Earticle

본고는 우리 민족의 예술적 발현의 근원을 풍류정신으로 보고, 이런 점을 조선 후기 풍속화에 나타난 풍류적 미의식에 적용해 분석한 것이다. 구체적으로 자연의 생 명력과 미적 삶의 방식이 포함된 풍류(風流)를 상위 미적 범주로 삼되 신명(神明), 한 (恨), 해학(諧謔)의 상호관계성을 통해 규명하고자 한다. 풍류를 한국적인 미의식의 바탕으로 삼을 때 거론할 수 있는 철학적 근거는 최치원이 ｢난랑비서(鸞郎碑序)｣에서 언급한 유ㆍ불ㆍ도 삼교를 포함하면서 접화군생의 생명사상으로 대변되는 풍류정신이다. 이러한 풍류정신의 맥락으로 볼 때 한국적 미의식은 삼교를 포함한 현묘한 도이다. 아울러 자연합일 사상을 바탕으로 한 각각의 미적 요소들이 개별적․융합적으로 상호 넘나드는 상보적 호환성이란 특징이 있다. 풍류는 본질상 노는 것이지만 그 놀이에는 예술성ㆍ심미성이 담겨 있다. 구체적으로 자연친화적인 한정적ㆍ은일적 풍류와 정감적, 신명적, 해학적 풍류 등에는 미적인 삶의 다양한 풍류적 미의식을 담고 있다. 본고는 풍류적 미의식에 입각한 이런 점이 조선 후기 김홍도와 신윤복의 회화에 어떻게 표 현되었는지를 고찰하고자 한 것이다.

The purpose of this paper is to view the spirit of Pungnyu (having fun with grace)as the source of the artistic expression of Koreans and analyze the aesthetic consciousness of Pungnyu shown in genre paintings in the late Joseon Dynasty. Specifically, while taking Pungnyu, which includes the vitality of nature and the aesthetic way of life, as a high-level aesthetic category, I have attempted to clarify it through the interrelationships of exhilaration, deep sorrow, and humor. The philosophical basis that we can mention when taking Pungnyu as the basis of Korean aesthetic consciousness is the spirit of Pungnyu mentioned by Choi Chi-won in "Nanrangbiseo," which includes three religions of Confucianism, Buddhism, and Taoism and is represented by the idea of life that is edified while contacting all things. In the context of this spirit of Pungnyu, Korean aesthetic consciousness is a profound way and the philosophy of natural union, and therefore, each aesthetic element has the characteristic of mutually crossing each other individually and convergence, and there is complementary compatibility. Pungnyu is inherently playing, but it pursues artistry and aesthetics, and contains nature-friendly, limited, and secluded Pungnyu and Pungnyu-like various esthetic senses of aesthetic life such as emotional, exhilarating, and humorous Pungnyu. In this paper, I have attempted to examine how these elements based on the esthetic sense of Pungnyu were expressed in the paintings of Kim Hong-do and Shin Yun-bok in the late Joseon Dynasty.

본 논문은 조선조 후기에는 ‘海東第一通儒’라고 불렸으며, 오늘날에는 ‘세계인의 문화아이콘’으로 일컬어지는 大學者이자 藝術家인 秋史金正喜의 文人畵를 道家美學思 想에 초점을 맞춰 논한 연구이다. 秋史문인화의 도가미학 사상이 형성된 基底는 크게 두 가지로 축약된다. 첫째는 ‘實事求是’ 사유의 考證學및 ‘文字香·書卷氣’ 사유를 根幹으로 하는 ‘學藝一致論’이다. 그는 학문과 예술을 동일선상에 두고 ‘實事求是’와 ‘格物致知’의 실천 방안으로 學藝硏 鑽에 정진할 것을 요구한다. 또 多讀으로 고양되는 ‘文字香·書卷氣’를 강조하는데 이것 은 神似的寫意의 根底가 되기 때문이다. 둘째는 ‘書畵同源’을 토대로 한 ‘以書入畵論’이 다. 秋史가 西漢隷의 筆法을 畵法으로 삼은 것은 자신이 추구하고 구현한 奇怪·方勁과 拙樸·野逸등의 도가미학적 심미 요소가 西漢隷에 내재되어 있기 때문이다. 秋史문인화의 도가미학적 특징은 ‘美醜不二’의 奇怪미학 과 ‘無爲自然’의 拙樸미 학의 追求에 있다. ‘美와 醜는 진리 인식의 차원에서 不二’라는 심미 사유는 奇怪미학의 추구로 전개된다. ‘奇’와 ‘怪’는 오랜 기간의 학예 연찬을 통해 기교의 원숙함과 노련함 에서 오는 심미경계로 ‘正’의 極致를 함의한다. 또 ‘무위자연’과 함께 ‘大巧若拙’의 심미 사유는 拙樸미학의 추구로 펼쳐진다. 그 외 得意忘象·重神似輕形似등의 심미 사유는 ‘天眞爛漫’의 童心및 ‘爲道日損’의 虛心등과 함께 秋史로 하여금 法式을 초월한 ‘無法 而法’의 경계에서 도가미학적 逸品을 創出하게 한다. 秋史의 도가미학적 作畵경계를 볼 수 있는 대표적인 작품은 단연〈不二禪蘭 圖〉와 〈世外僊香〉이다. 〈不二禪蘭圖〉는 秋史만년의 老境의 경지에서 得意忘象· 神似的寫意·奇怪·拙樸등의 심미 사유와 ‘詩·書·畵一致論’ 및 ‘以書入畵論’이 구현된 氣 韻生動하고 神采飛動한 逸格의 蘭畵이다. 〈世外僊香〉은 胸中逸氣를 ‘方勁古拙’의 西 漢隷와 ‘拙速野逸’의 筆致로 無爲自然·大巧若拙·復歸於樸등의 도가적 심미 사유를 구현 한 偶然欲畵이다. 秋史의 문인화는 文字香·書卷氣가 잘 陶冶된 작가의 淸高古雅한 인품을 토대로 뛰어난 기교나 실용 차원이 아닌 哲學과 美學이 담긴 예술이다. 秋史가 이룩한 예술의 본질과 특성은 오늘날의 書畵家들에게 새로운 비전과 과제를 제시하는 울림이 되어 이 시대 문화예술 정신의 典範으로 삼기에 충분하다.

Chusa Kim Jeong-hee is a scholar and artist who was a representative Korean Confucian scholar in the late Joseon Dynasty and is evaluated as the cultural icon of the world today. In this thesis, I studied the literary paintings of Chusa Kim Jeong-hee, from the perspective of Taoist aesthetic thought. I summarized the foundation of Chusa's Taoist aesthetic thought in literati paintings into two. The first is the unity of art and science, with an attitude of seeking truth from fact and pursuing the fragrance from characters and the energy from books. He thought that art and science were equal and insisted on hard studies through practical means of seeking truth from fact and gaining knowledge by studying things. He also emphasized the fragrance from characters and the energy from books enhanced through extensive reading because it becomes the basis for describing the spirit. The second is the idea of painting with calligraphy skills based on the theory that calligraphy and painting have the same origin. The reason why Chusa chose the calligraphic style of the clerical script of Western Han as a painting technique is that the Taoist aesthetic elements, such as abnormality, sturdiness, clumsiness, and roughness, which he pursued and realized, are inherent in the clerical script of Western Han. The characteristics of Chusa’s Taoist aesthetics in literati paintings are as follows. The first is to pursue an abnormal beauty that beauty and ugliness are not different. The second is to seek a clumsy beauty realized through nature itself remained intact. The aesthetic thought that beauty and ugliness are undifferentiated let him pursue the aesthetics of abnormality. Abnormality and weirdness are the aesthetic boundaries that come from maturity and skillfulness through a long period of academic training, and they imply the ultimate rightness. In addition, the understanding of nature itself remained intact and the aesthetic thought that the great skill is the same as the clumsiness turned into the pursuit of the aesthetics of clumsiness. Other aesthetic ideas such as forgetting the image after gaining the will, putting more value on resembling the spirit rather than resembling the form, childlike mind of naivety, and the empty mind of lessening everyday practicing way led Chusa to create Taoist aesthetic artworks on the level of ease at the boundary of the way without rules that transcend the formality. The representative works that can see the boundary of Chusa’s Taoist aesthetic paintings are definitely <Buriseonnando(不二禪蘭圖)> and <Sewoeseonhyang(世外僊香)>. 〈Buriseonnando〉, an orchid painting with dynamic energy and a living spirit, was drawn in his later years. He realized aesthetic elements, such as forgetting the image after gaining the will, describing the spirit, abnormality, and clumsiness. Moreover, the unity of poetry, calligraphy, and paintings and the idea of painting with calligraphy skills emerged. In 〈Sewoeseonhyang〉, he expressed the comfortable energy in the heart in the sturdy and clumsy style of the clerical script of Western Han and haste and rough touch. His Taoist aesthetic thoughts, such as nature itself remained intact, the thought that the great skill is the same as the clumsiness, and the thought of returning to the unsophisticatedness emerged. It is a painting that he accidentally wanted to draw. Chusa insisted that literati paintings should be created by an artist with the fragrance from characters and the energy from books. And he said that it should be an art containing philosophy and aesthetics, not an excellent technique or practical purpose. The essence and characteristics of Chusa's art would be resonant and presents new visions and tasks to today's calligraphers and painters. It is significant enough to make it an example of today's culture and art spirit.

본 논문에서는 퇴계 산수시에 나타난 즐거움의 정감을 순정(純正)미학의 측면에서 서술해 보았다. 일본의 학자 다께우찌 도시오에 따르면 “순수하고 바름[純正]을 뜻하는 순정미학은 순수미의 한 측면으로써 미적인 것 일반의 특질이 가장 순수하게 구현되는 것을 의미한다”라고 정의한다. 그는 더 나아가서 “이것은 동시에 예술에 있어서도 항상 현실 형태에서의 이상적인 면을 추구하기에 이상미라고도 일컫기도 한다”라고 기술하기도 하였다. 이런 측면에서 봤을 때, 순정미학은 윤리적으로 바르고 감성적으로 순수한 상태를 나타내는 개념이라고 말할 수 있다. 퇴계 산수시에서는 중화의 절제된 감정의 모습을 확인할 수 있었는데, 이는 주 로 미적 체험의 주체인 화자에게 올바름[正]을 의미하는 성정지정(性情之正)의 인격미 로 설명된다. 이에 따라 기존의 많은 연구들이 퇴계의 시를 인격 수양의 수단으로만 여 기는 경우가 대다수였다. 하지만 퇴계는 산수시의 궁극적인 지향점으로써 ‘산수지락(山 水之樂)’의 ‘즐거움’을 제시하였고 이를 통해 ‘천인합일(天人合一)’의 경지를 체현하고자 하였다. 물론 이러한 감성은 단순히 감각적인 차원에서 얻어지는 일반적인 형태의 감 정과는 구분된다. 하지만 꾸준한 수양을 통해 체득되는 즐거움의 경지는 퇴계가 추구 한 심미관인 ‘유어예(遊於藝)’에서 알 수 있듯이 일정 수준에 도달했을 때 자연스럽게 공감될 수 있는 긍정적인 정감이다. 이런 논의들에 기반하여 본 논문은 철학적 성찰을 기반으로 한 다양한 이론과 미학적 연구 방법론을 활용하여 퇴계의 문헌과 산수시를 분석해봄으로써 여기에 함의된 사유와 감성을 도출해보았다. 특히 ‘대상의 존재’를 바탕으로 ‘감성적 인식’이라고 하는 미학의 대전제를 사용하여 순정미라는 구체적인 범주의 구성이 해당 연구의 중점사항이라고 말할 수 있다.

This thesis discusses the nuance of joviality that appears in Toegye’s Shan-shui Poetry (山水詩) from the perspective of Purity and Morality (純正) Aesthetics. According to Japanese scholar Toshio Takeuchi, “Purity and Morality Aesthetics, which implies Purity and Righteousness (純正), is the purest realization of the qualities of general aesthetics as an aspect of Purity Aesthetics”. He further argues that “this can also be referred to as Ideal Aesthetics since it simultaneously pursues the ideal aspect of the form in actuality in the field of art.” From this point-of-view, Purity and Morality Aesthetics can be explained as a concept depicting the status of moral correctness and emotional purity. Toegye’s Shan-shui Poetry displays balance and understated emotion, which can be explained with Personality Aesthetics of Xing-qing-zhi-zheng (性情之正) which, in turn, has the meaning of Righteousness (正) to the subject of artistic experience. As such, countless previous studies regarded Toegye’s poetry simply as a means of cultivating personality. However, Toegye set joviality of the Pleasure of Nature (山水之樂) as the ultimate intention of his Shan-shui Poetry and, through it, aimed to embody the state of Unity of Heaven and Earth (天 人合一). Though this form of emotion is distinguished from the common form of emotion obtained in the simple sensory dimension, the state of joviality experienced through continuous cultivation is a positive sentiment naturally understood at a certain level, as apparent in Toegye’s Artistic Appreciation of You-yu-yi (遊於藝). Based on such discussions, this thesis analyzes Toegye’s literature and Shan-shui Poetry utilizing various theories and aesthetic research methodologies formed on philosophical introspection, and by doing so, derives the emotion of reason implied in his works. Particularly, the study’s main focus is the specific category of Purity Aesthetics from the perspective of the major premise of aesthetics which concerns “emotional cognition” based on the “existence of the object.”

본 논문의 목적은 현대 산조의 창조정신 회복을 위한 모색으로 왕양명의 치양 지(致良知)론을 고찰해 보는 것에 있다. 산조가 확산될 당시에는 음악에 대한 연주자 의 개성과 탁곡(度曲)에 대한 자유로운 문화가 형성되어 있었던 반면, 현대의 산조에 서는 중요무형문화재의 권위와 보수성으로 인해 산조의 본래적 특징인 자율성, 즉흥 성, 생동성이 대부분 소실되었다. 왕양명은 인간에게 선천적으로 부여된 순선한 천리(天理)가 있다고 보았고, 이 것을 마음의 본체인 양지(良知)라 하였다. 양지는 사욕과 인욕에 의해 가려지기 쉬우 므로 내 마음이 지향하는 바를 올바르게 세워서 지속적으로 성의(誠意)하여야 치양지 (致良知)에 이를 수 있다. 치양지는 사물과의 관계 속에서 양지를 성찰, 보전하는 것으 로 왕양명은 사상마련(事上磨鍊)과 시중(時中)에 의한 치양지를 중요하다고 보았다. 이러한 치양지를 통해 이상적인 화락(和樂)의 정신으로 나아갈 수 있게 되는 것이다. 오늘날의 산조는 예술가 내면의 순선한 양지를 성찰하는 것보다는 고정화된 음 악 형식 속에 예술가를 순응시키는 것에 더 큰 방점을 두고 있다. 산조 이전의 시나위 에서는 약속된 기본적인 틀 속에서 자유롭게 생동하는 예술가 본연의 음악적 양지가 있었고, 초창기 산조 또한 시나위가 가진 음악에 대한 즉흥성과 자율성의 특징을 지니 고 있었다. 현대의 산조가 본연의 창조정신을 회복하기 위해서는 음악의 외현적인 것 만을 전수하는 것이 아닌 예술가 내면의 양지를 되찾는 수양의 측면에도 큰 방점을 두 어야 할 것이다.

The purpose of this paper is to examine Wang Yangming(王陽明)'s theory of Zhiliangzhi(致良知) as a search for the restoration of the creative spirit of modern Sanjo(散調). In the early days, Sanjo had a free culture of the performer's personality and Takgok(度曲), while modern Sanjo lost most of its autonomy, improvisation, and liveliness in traditional Sanjo performance due to the authority and conservatism of Major Intangible Cultural Heritage. Wang Yangming saw that there was the pure principle of nature that was naturally given to humans, and this was called Liangzhi(良知), the main body of the mind. Liangzhi is easy to be covered by self-interest and human desire, so you must properly set up what your mind is aiming for and continue to be sincere to reach Zhiliangzhi. Zhiliangzhi is to reflect on and preserve Liangzhi in the relationship with objects, and Wang Yangming saw the importance of Zhiliangzhi by Shi Shang Mo Lian(事上磨鍊) and Shi Zhong(時中). Through this Zhiliangzhi, it is possible to move toward the ideal Hele(和樂). Today's Sanjo focuses more on adapting the artist to a fixed musical form than on reflecting on the pure Liangzhi of the artist's inner self. In Sinawi before the early Sanjo, there was an artist's originality that freely lived within the promised basic framework, and the early Sanjo also had the characteristics of improvisation and autonomy of Sinawi's music. In order for modern Sanjo to recover its original spirit of creativity, a great emphasis should be placed on the aspect of cultivation that restores the artist's Liangzhi, rather than handing down only the outward aspects of music.

AI시대, 4차 산업혁명시대에 서예의 새로운 발전을 도모하기 위해 본 논문은 서 예 플랫폼 구축 가능성을 연구하고 시범적 운영 방향을 제시하였다. 최근 몇 년 간 세계 기업 동향을 살펴보면 IT를 기반으로 한 플랫폼 사업이 압 도적으로 성장했음을 알 수 있다. 이러한 변화의 흐름을 통해 장차 세계 경제는 플랫폼 사업이 주도하게 될 것이라는 전망을 할 수 있다. 문화시장, 미술시장 역시 플랫폼으로 의 성장이 두드러진다. 그러나 서예시장은 온라인 채널을 통한 거래든 오프라인에서의 거래든 시장의 형성과 거래 자체가 미미하다. 서예 산업 활성화를 위하여 서예인과 서 예단체의 노력이 필요한 부분이다. 전문가의 힘으로 서예가 가진 많은 잠재력을 펼쳐 낸다면, 서예는 문화예술시장에 우뚝 설 수 있을 것이다. 이를 위해서 원시안(遠視眼) 적이며 장기적인 안목으로 서예 시장의 플랫폼화를 목표로 삼아야 할 것이다. 본 논문에서는 서예 플랫폼을 구축하기 위해서, 서예 플랫폼의 정의, 기능, 내용 을 구성해보고 실현 가능한 애플리케이션 시안을 모색해 보았다. 서예 문화 공유의 장 이 될 플랫폼 내에 다양한 아카이브를 구축하여, 많은 서예 전문가와 서예에 관심있는 사람들이 편리하게 사용할 수 있는 방안을 도모해야 할 것이다. 각종 서예 관련 텍스트 를 제공하는 지식 정보 공간, 작품을 전시하고 판매할 수 있는 기회 제공 공간, 자료 및 강좌 디지털 제작 및 홍보, 교사 및 강사 인력풀 구축 및 교육, 공모전 및 전시 안 내, 서예 관련 각종 물품 판매 온라인 샵, 박물관·미술관·비엔날레 등과 같은 기존 애 플리케이션(홈페이지) 링크 공간, 그 외 융합·홍보·회원 소통 공간 등의 장치가 마련되 어야 한다. 이러한 플랫폼 시안을 바탕으로 서예 단체와 서예인들이 동참하여 종합적이고 체계적인 서예 플랫폼을 구축한다면, 이는 과거와 현재를 동시에 기록할 수 있다는 점 에서 다양한 예술적 가치를 공유하고 확산하는 근간 기지가 될 수 있을 것이다. 많은 역량 있는 서예인들이 한 온라인 공간에서 서로의 경험과 정보를 공유한다면 현재 도 태 위기에 빠진 한국의 서예를 진흥하는 데에 큰 활력을 제공할 수 있을 것이다.

In order to promote the new development of calligraphy in the era of AI and the 4th industrial revolution, this paper researched the possibility of building a calligraphy platform and suggested a pilot operation direction. Looking at global corporate trends in recent years, it can be seen that the IT-based platform business has grown overwhelmingly. The cultural market and the art market are also showing remarkable growth as platforms. However, in the calligraphy market, the market formation and transaction itself are insignificant, whether through online channels or offline. Calligraphy experts' efforts are needed to revitalize the calligraphy industry. Based on the potential and expertise of many calligraphers, we should aim for platformization of the calligraphy market with a far-sighted and long-term perspective. In this paper, in order to build a calligraphy platform, the definition, function, and contents of the calligraphy platform were constructed and feasible application drafts were sought. Various archives should be built within the platform to promote user convenience. A knowledge information space that provides various calligraphy-related texts, exhibition and sales opportunities for works, digital production and promotion of educational materials and lectures, expansion of calligraphy education by building a teacher manpower pool, information on contests and exhibitions, online shop selling various calligraphy-related items, Devices such as link spaces for existing applications (homepages) such as museums, art galleries, and biennales, and spaces for convergence, publicity, and member communication must be prepared. If calligraphy groups and calligraphers join together to build a comprehensive and systematic calligraphy platform based on this platform proposal, it will become a base for sharing and spreading the value of calligraphy, contributing greatly to the continuous development and popularization of calligraphy.

'둔황'이라는 단어는 한대 이전의 현지 소수민족 언어의 중국어 번역에서 유래 했으며, 각종 문화적 요소의 영향을 받아 형성된 것이다.둔황군은 한나라 때 정식으로 건립된 이래 이미 2000여년의 역사를 가지고 있다. 고대 실크로드의 신앙을 포함한 경 제, 문화, 예술이 이곳에 집결되어 있다. 그중 불교문화는 인도 동쪽에서 전해져 먼저 신장 (新疆) 지역에 정착했고, 그 후 하서 (河西) 지역의 둔황 지방 문화예술을 통해 합류하였으며, 다시 중원의 중심부로 점차 확장되었다.중국 현지의 종교문화와 융합되 였으며융합의 결과는 돈황 벽화 중의 조각상, 조소 등 시각 예술 유적에서 매우 직관적 인 표현을 가지고 있다. 이러한 벽화, 채색 조각상 등 예술의 언어 풍격에서 우리는 그 들이 서로 경쟁하고 융합하는 발전 맥락을 볼 수 있다. 돈황은 고대 실크로드의 중요한 교통중추였다.중국과 서방의 경제문화교류는 돈 황에 다양한 무늬장식을 창조하게 하였는데 이는 막고굴예술의 일부분이다.한나라 때 개척한 실크로드 연선 국가의 예술문화, 진한위진남북조중원의 예술문화, 중원불교, 서 역 그리고 남북조불교, 불교, 도교의 해석으로 서역과 중원의 특색이 융합되었다. 돈황의 장식은 독특한 시기풍격특징을 갖고있다.이는 수, 당, 오왕조, 송, 원 장식의 풍격특징에 영향을 끼쳤고 현대 설계에도 계발을 주었다.돈황 문화에서 벽화, 채색 조각과 건축은 세 가지 구성 부분으로, 무늬 장식은이 세 가지 구성 부분을 연결 하는 연결점이다.왕조가 교체된후 각 시기의 무늬장식도 부동한 특징과 풍격을 나타내 고있다.본 논문은 돈황무늬의 연구대상으로 주로 돈황무늬중 비교적 대표적인 동물무 늬와 동물무늬중의 봉황새무늬를 선택하여 예를 들어 연구하였다.그는 서역과 중원의 예술풍격의 특징을 분석하고 돈황무늬장식의 예술언어를 현재의 설계령역과 결부시켜 분석하고 탐구했다.

The word "Dunhuang" originated from the local minority languages before the Han Dynasty. It is a Chinese translation of minority languages and formed under the influence of various social and cultural factors. Dunhuang County has a history of more than 2,000 years since the official establishment of the Han Dynasty. The economy, culture and art of the ancient Silk Road converge here, including religious beliefs. The Buddhist culture spread from India to the east. At the beginning, it only began to spread in Xinjiang, China, and then intermingled with the Dunhuang culture and art in Hexi area, and gradually extended to the hinterland of the Central Plains. The foreign Buddhist culture and the local religious culture of China have experienced a process of collision and integration, which is directly reflected in the Dunhuang frescoes and the statues, sculptures and other visual art relics retained by Dunhuang. From the artistic language style of these frescoes and painted sculptures, people can clearly see the development vein of their competition and integration. Dunhuang was an important transportation hub on the ancient Silk Road. Therefore, frequent economic and cultural exchanges between China and the West promoted the creation of various patterns and patterns in Dunhuang, which became an indispensable part of the art of the Mogao Grottoes. The national art and culture along the Silk Road opened up in the Han Dynasty, the art and culture of the Central Plains in the Qin, Han, Wei, Jin, Southern and Northern Dynasties, the Buddhism of the Central Plains, the Western Regions, and the interpretation of Buddhism, Buddhism and Taoism in the Southern and Northern Dynasties, all combine the characteristics of the Western regions and the Central Plains. Dunhuang decorative patterns have unique style characteristics, which not only influenced the formation and development of the decorative patterns of Sui, Tang, Five dynasties, Song and Yuan, but also had a significant impact on modern decorative design. In Dunhuang culture, murals, painted sculptures and architecture are the three major components, and decorative patterns are the link between these three components. With the change of dynasties, the ornamentation of each period also presents different characteristics and distinct styles with the characteristics of The Times. This paper takes Dunhuang decorative patterns as the research object, and mainly selects the more representative animal decorative patterns in Dunhuang decorative patterns, as well as the phoenix bird decorative patterns in animal decorative patterns for example study. Analyze the characteristics of art styles in the Western regions and Central Plains, and combine the artistic language of Dunhuang ornamentation with the current design field to analyze and explore.

이삼만(李三晩, 1770~1845)은 창경발속(蒼勁拔俗)을 평생의 서예 이상(理想) 으로 삼았다. ‘창경’은 오랜 세월의 시간성 속에서 형성된 강인한 생명력을 지칭한다. 그의 말년 역작 『서결(書訣)』에 대한 분석에 따르면, 창경경지의 글씨는 석로심창 (石老深蒼)과 같다 했다. 석로심창은 ‘오래된 바위의 짙푸른 이끼’라는 뜻이며, 이것은 창암(蒼巖) 곧, 이삼만의 호(號)다. 20세기 프랑스에도 창경발속의 예술 이상을 꿈꾸던 예술가가 있었다. 그는 피에 르 딸-고뜨(Pierre Tal-Coat, 1905~1985)다. 그의 작품 중 다수의 후기 작품은 서예적 선(線)이 나타나는 추상화로 서양에서 보기 드문 예술이다. 앙리 말디네 (Henri Maldiney, 1912~2013)는 딸-꼬뜨의 미학적 사유를 심도있게 연구한 프랑 스의 현상학 미학자이며, 동양의 창경을 서양의 창경으로 변신시킨 장본인이라 할 수 있다. 본 연구는 서양예술에 서예의 창경이 어떻게 나타날 수 있었는지, 창암의 창경과 서양의 창경 그 둘 사이의 차이와 유사점을 창암 그리고 딸-꼬뜨·앙리 말디네의 미학 세계를 통해 실질적이고 유기적인 방법으로 추적해 보았다.

Lee Sam-man (1770-1845) made Changgyeong Balsok (蒼勁拔俗) his lifelong ideal of calligraphy. ‘Changgyeong’ refers to the strong vitality formed in the temporality of many years. According to an analysis of his masterpiece 『Seogyeol(書訣)』in his later years, the art that has reached the stage of Changgyeong is the same as Seokro Shimchang(石老 深蒼). Seokro Simchang means ‘dark green moss on an old rock’, and this is the name of Changam (蒼巖), that is Samman Lee's pen name (號). Even in France in the 20th century, there was an artist who dreamed of the ideal of art from Changgyeong. He was Pierre Tal-Coat (1905-1985). Many of his later works are abstract paintings with calligraphic lines, which are rare in the West. Henri Maldiney (1912~2013) was a French phenomenological aesthetician who studied the aesthetic thinking of Tal-Coat in depth, and it can be said that he was the one who transformed the Changgyeong of the East into the Changgyeong of the West. This study examines how Changgyeong of calligraphy could appear in Western art, the differences and similarities between Changgyeong of Changam and Changgyeong of the West, in a practical and organic way through the aesthetic world of Changam and Tal-Coat and Henri Maldiney.

본 연구는 한국 상고시대의 ‘美’의식을 탐구하는 것이다. 그것이 고대문화에 어 떻게 표현되었는지 살펴보는 것은 고대 한국인[東夷, 고조선인]의 사상을 탐구하는 것 이다. 우리나라에서 한국의 미학을 논할 때 가장 이른 시기의 이론은 9세기 통일신라 말기, 최지원의 ‘風流’이다. 한국철학의 기원은 ‘弘益人間在世理化’의 인본주의 정신이 다. 현대에도 우리나라를 대표하는 이 사상은 단군 설화의 내용에 들어 있으며, 그 이 론적 내용은『천부경』과「삼일신고」로 대표된다. 그 철학적 분석을 통해서 한국 미 학과 한국문화의 초석으로 삼고자 한다. 따라서 본 논문은 Ⅱ장 고조선 문화 형성의 배경에서 １. 역사적 배경 : 농경문 화, ２. 철학적 배경 :『천부경』과「삼일신고」을 논하며, Ⅲ장 고조선 문화의 특징에 서 １. 고조선의 美術２. 고조선의 詩歌3. 고조선의 樂舞을 논하고자 한다.

This study explores the consciousness of "beauty" in the ancient Korean age. Examining how it is expressed in ancient culture is to explore the thought of the ancient Koreans [East Yi, Gojoseon people]. In Korea, the earliest theory of Korean aesthetics is "Wind Flow" by Choi Jiwon, who lived in the late Unified Silla period in the 9th century. The origin of Korean philosophy is the humanistic spirit of "enlightening and benefiting humanity in the world." This thought, which still represents Korea today, is contained in the contents of the Dangun legend, and its theoretical content is represented by "The Book of Heaven" and "The Three Day Proclamation." Through this philosophical analysis, we hope to lay the foundation for Korean aesthetics and Korean culture Therefore, this paper discusses the following in Chapter 2 on the background of the formation of Gojoseon culture: 1. Historical background: Agricultural culture, 2. Philosophical background: "The Book of Heaven" and "The Three Day Proclamation." In Chapter 3 on the characteristics of Gojoseon culture, 1. Gojoseon's art, 2. Gojoseon's poetry, and 3. Gojoseon's music and dance.

포스트모더니즘 이후 전통적으로 미술이라 여겨지던 모든 형식이 와해되고, 그 외양이 무엇이든 미술작품이 될 수 있다는 인식의 전환을 통해 미술의 ‘동시대성’에 관 한 활발한 담론과 논의가 진행되고 있다. 이러한 시대적 흐름 아래 서예 또한 전통서예 의 모방과 재현의 방식에서 탈피하여, 동시대 문화예술의 사회구조 속에서 서예의 ‘동 시대성’에 관한 논의와 담론이 요구된다. 이에 본 논고에서는 서예의 ‘동시대성 (Contemporaniety)’에 관하여 탈(脫)텍스트, 반(反)서예, 문자해체에 관한 내용을 쉬빙(徐冰, Xu Bing, 1955-)의 <천서(天書, Book from the Sky)>(1991) 작품 분석을 통하여 논하였다. <천서>는 탈텍스트와 반서예 및 기존에 문화 인류적으로 구축되어 온 문자시스 템을 해체하여 비(非)텍스트로 텍스트의 의미구조를 생산하는 역설적 서예창작이라 할 수 있다. 이는 역사선 상에서 전개되던 기존 서예사인 모더니즘적인 서예 서사구조로 는 이해하기 어려운 서예에 대한 획기적인 형식이라 할 수 있다. <천서>는 서예의 아방 가르드적인 미술실험 형식, 즉 서예의 포스트모더니즘이라 일컬을 수 있는 ‘현대서예’ 의 범주에서도 이해와 해석이 제한되는 형식구조이다. <천서>는 단토(Arthur Danto, 1924-2013)가 모더니즘의 거대서사로는 더 이상 설명할 수 없는 미술계의 현상을 ‘예술의 종말’이라 단언하며 이후의 미술을 ‘동시대 미술(Contemporary Art)’이라 규정한 맥락에서 접근할 수 있는 ‘동시대 서예(Contemporary Calligraphy)’라 할 수 있다. 본 논고를 필두로 하여 서예의 동시대성에 관하여 더욱 다양하고 섬세한 담론이 형성되기를 기대한다.

Since post-modernism, all forms traditionally considered art have been torn down, active discussions on "contemporaniety" in art have been conducted through a shift in perception that anything in appearance can be a work of art. Calligraphy also breaks away from the method of imitation and reproduction of traditional calligraphy, and discussions and discourses on the "contemporaniety" of calligraphy in the social structure of contemporary culture and art are required. Accordingly, in this paper, the "contemporaniety" of calligraphy was discussed as contents on de-text, anti-calligraphy, and Deconstruction of text-system through the analysis of the work of art <Book from the Sky(天書)>(1991) by Xu Bing. <Book from the Sky> can be said to be a paradoxical creation of calligraphy that produces the semantic structure of text with non-text by dismantling the text, narrative, and text-systems previously established . This can be said to be a groundbreaking form of calligraphy that is difficult to understand with the narrative structure of modernistic calligraphy developed on the historical line. <Book from the Sky> is a formal structure in which understanding and interpretation are limited even in the experimental form of calligraphy avant-garde art, that is, the category of "modern calligraphy," which can be called postmodernism of calligraphy. <Book from the Sky> is a ‘Contemporary Calligraphy’ that can be approached in the context of contemporary art, which Danto affirmed “The End of Art“, that the phenomenon of the world of art, which cannot be explained anymore by the vast-narrative of modernism.

조선 후기에는 사회경제의 발달과 고동서화 향유층의 확대에 따라 회화 제작과 감상, 소비문화가 확장되었다. 또한 문인 문화 향유 확대와 문인화의 수요가 증가함에 따라 본래 문인들의 사의를 표현하던 문인화는 주문 제작되거나 혹은 일정한 양식이 반복해서 구사되며 시각적 소비를 도모하는 양상으로 변모해갔다. 조선 후기 문인화의 수용과 구사에서 원대의 황공망과 예찬, 명대 오파의 시조 심주의 영향이 컸음은 잘 알려져 있다. 중국의 유명 화보에 수록된 이 세 화가의 특정 한 도상들은 화가들의 수련 과정의 토대가 되었음은 물론 소비를 위한 측면에서도 반 복해서 활용되었다. 주문으로 제작된 사의산수화를 살펴보면 특히 예찬에 대한 비중이 높게 나타나는데, 이는 예찬 특유의 간일한 양식이 지닌 사의성과 속되지 않은 고아함, 수요 및 주문 대응의 신속성과 편이성이 작용했기 때문일 것이다. 일정한 양식적 틀을 지닌 화보의 도상과 더불어 특정한 문인화풍에 대한 문구나 시구 또한 문인화의 이미지를 연상시키는 기억의 매개체로 작용하며 문인화의 소비에 기여하였다. 수요가 높은 문인화풍은 반복해서 제작되며 재생산으로 이어졌고 이러한 과정에서 결국 문인화의 범주로 수용될 수 있는 작품들이 지닌 양식적인 특징이 문인 화를 연상시키는 이미지로 고착되었는데, 이는 조선 후기 문인화에 내재한 소비의 맥 락을 확인시켜준다.

Painting production, appreciation, and consumption culture expanded in the late Joseon Dynasty with the development of social economy and the expansion of an enjoyment of ancient calligraphy. In addition, the enjoyment of literary culture and the demand for literarti paintings, which originally expressed the intention of literary artists, increased and were commissioned or used repeatedly to promote visual consumption. It is well known that the acceptance and use of literarti paintings in the late Joseon Dynasty were largely influenced by Huang Gongwang and Ni Zan of the Yuan Dynasty, and Shen Zhou, the founder of the Ming Dynasty's Wu School. The specific paintings of these three artists in famous Chinese painting manuals were used not only as the basis for their training, but also for consumption. If you look at the Saui landscapes of orders, the proportion of Ni Zan is particularly high, which may be due to the quick and convenient response to demand as well as the self-sacrifice and unreasonable elegance of the unique style of Ni Zan. Along with the iconography of Chinese painting manuals with a certain stylistic framework, phrases and poems about specific literary styles also served as a medium of memory reminiscent of the image of literarti paintings and contributed to the consumption of them. The high-demand literary style was produced repeatedly and eventually led to reproduction. In this process, the stylistic characteristics of work that could eventually be accepted as the category of literati paintings were fixed as images reminiscent of them, confirming the context of consumption.

원시시대부터 도형은 인간 각자의 쓰임대로 사물과 형태에 의미를 부여하여 상 징적으로 표현되었다. 이황은 「천명도」에서 원과 네모를 통해 사람에 대한 이해를 도모하고자 했다. 여기에 사용된 원과 네모 이미지는 고대로부터 현재의 일상에도 쉽 게 볼 수 있는 형태이다. 하늘이자 마음(생각)을 상징하는 원과 땅이자 몸을 상징하는 네모를 짝으로 하여 그린 형태를 통해 사람의 진정한 모습을 나타내고자 하였다. 이황 은 우주가 아닌 한 사람의 자리에서 자신의 존재 근원인 우주와의 만남을 생각하고, 광 활한 우주 속에서 사람이란 어떤 존재인지 또 어떠한 존재로 살아가야 하는가에 대한 물음의 답을 찾으려는 의도로 「천명도」를 수정하였다. 이황에게 동그라미는 하늘이자 천명, 그리고 마음을 동시에 표현하고 있다고 볼 수 있다. 또 네모는 방(方)이라고 해서 모서리가 있다. 땅을 나타내기도 하고 몸을 나타내기도 한다. 그리고 사람의 모양 인 ‘인형(人形)’은 ‘천원(天圓)’과 ‘지방(地方)’과 서로 분리되지 않고 중첩되어 그려져 있다. 즉, 존재론적으로 사람[人]은 땅[地] 위에 서 있는 하늘[天]이라는 이해의 방식 을 보여준다. 이렇게 하늘과 땅이 한 짝을 이루듯, 사람의 몸과 마음이 한 짝을 이루 듯, 사람은 엄마와 아빠가 한 짝을 이뤘다. 사람은 이러한 부모의 사랑을 받고 사랑으 로 태어나 사랑하는 존재이다.

Since the primitive times, figures have been symbolically expressed by giving meaning to objects and shapes according to each person's use. Lee Hwang tried to promote understanding of people through circles and squares in 「the Diagram of the Mandate of Heaven[天命圖]」. The circle and square images used here are forms that can be easily seen in daily life from ancient times to the present. The circle symbolizing the sky and mind(thoughts) and the square symbolizing the earth and body were paired to represent the true nature of a person. Lee Hwang thought of his encounter with the universe, the source of his existence, in the place of a person, not in the universe, and with the intention of finding an answer to the question of what kind of existence a person is and what kind of existence he should live as in the vast universe, 「the Diagram of the Mandate of Heaven[天命圖]」was amended. To Lee Hwang, the circle can be seen as expressing the sky, the mandate of heaven, and the mind at the same time. Also, a square represents the land and also represents the body. In addition, ‘the shape of a person[人形]’ is drawn overlapping with ‘heaven-circle[天圓]’ and ‘land-square[地方]’ without being separated from each other. In other words, ontologically, it shows a way of understanding that a person[人] is a sky[天] standing on top of the earth[地]. In this way, just as the sky and the earth form a pair, and a person's body and mind form a pair, a person's mother and father form a pair. Human beings are loving beings who are born out of love and are loved by their parents.