Earticle

디지털 문화 환경의 확산과 시각 매체 중심의 정보 소비 방식은 문자에 대한 인식과 활용 방식을 근본적으로 변화시키고 있다. 오늘날 문자는 사유와 신체의 리듬을 축적하는 ‘쓰기’의 행위보다는, 즉각적인 시각 효과를 전달하는 이미지로 소비되는 경향이 강화되고 있다. 이러한 환경 속에서 우리나라에서는 ‘손으로 그리거나 쓴 문자’를 의미하는 캘리그라피가 확산되고 있으며, 중국에서는 전통 書法의 필획과 조형 요소를 활용한 자형 디자인이 시각 디자인과 디지털 서체 개발 영역에서 활발히 활용되고 있다. 이는 디지털 시대에 문자 예술이 현대 시각 환경에 대응하는 방식의 변화로 이해할 수 있다. 그러나 문자 디자인의 대중화가 진전될수록, 전통 서예의 필법과 조형 질서로부 터 이탈한 문자 표현이 증가하면서 문자 디자인의 정체성이 모호해지는 문제가 나타나고 있다. 특히 한글 문자 디자인의 경우, 외형적 개성과 즉각적인 시각 효과를 강조한 ‘그리는 문자’ 중심의 경향이 확산되면서, 전통 서예가 축적해 온 구조적 안정성과 조형 원리가 충분히 계승되지 못하고 있다. 이는 한글 서예와 한자 서예가 오랜 시간 공존하 며 발전해 온 한국 문자 문화의 특수성을 간과한 결과라 할 수 있다. 본 연구는 이러한 문제의식을 바탕으로, 한자 ‘글자꼴’의 조형 전통과 현대적 디 자인 활용 양상을 분석하고, 이를 토대로 한글 ‘문자’ 디자인의 형성과 조형 원리, 그리 고 현대적 전개 방향을 고찰하였다. 한자의 글자꼴 개념과 조형적 도화성·장식성이 현 대 문자 디자인에서 계승·변용되는 양상을 살펴보고, 조선시대 문자 인식과 궁체를 중 심으로 한 한글 서예의 조형적 특성을 분석하였다. 아울러 서예가 참여형 공공 디자인 과 서예 기반 디지털 서체 개발 사례를 통해 전통 문자 조형이 현대 시각 환경에서도 유효하게 작동할 수 있음을 제시하였다. 이를 통해 본 연구는 한글 문자 디자인의 새로운 방향으로 ‘그리는 문자’가 아닌 ‘쓰는 문자’로서의 조형 인식 회복을 제안한다. 즉, 소리글자인 한글과 뜻글자인 한자가 공존해 온 한국 문자 문화의 기반 위에서, 한자 서예와 한글 서예의 조형적 장점을 상 호 참조하고 이를 舊體新用의 방식으로 현대 문자 디자인에 적용할 필요가 있음을 강조한다. 이러한 접근은 한글 문자 디자인의 미적 깊이를 확장하고, 전통 서예의 지속 가능한 현대적 전개 가능성을 모색하는 데 기여할 것이다.

The expansion of digital culture and visually driven modes of information consumption has fundamentally transformed the perception and use of written characters. Today, characters are increasingly consumed as visual images that deliver immediate visual effects, rather than as traces of embodied writing practices that accumulate thought and bodily rhythm. In this context, calligraphy—understood as hand-drawn or hand-written characters—has expanded across design fields in Korea, while in China, character designs utilizing traditional calligraphic brushwork and structural elements have been actively applied in visual design and digital typeface development. These phenomena can be understood as changes in how script-based arts respond to contemporary visual environments in the digital age. As character design becomes increasingly popularized, however, expressions detached from traditional calligraphic principles of brushwork and compositional order have proliferated, resulting in ambiguity in the identity of script-based design. In the case of Hangul, an emphasis on visual novelty and immediacy has led to the dominance of “drawn characters,” while the structural stability and formative principles cultivated through traditional calligraphy have not been sufficiently inherited. This tendency overlooks the historical specificity of Korean script culture, in which Hangul and Chinese characters have long coexisted and developed together. Based on this problem awareness, this study analyzes the formative traditions of Chinese character forms and their contemporary applications in design, and on this basis examines the formation, aesthetic principles, and modern development of Hangul character design. It explores how the concepts of character form (ziti), pictorial qualities, and ornamentality of Chinese characters are inherited and transformed in modern design, and analyzes the perception of script in the Joseon dynasty and the formative characteristics of Hangul calligraphy, particularly court-style scripts. In addition, contemporary cases such as calligrapher- participatory public design and calligraphy-based digital typefaces are examined to demonstrate the continued validity of traditional script forms in modern visual environments. Through these analyses, this study proposes a new direction for Hangul character design that emphasizes the recovery of script as “written characters” rather than merely “drawn images.” Grounded in the Korean script culture where phonetic Hangul and logographic Chinese characters have coexisted, this approach highlights the need to apply the formative strengths of both Hangul and Chinese calligraphy to contemporary character design through the principle of Old Forms for New Uses (舊體新用). Such an approach seeks to deepen the aesthetic value of Hangul character design and contribute to the sustainable modern development of traditional calligraphy.

본 논문은 명대(明代)의 대표적 사상가 양명의 심학(心學)의 실천적 사유가 그의 서예 예술에 어떻게 구현되었는지를 미학적 관점에서 이해하는 데 목적이 있다. 양 명의 심학은 인식이 실천의 마음이 자각을 통해서 실현하는 실천 철학으로서의 성격을 지니며, 이러한 사유는 서예창작 예술의 영역에서도 중요한 미학적 원리로 작용하였다. 본 논문에서는 이같은 양명 심학의 사상적 배경과 실천적 요소를 검토하여, 심학이 단 순한 도덕 이론이 아니라 서예창작 예술 전반을 관통하는 실천의 학문임을 밝힌다. 구체적으로 양명의 서예 자기 학습 과정을 중심으로 하되, 그의 서예 수련이 기교 습득의 차원을 넘어 마음의 정제와 성찰을 중시하는 심학적 수행의 한 방식으로 전개되었음을 이해하였다. 특히 이런 점을 양명의 대표적 친필 작품인 <왕문성시한(王文成詩翰)>을 분석 대상으로 삼아, 장법의 형신겸비와 행기연면에 나타난 심성·심경미의 구체적 양 상을 살펴보았다. 분석 결과, 이 작품의 장법과 행기(行氣)는 시문 내용과 긴밀히 결합되어 자연 과 인생을 관조하는 심학의 미학적 사유가 서예 창작으로 구현되여 있으며, 필획의 흐 름과 결구 구성은 마음의 작용과 도덕적 자각이 예술적 형식으로 전환된 결과임을 확 인할 수 있었다. 이를 통해 양명의 서예가 단순한 문자 예술이나 개인적 서풍에 머무르 지 않고, 심학적 실천이 필묵의 조형 구조 속에서 드러나는 실천 미학의 심성미를 밝히 고자 하였다. 나아가 이러한 분석은 동아시아 서예사에서 사상과 예술의 관계를 재고 하는 하나의 관점을 제시한다.

This study aims to examine, from an aesthetic perspective, how the practical thinking of Wang Yangming (1472–1529), a representative philosopher of the Ming dynasty, was embodied in his art of calligraphy. Wang’s Philosophy of Mind (Xinxue) is characterized as a form of practical philosophy in which moral cognition is realized through the self-awareness of the mind in action. This mode of thinking functioned as a significant aesthetic principle in the domain of calligraphic creation. By exploring the intellectual background and practical dimensions of Wang’s Philosophy of Mind, this paper argues that his thought was not merely a moral doctrine but a discipline of practice permeating the entire process of calligraphic creation. Focusing on Wang’s self-directed training in calligraphy, the study demonstrates that his calligraphic cultivation extended beyond the acquisition of technical skill and developed as a mode of self-refinement and introspective discipline grounded in his philosophical practice. In particular, this paper analyzes Wang’s representative autograph work, Wang Wencheng’s Poetic Manuscript (王文成詩翰), examining the aesthetic manifestations of unity between form and spirit in its compositional structure and the continuous rhythmic flow (qi) revealed in its brushwork. The analysis shows that the compositional arrangement and the dynamic movement of brush energy are closely integrated with the poetic content, embodying an aesthetic contemplation of nature and human life rooted in the Philosophy of Mind. The flow of strokes and structural organization of characters demonstrate how the operations of the mind and moral self-awareness were transformed into artistic form. Through this investigation, the study clarifies that Wang’s calligraphy transcends the level of mere script art or personal style; rather, it reveals the aesthetic beauty of moral mind (xin-xing) as practical philosophy manifested within the formal structure of brush and ink. Furthermore, this analysis offers a perspective for reconsidering the relationship between thought and art in the history of East Asian calligraphy.

본 연구는 2000년 이후 두드러진 중국 사진예술 내 ‘신산수(新山水)’ 현상을 분 석하며, 이 예술 경향이 단순한 미학적 실험을 넘어, 자문화 전통을 토대로 한 중국적 현대성 구축의 핵심적 표상임을 규명한다. 이는 서양 현대미술이 전통과의 단절을 통해 새로운 예술을 추구한 것과는 대조적으로, 전통 미학의 내적 계승과 재창조를 통한 독자적인 현대화 경로를 보여준다. 연구는 역사적 고찰을 통해 ‘신산수’의 등장 배경을 고찰하고자 한다. 서양에서 도입된 사진 기술은 초기 랑징산(郎靜山, 1892-1995)의 ‘합성사진(集錦攝影, Composite Photography)’에서와 같이 중국 전통 산수 미학과의 결합을 시도하였 으나, 1949년 이후 정치 선전의 도구로 전용되며 그 자율성을 상실하였다. 1980-1990년대 실험영상을 거치며 산수 이미지는 비판과 해체의 대상이 되었고, 이로 인한 정신적 공백은 예술가들로 하여금 새로운 정신적 지향점을 모색하게 하였다. ‘신산수’ 현상은 이러한 역사적 공백 위에서, 디지털 시대에 전통의 정신을 재발견하고 재구성하려는 집단적 의지가 구현된 결과라 할 수 있다. 본 연구는 2000년 이후 중국 사진예술에서 나타난 ‘신산수’ 작품을 연구 대상 으로 삼는다. 제2장에서는 중국 사진예술의 발전과 ‘신산수’ 현상의 등장을 논의한다. 제3장은 네 가지 유형의 현대 산수 표현을 통해, 집단 문화의 정체성 탐구에서 부터 개인 경험의 재현, 나아가 외부 사회 구조에 대한 비판으로까지 이어지는 전 개 과정을 드러내고, 궁극적으로 신체를 매개로 하여 ‘신산수’ 현상이 영상 실천을 통해 역사, 감정, 사회성 및 존재의 네 가지 차원에서 전통 산수 미학의 현대적 전 환과 정신적 재구성을 완성하는 과정을 체계적으로 밝힌다. 결론적으로, ‘신산수’ 현상은 기술 미학의 탐구를 넘어, 급속한 현대화와 세계화 속에서 정신적 귀속감과 문화적 주체성을 회복하려는 심층적 욕망의 발현이다. 본 연구는 이 현상에 대한 체계적 분석을 통해 중국 동시대 예술의 내재적 발전 논리를 제시 하며, 인공지능과 가상현실 등 신기술이 확장시킬 미래 ‘신산수’의 가능성과 과제를 전망한다.

This study analyzes the prominent phenomenon of "Xin Shanshui" (New Landscape) in Chinese photographic art since 2000, demonstrating that this artistic trend transcends mere aesthetic experimentation to become a key representation in the construction of a Chinese modernity based on its own cultural traditions. This contrasts with Western contemporary art, which seeks new forms of art through a break from tradition, showing an independent path to modernization through the internal continuation and re-creation of traditional aesthetics. The research traces the emergence of "Xin Shanshui" through historical examination. Western-introduced photographic technology initially attempted to merge with Chinese traditional landscape aesthetics, as seen in Lang Jingshan's "composite photographs," but post-1949, it was converted into a tool for political propaganda, losing its autonomy. Through experimental imagery in the 1980s and 1990s, landscape images became subjects of criticism and deconstruction, and the resulting spiritual void prompted artists to seek new spiritual orientations. The "Xin Shanshui" phenomenon is the result of a collective will to rediscover and reconstruct the spirit of tradition in the digital age, built upon this historical void. The study focuses on the "Xin Shanshui" works in Chinese photographic art since 2000. Chapter 2 discusses the development of Chinese photographic art and the emergence of the "Xin Shanshui" phenomenon. Chapter 3 reveals the process of expression through four types of contemporary landscape representation, from exploring collective cultural identity to reproducing personal experiences and further to criticizing external social structures, ultimately demonstrating through visual practice how "Xin Shanshui" completes the modern transformation and spiritual reconstruction of traditional landscape aesthetics across four dimensions: history, emotion, sociality, and existence. In conclusion, the "Xin Shanshui" phenomenon transcends the exploration of technological aesthetics and represents a deep-seated desire to recover spiritual belonging and cultural agency amid rapid modernization and globalization. This study provides a systematic analysis of this phenomenon, presenting the inherent logic of development in contemporary Chinese art and forecasting the potential and challenges for future "Xin Shanshui" expanded by new technologies like artificial intelligence and virtual reality.

본 연구는 현대 예술 담론에서 ‘창작’이 무(無)로부터 ‘창조’로 이동한 경향을 비판적으로 살펴보고, ‘창작’을 인지로 인한 ‘발견’으로 재정의 한다. 오늘날 예술을 함에 있어 독창성‧천재성‧전례 없는 새로움이 창작의 최상위 기준처럼 작동하면서, 전통의 학습과 전승, 상징의 재독해, 재료와 여러 상황에서 얻어지는 인식들이 창작 과정에서 주변화 되곤 한다. 이에 본 연구에서는 ‘창조’가 본래 신학‧형이상학적 언어로 세계의 존재 근거를 설명하기 위해 정교화 되었음을 확인하고, 이 언어가 천재성, 독창성, 저 자성, 소유제도 등과 결합하면서 예술이 작가로부터 기원이라는 창작 규범으로 전유된 과정을 분석한다. 본 연구에서는 공자의 두 가지 사상을 통해 ‘발견’의 예술을 제시한 다. ‘술이부작(述而不作)’을 통해서는 전승된 가치를 발견하는 윤리적 태도를, ‘격물치 지(格物致知)’에서는 사물의 이치를 인지하는 방법적 절차를 보여준다, 이를 통해 예술 에 있어서 ‘발견’이 지향 할 궁극적 가치로 ‘순수지선(純粹至善)’을 제시함으로써, 존재 론적 가치를 확장하는 미적·윤리적 지평을 보여준다. 결과적으로 예술에서 ‘창작’이 ‘창 조’로 신화화하는 것을 넘어 리(理)의 인지로 알 수 있는 ‘발견’으로 재구성 한다.

This study critically examines the tendency in contemporary art discourse to equate artistic creation with creation ex nihilo. It argues that the modern emphasis on originality, genius, and unprecedented novelty has established “creation” as the dominant normative model of art, thereby marginalizing processes such as transmission, reinterpretation, and perceptual engagement with materials and situations. The study traces the theological and metaphysical origins of the concept of creation and analyzes how it was appropriated into modern art discourse as a principle centered on the artist as origin. As an alternative framework, it redefines artistic creation as a process of “discovery” grounded in Confucian thought. Drawing on 述而不作as an ethical attitude of transmitting and rediscovering inherited values, and 格物致知as a methodological procedure of apprehending underlying principles, the study proposes an art of discovery oriented toward 純粹至善as its ultimate value. In doing so, it reconstructs artistic creation not as production from nothing, but as a cognitive process that renders perceptible the principles inherent in the world.

대전광역시 동구 이사동에 은진송씨 종중묘역이 있다. 이곳은 장묘문화 보고로서 현재 1,070여 기의 분묘와 120여개의 금석문이 대량으로 집적되어 있다. 동 연구는 한국연구재단 과제인 이사동을 중심으로 한 대전충청권의 금석문 서 예문화가 조선조 서예사에서의 위치 및 가치 파악에 있어, 2개의 소주제로 나누어 실효성 있는 연구성과를 도출해 내고자 한다. 그 선결 연구과제로 권역 내 해당 금석문 찬·서·전자와 은진송씨문중1)과의 관계성을 규명한다. 이들의 다양한 관계성 연구가 서 예사적 의미와 정보를 파악하는데 우선적 과제이기 때문이다. 연구대상 금석문은 이사동 은진송씨 묘역 금석문을 중심으로 대전충청권내 금석 문을 주 대상으로 하였다. 아울러 동 권역내 서예문화 형성과 상관관계가 있다고 판단 되는 타 성씨 금석문도 일부 연구대상에 포함하였다. 이중 98개의 표본금석문을 선정 하여 실효성 있는 연구 성과를 드러내고자 하였다. 16세기는 사림세력의 등장과 사화(士禍), 17~18세기의 새로운 주자학적 세계 관의 등장과 붕당의 발생 등 정국은 상당히 요동치는 시기다. 이러한 당시의 시대상이 은진송씨문중 등 대전충청권 금석문 찬·서·전자와 무관하지 않을 것이고, 동 권역의 서 예문화에도 직간접적인 영향관계가 있을 것이다. 이러한 관점에서 금석문에 참여하고 있는 찬·서·전자의 관계성을 먼저 고찰하였다. 연구내용을 간략하게 요약하면 다음과 같다. 첫째, 은진송씨문중 묘역을 중심으로 한 대전충청권 금석문 찬·서·전자는 문중의 지역적 범주를 초월한 다양한 인사들이 참여하고 있음이 확인된다. 이는 당시 대전충 청권의 정치적·문화적 역량과도 직간접적 영향관계가 있음을 암시한다. 둘째, 은진송씨문중과 타 성씨 찬자 등의 관계성은 학맥, 혼맥, 정맥 등 다양한 관계성에 의한 것임이 확인된다. 즉 혼맥은 송이창과 광산김씨 문중과의 혼인, 송준길 딸의 여흥민씨 가문과의 혼인, 송준길의 영남학파 정경세 딸과의 혼인 등에서 시작되 었다. 학맥은 이이의 기호학맥에 뿌리를 둔 김장생-김집-송시열-송준길로 이어지는 호 서학파가 중심축을 이룬다. 정경세·허목 등 영남학맥과의 교류 흔적도 확인된다. 정맥 은 혼맥과 학맥을 바탕으로 당시 주류세력이었던 서인(노론)계열의 인사와의 관계, 김 상헌 등 척화파의 사상적 결합 등 다양한 관계성이 혼재되어 나타난다. 여기에 은진 송씨 중심인물인 양송의 역할과 주변의 주요가문인 광산김씨, 여흥민씨, 안동김씨 문 중인사들 간의 관계가 중심축이었음이 확인된다. 이러한 제반 상황이 대전충청권 은진송씨문중 서예문화와 무관하지 않다고 판단 된다. 이번 연구논문은 차기 논문인 대전충청권 서예문화가 조선조 서예문화에서의 위 치를 파악해 내는데 사전 기초자료로 활용하고자 한다.

In Issa-dong, Dong-gu, Daejeon, there is the Eunjin Song clan's Graveyard. This is a treasure trove of Burialculture( 莊廟文化), and currently, 1,070 tombs and 120 tombstoness are accumulated in large quantities. This study is a preliminary research project for the identification of the location and value of the calligraphy culture of Geumseokmun(金石文) in Daejeon Chungcheong area centered on Issa-dong in the Joseon Dynasty. This study is a preliminary research project to investigate the relationship between persons(撰·書·篆者) involved in the Geumseokmun(金石文) work in the area, and the Eunjin Song clan in order to understand the location and value of the calligraphy culture of the Daejeon Chungcheong region centered on Issa-dong. This is because the various relationships of Geumseokmun concernedpersons( 撰·書·篆者) contain meaningful information in calligraphy history. The Geumseokmun to be studied were mainly targeted at the the inscription of Tombstones in the Daejeon Chungcheong area, centering on the inscription of Tombstones at the tomb of Eunjin Song Clan in Issa-dong. Among them, 98 sample gilt-stone gates were selected to reveal effective research results. The 16th century was a period of considerable fluctuation in political situation, including the emergence of Sarim(士林) and Safwa(士禍) of history, the emergence of a Neo-Confucian worldview and the occurrence of Bungdang(朋黨) in the 17th and 18th centuries. The times of this period will also have a direct or indirect influence on the calligraphy culture of Geumseokmun concernedpersons( 撰·書·篆者) in Daejeon Chungcheong, such as Eunjin Song clan and etc. From this point of view, the relationship among persons(撰·書·篆者) who participated in the Geumseokmun work was first examined. The research contents are summarized as follows. First, it is confirmed that various people across the regional categories participated in the Geumseokmun in the Daejeon Chungcheong area, centering on the tomb of the Eunjin Song clan. This implies that there is also a direct or indirect influence on the political and cultural capabilities of the Daejeon Chungcheong area at the time. Second, it is confirmed that the relationship between Eunjin Song's clan and the other clan's persons is due to various relationships such as academic vein, married-vein, and political-vein. Political-vein appears to be a mixture of various relationships, such as the relationship with personnel of the Seo-in (Noron) family, which was the mainstream force at the time, and the ideological union of the Cheokhwa faction(斥和波) such as Kim Sang-heon, based on the mixed married-vein and academic vein. Here, it is confirmed that the role of Yang Song, a central figure of the Eunjin Song clan, and the relationship between the main families of Gwangsan Kim clan, Yeo Heung-min clan, and Andong Kim clan members was central.

본 연구의 주제인 한국 다례의 동양 철학적 제언은 ‘행위’와 ‘심법’의 통일적 추동 으로써 완성된 행다법의 경지를 학술적으로 궁구하기 위한 목적에서 비롯되었다. 한국 다례의 철학적 가치를 천착하는 작업은 다례를 단순히 예를 표현하는 수단 그 이상의 함의를 전제하는 것으로부터 출발한다. 따라서 본 연구는 다례를 크게 ‘심법적 가치’와 ‘예학적 의의’로 나누어서 그 동양 철학적 의미를 제언했다. 다례의 心法적 가치로서의 ‘中和’는 마음과 행위의 克己로써 달성된 내‧외면의 상태를 이르며, 이는 다례를 구성하는 전 단계를 하나로 연결하는 핵심적 가치라고 할 수 있다. 즉 茶의 禮와 茶의 道는 기본적으로 茶를 우리는 물리적 도구에 기반하지만, 궁극적으로는 茶를 행하는 心體를 통해 실현되므로, 행다법은 마음의 상태를 몸짓으로 구현한 절차와 다름 아닌 것이다. 여기에는 茶우리는 자의 내면적 덕성을 외재적 기질 로 드러낼 수 있는 일정한 양식이 필요한데, 이때 “각 행위의 모양새와 그 순서를 어떻 게 中和의 실천적 작위로써 정립할 것인가”가 바로 한국 다례의 주요 테마이자 과제라 고 할 수 있겠다. 즉 茶를 행하는 각 동작에는 ‘균형’, ‘절도’, ‘조화’의 의미가 하나하나 섬세히 반영되어야 한다. 한편, 한국 다례의 동양 철학적 사상과 관련하여 본고는 ‘조선의 삼태극’을 제시 했다. 이로써 ‘한국의 정신문화를 철학적, 심미적으로 구현한 다례’라는 정체성을 확보 하는 한편, 현대식 생활 다법을 재구성한 ‘3인 茶禮’와 ‘1인 茶道’의 학술적 토대를 마련 하고자 했다. 오늘날 한국의 삼태극이라 불리는 문양은 조선시대부터 본격적으로 사용 된 것으로서, 붉은색, 푸른색, 황색의 삼원태극이 天‧地‧人의 사상을 차례로 표현하고 있는 점이 특징이다. 성리학적 세계관을 구성하는 天地人은 양촌의 <천인심성합일지 도>, 추만의 <천명구도>, 퇴계의 <천명신도> 등에도 드러나 있는바, 이는 우주의 이치 안에서 ‘인간[人]’에 대한 조선 성리학자들의 중점적 사유를 보여주는 단면이기도 하다. 본 연구의 종합적 취지는 한국 다례의 ‘사상’, ‘이론’, ‘행법’의 삼위일체를 이룩하 고, 다도 철학과 예절 교육 및 茶문화 컨텐츠의 전반적 확대에 있다고 할 수 있다. 전 통문화가 시대를 거쳐 전수되기 위해서는 문화가 품고 있는 핵심 사상이 있어야 하고, 그 가치를 표현하는 방식은 현시대의 요구와 조화를 이루어야 하기 때문이다. 따라서 본고는 한국 다례가 지향해야 할 心法과 禮法, 행위예술로서의 일원적 완성을 위하여, 동양 철학에 기반한 현대식 다법을 ‘3인 茶禮’와 ‘1인 茶道’로 재구성했다.

This study examines Korean tea ceremony (darye) from an Eastern philosophical perspective, focusing on Haeng-dabeop(行茶法) as the integrated realization of action and Simbeop(心法, mind cultivation). It approaches tea ceremony not merely as a system of etiquette but as a ritual practice in which inner discipline and embodied performance converge. The study analyzes Korean tea ceremony through two analytical dimensions: its simbeop-oriented value and its significance within ritual propriety (yehak). Central to this Suggestion is the concept of Junghwa (中和, equilibrium and harmony), understood as a balanced state achieved through disciplined regulation of mind and action. Haeng-dabeop is interpreted as a formalized sequence that externalizes inner virtue through bodily movement. The paper further proposes the Joseon Samtaegeuk (三太極) as a philosophical-symbolic model that articulates the identity of Korean tea ceremony and supports the modern reconstruction of tea practices, including three-person and single-person formats. This study aims to provide a theoretical foundation for contemporary interpretations of Korean tea ceremony grounded in Eastern philosophy.

본 연구는 북송과 남송 시대 사의인물화(寫意人物畫)가 이공린(李公麟)의 백묘(白描)에서 양해(梁楷)의 감필(減笔)로 이어지는 예술적 변천 과정을 핵심 줄기로 삼 아, 예술 양식 분석, 사회문화사 및 사상사 연구 관점을 융합하였다. 대표적인 화가들 의经典작품에 대한 심층 해석을 통해, 백묘와 감필이 붓과 먹의 언어, 정신적 표현에 서 보여준 발전 논리를 체계적으로 정리하고, 그 이면에 자리한 정치, 경제, 문화적 동 인을 분석하였으며, 나아가 이러한 예술적 전환이 지니는 역사적 의의와 미학적 가치 를 규명하였다. 연구 결과, 북송 성리학의 ‘격물궁리(格物窮理)’라는 사상적 핵심은 이공린 백묘 의 이성적이고 함축적인 선묘, 선으로 형태를 세우고 간결한 붓질로 풍부한 뜻을 담아 내는 예술적 특성을 형성하게 하였고, 이로써 사의인물화에 있어 ‘형태로 신을 그리는 (以形寫神)’ 심미적 승화를 실현하였으며, 문인화의 ‘뜻을 중시하고 형태를 가볍게 여 기는(重意輕形)’ 초보적 전형을 확립하였다. 반면, 남송 선종의 ‘돈오본심(頓悟本心)’이 라는 사상적 영향은 양해 감필과 발묵(潑墨)의 간결하고 자유분방하며, 직접 심성을 표출하고 뜻으로 형태를 창조하는 예술적 돌파구를 마련하였고, 사의인물화가 객체 묘 사에서 주체 표현으로 전환하는 중요한 방향 전환을 완성하였다. 이러한 변천 과정은 양송 시대 정신의 ‘내향화’를 시각적으로 보여준 것이며, 인물화의 기능이 정치·교훈적 서사에서 개인 정신 표현으로 근본적으로 전환되는 것을 추진하였다. 또한, 선(禪)과 이학(리학, 理學) 사상을 융합하고, 아속(雅俗) 문화를 결 합하여 완전한 사의 미학 체계를 구축함으로써, 궁극적으로 중국 문인화의 ‘서예적 필 법을 그림에 도입하고(以書入畫)’, ‘정신을 중시하고 형태를 가볍게 여기는(重神輕形)’ 핵심 전형을 확립하여, 이후 수묵 인물화 발전의 중요한 기초가 되었다.

This study explores the artistic inheritance and transformation of Northern and Southern Song freehand figure painting from Li Gonglin’s Baimiao(白描) to Liang Kai’s Jianbi(減筆), integrating artistic stylistic analysis, socio-cultural and intellectual history perspectives. Through in-depth interpretation of classic works, it sorts out the evolutionary logic of Baimiao and Jianbi in brush-and-ink language and spiritual expression, and analyzes the political, economic and cultural motivations behind to expound their historical and aesthetic value. The core of Northern Song Neo-Confucianism "Study nature to grasp truth"(格物窮理) shaped Li Gonglin’s rational and implicit Baimiao, which realized the aesthetic sublimation of "Convey spirit through form"(以形寫神) and established the initial literati painting paradigm of "Emphasize content over form"(重意輕形). In contrast, Southern Song Chan Buddhism’s "Sudden awakening of the original mind"(頓悟本心) inspired Liang Kai’s bold and unrestrained Jianbi and splashed-ink techniques, completing the key shift from objective depiction to subjective expression. This process visually reflects the "Inward-turning"(內向化) of the Song spirit, driving figure painting’s transformation from political and didactic narrative to individual spiritual expression. It constructs a comprehensive freehand aesthetic system by integrating Neo-Confucian and Chan thoughts with elite and popular cultures, and ultimately establishes the core paradigms of Chinese literati painting including "Painting through calligraphy"( 以書入畫) and "Value spirit over form"(重神輕形), laying a crucial foundation for the development of later ink-wash figure painting.

제주도 가신(家神) 신화인 <문전본풀이>를 판소리 합창극으로 재창작한 <오버더 떼창:문전본풀이>(이하 <오버더떼창>)의 공연화 양상을 분석하고, 그 과정에서 나타난 ‘신화 다시쓰기’ 전략의 성과와 한계를 고찰하고자 한다. 2021년에 초연된 <오버더떼 창>은 제주도 <문전본풀이>를 현대적 가치관에 근거하여 개연성 확보와 핍진성 강화를 위해 각색되었으나, 그 결과 신화 고유의 신성성은 약화되었고 신의 좌정 원리를 서사 적 논리로 충분히 설명하지 못하는 결과를 초래하게 되었다. 이것을 서사, 인물, 공연의 측면에서 분석하면 다음과 같다. 첫째, <문전본풀이> 의 주인공은 막내아들이지만 <오버더떼창>은 어머니로 교체하면서 ‘문전신’ 중심의 서 사에서 ‘조왕신’ 중심의 서사로 변화하였다. 둘째, 신화적 캐릭터들이 현실적 욕망을 가 진 멜로드라마의 캐릭터로 평면화되었다. 셋째, ‘판소리 합창’이라는 새로운 공연 형식 을 시도하였지만, 문전본풀이가 구송되는 제주도 굿판의 연행 구조를 현대적 합창극 안에서 구현하는 데 머물고 있다. 본고는 <오버더떼창> 분석을 통하여 제주도 무속 신 화의 공연화 작업에 있어서 이러한 탈신화화 전략이 작품의 서사적 구조와 신성성 구현에 어떠한 영향을 미쳤는지에 대하여 고찰하고자 한다.

This study examines the theatricalization of the Jeju myth “Munjeon-bonpuri” in the pansori-based choral drama “Over the crowd singing of Pansori”. Although its strategy of “myth-rewriting” attempts to modernize the narrative to enhance verisimilitude, the resulting process of demythologization diminishes the sacred dimension of the original myth and consequently weakens the narrative justification for the deities’ principle of settlement (jwajeong), through which their divine positions are established. The analysis identifies three major transformations: a narrative shift in focus from the Gate God (Munjeon-shin) to the Kitchen God (Jowang-shin); the reduction of mythic figures into melodramatic characters; and its tendency to remain within the traditional, shaman-centric performance structure of the Jeju Gut rather than fully transforming it into a modern choral framework. By highlighting these points, this study examines how such demythologization strategies have influenced the narrative structure and the manifestation of sacredness within the contemporary performance of Jeju shamanic mythology.

본 논문은 메를로-퐁티(Merleau-Ponty)의 신체현상학 이론을 토대로 초서(草書) 창작의 분석을 통해 전통 서예이론에서 이른바 "뜻이 붓보다 먼저 있다[意在筆 先]."는 이성적 관점을 재성찰한 글이었다. 즉, 메를로-퐁티의 신체현상학을 도입하여 신체도식을 사전반성적 지각의 주체로 설정함으로써, 동작이 사고와 결정에 의존하지 않고 동작도식이 공간적 쓰기 안에서 외화될 수 있음을 제시하였다. 이로써 신체는 더 이상 심지(心智)의 객체로 환원되지 않고 이를 넘어섰다. 구체적으로, 역대 중국 서론 의 지배적인 관점인 "뜻이 붓보다 먼저 있다."는 강조는 대뇌의 이성적 통제가 쓰기 동 작을 지배한다고 보았다. 그러나 폭발적인 발현성과 속도를 중시하는 초서 창작에서, 대뇌의 사전 예설(豫設)에 전적으로 의존하는 과도한 이성화는 오히려 신체와 붓·먹 사이의 지각적 연결을 단절시키는 결과를 초래했다. 이를 실증하기 위해 본 논문은 『제질문고(祭姪文稿)』사례 분석을 시도하였다. 기필(起筆) 단계의 엄정한 자형(字 形) 구성에서 출발하여,"부친은 사로잡히고, 아들은 죽었다[父陷子死]."와 같은 참혹한 대목에 이르러 비통한 정서가 신체의 본능을 통해 쓰기를 접수하면서 자형 공간이 극 단적으로 압축되고 필법이 변이되는 양상을 드러냈다. 이는 초서 창작이 의식적 통제 에서 신체 본능의 구동으로 도약하는 '체화된 지각(embodied perception)'의 행위 구조임을 보여주었으며, 이러한 시각은 동시대 서예 창작과 이론 연구에 새로운 차원 을 제공하였다.

Taking Maurice Merleau-Ponty’s phenomenology of the body as its point of departure, this article re-examines the rationalist stance of “intent precedes the brush” embedded in traditional calligraphy theory through the creative practice of cursive script (caoshu). By introducing Merleau-Ponty’s embodied phenomenology, it proposes “intent precedes the brush,” treating the body schema as the pre-reflective subject of perception: movement need not depend on thought or decision-making, but can allow the motor schema to be externalized through spatial inscription, thereby enabling the body to surpass its reduction to an object of the mind. Classical Chinese calligraphy has long emphasized “intent precedes the brush,” assuming that the brain rationally governs writing movements; yet cursive creation is an explosive, speed-intensive mode of writing, and an exclusive reliance on advance mental pre-programming and command results in an over-rationalization that severs perceptual continuity between the body and brush-and-ink. The paper’s case analysis of the Draft of a Requiem for My Nephew traces a progression from the rigorous structure of the characters at the initial strokes to the moment of writing such heartbreaking words as “the father was captured, and the son died / was killed,” when grief enables bodily instinct to take over the act of writing, producing an extreme compression of spatial character-forms and mutations of brushwork. This, more profoundly, reveals the behavioral structure of embodied perception in cursive creation —where writing moves beyond conscious control and crosses over into bodily, instinct-driven propulsion—thereby opening a new dimension for contemporary calligraphic practice and theoretical inquiry.

중국 전통 회화의 공간성은 독특한 형식적 특징을 지니고 있으며, 평면 이미지 의 내부 공간 구성과 매체의 개입을 통해 형성되는 외부 공간에 의존한다. 평면 공간과 입체 공간은 중국 전통 회화의 공간적 전개 맥락을 총체적으로 구성한다. 예술적 표현 요소로서의 매체는 처음부터 끝까지 미술사의 형식적 변천을 관통하며, 서로 다른 매 체 형식과 재질적 속성을 활용하여 두 가지 공간 존재 양태, 즉 평면 공간과 입체 공간 을 실현한다. 전통 회화 매체의 다양한 성질로 인해 공간 해석의 맥락에는 차이가 발생 하지만, 이는 결국 독립적인 평면 구조와 개방적인 공간 구조로 귀결된다.본 논문은 매 체 공간을 연구 범주로 삼아 분해와 재구성의 공간 구성 사유와 결합하고, 형식 우위를 추구하는 당대 예술의 본체론적 맥락과 포용적 예술 표현 입장에 주목하며, 특히 매체 형식의 어휘적 확장 가능성에 초점을 둔다. 이는 물질 매체를 중심으로 한 당대 예술의 면모를 확장시키며, 따라서 예술 매체라는 주도적 요소를 연구 동기로 삼아 탐구하는 것이 특히 중요하다. 논문의 기본 구상은 우선 중국 전통 회화의 맥락으로 진입하여 수권(手卷)과 병풍이라는 두 가지 전형적인 매체 회화 형식을 선택하는 것이다. 수권 매 체는 평면적 이동을 통해 전개되는 공간적 특징을 지니며, 병풍 매체는 시공간적 유동 성을 지닌 관람 시각을 형성한다. 양자는 공통적으로 평면적 해석 차원에서 공간 의미 의 일반화를 이끄는 매체적 특성을 공유하며, 전통 회화의 대표적 매체 형식으로서 평 면과 입체라는 두 가지 매체 해석 모델을 포괄한다. 이를 통해 전통 매체 공간의 의미 를 연구하는 하나의 기준적 틀을 마련하고, 나아가 전통적 맥락을 벗어나 고전 매체 형 식의 공간성 요소를 차용함으로써 보다 확장된 매체 공간 개념을 도출한다.구체적으로 는 수권과 병풍의 기존 서사 구조를 전환하고, 이미지 요소와 표구 방식을 제거한 뒤, 당대 예술의 사유 형식 및 구성 우위의 본체론적 언어 연구와 결합하여 내부 공간을 구 성 단위로 분해하고 이를 시공간적 서사로 전환·융합함으로써 매체 외부 공간의 개념 적 토대를 확립한다. 이 과정에서 매체라는 연구 요소는 매체 형식과 재질적 프레임으 로 구분되는데, 매체 형식은 평면 분포의 담지체로 기능하고, 재질적 프레임은 공간 존 재의 물질적 속성으로 확장되어 공간 환경을 통해 매체적 특성을 드러낸다. 따라서 전 통적 맥락을 벗어난 수권과 병풍 매체는 당대 공간 구성의 관점에서 새로운 매체적 정 의를 획득하게 된다.본 논문은 전통 매체 공간의 당대성을 서술하는 이론적 틀을 제시 하였으며, 이는 기존 연구 성과를 토대로 한 본 논문의 독자적 성과라 할 수 있다. 형식 구성적 사유가 매체 공간 연구를 이끄는 이론적 가치는 예술 매체의 당대적 실천과 미술 재료 연구의 텍스트적 차원에 대한 통찰을 제공하는 데 있으며, 특히 현재 활발히 전개되고 있는 디지털 아트 등 신흥 예술 분야에서 매체를 단서로 한 무한한 예술 형식의 가능성을 제시한다.

The spatiality of traditional Chinese painting has unique form characteristics. It depends on the internal spatial layout of the planar image and the external spatial participation of the medium. The combination of planar space and three-dimensional space constitutes the spatial interpretation context of traditional Chinese painting. The medium, as an artistic expression factor, continuously connects and develops the form evolution of art history. Different medium forms and material attributes are used to realize two spatial existence patterns: planar space and three-dimensional space. Due to the diversity of traditional painting medium nature, there are differences in the spatial interpretation context, but they are basically independent planar space and open space. This article takes the medium space as the research category and combines the thinking of decomposition and reconstruction of spatial composition. Contemporary art strives for the exploration of the ontological context of form supremacy, with a compatible artistic expression stance, especially the extension of the vocabulary of medium forms, expanding the contemporary art appearance centered on material medium. Therefore, as the research reason, it is particularly important to discuss the dominant factor of art media. The basic idea of the article is to first enter the context of traditional Chinese painting, select the scroll and screen as two typical medium painting styles. The scroll medium has the spatial characteristic of planar movement, and the screen medium has the viewing perspective of time and space flow. Both have the medium characteristics of guiding the generalization of space from the interpretation of planar space. As representative medium forms of traditional painting, they include two interpretation models of planar and three-dimensional media materials, thus realizing the symbol model of the research on traditional medium space intention. Then, stepping out of the traditional context, using the spatial factors of classic medium forms to deduce a broader concept of medium space, that is, breaking the original narrative mode of scroll and screen, removing the image factors and framing models, combining contemporary art thinking forms and the form of composition supremacy, decomposing the internal space into constituent parts, integrating and turning towards time and space narration, establishing the external space of the medium. Thus, the medium as a research factor is differentiated, and the medium form and material framework, the medium form is the carrier of planar distribution, the material framework extends to the material attributes of space existence, and inevitably presents the medium characteristics through the spatial environment. Therefore, the scroll and screen media of traditional painting, which have stepped out of the traditional context, have the definition of contemporary spatial composition of medium. The article proposes to elaborate the contemporary framework of traditional medium space, which is a unique innovation of this article based on existing research results. The theoretical value of the form composition thinking guiding the research of medium space lies in inspiring contemporary practice and research of art media and the textual dimension of art materials, especially in the current prevalent digital art and other emerging categories, it may provide an infinite artistic form with the clue of intermediate medium.