Earticle

한국의 현대 서예는 전통의 기법과 이론에 대한 탐구를 기반으로 전통 서예를 재해석하는 데서 출발하였다. 전통 서법에 대한 탐구를 토대로 폭넓은 중국 서예의 수 용과 자가적 변용으로 이어졌다. 다채로운 전시 활동을 통해 고전의 수용과 변용을 시 도하였고, 이 시대에 부응하는 현대성을 탐색하는 과정의 연속이다. 특히 1990년대 초부터 시작된 ‘현대서예’ 운동은 서예의 본질은 유지하되 문자 를 포함하여 다양한 부호와 이미지, 상징적인 물상物象까지 표현을 가능케 했다. 이러 한 표현 방식은 평면뿐만 아니라 입체․설치․퍼포먼스․영상 등으로 응용되었고, 표 현의 도구와 재료 또한 지필연묵에서 벗어나 주변의 모든 것이 오브제로 활용되었다. 서체의 파격과 추상 작업은 조형의 근간을 필획으로 삼아 필획에 거짓과 가식이 없는 작가의 순수한 조형언어를 응축시키는 방향으로 전개되었다. 일필휘지一筆揮之를 통해 하나의 필획 그 자체만이 가지고 있는 기氣의 시간적 흐름과 그에 따른 공간 여백 의 운용을 통해 기존의 수많은 글자로 표현하지 못하는 서예의 상징적 요소를 극대화 시켰다. 이는 현대의 서예문화를 ‘읽는 서예’에서 ‘보는 서예’로 전환하였다. 모든 현란함을 덜어내고 순수한 필획을 통해 조직화된 글자에 드러나는 극도의 세련미를 파괴하고 자연의 원초적 생명력을 창출하는 것은 결국 예술적 근원을 순수 필획 그 자체로 회복하기 위한 다양한 표현형식의 창출로 이어졌다. 그러한 현상은 서 예 퍼포먼스에서 두드러졌다. 글자로서의 의미와 형식마저도 파괴하며 의미의 표상으 로서 필획이 가져다주는 기氣의 흐름을 포착하여 ‘보는 서예’ 뿐만 아니라 ‘느끼는 서예’ 로까지 진일보하였다. 한글서예 또한 전통을 계승하되 서사와 기록의 실용적 미감에서 진일보하여 일 필휘지에 의한 자유로운 감성의 발로를 통해 순수예술적 요소를 강화하였다. 단조로운 한글 자․모음의 조합이 지닌 획일적 반복성에서 벗어나 한글이 서예와 만났을 때 시 너지가 확대될 수 있는 필획과 조형의 변화, 일회성․즉흥성․회화성 등은 한글서예의 풍부한 미감을 조성했다. 현대는 잘 쓰는 서예보다 개성있는 서예, 규범적인 서예보다 창의적인 서예, 수양으로서의 서예보다 예술로서의 서예가 강화되고 있다. 즉, 한국의 현대 서예는 본질의 재해석을 통한 전통의 계승과 창신, 창신을 통한 파격의 추구, 한글서예의 예술화 등을 지향하는 가운데 순수예술적 측면을 확장해가는 데 주력하고 있다.

Modern calligraphy in Korea started from reinterpreting traditional calligraphy based on an exploration of traditional techniques and theories. Based on the exploration of traditional calligraphy, it led to a wide range of acceptance and self-transformation of Chinese calligraphy. It was a process of exploring the modernity that responded to this era by attempting to accept and transform classics through various exhibition activities. In particular, the 'modern calligraphy' movement, which began in the early 1990s, maintained the essence of calligraphy but made it possible to express various signs, images, and even symbolic 象, including letters. This method of expression was applied not only to flat surfaces but also to three-dimensional, installation, performance, and video, and the tools and materials of expression were also used as objects, away from paper- based ink. The unconventional and abstract work of the calligraphy was developed in the direction of condensing the pure formative language of the artist without lies and pretensions in the writing by using the basis of the writing as a writing stroke. Through the stroke of writing, the symbolic elements of calligraphy that cannot be expressed in numerous existing letters were maximized through the passage of time of the flag that only one writing stroke itself has and the operation of the spatial margin accordingly. This transformed the modern calligraphy culture from 'reading calligraphy' to 'viewing calligraphy'. Eliminating all flashiness, destroying the extreme sophistication revealed in organized letters through pure writing, and creating the primary vitality of nature eventually led to the creation of various expression forms to restore the artistic source to pure writing itself. Such a phenomenon was remarkable in the calligraphy performance. It destroyed even the meaning and form as letters, and advanced not only to 'visible calligraphy' but also to 'feeling calligraphy' by capturing the flow of spirit brought by writing as a representation of meaning. Hangeul calligraphy also inherited the tradition, but advanced from the practical aesthetic sense of narrative and record, strengthening the element of fine art through the release of free sensibility by a stroke of writing. Breaking away from the uniform repeatability of the monotonous combination of Hangul consonants and vowels, changes in writing and form that can expand synergy when Hangul meets calligraphy, and one-off, improvisation, and painting have created a rich sense of aesthetics of Hangul calligraphy. In modern times, calligraphy is reinforced as individual calligraphy rather than well-written calligraphy, creative calligraphy more than normative calligraphy, and calligraphy as art more than cultivation. In other words, modern Korean calligraphy is focusing on expanding the fine artistic aspect while aiming for the inheritance of tradition and creation through reinterpretation of the essence, the pursuit of unconventional wisdom through creation, and the art of Hangul calligraphy.

본 연구는 老莊사상의 관점에서 무용의경(意境)[舞境]과의 유기적 관계를 살펴 한국무용에 드러나는 의경을 조명하고자 한 것이다. 무용의경이 구성되는 요건은 의경 범주에 속하는 정경교융(情景交融)과 관련이 깊다. 정경교융에 입각한 무용의경은 무용의 형상, 장면[景]과 그 춤을 보는 감상자의 깊은 정감과 감정[情]의 결합으로 이루어지는 것으로 파악되었다. 이러한 무용의경의 구성 조건은 모두 노장의 유무(有無), 허실(虛實)의 ‘도(道)’에서 성립되는 것으로 볼 수 있다. 노장의 시각에서 볼 때 오늘날의 무용의경은 춤의 형상과 춤과 춤 사이의 여백 을 통해 자유자재로 넘나드는 춤의 묘경(妙境)[意境]이 드러나는 것으로 확인되었다. 이에 본 연구는 한국무용 예술의 심미 특성적 가치와 요건을 이해하는 데 필요한 무용 의경의 기초적인 자료를 제공했다는 데 의의가 있다.

This study aims to highlight euigyeong presented in Korean dance by examining the organic relationship between the concept of Lao-tzu and the dance euigyeong from the perspective of Lao-tzu thought. It has been understood that the elements which compose dance euigyeong are close to jeonggyeong-gyoyung, which belongs to the category of euigyeong. It has been also proved that dance euigyeong based on jeonggyeong-gyoyung is formed through the shape and scenes of dance, as well as the deep feelings and emotion of the audience. Scholars have confirmed that all of these elements of dance euigyeong are established in Lao-tzu’s ‘way of life’ concerning yumu, that is being and not being, and heosil, that is true and false. From the perspective of Lao-tzu, it is clear that today‘s dance euigyeong displays the delicate and metaphysical logic of dance freely through the shape of dance moves and the blankness between the moves of dance. In this respect, the current study contributes to the literature by providing basic materials of dance euigyeong necessary to understand the values and requirements of the aesthetic characteristics of Korean dance.

2024년 현재까지 이강백 <알>의 연구는 70년대의 시대상황과 알의 의미를 연결 짓는 연구가 대다수로 자리한다. 반면에 이 논문은 기존 연구에서 선행되지 않았던, ‘탈진실’이라는 새로운 축을 더해 <알>의 오브제 ‘알’을 분석했다. <알>은 오브제 ‘알’을 통해 탈진실의 함정에 빠진 시민들을 극화하고 있다. 공공선을 도출하지 못하는 시민 사회의 빈틈을 노리는 박물관장은 진실을 대신하는 탈진실로 권력을 독점하려고 한다. ‘알’에 임금이나 공룡이 있다는 거짓말을, 진실로 숙의하지 못하는 시민들은 결국 탈진 실로서의 사유에 빠져들게 되는 것이다. 그러나 <알>에 나타난 시민들과 다르게 관객 은, 해설자가 현대와 원시를 오고 가며 말을 거는 무대구성으로 오브제 ‘알’ 속의 ‘진실 과 실재’가 무엇인지 제3자의 객관적인 시선에서 사유하게 된다. 아울러 이강백이 <알> 을 창작했을 당시의 오브제 ‘알’의 의미는 70년대 독재정권의 암울한 고통을 상징하는 작품이었지만, 독재정권이 종식된 오늘날의 관객입장에서는 오브제 의미가 확연히 달 라진다. 따라서 <알>의 오브제 분석 또한 시대 변화에 따른 관객의 감수성을 감지하며 새롭게 해석해야 할 필요성을 낳는다.

Until now in 2024, most of Lee Kang-baek's studies on <Egg> appear to be studies linking the situation of the times in the 1970s with the meaning of ‘Egg’. Therefore, this paper analyzed the object ‘Egg’ of <Egg> by adding a new axis called Post-Truth, which was not preceded in previous studies. <Egg> is dramatizing citizens who have fallen into the trap of post-truth through the object ‘Egg’. The museum director, who seeks to find the gaps in civil society that cannot derive the public good, tries to monopolize power with post-truths that replace the truth. Citizens who cannot truly meditate on the lie that there are kings and dinosaurs in Al end up falling into thinking as post-truths. However, unlike the citizens in <Egg>, the audience contrasts and makes them think about what "truth and reality" in the object ‘Egg’ is because the narrator directly talks to the audience. In addition, when Lee Kang-baek created <Egg>, the meaning of the object ‘Egg’ was a work that symbolized the grim pain of the dictatorship in the 1970s, but the meaning of the object is clearly different from the perspective of today's audience after the dictatorship ended. Therefore, the object analysis of <Egg> also senses the sensitivity of the audience according to the change of the times and creates a need to interpret it anew.

한국 전통복식에는 오랫동안 성별의 구분이 없는 복식이 존재하였다. 한복은 상 고시대부터 현대를 아우르는 한국 전 시기의 관습, 가치관, 생활양식의 특성이 반영된 의복으로 각 시대에 나타난 여러 요인에 의해 변화를 겪어왔다. 각 시대의 복식은 다양 한 요인들이 복합적으로 작용하여 혼합적인 특성으로 나타났다. 한국 전통복식의 혼합 적 특성 중 젠더의 혼합에 의한 공착화(共着化) 현상은 전통과 현대 한복에서 공통적 으로 확인되는 특성이다. 일반적으로 한국사회의 성 관념에 대한 인식은 유교사상과 음양오행의 원리에 따른 내외법이 바탕이 되어 남녀의 관계가 불평등 하다는 것 이지 만, 고대를 시작으로 한국사회 전 시대에 걸쳐 살펴본 바에 따르면 남녀의 사회적인 관 계가 다양하게 존재했음을 확인할 수 있었다. 이에 따라 한국의 전통적인 젠더 가치관 에 따라 전통 한복을 남녀공용으로 착용하는 현상을 공착화(共着化)의 개념으로 정의 하여 유형화하고, 한국의 전통적인 젠더 가치관이 내재되어있는 전통과 현대 한복에 나타난 공착화 현상 분석을 연구 목적으로 한다. 이를 통해 전통과 현대 남녀한복 공착 화 현상을 비교‧분석하고, 변화된 공착화 현상을 고찰하고자 한다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 한국 전통복식 중 남녀 공용복식에는 남녀의 위치가 대등함을 기본으로 하 는 젠더 가치관이 내재되어 있으며, 복식의 착용 유형에 따라 나눌 수 있다. 둘째, 한 복의 공착화 현상에는 공통점과 차이점이 동시에 나타났으며, 공통점으로는 남녀 공용 복식의 개념이 존재한 점, 착용 방법에 따라 복식의 유형이 분류된 점, 과거부터 지속 적으로 착용된 복식의 명칭이 동일한 점 등이 있다. 차이점으로는 남녀 공용복식으로 착용되는 복식의 범위가 확장되는 것, 남녀 공용복식의 형태가 남녀 성별에 따라 변화 되는 것, 복식을 착용하는 형태와 방법이 다양한 방식으로 변화되는 것 등이 있다. 셋 째, 한복 공착화 현상의 변화는 현대사회의 다양한 가치관과 사회 환경이 복식에 영향 을 미친 결과로, 개인의 인식 변화나 사회 규범에 의해 공용으로 착용되었던 전통 한복 이 현대에 접어들면서 패션의 유행, 가치관 등에 따라 더 큰 변화를 겪은 것이라 할 수 있다.

In Korean traditional costume, there have long been clothes without gender distinction. Hanbok in each era was found to be mixed characteristics due to a combination of various factors. Among the mixed characteristics of Korean traditional costumes, the phenomenon of co-wearing caused by the mixing of gender is a characteristic commonly confirmed in traditional and modern hanbok. In this study, the phenomenon of wearing traditional hanbok for both men and women according to the traditional gender values of Korea is defined and categorized as the concept of ‘co-wearing’, and the purpose of this study is to analyze the phenomenon of co-wearing in traditional and modern hanbok in which traditional Korean gender values are embedded. Through this, I compare the traditional and modern Korean men and women’s co-wearing hanbok, and analyze the changed co-wearing phenomenon. The results of the study are as follows. First, among the traditional Korean costumes, men and women's common clothes have inherent gender values based on the gender equality, which are classified according to the type of clothing. Second, the same points of the hanbok co-wearing phenomenon is that the general acceptance of men's and women's common clothing, the types of costumes are classified according to the wearing method, and the names of costumes that have been worn continuously from the past to the present. The differences are the expansion of the range of costumes worn by men and women, the change in the form of men's and women's costumes according to the gender, and the form and method of wearing costumes in various ways. Third, the change in the phenomenon of hanbok co-wearing is the result of various values and social environments in modern society affecting costumes, and it can be said that it is the result of more changes in fashion trends and values as traditional hanbok, which were commonly worn by individual perceptions or social norms, in the modern era.

"God" is an extremely important aesthetic category in the history of ancient Chinese painting theory, which originates from its fundamental connection with the philosophy of pre-Qin and Han Dynasties, and the metaphysical Buddhism of Wei and Jin Dynasties. In Wei and Jin Dynasties, "God" broke the barrier of bone study in Han Dynasty, expanded from figure painting to landscape painting, changed from the god of object to the god of subject, and then evolved into aesthetic needs. In Sui, Tang, Song and Yuan dynasties, "God" entered the field of painting criticism and became the grade and standard for evaluating calligraphy and painting. In Ming and Qing Dynasties, "God" turned from the external world to the combination of subjective and objective, expanded and sublimated continuously in the combination of changes, and finally jumped to one of the core categories of painting aesthetics. Calmly examining the category of "God", it is not difficult to find that its emergence is not created or constructed by one person, but the result of the joint efforts of philosophers and painting theorists in successive dynasties. The use of "God" is very extensive, its main points are as follows: the description of the object; The inner spiritual nature of the work; The creative subject's spirit, soul and artistic thinking activities; The highest level of artistic creation. "God" contains multiple meanings in the history of Chinese painting theory. It is the unity of god of subject, God of object and God of subject and object. Its aesthetic purport is mainly embodied in four aspects: god meeting, spirit thinking, spirit charm and spirit environment, which is helpful to promote the expression of local art criticism. Most of the existing papers analyze the "God" theory in the artist's painting thoughts, such as "conveying God" and "form and spirit". Representative study "A History of Chinese Painting" - Martin J. Powers explores the development of the aesthetics of Chinese painting, specifically the role of "gods" in painting. The Spirit is Vivid: Animating the Spirit of Song and Yuan Paintings The Spiritual Qualities of Song and Yuan Painting (Zhuo Li) - Zhuo Li analyzes the relationship between "spirit" and "spirit" in Song and Yuan painting. The research on the concept of "God" in Chinese painting covers many aspects, such as philosophical background, aesthetic thought, painting theory and contemporary reflection. Although there have been abundant research achievements, there is still a lot of room for the transformation and re-interpretation of traditional aesthetic categories in the modern context. This paper explores the concept of "God" in many aspects, and conveys its importance succinctly through changes in different times compared with existing papers. It Outlines the complex historical, philosophical and artistic background to help readers quickly understand the concept of "God". This paper mainly discusses the ideological connotation of "God" category, sorts out its development vein and analyzes its aesthetic purview of painting, which will provide a basis for readers to understand and study the concept of "God" in Chinese painting more deeply.

“神”是我国古代画论史上极为重要的一个审美范畴，这源于其与先秦汉代哲学、魏晋 玄学佛学的根性联系。魏晋时期，“神”打破了汉代骨相察举的藩篱，从人物画扩展至山水 画，从客体之神向主体之神转捩，进而演变为审美的需要。隋唐宋元时期，“神”进入绘画批 评领域，成为品评书画的等级与标准。明清时期，“神”从外部世界转向主客观的结合，在通 变化合中不断拓展与升华，最终跃迁至绘画美学的核心范畴之一。冷静审视“神”范畴，不难 发现，其出现绝不是由一人独创或建构，而是历朝历代哲人、画论家共同努力的结果。“神” 的运用极为广泛，举其要者如下：对描写对象的刻画；作品的内在精神本质；创作主体之 精神、心灵及艺术思维活动；艺术创作所达到的最高境界。“神”在中国画论史上包含着多重 含义，是主体之神、客体之神及主客体之神的统一，其美学旨趣主要体现在神会、神思、 神韵、神境四个方面，对推动本土美术批评话语表达有所助益。

복온공주 활옷은 뛰어난 조형미를 대표하는 의복으로 이에 지금까지 회자되어 오고 있다. 그러나 조형미에 관한 선행연구를 살펴보면, 문양의 종류, 배치 등등에 치 우쳐 있어, 조형미에 대한 실질적 접근은 미비한 실정이다. 이에 본 연구에서는 디자인 의 원리를 통해 복온공주 활옷의 조형미를 고찰하였으며, 통일, 조화, 균형과 비율을 중심으로 조형미가 형성되었음을 알 수 있었다. 또한 연구자는 각 원리가 생성되는 다 양한 요인 중 크게 2가지 요인에 의해 형성되었다고 보았으며, 이를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 통일성은 분할과 연속의 조화로 분할에 해당되는 금사선은 구역을 나누는 구획선의 역할을 함과 동시에 전체를 상하, 좌우 대칭을 이루어 균형감을 주고 있다. 연속은 각 문양들은 문양들 간의 유사조화로 인하여 통일감을 주는 동시에 수평과 수 직으로 반복 배열되어 있으며, 이를 통해 안정, 권위, 상승 등 활옷 전체의 이미지를 만들어 주고 있다. 둘째, 조화는 요소들 간의 상호 결합하여 공존 된 결과물로 결합은 문양의 색, 크기 등이 유사조화를 이루기도 대비조화를 이루기도 하여 보다 부드러우 면서도 역동적인 율동감을 주고 있음을 알 수 있었다. 마지막으로 균형과 비율은 복온 공주 활옷의 뛰어난 조형미를 이룰 수 있는 근원적 원리로 생각되며, 이는 대립과 분배 로 표현할 수 있다. 활옷의 모든 비율은 1:3~1:4의 비율을 가지고 있으며, 구획선의 영역과 문양의 배열은 대칭과 대각선을 대칭의 구도를 가지고 있다. 이를 통해 안정적 인 균형 속의 변화를 가져오고 있다. 이와 같이 복온공주 활옷은 뛰어난 조형미는 조형 의 원리 즉 디자인의 원리인 통일, 조화, 균형, 비율, 율동, 강조의 모든 요소는 서로 긴밀히 연결되어 안정적이면서도 율동감이 있고, 엄숙하면서도 화려한 끊임없는 균형 과 대립의 ‘정·반·합’을 이룬 구조적 결과물이라 할 수 있겠다.

Princess Bokon's Hwallot clothes are clothes with excellent formative beauty and have been talked about until now. However, if you look at previous studies on the formative beauty, it is biased toward the type and arrangement of patterns, so the practical approach to the formative beauty is insufficient. Therefore, in this study, the formative beauty of Princess Bokon's bow clothes was examined through design principles, and it was found that the formative beauty was formed around unification, harmony, balance and ratio. In addition, the researcher considered that each principle was largely formed by two factors among the various factors that are generated, and the summary is as follows. First, the gold thread, which is divided into division and continuous harmony, serves as a division line that divides the area and at the same time provides a sense of balance by symmetrically vertically and horizontally. Continuously, each pattern is repeatedly arranged horizontally and vertically at the same time, giving a sense of unity due to the similar harmony between the patterns, and through this, it creates an image of the entire bow clothes such as stability, authority, and elevation. Second, harmony is the result of mutual combination of elements and coexistence, and the combination is the result of comparative harmony even when the color and size of the pattern are similar to each other, giving a softer and more dynamic sense of rhythm. Finally, balance and ratio are considered to be the fundamental principles that can achieve the outstanding formative beauty of Princess Bokon's Hwallot clothes, which can be expressed as confrontation and distribution. Every ratio of the bow clothes has a ratio of 1:3 to 1:4, and the area of the partition line and the arrangement of patterns have a symmetrical composition and diagonal line. Through this, the change in a stable balance is brought about. In this way, the excellent formative beauty of Princess Bokon's Hwallot clothes is the principles of formation, that is, all elements of unification, harmony, balance, ratio, rhythm, and emphasis, which are the principles of design, are closely connected to each other, so they are stable and have a sense of movement, and they can be said to be beautiful clothes that form a solemn and colorful constant balance, that is, 'Jeong, Ban, and Hap'.

동아시아 회화사에서 직선을 활용하여 건축물을 묘사한 그림, 즉 계화는 장구한 역사를 자랑하는 장르이다. 본 연구는 계화가 예술적 완성도와 조형적 가치를 지니고 있음에도 불구하고, 역사적으로 충분한 조명을 받지 못한 현실을 개선하고자, 중국 계 화가 시대를 거치며 겪은 변천사를 분석하는 것을 목적으로 한다. 연구는 초기 단계인 오대십국 시대까지 계화의 기원을 탐구함으로써 시작한다. 이후 송, 원 시대에 걸쳐 계화의 전성기를 조망하고, 명, 청 시대에 이르러 나타난 쇠 퇴의 과정과 그 특징들을 고찰한다. 송대를 중심으로 사실성에 대한 집중적 관심이 계 화의 발전을 촉진했으나, 이후 문인화의 부상과 함께 그 위상은 점차 하락세를 보인다. 그럼에도 불구하고 19세기에 이르기까지 계화는 지속적으로 제작되며 기법적 성숙을 이루어냄으로써, 건축 이미지가 지닌 불가피한 필요성을 증명한다. 계화에서는 건물의 기능적 측면이 감상적 가치보다 더 중시되었고, 이는 직척을 사용한 정밀한 형태 묘사와 진한 채색을 통한 작품 완성으로 이어졌다. 이와 같은 특성 으로 인해 계화는 주로 직업화가들에 의해 수행되었으며, 이는 계화에 대한 저평가와 학계의 소외를 초래하는 요인으로 작용하였다. 본 연구는 이러한 연구의 사각지대를 조명하고 해결하려는 노력의 일환이다.

Jie Hua, which mainly used straight lines to draw buildings, is a genre that has a long history in the history of painting in East Asia. This article aims to supplement the situation in which Jie Hua has a high degree of completion and has great significance in the history of painting, but has not been sufficiently illuminated. First, we will look at the origins of Jie Hua and early cases up to the period of the Five Ten Kingdoms. Next, we will examine the aspects and characteristics of the paintings of the Song, Yuan dynasty, Ming, and Qing dynasties, where China's Jie Hua developed greatly. Before the 20th century, the Song dynasty, which had the highest interest in realism in Chinese painting, was also the period when Jie Hua developed the most, but after that, she gradually went downhill due to the development of non-reproducive literary painting. Among them, we will look at the pattern that continued technological development. Nevertheless, Jie Hua has been continuously painted until the 19th century. This was due to the inevitable need for building images in painting. On the other hand, in the case of building paintings, the functional aspect was more important than the sentimental aspect, and naturally, there were many cases where the shape of the object was drawn in detail with a straight ruler and then darkened. Naturally, it was often handled by professional artists rather than literary artists. For this reason, despite the constant demand and its important functions, Jie Hua was rarely dealt with in the development of painting history. This paper aims to eliminate these blind spots.

본 논문은 중국 명대(明代) 진홍수 (陳洪綬, 1598년-1652년)의 회화사상 연구 를 중심으로양명심학이 명대 말기 문예 창작에 미친 중요한 영향을 밝히고자 하였다. 진홍수는 명대 말기 인물화 분야의 대표적인 화가로 그의 고풍스러운 회화 풍격 은 심오한문화적 함의를 담고 있다. 본 논문은 선행연구성과를 바탕으로 문헌연구법, 종합연구법 등의연구방법을 활용하여 철학적 연원에 적합한 개인의 예술적 패러다임을 정리하였다. 먼저 명말(明末) 예술 창작의 사상적 근원, 즉 광견(狂狷) 정신과 공존한 예술 사상을 규명하고 광견 문화를 수용한 사대부들의 예술적 이상을 토대로 진홍수 회화의 광견 사상과화풍 변화에 대해 중점적으로 분석하였으며, 예술 화제의 분석을 통해 광 자(狂者)로 인한광개적(狂介的) 회화의 사상적 함의를 연구하였다. 광견 정신과 예술 적 선택, 사상적 배경과화풍의 전환, 광견 정신의 제재(題材) 부합 등 세 방면의 연구 를 통해 진홍수의 광견 사상적회화 풍격을 해석하였다.

This paper takes Chen Hongshou's artistic thought in Ming Dynasty as the research center, and combines with the mainstream philosophical thought "Yangming Mind Theory" in late Ming Dynasty as the research basis, and makes it clear that the artistic style of the special historical period is closely related to the ideology of The Times. As an important representative painter in the field of figure painting in the late Ming Dynasty, Chen Hongshou's variation and typical style of the ancient calendar show the artistic result of the comprehensive influence of personal encounters and times thoughts. In this paper, literature research and comparative research methods are used, on the basis of previous research results, based on the influence of Yang Ming's mind science, the artistic choice of the crazy man, sorted out in line with the cultural foundation of The Times, and analyzed the formation of comprehensive artistic thoughts according to the typical artistic style. First of all, this paper expounds the origin and development of fanaticism cultural thoughts, and further analyzes Chen Hongshou's painting style and turn on.

본 연구는 뉴시니어 세대를 위하여 조선시대 배자의 특징을 적용한 뉴시니어 세 대의 신체적 기능 향상을 위한 스마트웨어 디자인을 개발하고자 하였다. 조선시대 중 기 동래정씨 출토 배자를 디자인 아이템으로 활용하였으며, 연구방법은 문헌고찰과 3D CLO Virtual Fashion 프로그램을 활용한 스마트의류 디자인 개발을 하였다. 조선시대 배자는 저고리나 포 위에 겹쳐 입는 복식으로 구성법이나 용도에 따라 다양하게 나타난다. 이러한 조선시대 배자 중에 낙상 감지 에어백 벨트 내장을 위한 디 자인 아이템으로 동래정씨 출토 배자를 선정하였다. 동래정씨 출토 배자의 형태적 특 징을 적용한 스마트웨어 디자인은 전통적인 이미지를 나타내고 차분하고 멋스러운 분 위기를 연출할 수 있다. 끈으로 여미는 전통 방식 대신 시니어가 쉽고 빠르게 착용할 수 있도록 지퍼를 달아 실용적으로 디자인하였다. 배자의 밑단에는 낙상 감지 에어백 벨트를 내장하여 착용자의 미끄러짐이나 낙상을 감지 및 판별하여 에어백을 스스로 작 동시키는 스마트웨어 디자인으로 적용하였다. 이러한 스마트웨어 디자인은 시니어의 일상생활이나 겨울철 눈길에서 흔히 일어 날 수 있는 낙상 사고를 예방할 수 있는 스마트 기능이라고 할 수 있다. 특히 낙상 감 지 스마트벨트는 시니어가 단독으로 착용하기에 익숙하지 않을 수 있지만 전통 배자에 내장하여 사용한다면 기기에 대한 낯설음이나 사용법의 어려움을 해소할 수 있을 것이 다.

This study attempted to develop a smartwear design for the new senior generation to improve the physical function of the new senior generation by applying the characteristics of the Joseon Dynasty baeja. The baeja excavated from Dongnae Jeong Clan in the middle of the Joseon Dynasty was used as a design item, and the research method was a literature review and smart clothing design using the 3D CLO Virtual Fashion program. Baeja of the Joseon Dynasty is a costume worn over a Jeogori or Po, and it appears in various ways depending on the composition and purpose. Among these Joseon Dynasty baeja, a baeja excavated from Dongnae Jeong Clan was selected as a design item for the interior of a fall detection airbag belt. Smartwear design that applies the morphological characteristics of the baeja excavated from Dongnae Jeong Clan can represent a traditional image and create a calm and stylish atmosphere. Instead of the traditional method, the strap is designed practically by attaching a zipper so that seniors can wear it easily and quickly. A fall detection airbag belt was built into the bottom of the baeja to detect and discriminate against slipping or falling of the wearer and apply the airbag as a smartwear design that operates by itself. This smartwear design can be said to be a smart function that can prevent falls accidents that can often occur in seniors' daily lives or on snow in winter. In particular, the fall detection smart belt may not be familiar to seniors to wear alone, but if it is built into a traditional Baeja, it will be able to solve the unfamiliarity of the device or the difficulty of using it.

명(明)과 청(清)의 교체기에 신구 문화 간의 대립은 첨예하지 않았으나 정치적 상황은 매우 복잡했다. 이 시기에 문인들의 문화적 활동은 활발했지만 그 안에는 민감 함이 가득차 있었다. 특히 관직에 진출한 문인들은 ‘이신(贰臣)’이라는 오명을 썼으며 유교적 가치관에 따라 명예와 정조를 중시하는 문인 계층에게 배척감과 상실감을 안겼 다. 이러한 시대적 상황 속에서 ‘서화 감정과 수집’이라는 문화 현상은 문인들로 하여금 스스로의 가치를 문화 체계 내에서 실현하고 가혹한 현실로부터 해방될 수 있도록 하 는 창구의 역할을 하였다. 본 논문은 이러한 서화 감정과 수집의 역사적 중요성에 주목하여 서화 감정과 수집이 문인들의 정신적 삶에 끼친 영향을 심층적으로 탐구하고자 했다. 이에 본 논문 에서는 서화 감정과 수집 관련 도록, 저술, 문집 등을 광범위하게 살펴보고 서화 감정 과 수집의 발전 요인, 특징, 문제점을 분석했다. 서화 감정과 수집에 관한 연구는 고전 예술 작품의 양식 변화와 미학적 특징 그리고 예술가들의 정신적 태도를 종합적으로 이해하는 토대가 되며 예술사 및 작품 분석 연구에 폭넓게 활용될 수 있다. 그뿐만 아 니라 현대 사회에서 예술이 지닌 가치와 의미를 더욱 분명히 인식하게 해 주며 예술가 들의 창작 활동에도 이론적 바탕을 제공하는바 그 의미가 매우 크다고 볼 수 있다.

During the transition from the Ming to the Qing dynasties, despite the lack of a clear-cut conflict between old and new cultures, political clashes were severe. The cultural activities of the literati were vibrant yet filled with sensitivity. Those entering officialdom were stigmatized as “disloyal subjects” casting a shadow over the literati class, deeply influenced by Confucian values, emphasizing personal honor and integrity. During these difficult times, the phenomenon of painting and calligraphy appraisal and collection emerged, providing the literati an opportunity to realize self-worth and momentarily escape harsh societal realities. This paper investigates the impact of these practices on the literati's spiritual life through extensive research and analysis of related catalogs, writings, and anthologies. It reviews the state of research, developmental causes, characteristics, and issues. This study serves as a method for understanding the evolution of classical artistic styles and artists' mental attitudes, applying to art history and artworks analysis, clarifying the value of art in contemporary life, and enriching the theoretical foundation for artistic endeavors.

본 연구는 도가사상의 도(道)의 본성을 중심으로 하여 전각에서 고의의 의미 및 전각 창작 과정에서 고의를 드러내는 기법을 논한 것이다. 전각은 그 역사가 길지만, 송대에 이르러서야 예술로서의 자각이 시작되었고 복고사상과 그 시작을 같이한다. 그 리고 원대에 이르러 전각은 이미 복고사상이라는 큰 흐름 가운데에서 연구되었다. 그 예로 송원대 인론 속에는 복고사상이 많이 드러나 있으며, 그 안에 내포된 전각의 복고 적 사유와 도가사상 도와의 관계는 당시 복고사상을 강하게 제창했던 조맹부의 고의론 을 통해 설명될 수 있다. 조맹부가 주장한 ‘고의를 따름’은 ‘옛 사람들의 뜻’을 빌려 자 신의 의미를 획득하는 것이며, 그것은 ‘도가의 본성 추구’를 내포하는 것으로, 전각의 풍격, 공간, 정신으로서의 ‘졸박’, ‘유무상생’, ‘무위자연’으로 해석될 수 있다. 잔파, 격 변 등의 기법은 창작의 마무리 단계에 일정한 공간을 깨뜨리거나 파내어 졸박한 풍격, 유무상생의 공간 운용, 무위자연의 정신을 표현한다.

Focusing on the nature of the Taoist, this study discusses the meaning of ‘Ancient thoughts[古意]’ in seal engraving art and the technique of revealing the ‘ancient thoughts’ in the process of seal engraving. Although the seal engraving art has a long history, self-awareness as art began only in the Song Dynasty, and it coincides with the ‘Back-to-the-ancients ideology[復古思想]’. And by the Yuan Dynasty, the seal engraving art was already in the middle of the big flow of ‘Back-to-the-ancients ideology’. For example, many ancient thoughts are revealed in seal theory of the Song and Yuan Dynasty. and the relationship between the ‘Back-to-the-ancients thought’ in seal engraving art and the nature of Taoist thought can be explained by “Ancient thoughts theory[古意論]” Zhao Mengfu[趙孟頫], who strongly advocated ‘Back-to-the-ancients ideology’ at that time. The "following Ancient thoughts" advocated by Zhao Mengfu is to borrow the "will[意] of the ancients" to obtain one’s own meaning, which contains the "pursuit nature of Taoism" and can be explained as the "clumsy and simple", "coexistence of being and nothingness", and "natural inaction" as a seal carving style, space, and spirit of seal engraving. Techniques such as remnants and upheaval break or dig up a certain space in the final stage of creation to express the ‘clumsy style’, ‘the operation of space for the Coexistence of being and nothingness’, and ‘the spirit of natural inaction’.

본고는 조선 후기를 대표하는 화가인 김홍도(金弘道, 1745∼?)와 신윤복(申潤 福, 1758∼?) 등이 활동하던 시기에 그려진 주색(酒色) 문화의 쾌락적 풍류상에 주목 한 연구이다. 구체적으로 주색문화 풍속화를 음주(飮酒)문화 풍류, 춘의적 해학 풍류, 춘화로 표현한 풍속화로 분류하여 분석하였다. 풍속화는 화가와 동시대 사람들의 삶과 사회 풍속의 실상에 화가의 주관적인 작가 의식이 반영되어 표현된다. 조선 후기 풍속 화가 성립된 사상적 배경은 조선의 국교인 성리학 이외에 중국에서 유입된 양명좌파와 실학을 비롯하여 도가사상과 신선사상의 영향도 있었다. 18세기 후반 화폐경제와 상공 업이 활성화되자 신흥부유층과 여항 문예가 발달하고 신분 차별에 불만을 느낀 여항인 중인계층이 상업도시 유흥문화를 주도적으로 이끌면서 주색 문화 풍류가 성행하게 되 었다. 이런 점에서 경외(敬畏)와 수신(修身)을 통한 유가 차원의 몸에 대한 이해가 점 차 변화하는 시대상이 담겨 있다. 특히 술집과 기방이 번창하고 술과 매음을 업종으로 하는 색주가도 성행하였다. 이에 따라 조선 후기 남녀의 만남이나 양반과 기생을 소재 로 한 춘의적 해학 풍속화는 정감적․낭만적인 풍류성 이외에 에로틱한 통속적․쾌락 적인 풍류성도 띠게 된다. 춘화는 남녀 간의 성행위를 묘사한 방중술의 성교본적 풍속 화로 사용하기도 했지만, 한국적인 정서가 담긴 춘의적 해학과 서민적 소박성이 깃든 조선 후기 춘화는 당시 변화된 시대상을 반영하고 있다는 점에 그 의의가 있다고 본다.

This study focuses on “Pungnyusang”, the hedonistic and leisurely aspects of the "Jusaek" (alcohol and women) culture depicted in the genre paintings of Kim Hong-do (1745–?) and Shin Yun-bok (1758–?), representative painters of late Joseon Dynasty. Specifically, it categorizes and analyzes the genre paintings of the Jusaek culture into those expressing the culture of drinking, humorous erotic scenes, and erotic paintings (Chunhwa). Genre paintings reflect the artist's subjective consciousness and the realities of the lives and social customs of their contemporaries. The ideological background for the establishment of genre paintings in late Joseon was influenced not only by Neo-Confucianism, the state ideology of Joseon, but also by the influx of Yangmingism and Practical Learning from China, as well as Daoism and the thoughts of immortality. In the late 18th century, as the monetary economy and commerce flourished, a new affluent class and urban literati emerged. The middle class, dissatisfied with social discrimination, led the commercial urban entertainment culture, resulting in the prevalence of the Jusaek culture. This shift reflects a changing era where the Confucian understanding of the body through reverence and self-cultivation was gradually transforming. Particularly, taverns and courtesan houses thrived, and establishments combining alcohol and prostitution, known as Saekjuga, became common. Consequently, humorous erotic genre paintings depicting the encounters between men and women, or between noblemen and courtesans, not only conveyed emotional and romantic leisure but also erotic, popular, and hedonistic elements. While Chunhwa (erotic paintings) depicting sexual acts were used as sexual manuals (Bangjungsool), the Chunhwa of late Joseon, imbued with Korean sensibilities, humor, and the simplicity of common people, also reflects the changed social atmosphere of the time.