Earticle

조선시대 산수화는 그 시대적 배경이 유교의 靜坐와 맞물려 있다. 바로 여기서 필자는 성리학에 기반을 둔 조선시대에는 산수화 속에서 유교의 정좌가 어떠한 형상으로 나타 났을까?에 관심을 가졌다. 그렇다면 왜 하필 ‘유교의 정좌’일까? 다양한 형상으로 나타나는 유교의 정좌는 장소에 제한을 받지 않고 수양을 할 수 있다. 이에 본 논문은 산수화 속에 나타나는 유교의 정좌를 살펴보는 데에 목적을 둔다. 일반적으로 정좌는 ‘조용히 앉아 있다’는 한정된 자세의 제한이 있는데 유교의 정좌는 다양한 형상으로 나타나고 있기에 산수화 속에서 다양한 형상으로 표현되고 있는 유교의 정좌를 살펴보고자 하는 것이다. 이를 위해 필자는 이 글의 목적을 조선시대 산수화 속에 나타난 유교의 정좌를 사상과 자세적인 면에서 다음과 같이 고찰한다. 첫째로 정좌와 유교의 관계를 살펴보고, 두 번째는 산수화의 의미와 조선시대 산수화 속에 나타난 정좌에 대한 그림을 분석하며, 마지막으로는 이 정좌를 표현하는 그림이 의미하는 바를 밝힌다. 신유학은 인간의 몸과 마음의 연관 관계 및 작용과 기능 그리고 마음 수양법 등에 아주 큰 관심을 가진 중국의 주요한 학문이었다. 이를 위한 방법으로 유학자들은 정좌를 제창하였다. 정좌란 ‘조용히 앉아있다’는 뜻인데 매우 다양한 의미가 있다. 왜냐하면 유학자들은 스님들의 참선 자세를 정좌라고 하지만, 책상에 앉아서 독서할 때의 자세나, 또는 낚시를 하거나 바둑을 두거나 바위 위 등에 고요히 앉아있는 자세도 정좌라고 한다. 이런 맥락에서 다양하게 사용된 정좌는 조용히 앉아서 정신을 집중시키며 마음을 하나로 모으는 것은 같으며 유학자들이 중요하게 생각한 명상의 방법이다. 조선시대 산수화 속에 표현된 정좌를 그린 그림들을 찾아보면 유교의 정좌가 산수화 속에서 어떠한 영향을 주었으며 또한 어떻게 표현되었는지를 살펴 볼 수가 있다. 또 평면적인 공간에서 펼쳐지는 조형세계인 그림은 현실적으로 개별적인 작품형태로 표현된다. 그림의 장르 중 하나인 산수화는 산과 물이 서로 조화롭게 어우러진 자연의 경치를 그린 그림으로, 옛 선인(先人)들은 자연산수를 신비로움과 경외심으로 대하였다. 일례로 산수화는 산수를 경외의 대상으로 바라보거나, 또는 완상의 대상으로 바라볼 때 그리려고 하는 산수의 화면은 다르게 보인다. 대상을 바라보는 마음에 따라 그림은 그 대상이 다르게 보이기 때문이다. 커다란 삶에 대한 경외심인지 아니면 자연에게 부여된 철학이나 사물의 대상을 보고 감상자가 느낀 감정을 표현함의 감상인지, 유희의 흥미에 따라서 산수 화면은 달라진다. 사실주의와 이상주의의 조화로움을 실현하고 있는 산수화는 그림 속에 수준 높은 정신적인 수련이나 철학적인 면을 담고 있다. 결론적으로 문화라는 것은 그 시대의 상류계층의 문화의식과 연관되어 있으며 이를 대변하는 것이 지식인의 예술관이기 때문에 조선시대 산수화는 사대부들과도 관련이 있음을 정좌로 살펴볼 수가 있는 것이다.

The historical background of landscape paintings in the Joseon Dynasty period is engaged with jeongjwa 靜坐 in Confucianism. Confucianism, especially, Neo-Confucianism was one of the major traditional humanities in East Asia, very actively interested in the relationship between human body and mind, the action and function of the mind, and the method of moral culture of the mind. Confucian scholars advocated for jeongjwa 靜坐 as a method for those. jeongjwa 靜坐 meaning, “To sit quietly” has very diverse meanings. Confucian scholars call monks’ Zen meditation posture jeongjwa 靜坐 and also, call the posture of sitting at the desk and reading jeongjwa 靜坐. In addition, they called the position of playing go, fishing or quiet sitting jeongjwa 靜坐 as well. jeongjwa 靜坐 used in various ways is commonly sitting calmly, concentrating one’s mind on one thing, which is a method of meditation to which Confucian scholars attached importance. Through the pictures that drew jeongjwa 靜坐 expressed in landscape paintings in the Joseon Dynasty, it is noted how jeongjwa 靜坐 in Confucianism affected landscape paintings and how it was expressed. A painting, a world of molding spread at a flat space is expressed realistically in the forms of individual works. The landscape painting, one of the genres of painting is a painting that drew natural scenery where mountains and water blend harmoniously together, and the ancestors treated the landscape painting of nature as mysticism and a sense of awe. The pictures of landscape paintings to draw differ depending on whether the landscape is viewed as an object of awe or as an object of appreciation. This is because the object in the picture looks different depending on the mind that looks at that. The picture of the landscape differs depending on whether the viewer has awe of a great life, philosophy given to nature, appreciates the expression of the object as felt, or is interested in amusement. Landscape paintings that realize the harmony of realism and idealism contain a high level of spiritual training and philosophy in themselves. A culture is associated with the cultural consciousness of the upper class of the society, and since artistic viewpoints of intellectuals represent this, it can be noted that landscape paintings in the Joseon Dynasty are also related to the scholar-gentry class through jeongjwa 靜坐.

겸재(謙齋) 정선(鄭敾, 1676〜1759)은 우리나라 회화사에 가장 큰 획을 그은 화가답게 많은 작품을 남겼다. 지금까지 파악되는 정선의 현존 작품은 372점이지만, 학자들 조사를 종합해 보면 적어도 500여 점 정도는 될 것으로 추정된다. 최근에도 여러 점의 정선 작품이 발견되어 학계에 비상한 관심을 모으고 있다. 그중에서도 이번에 발견된 정선의 〈산천재도〉는 그가 즐겨 그려 왔던 제재, 기법과는 사뭇 다른 다음과 같은 형태를 취하고 있어서 특별한 관심을 가지게 된다. 첫째, 전승되는 정선의 작품에는 논과 밭을 담은 ‘전원풍경’이 거의 없었기에 ‘제재’부터 차별된다. 물론 정선의 〈산천재도〉는 현장에서 화폭을 펼쳐놓고 사생하지는 않았으나, 현장에서 사생한 듯한 법도(法度)와 의태(意態)를 갖추고 있다. 이른바 정선의 〈산천재도〉에서는 현장에서 사생한 듯한 경물의 정취(情趣)를 충분히 전달받을 수 있을 뿐만 아니라, 계절과 기후까지도 느껴지는 운치와 격조가 있어서 제재 선택에 큰 의미를 두게 된다. 둘째, 정선의 〈산천재도〉에 드러난 기법표현 역시 아주 신선하고 색다르게 빛난다. 작은 화지이지만 거대한 공간으로 보이고, 그곳에 크고 작은 많은 경물을 모두 담아낸 짜임새 있는 구성력, 부드럽고 너울거리는 듯한 필선, 여기저기 흩어져있는 작은 태점(苔點), 그리고 전혀 어울리지 않을 듯한 중경의 중량감 있는 묵색 등이 매우 신선하고 색다른 느낌이어서 이에 보다 큰 의미를 둔다. 셋째, 정선의 〈산천재도〉는 그림 자체도 특별하지만 그곳에 적힌 ‘화제’는 제작 시기, 제작 동기, 제작 장소, 학문적 수준, 서체 등을 분명하게 알려 주고 있기에 이 역시 큰 의미를 가진다. 이렇듯 이번에 발견된 정선의 〈산천재도〉는 적지 않은 여러 의미와 가치를 가지고 있다. 정선의 〈산천재도〉를 통해 역사적, 문화적, 미술사적 사실을 충분히 확인할 수 있을 뿐만 아니라, 그가 뿜어내는 원숙한 절정기의 필치와 그의 지적, 미적 향기에 빠져들어 우리들의 지친 삶을 한껏 위로받을 수 있을 것이다.

Gyeomjae Jeong Seon was artist who left a great foot-step in the painting history of Korea and left a numerous works behind. Works of Jeong Seon as have been known to the present time are 372 pieces, but scholars comprehensively estimated the works to be around 500 pieces at least. Even recently, several works of Jung Seon were discovered to gain significant interests from the academic circle. Among them, a newly discovered piece of Jung Seon, 〈Sancheonjaedo〉, shows much different shape from his favorite topics and techniques to get special interests. First, the handed-down works of Jeong Seon differ from its ‘topic’ since there is almost no ‘pastoral scenery’ containing paddy field and dry field. Obviously, <Sancheonjaedo〉 of Jeong Seon is equipped with custom and a state of mind as if it's a sketch from nature although it was not sketched from nature. So-called 〈Sancheonjaedo〉 of Jeong Seon has not only the sufficient sentiment of all objects as if it is sketched in the field, but also, it has the great taste and style which shows even the season and climate hence, it has a great implication for selecting the topics. Second, the technical expression displayed on 〈Sancheonjaedo〉 of Jeong Seon also had a number of refreshing and remarkable features to shine. It may be a small painting sheet, but it seems like a vast space. It is considered to be a different experimental attempt with the power of composition to contain numerous scenes and properties on the screen, writing lines that seemed to be tender and wavery, small spots scattered here and there, and seemingly complete disharmony in the sense of heavy and light weight in its ink color painting. And, third, 〈Sancheonjaedo〉 of Jeong Seon is special by the painting work itself, but the ‘topics’ written on it also conveys significant information that it deserves special treatment. As such, the newly discovered 〈Sancheonjaedo〉 of Jeong Seon contains significant implications and values. The author certainly cannot go back to the past, but through 〈Sancheonjaedo〉 of Jeong Seon, the author can fully appreciate historic, cultural, and art historic facts, and also get a condolence on our fatigue livelihood by falling into mature brush work, and intellectual and aesthetic aura of master piece.

본 논문은 康有爲 서예사상의 핵심인 變法을 태극음양론적 관점에서 살펴보았다. 康有爲는 唐代의 서예를 낮추고 魏碑를 존숭하면서, 重碑抑帖이나 尊魏卑唐의 개혁론을 주장한다. 康有爲 서예사상의 핵심은 ‘變’이다. 變은 天道이며 陰陽의 변화이다. 그것은 『周易』의 이치이다. 康有爲는 ‘배운 자는 때를 잘 살펴 변화에 통해야 한다.’는 점을 자신의 서예이론에 적용하였다. 그가 추구한 서예는 新意妙理나 新體異態이다. 康有爲는 서예의 변화가 비록 小道이지만, 여기에는 우주의 大道가 반영되어 있다고 보았으며, 方圓並用의 中和美를 강조하였다. 康有爲 『廣藝舟雙楫』의 變法사상은 『周易』의 영향을 받아 정치뿐만 아니라, 서예에 그대로 적용시켰다. 따라서 이 책은 魏碑의 아름다움을 한 층 더 끌어 올렸다는 점에서 서예사적 의의가 있다.

This study examined the law of change, which is the core of Kang Youwei’s calligraphic thought, from the perspective of a theory of the great ultimate and yin and yang. Kang Youwei intended to reform calligraphic theories by respecting the stela from Wei dynasty and lowering the calligraphic manuscripts from Tang dynasty. The core of Kang Youwei’s calligraphic thought is a change. The change is the law of nature, which is a change of yin and yang. It is the essence of the book of Change. Kang Youwei applied to his calligraphic theory that ‘the learned person should take good care of the time and go through the change’. The calligraphy he pursued is to express an profound principle with a new will or to create a different shape through a new style. Kang Youwei thought that calligraphy reflected the great Way of the universe even though it was a minor craft, and he emphasized the Equilibrium-Harmony beauty of using both square and circle. The thought of ​​the change in Kang Youwei’s Gwangyizhoushuangji(廣藝舟雙楫) was influenced by the book of Change, and he applied it to calligraphy as well as politics. Therefore, this book has a calligraphy historical significance in that it has brought up the beauty of the stela from Wei dynasty further.

글로벌 아티스트인 김수자는 한국과 범아시아적인 소재와 주제로 서구와 다른 문화권의 영향아래서 활동하고 있다. 김수자의 예술작업은 특정한 서양의 철학과 미술사를 기반으로 한 시점, 예를 들면 디아스포라(diaspora), 노마디즘(nomadism), 페미니즘(feminism), 글로칼리티(glocality) 등의 키워드를 중심으로 선행연구 되어왔다. 이에 본 연구는 서양미학의 시각을 중심으로 한 연구방법론에서 탈피하여, 한국과 동양의 미학적 측면에서의 연구의 필요성을 자각하고, 김수자의 작품세계에 대한 다양한 접근의 일환으로 한국미학에서의 ‘자연주의’와 도가미학의 ‘도’(道)와 ‘무’(無) 개념을 중심으로 연구를 진행하고자 한다. 한국에서 ‘보따리’는 전통적인 사각형의 천으로 에워 싼 물건의 뭉치라는 뜻이다. 본문에서는 첫째, 김수자의 예술작업을 연대기 순으로 <보따리> 연작과 관련 작업의 물리적이고 개념적인 변천과정을 분석한다. 둘째, ‘보따리’의 한국의 전통적 쓰임과 개념을 김수자의 작업과 관련하여 알아본다. 그다음으로 그녀의 2010년 이전의 <보따리> 연작 작업을 한국미학에서의 ‘자연주의’의 개념과 함께 읽어보고, 다음으로 2010년 이후의 <보따리> 시리즈를 노장사상의 ’도’(道)와 ‘무’(無) 개념으로 이해해 본다. 마지막으로, 본 연구는 다문화시대에 부응하여 서양미학 중심주의에서 탈피하여, 한국과 동아시아의 도가의 미학사상을 통하여 김수자의 예술세계에 대한 폭 넓은 이해에 공헌할 수 있기를 바란다.

As a global artist, Soo-ja Kim uses Korean and Asian materials and themes mixed with Western and other cultural ideas. In previous research, Soo-ja Kim’s artworks were conducted from the perspectives of a particular western philosophy and art history, such as diaspora, nomadism, feminism and glocality. However, in order to further understand her works in the field of contemporary art, this study aims to examine Kim’s artworks through the concepts of Korea aethetics and Taoist thought focusing on the <Bottari> series. ‘Bottari’ means a bundle wrapped up with a traditional rectangular fabric in Korean. In the thesis, firstly, Kim’s artworks are analyzed by chronological order focusing on the physical and conceptual transition of the <Bottari> series and her related works. Secondly, Korean traditional usages and concepts of ‘Bottari’ are discussed in connection with Kim’s artworks. Then the <Bottari> series is interpreted from the perspective of Korean aesthetics with the keyword ‘Korean Naturalism’. In the last, the research interprets Kim’s <Bottari> series through Taoist aesthetics with the keywords ’Tao’(道) and ‘nothingness’(無). Finally, in the global era, the thesis hopes to contribute to the broad understanding of Soo-ja Kim's art world.

이 글은 중국 미학의 주요 범주인 ‘상(象)’이 갖는 의미를 『회남자』를 통해 살펴보고, 중국 문화에 깃든 특별한 아름다움에 대해서도 논하였다. 『회남자』는 한 대 초기에 유안을 비롯한 수많은 지식인이 모여 집단지성의 힘으로 저술한 것으로 유가와 도가, 기화 우주 등 선진 시대로부터 시작된 다양한 중국 전통 사유가 통합적으로 담겨 있는 문헌이다. 특히 기화 우주론은 형이상학과 형이하학을 융합하고 내면과 외면을 연결하는 중국적 사고의 특수성을 뒷받침하고, 중국 미학의 형성에 지대한 영향을 준 사상으로 『회남자』를 통해 집대성되었다고 평가되고 있다. 『회남자』가 저술된 한 대 초기는 다양한 문자가 형성되었으며, 문자의 사용이 이전에 비해 매우 안정되었다. 다양한 의미로 가차되던 ‘상(象)’자의 쓰임도 이 시기에 이르러서는 ‘상(象)’자, ‘상(像)’자, ‘사(似)’자, ‘짐(朕)’자로 분리되기 시작하였다. 이를 계기로, ‘도(道)’를 표현한 ‘상(象)’과 ‘도(道)’를 본받은 ‘상(像)’으로 그 쓰임이 분리되는 과정에서 작가의 자유로운 상상력을 나타내는 ‘상(象)’의 영역이 새롭게 드러났다. 이 후 중국 문학과 예술 창작은 ‘도(道)’를 싣거나 혹은 ‘뜻(志)’을 담아야 한다는 관점과 작가의 자유로운 감정과 발분에 집중해야 한다는 관점이 서로 대조를 이루며 계승과 발전을 이어가게 된다. 그러므로 중국 미학 연구에서 『회남자』는 두 흐름의 분기점이 명확히 드러난 문헌으로서 큰 의미가 있다. 선진 시대, ‘도(道)’, ‘기(氣)’범주와 상호 연결된 개념으로 출현한 ‘상(象)’범주는 전국 시대 말, ‘기(氣)’범주에 양적 개념이 더해지면서 수양을 통해 쌓아올린 인간의 품격이 겉으로 넘쳐 드러남을 뜻하는 ‘기상(氣象)’의 의미를 내포하게 되었다. 이로 인해, 중국 문학과 예술에서는 작품을 품평하기에 앞서 작가의 품격을 먼저 논하는 풍토가 형성되었다. 이와 더불어, ‘인도(人道)’가 ‘천도(天道)’와 맞닿은 ‘천인합일(天人合一)’의 경지를 체인한 성인을 형용하던 ‘신명(神明)’의 의미도 신품에 다다른 예술가의 품격과 창작 행위를 일컫는 개념으로까지 확장되었다. 예술가의 ‘기상(氣象)’과 ‘신명(神明)’을 중요하게 논하는 중국의 문학과 예술은 긴 시간에 걸친 꾸준한 배움과 수양의 과정에 큰 가치를 부여한다. 『회남자』에서 ‘의상(意象)’이 하나의 합성어로 사용되었다는 것은 매우 주목할 만하다. ‘의상(意象)’은 위진 남북조 시대에 형성되어 당 대 시가 문화에 큰 영향을 끼친 중국 문학의 주요 비평 용어다. 또한, 전한 시대 문헌인 『회남자』에 쓰인 문학 창작과 관련된 서술은 선진 시대와 위진 남북조 시대의 문학과 예술 이론을 잇는 징검다리로서 중국 미학사 연구에서 빼놓을 수 없는 중요한 내용이다.

It aims to examine the meaning of 'Xiang(象)'-one of major category of Chinese aesthetics-based on 『Huainanzi』, and to discuss the term in relation to special beauty of Chinese culture. 『Huainanzi』was written by Liuan(劉安) with many other intellectuals as collective intelligence in the early year of the Han dynasty. It is a philosophical literature that contains various traditional ways of Chinese reasons originated from 'Confucianism', 'Daoism', and 'Qi(氣)-Cosmology'. Especially, 'Qi(氣)-Cosmology' supports the unique ways of Chinese thinking which synthesize the metaphysics and physics and also connects inside and outside. It also had a prominent influence in the formation of Chinese aesthetics. Furthermore, 'Qi(氣)-Cosmology' is regarded to have been intergrated through 『Huainanzi』. When 『Huainanzi』 was written in the early year of the Han dynasty, many Chinese characters had already been formed, and the use of them was stabilized more than before. In this period, the meaning of 'Xiang(象)'- which previously had been used with many different terms - was categorized into 4 main characters 'Xiang(象)', 'Xiang(像)', 'Si(似)', 'Zhen(朕)'. Among these, 'Xiang(象)' and 'Xiang(像)' were used to express 'Dao(道)' and to emulate 'Dao(道)' respectively. During this time, newly formed usage of 'Xiang(象)' was also emerged to demonstrate artists' imagination. Since then, the idea of creating Chinese Literature and Art has continued to be developed into two main streams. One was to reflect 'Dao(道)' or social consciousness in the creation of Chinese Literature and Art. And the other was to focus on the unconstrained from the artist's inner being. Therefore 『Huainanzi』in Chinese aesthetic study became a milestone to intersect the two main flows. In the ancient China, the term of 'Xiang(象)' was interconnected with 'Dao(道)' and 'Qi(氣)'. At the end of the Warring States period, quantitative concept was added in the meaning of 'Qi(氣)'. In consequence 'Xiang(象)' was used to imply the meaning of 'Qixiang(氣象)'. 'Qixiang(氣象)' became an indicative measure of human character established through learning and training. This led to the cultural traditions that Chinese Literature and Art valued the dignity of artist him/herself more than the qualities of works produced by them. The meaning of 'Shenming(神明)' contains the nature's 'Dao(道)' and human's 'Dao(道)' which are related to each other. 'Shenming(神明)' is also extended to refer to the dignity and creativity of artists. Because of this, Chinese Literature and Art give high value to persistent learning and training processes based on 'truth(誠, cheng)' and 'endurance(致, zhi)'. It is worthy of notice that 'Yixiang(意象)' was used as a compound word in 『Huainanzi』, 'Yixiang(意象)', which was formed during the period of Wei-jin-Northern and Southern dynasties eras, based on『Zhouyi(周易)』 and 『Shijing(詩經)』, is a very important term for Chinese Literature and Art. It also had a huge influence in the formation of poetry in Táng(唐) dynasty. In addition, the discourse about 'Yixiang(意象)' mentioned in 『Huainanzi』 plays a significant role to bridge the Chinese Literature and Art between the ancient China and Wei-jin-Northern and Southern dynasties eras.

동아시아 文人들의 詩書畵는 그들의 대표철학인 儒佛道를 바탕으로 하여 사상을 표현한 形象言語이다. 그 작업 과정은 몸과 마음의 합일 하에 자신의 정서를 표출하는 자기표현과 예술적으로 수련하는 기능을 하였다. 이를 시서화수행으로 보았다. 본고는 詩書畵수행에 관한 이론적 기초를 정립하기 위하여 合一性의 표상으로서 시서화론을 중심으로 찾았다. 詩書畵論은 첫째 書畫同原論과 一律論에서 글쓰기와 그리기의 合一과 자기 표현적 기능의 몸과 마음의 합일성. 둘째 意象論과 寫意論에서 形像을 통하여 문인들의 意를 드러내는 상징성의 역할에서 可視世界와 非可視世界를 연결하는 합일성, 세째 一劃論과 氣韻生動論에서 마음으로부터 시작하는 一劃이 이미지를 생성하면서 그림의 氣運이 生動하고 자연과 인간, 물질을 통관하며 총체적으로 모든 것을 아우르는 洞觀的 合一性을 특성으로 한다. 이러한 시서화수행에서 일어나는 통관적 합일의 의 과정은 物我一體와 無我的으로 합일하는 순간들의 집적으로서 그림의 생명성이 창출되었다. 이 시서화 수행의 과정에서 洞觀的 合一을 修練하는 시각 훈련이라고 보았다.

Shishuhwa(poetry, calligraphy and painting) is a figurative language that East Asian literati express their lives and ideas containing a monistic world view based on Confucianism, Buddhism and Taoism which is the representative idea of the Orient. This paper regards that practicing shishuhwa is to train their learning as the self-expression of their ideology and their contemplative practice based on their unified approach and artistic practice. That is, their learning as shishuhwa contemplative practice was the basis of traditional education. And also shishuhwa conveys their intention through the symbolic meaning which connects the visible world as its subject matter according to the Euisang(intention-image) theory, non-doing attitude of "liveliness of vital qi" that literati put the vitality at the first place in their shishuhwa, and contextual feature as a representation of their unified spirit in the roles of Oneness of brush stroke(il-heuk) theory and Illyul(one-uniformity) theory. In order to fuse the separated study in this modern time and to search for the philosophical foundation, the first section of the main content deals with how literati’s monistic perspective as three perfectionists’ practice was applied and adjusted, and the second section regards that the integrative unification embracing everything and "liveliness of vital qi" were manifested from non-doing attitude achieving unification of human and material in the process of shishuhwa practice and non-self being communicated by the response of the energy between nature, artist and viewer since literati counted on their finger to express their minds’ image was "liveliness of vital qi" among six laws of painting. In the third section, it examines the symbolic role of revealing its meaning through images connects between the visible and invisible world in Euisang theory. In the fourth section, shishuhwa is a way to train the unity synthesizing nature, human, and his/her mind and body in a state of unified mind and body through using with the right hemisphere of a brain as an exposure of their inner world about life rising from human’s mind according to Shitao’s One brush stroke theory. Finally, through the above 4 sections, it suggests a basic discipline as the old future to train unity developed in these process of shishuhwa.

본 논문은 겸재 정선의 많은 작품 중 하양(현 경산)과 청하(현 포항)에서 현감으로 재직하던 무렵 경상도 지역 65개 군현을 찾아다니면서 명승과 명소를 그린 사경산수화를 분석한 것이다. 지금까지 정선에 관한 연구는 대부분 진경산수화 또는 금강산, 한양(서울)을 배경으로 한 작품에 대한 연구들이며, 정선이 40대 이후 관직에 있던 시절, 즉 5년간(1721-1725) 하양 현감 시절과 이후 2년여(1733-1735) 동안 청하(경북 포항) 현감 시절에 제작한 작품에 대한 연구는 전무한 실정이다. 이에 연구자는 정선이 영남지역의 경관을 소재로 한 작품들을 분석하고 그 특징을 살펴서, 영남지역의 사경산수화가 정선이 실경 표현을 위해 어떤 작품 세계관을 지니고 있는지 각 명소와 작가가 어떤 의미가 있는지 고찰하였다.

This thesis aimed at analyzing ‘True-view’ landscape paintings(sagyeongsansoohwas) which was painted by Gyeomjae(his pen name) Jeong Seon when he worked as a governor in Hayang(Gyeongsan, currently) and Cheongha(Pohang, currently) among his many works. They were painted after he explored 65 places in the Gyeongsang Province and the famous scenic spots and beautiful places were chosen for his painting by him. So far, most of the studies on Jeong Seon were his works with Jingyeongsansoohwas, Mt. Geumgang, or the works with the background of Hanyang(Seoul, currently). However, there have been no researches on his works when he was in government service as a governor when he was in his forties, that is five years(1721-1725) in Hayang, and two years(1733-1735) in Cheongha(Pohang, North Gyeongsang Province). Thus, it was investigated by the author what kind of views he had in order to express the actual scenes, and what each scenic spot meant to the painter Jeong Seon, by analyzing his works which had the landscape in Youngnam area as a subject and examining the characteristics of them.Ukiyo-e and literary paintings of the Edo period in Japan

인터넷 발달로 다양한 정보를 실시간 공유가 가능함으로써, 우리나라 인테리어 산업 또한 큰 변화를 가져왔다. 수도권 인테리어 전문업체들의 고품질 디자인 스타일과 인테리어 정보는 인터넷을 통해 지방 수요자들의 관심을 이끌었고 이로 인한 수도권 인테리어 전문업체의 지방공사는 증가되고 있다. 이러한 현상으로 인해 수도권 인테리어 전문업체의 지방 공사에서 지방 인테리어 단종업체의 활용도가 낮아짐으로서 고비용 저효율 현상을 보이고 있다. 또한, 사후관리 서비스의 미흡 등으로 인한 클라이언트 만족도 저하의 문제점 발생으로 인한 사회적 비용 증가로 이어지고 있다. 이에 안정적인 네트워크 구축을 위해 선행되어야 될 시스템들을 제안하면 다음과 같다. 첫째, 선진 인테리어 시공에 대한 체계적 교육시스템 도입이다. 체계적인 선진 시공기술 교육 시스템을 도입하면 수도권 인테리어 전문 업체들의 선진 시공기술들을 지방 인테리어 단종업체들에게 자연스럽게 이전하는 효과를 기대할 수 있다. 둘째, 네트워크를 활용한 인테리어 시공 품질유지 시스템 구축이다. 앞서 말한 선진적인 인테리어 시공기술에 대한 지속적인 업데이트로 시공 품질 유지를 가능하게 할 수 있다. 셋째. 공정한 인테리어 시공능력 검증 시스템 도입이다. 이를 통해 지방 인테리어 단종업체들의 시공 품질 신뢰성을 구축할 수 있다. 위의 시스템들을 기반으로 한 수도권 인테리어 전문기업과 지방 인테리어 단종업체 간의 원활한 인테리어 네트워크 구축은 수도권 인테리어 전문 업체들과 지방 인테리어 단종업체들의 수익상승, 지역 간 인테리어 산업 집중화 현상 해소를 통한 지방 경기 활성화로 이어질 수 있다. 결과적으로 이러한 효과들은 국민들에게 양질의 인테리어 시공 환경을 제공함으로써 우리나라 인테리어 산업의 발전을 기대할 수 있다.

The sharing of various information due to the development of the Internet has brought about a huge change in the nation's interior design industry. High-quality design styles and interior information of Seoul`s interior makers have attracted local demand through the Internet, which has led to an increase in the number of local construction projects for Seoul`s interior design firms. This phenomenon has resulted in the low-cost and low-efficiency of local interior designers in the metropolitan area. In addition, the lack of follow-up services has led to a decrease in client satisfaction resulting in an increase in social costs. The interior industry needs to establish related networks to ensure competitiveness and increase construction productivity and efficiency due to characteristics that create results by identifying customer needs and attaching value. The following are suggested systems that should be preceded by stable network deployment. First, it is the introduction of systematic education system for advanced interior construction. The introduction of a systematic and advanced construction technology education system will help the Seoul metropolitan area's interior design companies transfer advanced construction technologies to local interior design vendors. Second, it is building an interior construction quality maintenance system that utilizes network. Continuous updates to the aforementioned advanced interior construction techniques can enable maintenance of construction quality. Third, the fair interior construction capability verification system is introduced. By doing so, local interior design vendors can establish construction quality reliability. The establishment of a seamless interior network between the Seoul metropolitan area interior enterprises based on the above systems and local interior design discontinuities could lead to a rise in profits from the Seoul metropolitan area's interior design companies and local interior design vendors, and the revitalization of the local economy by eliminating the phenomenon of the concentration of inter-regional interior industries. As a result, these effects can be expected to develop the nation's interior industry by providing the people with a high quality interior construction environment.

茶는 우리의 생활 속에 깊이 스며있는 문화중 하나로 茶三昧는 茶를 즐기는 사람들에게 초범입성(超凡入聖)의 경지를 열어준다. 다선일미(茶禪一味)와 일기일회(一期一會)의 정신은 삶을 정화시키고, 삶의 여유와 향기로움을 주는 中正의 茶는 심신을 다스리게 해준다. 그래서 조선의 茶人들은 茶事로 몸과 마음을 수련했고, 茶와 삶의 苦樂을 함께 나누며 끽다거(喫茶去)를 즐겼다. 본고는 茶三昧의 審美意識에 대한 연구이다. 그동안 茶를 소재로 한 茶畵에 대한 연구가 있었지만, 조선 선비들의 정신을 고양시키던 茶三昧의 철학과 미학에 대한 연구는 미미하다. 이에 본고는 수양과 성찰을 상징하고, 소통과 토론의 장을 마련하는 茶의 의미에 대하여 분석하고, 茶三昧의 심미의식을 형상화한 조선후기 회화를 다각적으로 고찰하고자 한다. 조선후기의 회화에는 유유자적한 삶을 형상화한 茶 隱逸圖와 음악과 茶의 興을 묘사한 茶樂圖가 있고, 좋은 사람과 같이 차를 마시며 淸談을 즐기는 茶會圖가 있다. 茶畵속 隱者는 선경에 살면서, 茶童이 끓여주는 향기로운 茶을 마셨고, 달 아래에서 탄금과 끽다거의 茶興을 즐겼고, 파초에 글을 쓰고, 독서를 하면서 茶香에 빠졌다. 茶三昧의 심미의식으로 창출된 조선후기의 茶畵를 다각적으로 연구 분석하여, 초범입성의 ‘茶’와 삶의 향기인 ‘藝’에 대한 논의를 이어가고자 한다.

Tea is one of the deeply rooted cultures in our lives, and tea samadhi allows people who enjoy tea to go beyond ordinary people into the stage of a saint. The spirit that one flavor embraces both tea and Zen and that we meet once in a lifetime purifies the life, and the tea of Impartiality which gives the comfort and the fragrance of life makes the body and the mind cultivated. Therefore, the tea people of Joseon cultivated their bodies and minds with tea ceremony, shared the tea and the bitterness of life together and enjoyed the opportunity to offer a cup of tea. This paper is a study on the aesthetic consciousness of tea samadhi. Although there have been studies on tea paintings based on tea, there has been few studies on the philosophy and aesthetics of tea samadhi which elevated the spirit of Joseon scholars. Thus, in this paper, I will analyze the meaning of tea, which symbolizes cultivation and reflection and establishes the field of communication and discussion. Moreover, I intend to examine various aspects of the paintings in the late Joseon Dynasty that embody the aesthetic consciousness of tea samadhi. Poets and painters in Joseon Dynasty expressed tea poems and tea paintings with the aesthetic consciousness of Confucianism, Buddhism and Taoism. Among the paintings of the late Joseon Dynasty, there are tea seclusion paintings embodying a free and easy life, tea and music paintings depicting pleasure of music and tea, and tea gathering paintings describing a person enjoying a tea conversation with beautiful people and a good tea. In the tea paintings, a hermit is drinking the fragrant teas brewed by tea child in the Zen scenery. He is enjoying pleasure of playing a geomungo and drinking tea under the moon. He is also fallen in tea fragrance while writing on plantains and reading books. I will continue to discuss about the tea which allows people to go beyond ordinary people into the stage of a saint and to investigate the art which is the fragrance of life by analyzing various aspects of the paintings in the late Joseon Dynasty created by the aesthetic consciousness of tea samadhi.

본고는 조선조 화가 중 狂狷 畵風을 전개한 화가들의 인간됨됨이와 성향을 연구한 것이다. 한국회화사를 통관할 때 조선조에는 광기어린 그림을 그린 몇몇 인물들이 있고, 아울러 狷者 화풍을 전개한 인물도 있다. 이같은 광견풍의 예술창작 행위에는 狂者의 縱情任性 혹은 放蕩驕恣하는 차원에서 행해진 광기어린 자유로운 몸짓이나 狷者가 추구한 隱逸적 삶과 담백한 삶이 담겨 있다. 조선조 화가 중에 광기어린 삶을 살면서 자신의 광기를 화폭에 담은 화가들은 자신을 스스로 비하하는 ‘正言若反’의 역설적 방식을 통해서, 혹은 술을 마시고 禮法과 법도를 무시한 행위를 통해 자신의 광기를 드러내곤 하였다. 구체적으로는 異端 화풍을 열었다고 평가된 金明國의 酒狂식의 행동거지, ‘七七’이라 하여 스스로를 낮춤으로써 역설적으로 세상을 비웃었던 毫生館 崔北식의 행동거지, 林熙之의 생사를 초월한 狂誕한 행동거지 등과 같은 광기어린 행위가 그것이다. 狷者畵家로는 자신의 狷介함과 세속에 아첨하지 않음을 보인 李麟祥이 대표적이고, 倪瓚을 닮고자 한 田琦는 類似狷者 화풍을 전개하기도 하였다. 조선조를 지배한 주자의 중화화풍 속에서도 이런 광견화풍은 程朱理學 중심주의의 판에 박힌 中和화풍에서 벗어나 조선조 화풍을 보다 풍요롭게 했다는 의의가 있다.

This paper investigates the styles of painters who developed the 'radical and ultraconservative painting style' among the painters in the Joseon painting. There are some characters who write or write mad paintings when they customize Korean paintings, and some have developed 'the ultraconservative painting style' style. The 'radical and ultraconservative painting style' of this kind of art creation act contains a simple life expressing his feelings freely or pursuing reclusion. Among the painters of the Joseon Dynasty, the characters who put their madness in their paintings are living in a mad life, and through the paradoxical way of saying 'the right words are like the opposite', or drinking alcohol and ignoring the law and the law He would reveal his madness. This 'radical and ultraconservative painting style' has the meaning that it has escaped the painting of 'neo-confucianism style' and enriched the style of the Joseon Dynasty.

공주는 백제의 도읍지로서, 국제 교류에 앞장서며 활발하게 문화 교류를 했던 백제 문화예술의 중심지였다. 공주 지역의 무용예술가이자 교육자로 활동하는 본 연구자는 이러한 백제 문화예술 자원의 보고인 공주에서, 백제문화 전통을 바탕으로 무용예술교육 콘텐츠로 백제춤을 개발 창안하여 보급하고자 노력하였다. 본 연구에서는 무용예술 콘텐츠의 백제춤 창안배경과 목적, 백제춤의 의미와 구성 내용을 정리하고, 공주 지역의 무용예술 콘텐츠로서 ‘백제춤’의 교육·활용의 성과를 설문지를 통하여 분석하여 보았다. 이를 통하여 실제 교육·활용의 성과의 점검과 아울러 향후 활성화를 위한 방안을 모색하여 보고자 하였다. 공주지역 백제춤의 창안, 개발은 백제의 정서와 백제인의 평화로운 삶과 풍요를 즐기는 모습을 표현하고, 차별화하여 지역특화 춤으로서의 특성을 살리고자 하였다. 이러한 백제춤의 개발과 보급을 통해서 지역민의 문화예술 향유의 기회를 확대하고, 나아가 지역의 문화자원으로서 무용예술 활성화에 기여하기를 기대하였다. 이 과정에서 본 연구에서는 향후 백제춤의 활성화와 발전방향에 대한 철저한 모색과 노력이 절실하다고 판단하고, ‘백제춤’ 교육과 공연행사에 참여하였던 청소년과 성인 150명을 대상으로, 백제춤의 특화 가치와 활성화 방안에 대하여도 의견을 모아보았다. 공주지역의 무용예술 콘텐츠로서 백제춤 활성화 방안으로는 주민이 주도된 주민 참여형 대동놀이 프로그램 기획, 연출이 가능하며, 지역정체성을 살린 교육 프로그램으로 백제문화 이미지 창출 효과와 지역의 브랜드가치로서 전승되는 전통문화로 계승하는 방안을 제안하였다. 이상에서 백제춤은 지역사회에서 백제와 공주를 알리는 콘텐츠로 중요한 역할을 하고 있으며, 백제문화를 살려야 한다는 지역민의 기대만큼 특화, 차별화 된 프로그램이 되도록 지속적인 보급과 활용이 이루어져야 할 것이다.

As the capital of Baekje, Gongju was the center of Baekje's culture and art that actively engaged in cultural exchange. This researcher, who works as a dance artist and educator in the Gongju area, tried to develop and distribute 'Baekje Dance' as a educational content for dance and art based on the Baekje Cultural Heritage. In this study, the background of 'Baekje Dance' creation, the meaning and contents of 'Baekje Dance' dance were summarized, and the education and utilization of 'Baekje Dance' as a customized dance art content in Gongju was analyzed through a questionnaire. Through these efforts, the Commission sought to find and see ways to revitalize education and utilization in the future, as well as to check the performance of actual education and utilization. First, Baekje dance in Gongju area was created and developed to reflect the life and spirit of Baekje people in the spirit of Baekje and the splendor of Baekje culture and art. The purpose of the festival was to enhance the characteristics of Baekje dance and to express the peaceful life and richness of the Baekje people through the Baekje dance and to differentiate themselves and to preserve the characteristics of regional special dances. Second, this study is to be expected to expand the opportunities for cultural and artistic enjoyment of the local people through the distribution of Baekje dance, and contribute to the revitalization of dance and art as a cultural resource of the region. Third, a survey of 150 teenagers and adults who participated in actual 'Baekje Dance' training and performance events was conducted to hear opinions on the significance, effectiveness, and activation of education and performance. Local residents and respondents held a sense of community identity or community by promoting communication and harmony in the region, and felt most rewarding about the residents' performances at the festival cultural events. The value and activation of Baekje dance is expected to be a cultural and artistic resource and also will transform the Gongju area into an artistic city.

본고는 한글소설 방각본 『구운몽』ㆍ『삼국지』ㆍ『소대성전』ㆍ『심청전』ㆍ『장풍운전』ㆍ『조웅전』ㆍ『홍길동전』 등 7종의 경판본과 완판본을 중심으로 서체의 조형적 특징을 살펴보고자 하였다. 7종 한글소설 방각본 版權紙의 발행연도는 경판본은 7종 모두 京城翰南書林에서 大正九年(1920)에, 완판본은 大正三年(1914)과 大正五年(1916)에 全州多佳書舖에서 두 차례, 明治四十四年(1911) 全州書溪書鋪에서 한 차례 발행한 것이다. 그러나 본문 말미의 책판 간기는 戊午紅樹洞新刊(1858), 己未孟夏紅樹洞新刊(1859), 壬戌孟秋完山開板(1862), 己酉孟春完山新刊(1885), 大韓光武十年丙午孟春完西溪新刊(1906), 丁未仲花日完南開刊(1907), 戊申仲春完龜洞新刊(1908)이다. 이에서 보면 본고의 경판본은 1850년대부터 출간되고, 완판본은 1860년대부터 간행되어 20세기 초까지 유통 된 것이다. 7종의 체재는 평균 경판본이 31장, 완판본이 61장 정도로 완판본이 경판본보다 배 정도 분량이 많다. 책 크기(세로×가로)는 평균 경판본 24.5×19.3cm, 완판본 26.5×18.8cm로, 완판본이 세로 2cm 정도 크다. 반엽광곽은 경판본 21.2×16.9cm, 완판본 20.4×16.6로 경판본이 세로로 0.8cm 정도 크다. 따라서 경판본과 완판본의 板木은 비슷한데, 완판본이 책을 크게 출판하였다. 문자는 두 판본이 평균 1.2cm의 행간에 왹곽이 1cm 內外로써 완판본의 문자가 경판본의 문자에 비해 가로로 0.2cm 가량 큰 문자를 배자하였다. 서체의 조형적 특징은 경판본은 7종 모두 흘림체로 자형은 대부분 같고, 완판본은 흘림체인 󰡔구운몽󰡕을 제외하고 6종이 정자체다. 완판본 흘림체의 󰡔구운몽󰡕 자형도 점․획을 결구 할 때 가벼운 연결획을 사용한 정도로 문자의 원형을 유지하고 있어 6종과 대체로 같다. 완판본 서체의 특징은 치음 ‘ㅈ ㅊ’의 ‘ㅈ’자형이 흘림체인 경판본과 같으며, 종성을 초․중성 사이에 끼워 넣는 등 문자 외곽의 세로길이를 줄여 완판본 특유의 정자체를 구사하고 있다. 그 외 경판본과 완판본 자형의 차이는 모음 ‘ㅔ’의 두 세로획이경판본은 長短의 차이가 크고 완판본은 길이가 대체로 같다. 또한 ‘ㅌ’字에서 경판본은 모두 ‘ㄷ’위에 ‘ㅡ’획을 분리하여 결구하였으나 완판본은 ‘ㄷ’의 가운데 ‘ㅡ’이 위치하고 있으며, ‘ㅇ’자형에서 경판본은 둥근 형태이며, 완판본은 삼각형(△)의 형태이다. 그리고 흘림체 『구운몽』 완판본과 경판본 및 세책본 등 궁체와 대부분 서체가 같은 점 등에서 방각본이 유행한 19세기중기이후에는 궁중을 중심으로 정형을 이룬 궁체가 전주지역에서도 쓰인 것을 알 수 있었다.

This paper intended to investigate the formative characteristics of letter form focused on the seven gyeongpanbon (block-printed books published in Seoul) and wanpanbon (block-printed books published in Jeonju) such as Guunmong, Samgukji (Romace of the three kingdoms), Sodaeseongjeon, Simcheongjeon, Jangpungunjeon, Joungjeon, Honggildongjeon. According to the copyright paper of banggakbon of the seven Hangeul fictions, gyeongpanbon was all published in Gyeongseonghannamseorim(京城翰南書林) in 1920, and wanpanbon was published two times in Jeonjudagaseopo(全州多佳書舖) in 1914 and 1916 and one time in Jeonjuseogyeseopo(全州書溪書鋪) in 1911. However, according to the imprints at the end of the text, they said 戊午紅樹洞新刊(1858), 己未孟夏紅樹洞新刊(1859), 壬戌孟秋完山開板(1862), 己酉孟春完山新刊(1885), 大韓光武十年丙午孟春完西溪新刊(1906), 丁未仲花日完南開刊(1907), 戊申仲春完龜洞新刊(1908). As a result, gyeongpanbon has been published since the 1850s, wanpanbon has been published since the 1860s, and both editions have been distributed until the early 20th century. In terms of format, the average page of gyeongpanbon is 31, and that of wanpanbon is 61, so the pages of wanpanbon are twice as many as those of gyeongpanbon. In terms of book size (length × width), the average size of gyeongpanbon is 24.5 × 19.3cm, and that of wanpanbon is 26.5 × 18.8cm, so the height of gyeongpanbon is 2cm longer than that of wanpanbon. The size of the half-leafed outline of gyeongpanbon is 21.2 × 16.9cm, and that of wanpanbon is 20.4 × 16.6cm, so gyeongpanbon are 0.8cm longer in height. Therefore, the woodblock sizes of gyeongpanbon and wanpanbon are similar, but wanpanbon was published in a large size. The average space between the columns of both editions is 1.2cm, and the space between the outline and the edge is around 1cm, and the width of the letters of wanpanbon is 0.2cm wider than that of gyeongpanbon. In terms of the formative characteristics of letter form, the seven books of gyeongpanbon have the same letter form, which is cursive script. The letter form of six books of wanpanbon are regular script, and only Guunmong has cursive script, but it is mostly the same as the letter form of the other six books because it keeps the original form of the letter while using only light connection between dots and strokes. The characteristic of the letter form of wanpanbon is that the letter form of ‘ㅈ’ of dental sound (ㅈ, ㅊ) is the same as gyeongpanbon, which is a cursive version, and that it has a unique regular letter form reducing the vertical length of the outer part of the letter by embedding a final consonant between an initial consonant and a vowel. The difference between gyeongpanbon and wanpanbon is that the length difference between two vertical strokes of the vowel ‘ㅔ’ is big in gyeongpanbon but small in wanpanbon. Also, the letter form of the consonant ‘ㅌ’ is different. The horizontal stroke ‘ㅡ’ is separately placed over the consonant ‘ㄷ’ in gyeongpanbon, but the horizontal stroke ‘ㅡ’ is placed in the middle of the consonant ‘ㄷ’ in wanpanbon. In addition, the letter form of ‘ㅇ’ is round in gyeongpanbon, but almost triangular (△) in wanpanbon. Moreover, it was found that the court style of writing Hangeul script had also been used in Jeonju area since banggakbon was prevailed in the mid-19th century because of the similarity of the letter form of a cursive version of Guunmong wanpanbon published in Jeonju and that of Guunmong wanpanbon and sechaekbon published in Seoul.

첫째 吳문화의 특이성은 지역적 역사적 국가적 특성을 통해 논의되며 제품의 의미적 수준은 전통 중국 意象의 관점에서 해석되며 이를 바탕으로 자사호의 의미는 물질적 의미, 형태적 의미, 실용적 의미, 비유적 의미와 같은 네 가지 수준으로 구분된 다. 이러한 기초 상에서 吳문화를 배경으로 자사호의 모든 의미 수준은 질감, 색채, 그림자 등 자사의 미네랄 요소를 포함한 자사호 의미요소에 해당하고, 점, 선, 면, 체, 허실 공간 대비, 정체요소 등 전반적인 모양과 조화를 포함한 형태 조형 요소, 자사호 의 조각, 뚜껑, 손잡이, 몸통, 발 등의 다른 구성요소에 의해 합리적으로 결한된 구조 적 요소를 포함한다. 자연 만물을 근원으로 삼아 자연 법칙의 개념을 통해 조각하고 쌓 는 등의 기법으로 다양한 장식 요소 등을 얻어 吳문화의 내재 의미를 활용하여 자사호 의 조형 의미를 심도 있게 진행하여 최종적으로 자사호의 화해 창조관을 얻는다.

首先通过吴文化的地域性、历史性、民族性特征具体论述其独特性，由中国传统意象说为视角对产品的语义层次进行解读，进而以此为依据将紫砂壶造型语义分为物料性语义、形态性语义、实用性语义、喻联性语义等四个不同的层次。在此基础上，以吴文化为背景将紫砂壶的每一种语义层次对应一个紫砂壶语义元素，比如包含质感、色彩、光影的紫砂矿料元素；包含点、线、面、体、虚实空间对比以及整体与细节协调统一的体态造型元素；通过紫砂壶钮、盖、把、体、足等不同部件合理组合的结构部件元素；以自然万物为源头，通过师法自然的理念，运用雕刻、堆砌等手法得到多样的装饰元素等，从而运用吴文化的内在意蕴对紫砂壶造型语义分析进行深入分析，最终得到紫砂壶的和谐造物观。