Earticle

본 논문은 송대 유학자들의 화두 중 하나인 기상론(氣象論)의 개념을 바탕으로 퇴계 이황의 산수시에 나타난 기상론의 함의에 대해 고찰하는 데에 목적이 있다. 일반 적으로 기상(氣象)이라는 의미는 자연의 운행과 기운의 변화 등을 나타내는 기(氣)의 개념이 구체적인 형상[象]으로 드러남을 뜻하는데, 시간이 지나면서 윤리·도덕적 차원 으로 변화되기 시작하였다. 이런 점에 대해서는􋺷근사록(近思錄)􋺸·􋺷심경부주(心經附註) 􋺸 등과 같은 송대 문헌들에서 상세히 확인해볼 수 있으며, 해당 내용은 조선으로 전해 지면서 퇴계의 사상에도 많은 영향을 미치게 되었다. 이에 본 고는 송대 유학자들이 주 장한 기상론적 사유가 퇴계 이황의 사상에서 어떻게 드러나고 있는지를 살펴보고 이를 바탕으로 그의 산수시에 나타난 미학적 특징을 규명해 보고자 한다. 퇴계의 산수시와 인격 미학에 관한 연구는 활발하게 진행되고 있으나, 본 고와 같이 그의 산수시를 기상 론의 측면에서 논한 연구는 거의 존재하지 않는다. 특히 기존의 많은 연구들이 작품에 나타난 어구나 인물 분석에 치중하는 경향이 있는데, 이에 대한 보다 정확한 의미를 파 악하기 위해서는 작품의 근간이 되는 사상적 체계를 분석해볼 필요가 있다. 그동안의 연구는 퇴계의 은거와 산수의 체험을 바탕으로 산수 문학에 집중적으로 초점을 맞추어 져 있기에 산수시 창작과 관련된 근본 사상과 미학적인 부분에 대한 연구는 상대적으 로 활발하게 진행되지 못한 점이 있다. 따라서 본 연구는 퇴계의 사상과 산수시에 대한 분석에 기반하여 기상론을 철학·윤리·미학의 세 가지 관점에서 논하도록 하겠다. 본 논 고를 통해 퇴계 산수시에서 기상론이 가지는 역할과 위상을 파악하고 도출된 내용을 바탕으로 퇴계 문예관의 수양론적 의의와 근본 가치를 알아볼 수 있는 계기가 될 것이 라 기대되는 바이다.

The purpose of this thesis is to examine the implications of the theory of the moral spirit, which appeared in Toegye Yi Hwang's Sansoucci(nature poem), based on the concept of his philosophy, which is one of the important issues of the Song Dynasty Confucian scholars. In general, the meaning of qi-xiang (氣象) means that the concept of qi, which represents the movement of nature and changes in energy, etc. is revealed in a concrete form[象]. As the contents were transmitted to the Joseon Dynasty, they had a great influence on Toegye's thought. Therefore, this study examines how the thought of the moral spirit claimed by Song Confucian scholars is revealed in Toegye Yi Hwang's thought, and based on this, attempts to identify the aesthetic characteristics of his arithmetic poetry. Although studies on Toegye's sansu poetry and personality aesthetics are being actively conducted, there are few studies that discuss his Sansu poetry in terms of the moral spirit as in this paper. In particular, many existing studies tend to focus on the analysis of phrases and characters appearing in works. However, in order to grasp the precise meaning of this, it is necessary to analyze the ideological system that is the basis of the work. Research in the past has focused on arithmetic literature based on the retreat of Toegye and the experience of arithmetic, so research on the fundamental ideas and aesthetics related to the creation of Sansu poetry has not been conducted relatively actively. Therefore, this study will discuss the theory of moral spirit from the three perspectives of philosophy, ethics, and aesthetics based on the analysis of Toegye's thought and Sansu poetry.

전통적으로 유학자들은 ‘실리(實理)’라는 입장에서 우주론을 전개하면서 풍수와 명리가 혹세무민하는 사술(邪術)이라고 비판한다. 본 논문은 이같은 비판에서 벗어나 려면 풍수와 명리에 대한 철학화와 미학화가 필요하다는 것을 밝힌 것이다. 먼저 그 공 통된 방법론의 하나로, 동양의 문인서화 창작이론에서 좋은 작품을 창작하기 위한 조 건으로 거론되는 이론, 즉 명대 동기창(董其昌)의 ‘독만권서, 행만리로’ 사유를 제시하 였다. 다음 이런 점을 보다 구체적으로 풍수의 철학화·미학화 모색 조건 단상을 모색하 였다. 그 대안의 하나로 동양문화와 예술차원에서 긍정적으로 기여한 분야가 무엇인가 의 하나의 예로 예술풍수 사유를 통한 풍수의 외연 확장이 필요하다는 것을 밝혔다. 다 음 명리의 철학화·미학화 모색 조건 단상을 모색하였다. 이런 점에 대해서는 인품론과 기질변화론을 통한 인성교육적 측면을 강조하는 동양 서화예술이 갖는 사유와 지혜를 명리 차원에 적용함으로써 명리가 갖는 긍정적인 점을 밝힐 필요가 있음을 밝혔다. 결 론적으로, 이상과 같은 풍수와 명리에 대한 철학화와 미학화를 통해 AI 시대가 도래하 는 오늘날 새로운 차원의 풍수와 명리가 필요함을 제시하였다.

Traditionally, Confucian scholars have developed cosmology from the standpoint of substantial principles[Shil Li], criticizing Feng Shui and Ming Li as insensitive sorceries. This paper reveals that philosophy and aesthetics of Feng Shui and MingLi are necessary to escape from such criticism. First, as one of the common methodologies, the theory mentioned as a condition for creating good works in the Eastern Scholar Calligraphy And Painting creative theory, that is, the reason for "Reads of books and Travels of Miles" suggested by Donng Qíchnng. Next, in more detail, the conditions for seeking philosophy and aesthetics of Feng Shui were sought. As an alternative, this paper cited an example of what areas have contributed positively in terms of oriental culture and art. Accordingly, it was revealed that it is necessary to expand feng shui through the reason for art feng shui. The following conditions for seeking philosophy and aesthetics of MingLi were presented. In this regard, it was suggested to apply the thoughts and wisdom of Eastern calligraphy and art that emphasizes the aspects of personality education through personality theory and temperament change theory to the MingLi dimension. In conclusion, through the philosophical and aestheticization of Feng Shui and MingLi as described above, we suggest the need for a new dimension of Feng Shui and MingLi today as the AI era arrives.

고려불화 〈관경서분변상도〉는 『관무량수경』의 배경인 ｢서분｣을 그림으로 표현 한 것으로, 일본 大恩寺와 西福寺에 2점이 전해지고 있다. ｢서분｣은 소위 ‘왕사성의 비 극’으로 알려져 있는 아사세가 부왕인 빔비사라왕을 시해하는 내용을 담고 있다. 그런 데 이 비극은 단순한 왕가의 비극에서 그치는 것이 아니라, 제바달다의 반역이라는 破 僧伽를 내포한다. 이로 인해 다양한 전적들에서 ‘왕사성의 비극’이 다루어지며, 기록되 어 있다. 본고는 파승가와 관련된 破僧事를 통해서, ｢서분｣의 내용적인 특징과 관점을 1 차적으로 정리해 본다. 그리고 이를 바탕으로 〈변상도〉의 분석을 2차적으로 시도해 보게 된다. 이는 ｢서분｣과 〈변상도〉를 종합적인 관점에서 이해하여, 내용과 불화에 대한 명확한 판단을 확보하는 의미가 된다고 하겠다. 이렇게 해서 드러나는 특징은, 기존에 대두되지 않았던 위제희를 중심으로 하는 서술과 그락을 통한 해법제시가 존재한다는 점. 또 〈변상도〉역시 이 부분을 효과적 으로 표현하고 처리함을 인지해 보게 된다. 또 〈변상도〉속에는 ｢서분｣에 대한 충실 한 표현을 넘어서는 작가적인 측면도 존재하는 것이 확인된다. 이는 이 〈변상도〉가 특정한 불화 계통을 통해서 유전되었을 개연성을 환기한다.

The Goryeo Buddhist painting <Gwan-gyeong Seobun Byeonsangdo> is a pictorial representation of Seobun, which is the background of 『Gwanmuryangsugyeong』. Two of the picture are enshrined in Japanese Daionji Temple(大恩寺) and Saifukuji Temple(西福寺). 『Seobun』 deals with the so-called ‘tragedy of Rājagṛha’, where Ajatasatru assassinated his father, King Bimbisara. However, this tragedy does not stop at the simple royal family tragedy, but also includes the Devadatta's saṃgha-bheda(破 僧事) or rebellion. Because of this, the ‘tragedy of Rājagṛha’ has been dealt with and recorded in various historical books. This paper first summarizes the content characteristics and perspectives of ｢Seobun｣through the events related to saṃgha-bheda and then, based on this, analyzes 〈Byeonsangdo〉secondarily. This means that it understands ｢Seobun｣and 〈Byeonsangdo〉from a comprehensive point of view to secure a clear judgment on the contents of Buddhist painting. A peculiar characteristic of the story revealed in this way is that there is a narrative centered on Vaidehi, who had not been raised before, and a solution suggestion through the paradise. The 〈Byeonsangdo〉also effectively expresses and processes this part. In addition, it is confirmed that there is an artistic aspect that goes beyond the faithful expression of ｢Seobun｣in 〈Byeonsangdo〉. This reminds us of the possibility that this <Byeonsangdo> may have been inherited through a specific line of Buddhist painting.

본 연구는 일본의 국보인 이도다완을 통통해 일본인들의 조형에 관한 감성과 미의식을 살펴보고, 그러한 미의식과 일본인의 대조선관은 어떻게 관계하는가를 살펴보고자 하는 것이다. 이 논문에서는 이도다완의 계통적 분석을 밝히기 위하여 그 종류와 유래를 고찰하고 그것을 바탕으로 이도다완의 특징과 그것에 대한 일본인의 미의식을 알아보고자 한다. 그리고 그러한 미의식을 바탕으로, 이국 문화의 산물을 예술로서 경외하는 것과 그 나라에 대한 인식이나 선입견과는 어떻게 관계하는지를 살펴보고자 한다. 이도다완의 특징은 대개 비파색으로 불리우는 색인 갈색을 띠는 유약에다 비교적 높은 굽을 가진 다완으로서, 소박하고 단순하면서도 당당하고 기품이 있어 우리나라는 물론 중국과, 일본의 다완을 통털어 최고의 다완으로 평가받아 왔다. 특히 일본인들이 중요시 하는 매화피는 그릇 굽 부분에 유약이 흘러내려 우연적으로 생긴 조형적 결과물이다. 일본의 다도계에서 이와 같이 무로마치 이전에 유행하였던 중국의 텐모쿠 다완과 같은 화려한 다완에서 흔히 볼 수 있는 뛰어난 기교보다는 매화피와 같이 우연적으로 생긴 조형적 아름다움이나, 돌출된 높은 다완의 굽바닥에서 느껴지는 안정감과 당당함, 그리고 흔히 볼 수 있는 색이면서도 은은하게 가라앉은 차분한 비파색 등에 매료되었다고 생각된다. 그러나 일본의 조선예술에 대한 경외심과 조선관은 결코 긍정적인 측면으로 비례했던 것은 아니었다. 일본의 조선인식의 기본틀에는 조선문화가 선진적이라는 문화적 열등감과 반면 『고사기』, 『일본서기』에 의해 조선을 조공국으로 보는 우월감이 병존하고 있었다. 그리고 그러한 조선관은 16세기 조선에서 건너온 고려다완의 아름다움에 지극히 경탄하면서도, 소위 도자기 전쟁으로 일컬어지는 임진왜란을 일으킨 것과 무관하지 않다고 보아진다. 그런 의미에서 에드워드 사이드의 오리엔탈리즘과는 그 상황과 결에서 다르기는 하나, 한 민족의 예술의 우수성과 그것을 만들어 낸 민족에 대한 관념은, 반드시 일치하는 것은 아니며, 오히려 물리적인 힘의 균형을 잃을 경우에는, 매우 불완전하고 불균형적인 시각을 가져올 수 있다고 생각된다.

The purpose of this study is to examine the Japanese sensibility and aesthetic consciousness of the formative arts through I-do tea bowl, a national treasure of Japan, and to examine how this aesthetic consciousness and Japanese thoughts about Koreans are related. In this paper, in order to systematically analyze I-do tea bowl, its type and origin are examined, and based on this, the characteristics of I-do tea bowl and the Japanese aesthetics sensitivity are examined. And based on this aesthetic sense, I would like to examine how the awe of the products of foreign culture as an art is related to the perception and prejudice of the country. The Japanese thought that the beautiful features of I-do tea bowl were brown glaze, commonly called jade green, and high foot and imposing and elegant forms, and have rated it as the best tea bowl in Korea, China, and Japan. In particular, the characteristic of I-do tea bowl, which is important to the Japanese, is a ‘Kairagi Glaze(梅花皮)’ created by accident because of the glaze flowing down from the foot of the bowl. Therefore, the Japanese tea ceremony after the Muromachi period was fascinated not by China's colorful and artful tea bowl, but by the accidental and simple beauty of I-do tea bowl, the stability and confidence felt from the protruding high bowl's foot, and the common color but calm color. While there was a cultural inferiority complex that Joseon culture was advanced in the basic framework of Japanese perception, on the other hand, there was a perception of Joseon that was misunderstood by Gojiki (古事記) and Nihon Shoki (日本書紀), and because of that perception, there was a sense of superiority in viewing Joseon as a tributary state. Such a Japanese view of Joseon is considered to have nothing to do with the fact that it caused the Imjin War, which is called the Ceramic War, while praising the beauty of Joseon's tea bowls from Joseon in the 16th century. In that sense, although it is a little different from what Edward Said's Orientalism means, I think the Japanese view of the excellence of Joseon art and the people who created it is not necessarily proportional, but if the physical balance between the two peoples is lost, it can bring a very incomplete and unbalanced view.

본고는 이문열의 소설 『금시조』에서 강조한 ‘문자향 서권기(文字香 書卷氣)’의 미학 정신을 고찰하였다. 『금시조』는 국내 소설 중에서 전통 서화(書畵)의 ‘문자향 서권기’ 사유(思惟)를 다룬 소설로 유일하다. 이문열은 문자향 서권기 예술관과 기예(技藝)적 예술관을 대립시켜 진정한 예술정신이 무엇인지를 독자에게 물었다. 이는 좀 더 유연한 예술관을 갖도록 유도한다는 점에서 의미하는 바가 크다. 본고에서 『금시조』를 분석한 내용의 첫 번째는 스승 석담(石潭)이 중시하는 ‘문자향 서권기’에 관한 내용을 세밀하게 고찰하였다. 두 번째로 제자 고죽(孤竹)의 기예(技藝)적 예술관을 분석하였다. 세 번째로 상호간의 예술관을 수용하고 포용하는 과정을 확인하였다. 본 연구는 『금시조』에서 전달하고자 한 예술정신이 학식과 인품을 담은 미학인가, 아니면 타고난 재능과 미의 추구인가에 대한 의구심에서 출발하였다. 이러한 의도는 상호 예술관을 이해하고 포용하면서 보다 넓은 미학적 안목을 키워보고자 하는 데 있다.

This paper investigates the aesthetic spirit of “fragrance of bookish charm (文字香 書卷氣)” as emphasized in Lee Mun-yeol’s novel Geumsijo. Geumsijo is the only work of Korean literature that speculates about “fragrance of bookish charms” of traditional calligraphy. Lee asks the readers what true artistic spirit is by putting in contrast the artistic perspective from fragrance of bookish charms with that from exquisite artistic technique (技藝). This is significant as it encourages the readers to have a more flexible artistic perspective. The first part of the analysis of Geumsijo in the paper investigates in detail the concept of “fragrance of bookish charm” emphasized by the teacher Seok Dam (石潭). The second part analyzes the artistic perspective from the exquisite artistic technique (技藝) as mentioned by the student, Go Juk (孤竹). The third part looks into the process of accepting and embracing each other’s artistic perspective. This paper started from the question of whether the artistic spirit that Geumsijo aimed to deliver to the readers is aesthetics that lies in learning and character, or one that lies in innate talent and beauty. This is in an attempt to understand and embrace the different artistic perspectives, while developing a wider aesthetic view.

본 연구는 송대 회화 속 주택, 점포, 작방, 누정 등 민가들에서 보이는 다양하고 자유로운 처마의 변용에 주목하여, 이들의 유형을 나누어 구법, 용도, 특징을 분석하고 출현 배경과 심미적 특징에 대한 해석을 시도하였다. 현존 문헌, 회화 등의 사료들을 통해 바라본 송나라의 사회적 분위기는 당나라에 비해 개방적이었고 성시 공간 또한 방(坊)을 둘러싼 벽이 사라지면서 개방적으로 변하였다. 이는 자연스럽게 건축에도 영향을 미쳐 신분에 따른 건축규제인 영선령(營繕令)의 개정을 가져왔는데, 개정된 영선령은 이전 당대의 영선령과 크게 다르지 않았지만, 정면 칸수에 대한 규제와 건물 두 동을 직각으로 연결하는 축심사(軸心舍)에 대한 규제 등이 삭제되면서 민가들의 배치형태가 당대의 경직된 합원식(合院式) 배치를 벗어나 다양화되었다. 문제는 건축의 평면은 자유롭게 꺾이고 확장이 가능해졌지만, 평면을 덮는 지붕의 형식은 여전히 영선령을 통해 규제되었다는 데 있다. 구체적으로 일반인들은 우진각지붕이나 팔작지붕을 쓸 수 없어 건물 측면에 처마와 개구부를 내기 어려웠고, 출목공포와 부연의 사용이 제한되어 차양을 위한 충분한 처마 깊이를 확보하기 어려웠으며, 서민의 경우 집의 단면구조가 5량가로 제한되어 충분히 깊은 실내공간을 확보하기 어려운 등 건축의 실사용 측면에서 다양한 문제에 당면하였다. 이에 송나라 백성들은 영선령의 명문(明文) 규제를 피해 다양한 방식으로 지붕 처마부분을 변용(變用)하여 지붕의 방향을 전환하거나 처마와 건물의 깊이를 더하는 등의 건물의 사용성을 제고하였다. 처마부분 변용의 유형을 나누면 가설처마를 덧대어 처마 끝을 연장하는 인첨(引檐), 맞배지붕 건물 측면에 눈썹지붕을 덧다는 산면피첨(山面披檐), 지나치게 깊게 만든 처마를 지지하거나 발을 달기 위해 가설하는 경첨(擎檐), 나무판자로 기와를 대체하는 판첨(板檐), 두 집의 처마를 맞대어 결합하는 대류(對霤) 등의 수법이 있다. 이러한 변용수법들은 단순히 건축의 실용성을 제고하는데 그치지 않고, 건축의 조형미, 실내 공간구획과 의장, 외부경관 감상 등에도 변화를 가져왔다. 이러한 변용은 송대 민가건축 전반에 자리 잡은 규제를 위반하지 않으면서도 아름다움을 추구하는 “미불유제(美不逾制)”와 미관과 실용을 동시에 추구하는 “미우관이편우사(美于觀而便于事)”의 심미적 경향을 보여준다고 평가할 수 있다.

Based on the various transformed eaves seen at private building images on Song dynasty paintings, this study analyzes their types and their regulation and aesthetic background. The social atmosphere of the Song dynasty was more open compared to the Tang dynasty, and the city space also became more open as the walls surrounding the city block’s disappearing. These led to the revision of the Yeongseonryeong(營繕令), the building regulation according to the social status. The plane could be bent and the layout could be expanded. But the revision was not enough. It was sltll difficult for ordinary people to make eaves and openings on the side of the building. They still could not get the sufficient depth of eave and over 5 purins at the cross-sectional structure The people improved the usability by changing the roof eaves in various ways. The types of eaves transformation can be divided into five types: Incheom(引檐), which extends the end of the eaves by adding temporary eaves, Sanmeyonpicheom(山面披檐), which add a temporary roof on the side, Gyeongcheom(擎檐), which is erected to support the roof edges, Panelcheom(板檐), which replaces the roof tiles with wooden planks and Daeliu(對霤), which joins the eaves of two houses together. These transformation methods not only improved the practicality of architecture, but also brought changes in the aesthetics of architecture. They pursuit a “beautiful but not over regulated(美不逾制)” and “beautiful and also functional(美于觀而便于事)”.building in the Architectural aesthetics.

오늘날 전세계는 디지털 기술을 적극 활용하고 있으며 이 같은 필요에 의해 4차 산업 혁명 핵심기술은 빠른 속도로 발전하고 있다. 이에 상응하여 현대인의 일상생활이 점차 아날 로그에서 디지털로 전환되고 있으며 근무, 생활, 취미 등 생활양식의 많은 부분을 디지털이 차지하고 있다. 이러한 배경 하에 대중들의 관심이 필요한 문화예술 분야는 미래의 성장동력 으로서 디지털 융합에 관한 요구가 높아졌고, 그 연구 또한 진행되고 있다. 그러나 전통예술 에 해당하는 서예 분야는 상대적으로 관련 연구가 활발히 진행되지 않는 실정이다. 이에 본 연구는 서예와 디지털 융합에 주목하고 ‘서예문화’와 ‘서예교육’, 두 분야로 나누어 선행사례 를 통해 융합의 효과 및 가치를 탐색하였다. 최근 코로나 19의 영향으로 공연과 전시행사 등 문화예술의 향유공간이 급격히 줄어 들어 큰 타격을 입게 되었다. 이에 문화·예술 분야는 새로운 성장동력으로서 디지털을 활용 한 문화사업을 증대하였고, 여러 유관기관 및 학계 또한 디지털 기술의 활용을 적극적으로 모색하고 있다. 서예도 디지털 기술을 활용한 사례가 있다. 전시문화에 있어 VR 기술과 온 라인 플랫폼을 활용해 시간과 공간의 제약 없이 전자기기를 통해 전시를 관람할 수 있게 되 었다. 이러한 추세는 현장전시를 보완, 전시 작품과 전시 기획에 대한 기록 보관, 관객과의 소통 증대하는 차원에서 도움이 된다. 이 외에도 여가 선용에 적합한 서예 애플리케이션이 만들어지고 있으며 그 발전정도가 높아 현실 서예와 유사한 부분이 많다. 아울러 실감형 VR 서예 콘텐츠 또한 중국과 일본에서 많은 관심을 받고 있다. 서예교육은 전통적으로 대면 위주로 진행되어 왔으나 시대흐름에 맞추어 점차 진화· 발전하고 있는 양상이다. 즉, 보다 나은 양질의 서예교육을 위해 디지털 활용이 요구되는 상 황이며, 실기 위주 미술 분야의 온라인 학습의 효과가 이미 여러 연구에서 확인되었다. 특히 중국과 일본은 관련 연구가 진행된 바 있다. 참고하면, 기존의 전통적 대면 교육 기조를 유 지하되 이론 교육에 있어서는 온라인 교육을 병행하는 혼합형 교육과 거꾸로 학습을 추진할 수 있으며, 학습 효과 제고를 위한 뉴미디어 매체의 활용 또한 고려할 필요가 있다. 다만 서예와 디지털의 융합을 도모하는 데 많은 향후과제와 한계점이 존재한다. 디지 털 융합을 도모할 구심점이 부재한 실정이며, 후속 연구와 여러 기관 및 단체와의 협업·공조 가 요구된다. 서예와 디지털의 융합은 한국 서예의 진흥과 일반 시민들의 서예문화에 대한 이해 제고, 전반적인 서예교육 활성화를 위한 근본적인 해결책은 아니나, 서예에 대한 많은 관심과 긍정적 인식이 밑바탕에 형성되어야 그 해결책을 강구할 수 있다는 점에서 큰 역할이 될 것이다.

The world is actively using digital technology, and due to this need, core technologies of the 4th Industrial Revolution are developing rapidly. Correspondingly, the center of modern people's daily life is gradually shifting from analog to digital, and digital occupies a large part of lifestyle such as work, life, and hobbies. Against this background, a number of studies on digital convergence as a future growth engine have been published in various fields, especially in the field of culture and arts that require relatively public attention. However, since related research was not actively conducted in the field of calligraphy, it focused on calligraphy and digital convergence, divided into two areas: calligraphy culture and calligraphy education, and examined precedents and explored effects and values. Recently, the number of alcohol drinkers has decreased sharply in culture, which has been hit hard. Accordingly, cultural projects using digital are increasing as a long-term development engine in the cultural and artistic fields, and various related institutions and academia are also actively seeking to utilize digital technology. Calligraphy also has a case of using digital technology. In terms of exhibition culture, VR technology and online platforms have been used to view exhibitions through electronic devices without time and space restrictions, and it is helpful to supplement on-site exhibitions, keep records of exhibition works and exhibition plans, and increase communication with audiences. In addition, calligraphy-related applications are being made, and their development is high, so there are many similarities to real calligraphy, and realistic VR calligraphy contents are also interested in China and Japan. Calligraphy education has traditionally been conducted mainly in face-to-face, but it must gradually evolve and develop. It is necessary to seek the use of digital for better calligraphy education, and it can be seen that the practical art field is also effective in online learning. China and Japan have already conducted related research. While maintaining the existing traditional face-to-face education stance, in theoretical education, it is possible to think about mixed education and reverse learning, and it is also necessary to consider the use of new media to improve learning effects. As described above, there are many tasks and limitations in promoting the convergence of calligraphy and digital. There is no centroid to promote digital technology convergence, and follow-up research, collaboration with various institutions and organizations, and cooperation are required. The convergence of calligraphy and digital is not a fundamental solution to promote Korean calligraphy, enhance the understanding of the calligraphy culture of ordinary citizens, and revitalize overall calligraphy education, but it will play a major role in finding a fundamental solution only when a lot of interest and positive perception is underlying.

본 연구는 판소리계 소설『게우사』분석을 통해 조선후기 도시 국악공연 형태를 알아보고 당시 연주된 국악곡과 국악기 구성 내용을 현재와 비교 고찰하는 것에 목적이 있다. 내용은 민간 국악공연의 공간과 참여자, 국악곡 구성으로 구분하여 분석하였다. 그 결과 현재 국악공연 형태는 시대에 맞게 변형 되어졌지만, 음악과 악기는 조선후기와 비슷한 구성으로 전승되고 있음을 알 수 있었다. 문헌을 통한 국악 분석은 정확한 선율을 확인할 수 없다는 한계를 가지고 있다. 그러나 옛 공연문화 모습의 확인은 현재 전통문화 예술발전에 직·간접적인 자료가 되어줄 것이며, 나아가 조선후기 공연문화 예술형태를 이해하고 현재의 문화예술양상과 비교 고찰할 수 있는 초석이 될 것이다.

The novel ‘Geusa’ has been studied continuously. However, from the perspective of Gugak, there is no research other than Pansori. Therefore, this researcher investigated the form of Korean traditional music performances in the late Joseon Dynasty through the pansori novel ‘Geusa’, which has a lot of contents related to Korean traditional music, and analyzed the composition of Korean traditional music and instruments played at that time. First, the space of the Gugak performance was divided into an indoor Pungryu Space(lit. the elegant music space) and outdoor natural space. The form of participants in Korean traditional music performances was also analyzed by dividing them into sponsors, audiences, and performers, and the contents of the music constituting these Korean traditional music performances were reviewed. As a result of this, it can be seen that the current form of Korean traditional music performances has been transformed according to the present era, but music and instruments have been preserved and handed down in a similar composition to the late Joseon Dynasty. The musical analysis of Gugak through literature has a limitation in that the melody cannot be confirmed. However, the confirmation of the old performance culture will be a direct data for the development of traditional art, and furthermore, it will be a cornerstone for understanding the form of performance culture in the late Joseon Dynasty and comparing it with the current performance culture.

본 연구는 2000년대 이후의 유일한 유랑여성농악단 연희단 八山臺의 판굿을 儒 家美學의 시각으로 糾明하는데 초점을 두었다. 판굿은 농악의 演藝型式중의 한 부분 으로서 풍물굿 중에서도 가장 演藝적 특성이 뛰어나다고 할 수 있다. 판굿은 악기를 잘 다루는 藝人들이 머리에 상모를 쓰고 화려한 재능과 기량을 보여주기 위하여 놀이판을 짜서 사람들의 마음에 ‘興’을 일으키는 역할을 한다. 연희단 팔산대는 오롯이 ‘판굿’이라 는 이 시대 위대한 예술의 가치를 실현하기 위해 집단적 삶의 방식을 선택했다. 그녀들 의 단체생활은 단순히 宿食을 함께 한다는 의미에서 그치지 않고 그 연장선상에서 판 굿을 연행할 때, 몸과 마음에 德으로 충만하여 光이 자연스레 드러나는 데에 유일무이 한 가치가 있다. 본 논문에서는 첫 번째로 ‘연희단 八山臺’의 團體名에 관한 분석을 통해 전통과 현대의 연결고리를 찾고자 하였다. 두 번째로는 판굿의 樣相을 公과 私로 구별함으로 써, 단체생활이 판굿 공연에 미치는 영향력을 분석해보고자 하였다. 셋째는 항상 함께 하는 강도 높은 집단훈련 과정과 ‘冥想象毛’의 의미에 대해 검토하고자 하였다. 네 번째 로 위의 내용을 종합하고 판에서 얻어지는[板得] 儒家思惟의 發輝美學적 요소들을 찾 아냄으로써, 판굿이 근본적으로 志向하는 미의식이 무엇인지 그 眞價를 밝혀내고자 하 였다. 나아가 2000년대 이후의 유일한 여성농악단 연희단 八山臺를 분석하는 첫 논문 으로서 그 가치와 의의가 있다고 할 수 있다.

In this thesis, we will delve into a discussion of Confucian Aesthetic and the art of ‘Pankut’ along with the ‘Yeonheedan Palsandae’, the only nomadic female farmers' group to remain publicly active to this day. Pankut can be said to have the most entertainment characteristics among Pungmulgut. Pankut is a part of the entertainment form of Nongak. Pankut creates excitement in peoples minds as they skillfully use the traditional hats known as Sangmo to produce an eye-catching and mesmeric display all the while dancing and playing drums. In order to realize the value of the great art of this era called Pankut, a collective way of life was chosen. In this thesis, first, we will journey to find the link between tradition and modernity by analyzing the name of ‘Yeonheedan Palsandae’. Second, to explore the influence of shared living on Pankut performances by distinguishing between public and private life. Third, we will examine the intensive group training they endure together and the practice of early morning 'Meditation Sangmo'. Fourth, by synthesizing the above and discovering the aesthetic elements of Confucian’s thoughts and the connections of Pankut, and what it’s intentions are to reveal the true value of the aesthetic consciousness. Furthermore, it can be said that it has value and significance as the first thesis to analyze the ‘Yeonheedan Palsandae’, the only all female ongong troupe since the 2000s.

한자의 서체디자인은 매우 섬세하고 변화무쌍하다. 한자의 조형은 한자의 필획 이 서로 연결되고 조합되어 형성된 도형예술과도 흡사하다. 때문에 한자의 조형에서는 미적 추구를 매우 중시한다. 한자 하나하나가 율동 · 크기 · 길이 · 밀도 · 분할 등의 규칙을 담고 있는 아름다운 구도를 지니고 있으며, 표현형식도 다양하여 한자디자인은 디자이너들이 연구할 만한 창의적인 분야라 할 수 있다. 이 외에 한자 로고 디자인의 중요성은 그 민족성에서도 십분 구현되고 있다. 필경 이는 전통문양의 중요한 영역이 자 중국에서조차 유일무이한 예술풍격이기도 하다. 정보화시대에는 다원화의 추세에 따라 전통문양이 현대의 디자인과 결합하여 새 로운 형식을 창조하는 경우가 많다. 그 중 한자디자인과 전통 문양의 결합은 전통 문양 의 추출, 수정과 재구성을 통해 텍스트 조형과 결합하여 전통문화와 현대 디자인의 융 합을 실현하여 새로운 활력을 얻고 있다. 이에 본 논문은 한자디자인에서 전통문양의 사용 규칙과 한자디자인에서의 창작 방법에 대해 강구하였다. 또한 전통문양과 한자를 결합한 디자인 사례를 분석하였다. 연구 결과 중국인의 민족성과 전통적인 문양과 표지가 결합된 풍격을 보여주었다. 한 자디자인은 중국인의 길상문화를 융합하였으며, 길상문화전통과 심미의식을 기초로 하 여 서체가 중국인의 사상, 정감, 욕망과 예술심미정취를 나타내고 있음을 확인 하였다. 전통문양과 한자의 결합은 희소한 디자인 콘텐츠로서 대중들이 쉽게 접수할 수 있는 정보를 전달할 뿐만 아니라 중국전통문화의 매력도 발산하고 있다.

The design of Chinese characters is meticulous and varied. In fact, Chinese character modeling is a graphic art formed by arranging and combining Chinese strokes. His style language is very focused on beauty. Each Chinese character is a beautiful composition, containing rules of rhythm, size, length, density and separation. It can also be expressed in a variety of forms. It can be said that Chinese character font design is a creative field worthy of great designers. In addition, the importance of Chinese logo design is fully reflected in its nationality. After all, it is an important field of traditional patterns and an artistic style unique to Chinese culture in the world. In the information age, with the trend of diversification, traditional patterns are more combined with modern design to create new forms. Among them, the combination of font design and traditional patterns, through the extraction, modification and reconstruction of traditional patterns, combined with text modeling, realized the integration of traditional culture and modern design, gained new vitality. This paper discusses the usage rules of traditional pattern in font design, and the creative methods used in font design, and analyzes the case of traditional pattern font design. It shows national styles and styles based on the combination of traditional patterns and symbols. The font design integrates the auspicious culture of the nation and is based on the auspicious cultural tradition and aesthetic consciousness of the nation, so that the font shows the thoughts, emotions, desires and artistic aesthetic taste of the nation. The combination of traditional patterns and fonts, as a rare design material, not only conveys the information easily accepted by the audience, but also exudes the charm of traditional Chinese culture.

‘여가화(戾家畵)’, ‘이가화(利家畵)’, ‘예가화(隸家畵)’ 등의 명사적 의미는 남북종 론(南北宗論)에 관한 연구에서 중요한 화두이다. 이러한 명사의 전환은 문인화의 사회 적 지위 변화와 문인화가의 자기 인식 및 예술적 주장, 그리고 이를 실현하는 경로 등 의 문제를 반영하며 근대 화단에서 문인화가 부상하는 결정적 단서가 되기도 한다. 국내외적으로 이 문제에 대해 대개 여(戾)·이(利)·예(隸)의 세 글자를 상통하면 서 따른다. 그러나 동기창이 ‘예(隸)’로써 ‘려(戾)’를 대체하고 ‘예체(隸體)’, ‘예법(隸 法)’으로 확대한 것과 서법용필(用筆)이라는 거대한 전환, ‘이(利)’를 ‘예(隸)’로 취(取)’ 한 이유에 대해서는 구체적으로 언급을 하지 않았고 이에 대한 전문적인 연구가 없다. 본문은 문헌에 대한 연구를 통해 이 세 가지의 전환 과정을 깊이 고찰하고 중국 회화 도구의 발전이 문인화의 필법과 묵법에 미친 영향을 확인하였다. 또한 원서입화 (援書入畵) 이후 서법 용필의 이익과 폐해를 확인하였으며 중국 전통예술 품평 도덕화 의 발생 원인과 영향을 반추하였다. 그리고 남북종론이라는 영향을 끼친 중국 근대의 중요한 회화 품평이론 형성의 역사적 세부사항과 시대적 한계를 살펴보고 재조명하였다.

Noun meanings such as "Yeoga Painting", "Iga Painting", and "Yega Painting" are important topics in the study of inter-Korean sect. This transition of nouns reflects the changes in the social status of literary painting, the self-awareness and artistic arguments of literary artists, and the path of realizing them, and is also a decisive clue to the rise of literary painting in modern painting. Domestic and international, this problem is usually followed by the three letters of Yeo, Yi, and Ye. However, Dongchang did not specifically mention the reason why he replaced Ryeo with Ye, expanded to Yeche and Yebeop, a huge transition of Seobeop Yongpil, and Lee to Ye, and there is no professional research on this. Through research on the literature, the text deeply examined these three conversion processes and confirmed the effect of the development of Chinese painting tools on the writing and muted methods of literary painting. In addition, the interests and evils of calligraphy after the introduction of original books were confirmed, and the cause and influence of moralization of traditional Chinese art quality were reflected. In addition, the historical details and the limitations of the times of the formation of important painting quality theory in modern China, which had the influence of inter-Korean sect, were examined and reexamined.

실내악 과정을 최초로 개설하고 중국 CNKI에서 실내악에 대한 연구를 가장 많 이 하고 있는 사범대학(심양사범대학교 음악대학)의 음대를 사례로 연구하고자 하였다. 본 연구는 다음과 같이 다양한 연구 방법을 사용하고 있다. 연구의 객관성과 과학 성을 보정하기 위해 문헌 조사방법, 앙케트 조사방법, 사례비교방법을 사용하였다. 심 양사범대학교 음악대학의 교사 및 학생들 대상으로 인터뷰를 진행하였다. 인터뷰 내용 을 단계별로 코딩하는 "근거이론"을 사용하여 당시 학과의 커리큘럼 설계의 문서 및 자 료와 결합하여 "이해와 해석"방법으로 심양사범대학의 음악학과의 특징과 실내악 교육 과정 설계에 영향을 미치는 요소를 탐구하기 위한 것이다. 가장 좋은 실내악 과정의 설 계 과정을 연구하고 설계 특성과 영향요인을 발견하여 중국의 다른 일반 음악 대학의 실내악 과정 설계에 대한 시사점과 참고자료를 제공할 수 있으며 많은 음악 교사를 양 성에 도움이 될 것이다.

Taking the school of music in normal music colleges (Shenyang Normal University Conservatory of Music), which was the first to offer chamber music courses and published the most articles about chamber music on CNKI, as an example, the paper uses a variety of research methods such as document method, interview method, archive method and case method. methods to ensure the objectivity and scientific nature of the research. By conducting interviews with teachers and students of the School of Music of Shenyang Normal University, using the "grounded theory" to code the interview content step by step, combined with the documents and materials of the curriculum design at that time, with the method of "understanding and interpretation" to explore the original music school of Shenyang Normal University The characteristics and influencing factors of chamber music curriculum design. Studying the design process of its original chamber music course, discovering the design characteristics and influencing factors, it can provide thinking and reference for the design of chamber music courses in other normal music colleges in China, and train a large number of qualified music teachers in the compulsory education stage.