworks. Third, it mitigates resource constraints by reducing reliance on specialized materials or advanced equipment. Fourth, the model requires minimal teacher training and infrastructure support, making it accessible, scalable, and operationally feasible. By balancing aesthetic cultivation with cognitive development, the model not only enriches art education but also strengthens interdisciplinary learning. It enhances students’ performance in core academic subjects while fostering creativity and critical thinking. This dual focus on artistic and scholastic growth provides a practical solution to systemic challenges in aesthetic education, such as limited instructional time and resource inequities. The Art-Following Teaching Model offers a theoretically grounded and empirically validated framework for advancing holistic youth development. Its innovative design bridges gaps between theory and practice, contributing to educational reform efforts in China. By demonstrating how aesthetic education can synergize with mainstream curricula, the study advances both scholarly discourse and actionable strategies for cultivating well-rounded learners.

美育作爲素質教育的關鍵組成部分，在促進人的全面發展中發揮著不可替代的作 用。然而，當前中國美育實踐仍面臨諸多挑戰。針對這一問題，本研究創新性地提出了藝 術跟隨教學模式，並通過系統的教學實驗驗證了該模式在青少年美育實踐中的有效性。實 驗結果表明，該模式能顯著提升青少年學生的審美素養和藝術感知能力。藝術跟隨教學模 式具有多重優勢：首先，該教學模式有效提升了美育教育的質量；第二，該教學模式與當 前中國中小學教育現狀高度契合；第三，該教學模式有效緩解了美育課程資源不足的困 境；第四，對師資力量和教學設備要求相對較低。藝術跟隨教學模式兼具普適性、創新 性、實驗性和可操作性。“藝術跟隨教學”模式契合當前中國中小學教育體系的發展實際，爲 美育實踐探索提供了新的思路與方法。該模式能夠在有限課時內提升美育質量，有效增強 青少年的審美素養，同時促進主課學習成果的提升，有助於實現學科間的交流與融合。該 教學模式的提出不僅爲中國美育實踐提供了新的思路和方法論指導，更爲推動青少年全面 發展開辟了新的路徑，對深化素質教育改革具有重要的理論和實踐意義。

화제(畵題) 등 회화평론 146편의 글 안의 회화미학 관련 의미어를 검토 대상으 로 하여 서거정(徐居正) 회화미학의 성격을 분석한 결과는, 서거정 일개인의 미의식 뿐 아니라 조선 전기의 전반적인 문인(文人) 심미세계를 해석하는 데도 의미가 있다. 네 개의 주요 미학 개념인 한(閑)⦁흥(興)⦁풍류(風流)⦁청(淸)을 중심으로 저술된 화 론(畵論)에 나타난 서거정의 미학사상 내지 미의식은 다음과 같이 정리할 수 있다. 첫 째, 자연과의 조화를 중시하며, 인간과 자연의 이상적인 관계를 표현한다. 둘째, 예술 과 문학적 정취를 강조하며, 고상하고 세련된 미의식을 드러낸다. 셋째, 생동감과 활력 을 포용하는 미의식을 나타낸다. 넷째, 자연을 초월한 이상적인 세계를 추구하는 성격 을 드러낸다. 다섯째, 동시대 다른 사대부 화론가들에 비하자면, 회화의 교화적 기능보 다는 자연친화적 지향과 인간 정취를 중시하는 미학사상을 가졌다. 특히 마지막 항목 이 시사하는 바는 중요하다. 조선 전기의 문인이라 하여도 유가미학의 기준으로 창작 과 감상의 모든 행위가 이루어진 것은 아니고, 문인의 보편적인 양태인 도가적 방식을 통한 유가적 이상의 구현이란 방식이 조선 전기의 사대부 회화관에도 여전히 투영되어 있다는 점을 확인할 수 있다.

This study analyzes the aesthetic consciousness of Seo Geo-jung (徐居正: 1420-1488) as reflected in 146 critical essays on painting topics by examining the semantic terms related to painting aesthetics. The findings are significant not only for understanding Seo Geo-jung’s individual aesthetic sensibility but also for interpreting the overall literary aesthetic worldview of early Joseon intellectuals. Seo’s aesthetic ideas, as expressed in his critical writings on painting, are centered on four major aesthetic concepts: han (閑), heung (興), pungnyu (風流), and cheong (淸). These ideas can be summarized as follows: First, Seo emphasized harmony with nature and the ideal relationship between humans and the natural world. Second, he highlighted the artistic and literary ambiance, revealing a refined and sophisticated aesthetic sensibility. Third, his aesthetic perspective embraced vitality and dynamism. Fourth, he pursued an ideal world transcending nature. Fifth, compared to his contemporaries, Seo’s aesthetic philosophy placed greater importance on affinity with nature and human sentiment over the didactic functions of painting. The significance of the final point lies in confirming that, even in the early Joseon period, not all creative and appreciative activities adhered strictly to Confucian aesthetic standards. Instead, a mode of integrating Confucian ideals through Taoist approaches, a universal tendency among literati, remained influential in shaping the painting aesthetics of early Joseon’s scholar-officials.

본 연구는 유닛 동질화(Unit Homogenization)의 개념을 이해하고, 유닛 동 질화의 융합 표현과 확장 표현을 위한 미학적 이론을 고찰한 것이다. 유닛 동질화는 개 별적인 단위가 반복적으로 배열되면서 하나의 통합된 성질을 형성하는 과정을 의미한 다. 유닛 동질화는 미술 분야뿐만 아니라 물리학, 사회학, 의학, 생태학 등 다양한 학 문에서도 발견되는데, 특히 미술 분야에서는 조형 예술에서 새로운 표현 방식과 창의 적 접근 방안을 모색하는 데 중요한 개념으로 작용한다. 본 연구에서는 유닛 동질화를 조형적으로 융합하고, 확장하는 표현을 할 때 각 기 어떤 미학적 원리에 기반하고 있는지 분석하여 유닛 동질화의 유기적 표현 방식을 만들고자 하였다. 미술 창작에서 유닛 동질화 융합 표현의 미학적 이론은 구조주의와 유기주의 이론이 기반이 되고, 확장 표현은 반복적 미학과 구조적 확장 이론이 기반이 됨을 알 수 있었다. 결론적으로 유닛 동질화의 근간이 되는 미학적 이론은 조형 예술의 새로운 표현 방식뿐만 아니라 학제 간 융합을 통해 다양한 창의적 표현에도 중요한 역할을 할 수 있 음을 시사하고자 한다.

This study understands the concept of unit homogenization and examines the aesthetic theory for the fusion and extended expression of unit homogenization. Unit homogenization refers to the process of forming a single integrated structure by repeatedly arranging individual units. Unit homogenization is found not only in the art field, but also in various disciplines such as physics, sociology, medicine, and ecology, especially in the art field, it acts as an important concept in seeking new expression methods and creative approaches in the formative arts. This study attempted to create an organic expression method of unit homogenization by analyzing what aesthetic principles are based on when expressing the formative fusion and expansion of unit homogenization. It was found that the aesthetic theory of unit homogenization fusion expression in art creation is based on structuralism and organicism, and the extended expression is based on repetitive aesthetics and structural expansion theory. In conclusion, the aesthetic theory, which is the basis of unit homogenization, suggests that it can play an important role not only in new expressions of formative art but also in various creative expressions through interdisciplinary convergence.

본 연구는 2022년 진행된 ‘한국 전통 수묵화 화풍별 제작 테이터’ 인공지능(AI) 학습용 데이터 구축사업과 2023년 진행된 ‘한국 전통 수묵 채색화 제작 데이터’ 인공지 능(AI) 학습용 데이터 구축사업, 2024년 진행된 ‘한국 전통 민화 분야 구축’을 중심으 로 한국화 AI의 등장과 현황을 파악하고 미래를 전망하는 것을 목적으로 한다. 그림에 관한 인공지능 학습의 경우 화풍 또는 화목에 따른 특유의 기법, 스타일, 색채 등이 밀 접하게 연관되어야 한다. 혁신적 기술이 회화의 새로운 창의적 도구가 된 것처럼 새로 운 예술의 시작점이며 인간만의 고유한 예술적 가치와 역할을 재발견할 수 있는 공생 의 기회이기도 하다. 이미지 생성 AI는 선천적 재능이나 전문적인 예술교육 없이도 누 구나 창작에 참여할 수 있게 하며, 텍스트 입력만으로 자신의 생각을 이미지로 구현할 수 있게 되었다. 이를 ‘예술의 민주화(democratization)’라고 한다. 앞으로 저작권 문제를 해결해 나가고, 인공지능 데이터를 통한 상품개발, 교육 개발이 이루어진다면 한국화를 알리고 전 세계인이 함께 즐기는 문화를 만들 수 있다고 생각된다. 또한 그동 안의 성과를 정리함으로써 한국화 AI가 창조적 문화예술로 자리매김할 수 있는지 가능 성을 알아보는데 이 연구의 의의가 있다.

This study aims to understand the emergence and current status of Korean painting AI and forecast its future, focusing on the "AI learning data construction project for Korean traditional ink painting styles" (2022), the "AI learning data construction project for Korean traditional ink and color painting" (2023), and the "Korean traditional Minhwa (folk painting) field construction" (2024). For AI learning related to paintings, the unique techniques, styles, and colors associated with specific painting styles or subjects must be closely integrated. Just as innovative technology has become a new creative tool for painting, this marks the beginning of a new art form and a symbiotic opportunity to rediscover humanity's unique artistic value and role. Image-generating AI allows anyone to participate in creation without innate talent or specialized art education, enabling them to realize their thoughts as images simply by inputting text. This is referred to as the "democratization of art." It is believed that by resolving copyright issues and developing products and educational materials through AI data, we can promote Korean painting and create a culture that people worldwide can enjoy together. Furthermore, this research is significant in that it consolidates past achievements to explore the potential for Korean painting AI to establish itself as a creative cultural art.

본 논문은 전라북도 남원시 주생면에 위치한 〈방한걸묘갈(房漢傑墓碣)〉을 중심으로, 조선 중기 대표적인 문인이자 서예가인 옥봉 백광훈(白光勳)의 서예 세계를 다각도로 조명하였다. 특히, 백광훈의 해서 필적이 드물게 남아있다는 점에 주목하여 〈방한걸묘갈〉의 서예사적 가치와 의미를 규명하고자 하였다. 〈방한걸묘갈〉은 백광훈이 성균 진사 시절, 스승인 노수신(盧守愼)의 글을 받 아 쓴 해서 작품이다. 이 묘갈은 백광훈 서예의 연원을 밝히는 중요한 단서를 제공한 다. 연구 결과, 백광훈의 서예는 왕희지 서풍을 근간으로, 스승인 양응정(梁應鼎)과 김 인후(金麟厚)에게 배웠던 남언기(南彦紀)의 영향을 구체적으로 받았던 것으로 추정된 다. 한호(韓濩)의 경우는 동료 서가로 백광훈과 서로 영향을 주고받았을 것으로 생각 된다. 백광훈의 서예는 당대부터 높은 평가를 받았다. 여러 문헌 기록을 통해 그의 글 씨가 굳세고 꼿꼿하며[遒勁], 위엄 있고 홀로 빼어나며[凜然獨秀], 엄정하고 정밀[方 嚴精密]하다는 평가를 받았음을 알 수 있었다. 특히, 왕희지의 필법을 계승하면서도 자 신만의 개성을 더하여 독자적인 '백체(白體)'를 이루었다는 점이 강조되었다. 〈방한걸묘갈〉의 글씨는 이러한 백광훈 서예의 특징을 고스란히 담고 있다. 석 봉 한호(韓濩)의 〈허엽신도비(許曄神道碑)〉해서와 비교 분석한 결과, 두 작품 모두 왕희지 서풍을 바탕으로 하지만, 백광훈의 글씨는 좀 더 힘차고 강건하며, 획의 시작과 끝, 꺾임 등에서 굳센 기운과 개성이 두드러짐을 확인하였다. 이는 '굳세고 꼿꼿함'을 추구한 백광훈 서예의 정수를 보여주는 것이라 할 수 있다. 〈방한걸묘갈〉은 희소한 백광훈의 해서 필적이라는 점, 그의 서예 세계 형성에 영향을 준 요인들을 확인할 수 있다는 점, 그리고 백광훈 특유의 굳세고 강건한 필치를 담고 있다는 점에서 중요한 서예사적 가치를 지닌다.

This study explores the calligraphic world of Baek Gwang-hun, also known as Okbong, a prominent scholar and calligrapher of the mid-Joseon Dynasty, through a multifaceted analysis of the Banghanggeol Myogal (Tomb Epitaph of Bang Hang-geol) located in Namwon, Jeollabuk-do. Highlighting the rarity of Baek's surviving haeseo (regular script) calligraphy, this research aims to elucidate the calligraphic and historical significance of the Banghanggeol Myogal. The Banghanggeol Myogal, a haeseo inscription transcribed by Baek Gwang-hun from a text by his teacher No Su-sin during his time as a Seonggyunjinsa, offers crucial insights into the development of Baek's calligraphy. This study reveals that Baek's calligraphic style was rooted in the tradition of Wang Xizhi, with specific influences from Nam Eon-gi, who was taught by Yang Eung-jeong and Kim In-hu. Han Ho, as a fellow calligrapher, is believed to have engaged in mutual exchange with Baek. Baek Gwang-hun's calligraphy garnered high acclaim even during his era. Contemporary literary records describe his calligraphy as "firm and upright (遒勁)", "dignified and imposing (凜然獨秀)", and "square, strict, and precise (方嚴精密)". Notably, his ability to synthesize Wang Xizhi's brushwork principles with his unique artistic sensibilities to forge an independent "Baekche (白體)" is consistently emphasized. The calligraphy of the Banghanggeol Myogal fully embodies these distinctive attributes of Baek Gwang-hun's art. A comparative analysis with Han Seok-bong's haeseo in the Heoyeop Sindo-bi (Stele of Heo Yeop) demonstrates that while both are grounded in Wang Xizhi's style, Baek's calligraphy exhibits greater vigor and robustness, with a palpable strength and individuality in stroke beginnings, endings, and transitions. This exemplifies the essence of Baek Gwang-hun's calligraphy, which actively pursued a "firm and upright" aesthetic. In conclusion, the Banghanggeol Myogal holds considerable calligraphic and historical importance as a rare exemplar of Baek Gwang-hun's haeseo, a source of insight into the formative influences on his artistic development, and a testament to his distinctive, powerful, and resolute brushwork. This research on the epitaph contributes significantly to our understanding not only of Baek Gwang-hun's calligraphy but also of the broader calligraphic landscape of the mid-Joseon period.

20세기 이후 한대 화상석(漢代畫像石) 연구는 중국 학계에서 중요한 연구 분야 로 자리 잡았다. 본 연구의 목적은 문헌계량학과 지식맵핑(knowledge mapping) 방법을 활용하여 1954년부터 2024년까지 CNKI 데이터베이스에 수록된 화상석 관련 연구 문헌을 CiteSpace 소프트웨어로 분석함으로써, 화상석 연구의 발전 과정, 연구 주제의 변화와 향후 연구 전망을 체계적으로 제시하는 것이다. 이를 위해 연구 문헌의 연도별 발행량, 핵심 연구자, 연구기관 및 키워드 군집화를 통한 연구 주제 분석을 수 행하였다. 분석 결과, 한대 화상석 연구는 형성기(萌芽期), 성장기(增長期), 급속 성장 기(快速增長期), 변동 성장기(波動增長期)의 네 단계를 거쳐 발전하였다. 연구의 핵심 주제는 초기의 고고학적 발굴 중심에서 점차 예술 양식, 문화적 함의, 디지털 보존 분 야로 확대되었으며, 최근에는 학제 간 융합연구 및 첨단기술의 활용이 연구를 촉진하 고 있다. 화상석 연구는 발굴 방법, 예술 분석, 디지털 보존 분야에서 괄목할 만한 성과를 이루었지만, 여전히 연구 방법의 단일성 및 학제 간 협력 부족 등의 한계를 지니 고 있다. 이에 본 논문에서는 디지털 기술의 적극적 활용과 다양한 학문 간 협력의 중 요성을 강조하며, 문화유산과 관광자원의 결합을 촉진할 수 있는 보존 및 전승 전략을 제안하였다. 이러한 연구는 현대 및 미래 화상석 연구에 새로운 시각과 방법론적 지침을 제공할 것으로 기대된다.

Since the 20th century, research on Han pictorial stones has emerged as a significant field within Chinese academia. This study aims to systematically examine the developmental trajectory, thematic evolution, and future prospects of Han pictorial stone research by employing bibliometric methods and knowledge mapping techniques. Using CiteSpace software, the study analyzes relevant literature collected from the CNKI database between 1954 and 2024. The analysis focuses on annual publication volume, key authors, research institutions, and keyword clustering to identify major trends and research themes.The findings reveal that Han pictorial stone research has progressed through four distinct stages: the formative stage, the growth stage, the rapid development stage, and the fluctuating development stage. The primary research focus has gradually shifted from early archaeological excavations to broader areas, including artistic styles, cultural interpretation, and digital preservation. In recent years, interdisciplinary integration and advanced technology have significantly driven the development of this field.While notable achievements have been made in excavation techniques, art analysis, and digital preservation, challenges remain. These include the dominance of traditional research methods and insufficient interdisciplinary collaboration. In response, this paper highlights the importance of adopting digital technologies and enhancing cross-disciplinary cooperation. It also proposes strategies for integrating cultural heritage preservation with tourism development. This research is expected to offer new perspectives and methodological guidance for future studies on Han pictorial stones.

이 논문은 明末․清初創新書藝를 대표하는 서예가로서 서예사에 획기적인 영향 을 끼친 傅山(1607~1685)의 書藝理論중 四寧四毋論에 대해 尙奇要素를 중심으로 고찰한 것이다. 명말청초는 정치, 경제, 사회,문화 모든 면에서 격동적인 변화가 일어난 시기로 서, 사상적으로는 個性解放潮流과 함께 陽明心學이 성행하여 종전까지 지배 사상이었 던 程朱理學에 큰 타격을 가했으며, 陽明左派의 하나인 泰州學派를 중심으로 인간의 眞情을 重視하는 사상이 유행했다. 李贄(1527~1602)가 주장한 童心說의 영향으로 서예계는 명대 전기 王羲之중심의 擬古主義書風에서 浪漫主義書風으로 바뀌는 계기 가 되었다. 서학 사상의 혁신적 변화는 명대 중기 祝允明(1461~1527)을 시작으로 명말 董其昌(1555~1636)에 이르기까지 淡白하고 生動的인 것을 추구하여 강렬한 개 성 해방 의식을 표현했다. 徐渭(1521~1593), 張瑞圖((1570~1644), 黃道周 (1585~1646), 倪元璐(1594~1644), 王鐸(1592~1652), 傅山등의 書學思想및 서예 풍격은 모두 개성해방 조류의 영향을 받았다. 그들은 形似에 구애되지 않고 連綿 書로 거리낌 없이 운필했다. 부산의 ‘尙奇’서학 사상은 이러한 배경에서 형성되어 『霜紅龕集』의 곳곳에 散 載해있다. 四寧四毋論으로 대표되는 그의 書論은 天機自然論과 奇正相生論을 바탕으로 구성되어 있고, 尙奇的인 要素가 많이 내포되어 있다. 사녕사무론은 당시 사상의 중심 축이었던 儒家의 溫柔敦厚한 중화미를 부정하고, 유가가 비판하는 怪力亂神을 긍정하 며, 狂․怪한 서체를 통한 ‘醜’․‘拙’과 ‘支離’․‘直率’을 강조한 尙奇의 이론으로 時空을 초월하여 당시 사람들의 예술관과 충격을 준 획기적인 주장이었다. 書論에 나타난 그의 상기적 요소로는 天機自然論에서는 眞情의 강조와 자연스런 運筆로 書法佳境을 목표로 尙奇를 추구한다는 것이고, 奇正相生論에서는 奇異함을 나 타내는 書學觀과 奇正相生을 추구하는 서학관을 바탕으로 상기를 추구한다는 것이며, 사녕사무론에서는 審美觀點과 骨法用筆에서 尙奇를 추구한 것으로 요약할 수 있다.

This dissertation is a study on the elements that revere the weirdness of Fu Shan’s calligraphy theory, an outstanding poet, thinker, and artist who lived between the late Ming and early Qing Dynasties of China. Born in Taiyuan, Shanxi Province, Fu Shan was a calligrapher with a distinct personality, who also had many outstanding talents in numerous fields. As a refugee and an intellectual of the Ming dynasty, who was active during the turbulent transition period of the Ming and Qing dynasties, he has been admired by the people since then for his outstanding personality and integrity; his calligraphy has since gained a high reputation. Along with Zhang Ruitu, Huang Daozhou, Ni Yuanlu, and Wang Duo, he formed an innovative romantic calligraphy style. When entering the Qing Dynasty he, along with Wang Duo, led the change of aesthetics as part of an innovative faction. The theory of The Not doing Four rather than Doing Four things represented by his aesthetic thought, was a theory formed based on the theory of natural secret and the theory of the rightness and the weirdness mutual growth. The theory of natural secret should be appeared in the writing. The theory of Not doing Four rather than Doing Four things complements the gentle and generous beauty of Equilibrium-Harmony of Confucianism, which was the central axis of the time. The keywords of the theory of Not doing Four rather than Doing Four things are ‘ugliness’, ‘clumsiness’, ‘fragmentation’, ‘candidness’. ‘Ugliness’ and ‘beauty’, ‘clumsiness’ and ‘skillfulness’, ‘fragmentation’ and ‘light and smooth’, ‘candidness’ and ‘contrived arrangement improve each other in correlation The concept of ‘ugliness’ he pursued in the thought of ‘rather make it ugly, but do not make it beautiful’ brought a new conversion in calligraphy creation with a new aesthetic thought that recognizes ‘ugliness’ as beauty. If calligraphy is defined as an art of expressing the artist's feelings and thoughts by writing with a brush, his theory of s The Four Do’s and Four Don’ts which emphasizes natural and powerful historical methods using his knowledge of the ancient Chinese character, and insists on expressing the artist's true feelings, has many implications today when he must pursue change and innovation along with the Theory of Natural Secret and Theory of Rightness and Weirdness.

중국 당나라 시대의 문화는 높은 수준에 이르렀으며, 내용이 풍부하고 다채로워 과학, 문학, 예술, 역사학, 교육 등 여러 분야에 걸쳐 있다. 문화 체계는 방대하고 완 전하며, 발전 정도가 높고 개방성이 뛰어나 중국 문화의 보배로 자리잡고 있다. 특히 의복 문화는 당나라의 개방성을 잘 보여주는 상징 중 하나이다. 당나라 의복 문화는 다 양한 스타일과 우아한 디자인으로 당 문화의 중요한 인상을 남겼다. 본 연구는 의복 문 화의 요소를 중심으로 하여 이미지학 분석 방법을 통해 전 이미지 설명, 이미지 분석, 이미지 해석의 세 가지 단계에서 체계적으로 진행하였다. 마지막으로 당나라 의복 문 화를 분석하고 요소를 통합하여 디자인함으로써 당나라 의복 문화와 문화 산업의 발전 을 촉진하고자 한다. 당나라 의복의 형태, 색상 및 문양을 주요 요소로 삼아, 당나라 의복 문화를 문화 형태로 간주하고 중국 문화를 중심으로 하여 디자인의 문화적 내포 와 깊이를 크게 향상시킬 계획이다. 이러한 연구는 전통 의복 문화에 대한 학문적 해석 경로를 제공할 뿐만 아니라, 현대 문화 혁신을 위한 역사적 참고 기준을 마련하여 문화 자원이 디자인을 통해 새로운 생명을 얻고 현대화된 맥락에서 지속 가능한 전승을 실 현할 수 있도록 한다.

During the Tang Dynasty, Chinese culture reached a remarkable height of prosperity, encompassing a wide range of fields including science and technology, literature, art, historiography, and education. The cultural system was vast, complete, and highly developed, characterized by a strong sense of openness. Among its many achievements, the clothing culture stands out as one of the most distinctive symbols of the Tang Dynasty’s openness and cultural brilliance.With its numerous styles and elegant, magnificent designs, Tang Dynasty clothing became a significant hallmark of Tang culture. The elements of Tang costume culture are the central focus of this study. This article employs an iconographic analysis method, conducting a systematic investigation through three levels: pre-iconographic description, iconographic analysis, and iconological interpretation. Finally, the Tang Dynasty clothing culture is analyzed, and its elements are integrated into design practices to promote the development of both Tang costume culture and the cultural industry. Using the shapes, colors, and patterns of Tang garments as entry points, this study treats Tang clothing culture as a cultural form, with Chinese culture at its core, greatly enhancing the cultural depth and richness of the design.This research not only provides an academic framework for interpreting traditional clothing culture, but more importantly, it establishes a historical reference system for contemporary cultural innovation. It enables cultural resources to be revitalized through design translation, achieving sustainable inheritance within a modern context.

본 논문은 노장(老莊)철학적 시각에서 서도호(1962~ )의 대표 연작인 <집> 시리즈를 ‘몸’과 ‘세계’의 개념으로 고찰하는 것을 목적으로 한다. 서도호의 예술세계에 관 한 선행 연구 및 비평들은 디아스포라(diaspora), 문화적 정체성, 공동체의 개념과 관련한 비평과 연구들이 대다수이며, 이는 서양의 미술사와 철학적 시각에서 이루어진 연구들이라고 볼 수 있다. 이와 같은 상황을 고려하여, 기존의 연구 시각에서 벗어나 동양의 노장철학 시각에서 서도호의 작품세계를 고찰하였고, 이를 통해 동양철학과 한 국 현대미술 관계의 지평을 넓히고, 현대미술을 이해하기 위한 예술철학적 시각을 확 장하고자 하였다. 이 연구에서 서도호의 <집> 연작은 ‘장소 특정적 미술(site-specific art)’로 간 주하며, 장소 특정적 미술은 몸과 장소(세계)의 관계가 중심이 되는 미술로 규정하여 연구를 진행하였다. 장소 특정적 미술의 체험에서 감상자의 몸은 심신이원적(心身二元 的), 즉 육체와 정신으로 각각 분리되는 존재가 아니며, 정신적인 측면 및 물리적인 측 면 양쪽 모두의 특성을 가진 살아있는 하나의 생명체인 ‘심신일원적(心身一元的) 존재’ 로 간주된다. 이러한 맥락에서, 노장철학의 심신일원적 몸과 일원론(一元論)에 관한 사상을 기반으로 서도호의 예술관에서 몸과 세계를 둘러싼 사상에 대하여 논의하였고, 이를 토대로 하여 <집> 연작 작품들을 살펴보며 그의 예술세계에 관한 해석을 제시하 였다. 노장철학에 있어 몸은 인간 삶의 핵심 존재이자 세계와 하나로 연결되는 매개체 이며, 서도호의 예술세계에서도 핵심 사안이자 세계 및 타자와 하나가 되는 중심 매개 체이다. 서도호에게 있어서 <집>은 그의 몸과 그것의 기억 및 경험의 표상이자 몸의 확 장이다. 서도호 <집>의 이동성과 가변성은 동양의 병풍이나 족자의 현대적 변용이라고 볼 수 있으며, 그의 <집>의 반투명성은 공간과 감상자와의 관계를 더욱 연계하도록 만 드는데, 이를 장자식의 물질과 비물질 공간개념과 물아일체 사상으로 이해해 볼 수 있 었다. 또한, 서도호가 그의 설치작품과 주변 환경 및 공간 그리고 관람자를 하나로 연 결하려는 지향성을 노장철학의 일원적 사유의 방식으로 고찰해 보았다.

This paper aims to examine Home, Doho Suh(1962~ )’s representative series, from the perspective of Taoist thought focusing on the concepts of ‘body’ and ‘world’. Most of the previous studies on Suh’s artworks are related to the concepts of diaspora, cultural identity and community ideology. These studies have been conducted from the perspective of Western art history and philosophy. Considering this situation, in order to move away from the existing research perspective, Suh’s artworks and thoughts are examined through the perspective of Taoist thought from Eastern philosophy. Through this attempt, this paper tries to broaden the relationship between Eastern philosophy and Korean contemporary art, and expand the perspective of art philosophy for understanding contemporary art. In this study, Suh’s Home series is considered as ‘site-specific art’, and this paper is conducted by defining site-specific art as an artwork, which focuses on the relationship between the body and the place(the world). In the experience of site-specific art, the body of the viewer cannot be explained by the mind-body dualism, however can be contemplated by the mind-body unity. In this sense, based on the ideas of the mind-body unity and monism in Taoist thought, it discusses the ideas about the body and the world in Suh’s artworks. With this idea, through looking at the artworks of the Home series, I present the interpretation of his artworks and thoughts. In Taoist philosophy, the body is the core existence of human life and a medium, which connects to the world. In Suh’s artworks, the body is also a core issue and the central medium, which becomes one with the world and others. For Suh, Home is a representation of his body and its memories and experiences, as well as an extension of his body. The mobility and variability of Suh’s Home can be seen as a contemporary transformation of Eastern folding screens or hanging scrolls. Also the translucency of his Home makes the relationship between space and viewers more connected, which can be understood in terms of Zhuangzi’s concept of material and immaterial spaces, and the unity of things and nature. In addition, Suh’s tendency to connect his installations with the surrounding environment, space and viewers as one, can be examined in the monistic way of Taoist philosophy.

작가들의 서예 작품활동은 여전히 모방론과 표현론 사이에서 이루어진다. 그런 작품경향에 대한 비평 또한, ‘설명’ 단계의 수준에 머물고 있다. 그러한 이유에서 한국 서예는 근ㆍ현대 예술로서가 아니라 전근대적 예술체계 안에 있다고 할 수 있다. 그 연 장선상에서 서여기인, 즉 인품이 선행되지 않으면 작품성은 논의할 바가 못 된다는 수 양론적 가치담론이 우위를 점하고 있는 것이다. 이러한 현실에서 서예작품은 현대적 담론과 자본시장 안에서 그 가치가 평가, 논의, 확산, 공감되지 못한 채, 과거의 습속 과 도제식 교육, 공모전 중심의 활동에 정체되어 있다. 필자는 한국서예를 ‘가치담론의 부재가 작품성의 상실을 낳고, 작품성의 상실이 가치담론의 부재를 낳는’, 악순환 체계로 이해한다. 한국서예를 이렇게 진단함으로써 동시대 작품들의 주요 범주인 모방론과 표현론, 그리고 수양론 중심의 서예이해를 넘 어서서 다양성에 기반 한 가치담론을 제기하며, 서예와 다른 장르의 예술관과의 소통 가능성을 검토해 서예 작품시장과 대중성을 확보하려는 의도이다. 서예작품에도 현대 적 가치체계에 맞는 풍부한 가치담론들을 부여할 수 있다면, 그리고 그 담론들을 중심 으로 동시대 작가들의 작품의 품격들을 높여갈 수 있다면, 비평의 단계가 설명을 넘어, 분석과 해석, 그리고 판단의 단계로 나아 갈 수 있다면 대중성과 자본의 논리가 지배하 는 엄정한 현실 속에서, 동시대의 예술로서 서예의 새로운 가능성을 모색할 수 있을 것이다.

The creative activities of calligraphers still take place between the theories of imitation and expression. Criticism of such artistic tendencies also remains at the level of mere “explanation.” For this reason, Korean calligraphy exists not within the framework of modern or contemporary art, but rather within a pre-modern artistic system. In this context, the notion that “calligraphy reflects the person,” implying that character or moral cultivation must precede artistic merit, continues to dominate in the form of cultivation-based value discourse. In such a reality, calligraphy works are unable to have their value evaluated, discussed, disseminated, or appreciated within the realm of contemporary discourse and the capital market. Instead, they remain stagnant, bound by outdated customs, apprentice-based education, and competition- centered activities. The author understands Korean calligraphy as a vicious cycle in which the absence of value discourse leads to the loss of artistic quality, and this loss of artistic quality, in turn, reinforces the absence of value discourse. By diagnosing Korean calligraphy in this way, the intent is to move beyond the prevailing interpretations of calligraphy—centered on imitation theory, expression theory, and cultivation theory—and to propose a value discourse based on diversity. This would enable dialogue with other artistic genres and aim to secure both a viable market and public appeal for calligraphy works. If calligraphy can be enriched with value discourses that align with contemporary value systems, and if these discourses can help elevate the dignity of contemporary artists’ works, then criticism can advance beyond “explanation” to the stages of “analysis,” “interpretation,” and “judgment.” Within the harsh reality where the logic of mass appeal and capital dominates, this could open up new possibilities for calligraphy as a contemporary art form.

본 연구는 동아시아 미술의 중요한 장르인 문인화가 현대 미술의 흐름 속에서 어떻게 추상적으로 변용되고 있는지를 고찰하고, 포스트모더니즘 시대 한국 문인화의 전망을 탐색하는 데 목적이 있다. 한국 현대 문인화는 20세기 이후 급변하는 사회·문 화적 배경 속에서 전통적인 기법과 형식을 바탕으로 새로운 미적 가치를 창출하려는 지속적인 시도를 통해 발전해왔다. 본 논문은 현대 문인화의 변용 과정을 크게 세 관점에서 분석한다. 첫째, 신문인 화의 태동과 필묵 사용을 통한 추상 표현의 확장성을 고찰한다. 둘째, 문자 추상의 대 표적 작가인 이응노(1904-1989)의 회화적 변용(1950-1970)을 통해 동서양 예술의 융합 가능성을 탐색한다. 셋째, 문인화의 추상성과 포스트모더니즘적 특성의 관계를 분석하여 현대 문인화의 미래적 전망을 제시한다. 연구 결과, 현대 문인화의 추상성은 단순히 대상의 형태 묘사가 아닌, 작가의 의 도와 정신을 담아내는 사의적(寫意的) 특성을 바탕으로 하며, 이는 현대 미술이 지향 하는 개념적 예술정신과 맞닿아 있음을 확인하였다. 또한 포스트모던 시대 한국 문인 화의 전망은 탈장르화, 현실과 허구의 경계 허물기, 열린 결말, 다원주의, 상호매체성 등의 특성을 통해 새로운 가능성을 모색하고 있음을 발견하였다. 결론적으로 한국 현대 문인화는 전통과 현대, 동양과 서양, 구상과 추상의 이분 법적 경계를 넘어 포스트모던적 융합을 통해 독창적인 예술 영역을 구축해가고 있으 며, 이는 21세기 현대 미술에서 새로운 심미관을 제공할 수 있는 중요한 가능성을 지니고 있다.

This study aims to examine how literati painting, a significant genre in East Asian art, has been abstractly transformed within the flow of contemporary art, and to explore the prospects of Korean literati painting in the postmodern era. Since the 20th century, contemporary Korean literati painting has developed through continuous attempts to create new aesthetic values based on traditional techniques and forms within rapidly changing social and cultural contexts. This paper analyzes the transformation process of contemporary literati painting from three perspectives. First, it examines the emergence of new literati painting and the extensibility of abstract expression through the use of brush and ink. Second, it explores the possibility of fusion between Eastern and Western art through the pictorial transformation of Lee Ungno (1904-1989), a representative artist of letter abstraction during the period (1950-1970). Third, it analyzes the relationship between the abstraction of literati painting and postmodern characteristics to present a future outlook for contemporary literati painting. The research findings confirm that the abstraction of contemporary literati painting is based on the spirit-writing (寫意) characteristic that embodies the artist’s intention and spirit rather than merely depicting the form of objects, which coincides with the conceptual artistic spirit that contemporary art aspires to. Furthermore, it was discovered that the prospects of Korean literati painting in the postmodern era are seeking new possibilities through characteristics such as de-genrification, breaking boundaries between reality and fiction, open-ending, pluralism, and intermedia. In conclusion, contemporary Korean literati painting is constructing a unique artistic domain through postmodern integration that transcends the dichotomous boundaries of tradition and modernity, East and West, and representation and abstraction. This presents significant potential to provide new aesthetics in 21st-century contemporary art.

본 연구는 隋代의 서예 자료인 <楊紀묘지명>을 중심으로 역사·예술·시대적 서풍 이라는 세 차원에서 그 복합적 의미를 고찰하였다. 첫째, 묘지명에 기록된 楊紀가문과 士族사회의 역사·문화적 배경을 정리하고 묘지명이 문헌 사료로서 지닌 역사적 의의 를 분석하였다. 특히 기존 사서의 오류를 바로잡는 단서를 제공함과 동시에, 일부 내용 을 실증하는 보완적 자료로서의 가치를 밝혔다. 둘째, 이 묘지명은 남북 서풍이 융합되 는 隋代서예의 대표적 사례로 평가되나, 세부 분석을 통해 융합이 완결되지 않은 양 상, 즉 일정한 양식적 관성이 잔존하고 있음을 확인할 수 있다. 이를 통해 隋代서예가 단순한 전환기가 아니라 이질적 요소들이 병존하는 과도기적 성격을 지닌다는 것을 시 사한다. 셋째, 묘지명을 단초로 하여 隋代전체 서풍의 전개 양상을 조망하고, 기존 문헌 해석이 일정한 시의성과 한계를 지닌다는 점도 함께 밝혀냈다. 본 연구는 <楊紀묘지명>의 심층 분석을 통해 隋代서예의 내적 논리를 재구성 하고, 단선적 발전론이나 이원론을 넘어 다층적 역사 구조 속에서의 서예 변천을 조명 하였다. 이를 통해 묘지명이 예술사와 문헌학을 가로지르는 융합적 연구에 시사점을 제공하였으며 隋代서예의 실상을 새롭게 정립하고, 고대 서예의 다원화 및 현대적 전 승 가능성에 대한 이론적 기반을 마련하였다.

Focusing on the Epitaph of Yang Ji from the Sui dynasty, this study examines its multilayered significance across three dimensions: historical context, artistic features, and stylistic tendencies. First, it outlines the historical and cultural background of the Yang family and the aristocratic class, highlighting the epitaph’s value as a historical source—both in correcting inaccuracies in official records and providing supplementary evidence. Second, while the epitaph is often seen as a key example of the fusion between Northern and Southern calligraphic styles, detailed analysis reveals traces of unresolved stylistic inertia, suggesting that Sui calligraphy reflects a transitional period marked by coexisting heterogeneity. Third, the study extends the discussion to broader stylistic developments of the Sui era, pointing out the temporal constraints in existing textual interpretations. By closely analysing the Epitaph of Yang Ji, this research reconstructs the internal logic of Sui calligraphy, moving beyond linear narratives or binary models. It offers insights into the evolution of calligraphy within a complex historical structure, and provides a theoretical basis for understanding the pluralisation of ancient calligraphy and its relevance for modern transmission.

본 논문은 조선 중기의 실천적 유학자 중봉 조헌(重峯趙憲, 1544–1592)의 시문학을 대상으로 하여, 그의 시에 내재된 ‘의경(意境)’의 형상화 양상을 고찰하고자 한 것이다. ‘의경’은 시인의 내면 사유(意)와 외부 경물(境)의 유기적 조화를 통해 형성 되는 시적 경지로 감정과 이성, 미와 도덕이 융합된 예술적 이상을 뜻한다. 조선 중기 는 유교적 명분과 실천이 중시되던 시기로 시 또한 도덕적 자각과 현실 인식의 통로로 기능하였다. 본 논문은 먼저 왕창령의『시격』, 왕국유의『인간사화』등에서 ‘의’와 ‘경’ 의 개념적 토대를 고찰하고, 이를 바탕으로 조헌의 시 6편을 중심으로 자연 이미지, 공 간의 상징성, 계절과 정서의 교차, 청각적 요소 등을 살펴보았다. 그 결과 조헌의 시는 단순한 서정이나 자연 묘사를 넘어, 유학자의 내면 수양과 현실 참여의 의지가 감각적 시공간 안에 구현되어 있음을 확인할 수 있었다. 이는 조헌 시문학이 감정과 윤리, 미 와 도를 통합한 유가적 문학실천으로서, 시를 통해 정신적 경계를 형성하고자 했던 의 경의 한 사례라 할 수 있다.

This study examines the poetic concept of Yijing (意境, poetic realm) as it is manifested in the poetry of Jungbong Jo Heon (重峯趙憲, 1544– 1592), a leading Neo-Confucian scholar and practitioner of the mid-Joseon period. Yijing refers to an artistic ideal in which the poet's internal intention (yi, 意) and external scene (jing, 境) are organically harmonized, creating a poetic space where emotion and reason, beauty and morality are intertwined. The mid-Joseon period was characterized by strong Confucian ideals and a heightened sense of moral practice, during which poetry served not only as an aesthetic medium but also as a vehicle for ethical self-reflection and social awareness. The study begins by reviewing the theoretical foundations of Yijing as articulated in Wang Changling’s Shige (詩格) and Wang Guowei’s Renjian Cihua (人間詞話), highlighting the dynamic interaction between “yi” and “jing” in East Asian poetics. Based on this theoretical framework, six poems by Jo Heon were closely examined to explore the ways in which spatial imagery, symbolic use of nature, seasonal and emotional shifts, and auditory elements contribute to the poetic formation of Yijing. The findings reveal that Jo Heon’s poetry goes beyond lyrical sentiment or scenic description; it expresses the Confucian scholar's ethical convictions and engagement with reality through a sensuous and symbolic poetic landscape. His work exemplifies the Confucian integration of emotion and morality, art and ethical practice, presenting a meaningful case of Yijing as realized in Joseon literati poetry.