Earticle

동시대 미술(Contemporary Art)은 미술에 대한 ‘철학적 개념’으로부터 태동 되어, ‘탈전통’ 및 ‘탈역사성’의 요소를 통해 미술의 자율성과 독립성으로 발휘되어 전개 되었다. 21세기 ‘탈경계’ 및 ‘융합’의 동시대성은 미술세계와 미술 바깥 세계와의 관계 형성을 통하여 새로운 미술세계를 창조해 나가려는 시도로 실천되고 있다. 동시대 미 술과 관련한 이러한 내용은 동양의 전통적 사유와 미학 및 예술론에서도 모두 발견할 수 있는 내용들로서 서예의 예술성에서도 발견할 수 있거나 발현될 수 있는 잠재적 요 소들이라 할 수 있다. 서예는 사의(寫意)예술로서 개념미술이 지향하는 다양한 미술적 가치가 잠재되 어 있다. 탈전통과 탈역사 인식의 동시대성은 동양의 ‘광기(狂氣)사유’와 그 결을 함께 하며 ‘광기서풍(狂氣書風)’의 서예에는 동시대 미술이 지향하는 자율성과 독자성, 다원 성과 특수성의 요소들이 함의되어 있다. 탈경계와 융합을 통한 ‘관계성’과 관련한 동시 대성은 동양의 ‘감응(感應)사유’와 관련이 깊으며 서예에 함의된 감응미학(感應美學)의 요소들은 동시대 ‘관계미학(Esthétique Relationnelle)’으로서의 다양한 의미를 지 닌다. 쉬빙(徐冰, Xu Bing, 1955-)과 양지앙 그룹(陽江組, Yangjiang Group, 2007-)의 작업은 21세기 동시대 문화예술의 구조 속에서 새로운 ‘서예언어’를 창조하 여 ‘동시대 서예 예술(Contemporary Calligraphic Art)’세계를 구현하였다. 이들 작업 분석을 통해 전통서예와 구분된 동시대 미술로서의 ‘동시대 서예(contemporary calligraphy)‘를 탐색하고 규정함으로써 동시대 미술로서의 서예의 가능성을 모색하 고 21세기 동시대 문화예술의 구조 속에서 생명력 있는 문화예술로서의 서예 생태계를 확장하고자 한다.

Contemporary Art was born from the ‘philosophical concept’ of art and developed as the autonomy and independence of art through the elements of ‘de-tradition’ and ‘de-history’. The contemporaneity of the 21st century’s “de-boundary” and “convergence” is being practiced as an attempt to create a new art world through the formation of a relationship between the world inside of art and the world outside of art. These contents related to contemporary art can be found in both the traditional Eastern thought, aesthetics, and art theory, and can be said to be potential elements that can be found or expressed in the artistry of calligraphy. Calligraphy is ‘freehand art[xiěyì yìshù, 寫意藝術]. The various artistic values that conceptual art aims for are latent. The contemporaneity of ‘de-tradition’ and ‘de-history’ perception shares the same meaning with the madness thought of the East, and ‘the calligraphy of the freehand brushwork writing style[kuángqì shūfēng, 狂氣書風]’ includes elements of autonomy, independence, diversity, and specificity that contemporary art aims for. The contemporaneity related to ’relationship’ through de-bordering and convergence is deeply related to the Eastern thought in relation to relationships ‘responsiveness[gǎnyīng, 感應], and the elements of the ’responsive aesthetics[gǎnyīng měixué, 感應美學]’ associated with calligraphy have various meanings as ‘Aesthetics Relationship (Esthenétique Relationnelle)’. The works of Xu Bing (徐冰, 1955-) and Yangjiang Group (陽江組, 2007-) created a new ‘calligraphic language’ in the structure of contemporary culture and arts in the 21st century, realizing the world of ’contemporary calligraphic art’. Through these works analysis, I would like to explore and define ’contemporary calligraphy’ as a contemporary art distinguished from traditional calligraphy. Through this, it is intended to explore the possibility of calligraphy as contemporary art and to expand the ecosystem of calligraphy as a vital cultural art in the structure of contemporary culture and art in the 21st century.

그동안 우키요에 장르에서 가장 주목받은 작품들은 항상 官畫派의 주요한 관심 사였던 풍경화나 화조화였다. 그러나 서민들에게 사랑받았던 우키요에 장르에는 이러 한 아름다운 풍경과 화조만 있었던 것은 아니며 헤아릴 수 없이 다양한 형태의 그림들 이 있었다. 그 중 특히 현대일본인들의 시선을 끌고 있는 것은 다양한 종류의 ‘놀이그 림’ 과 ‘요괴화’이다. 에도의 ‘놀이그림’은 종류도 풍부하여, 그림문자, 요세에((寄せ絵), 그림자그림 등 매우 다양하며, 에도시대의 일본인들이 이러한 그림들을 통하여 다양한 놀이의 세 계를 탐닉했음을 보여준다. 그리고 이러한 유희적인 놀이그림에서 단연 독보적인 위치 를 차지하는 인물이 우타가와 구니요시(歌川国芳, 1797-1861)이다. 그는 당시 유행 하던 일본의 요괴화에서도 독보적인 위치를 차지하고 있는데, 그의 요괴화는 단지 전 통 문학에서 다루어지던 요괴나 가부키극의 요괴들를 묘사하는 데에 그치는 것이 아니 라 그의 그림 속에 당시 서민에 대한 애환이나 권력자에 대한 비판을 담고 있었기 때문 에 풍자화로서 서민들의 많은 사랑을 받았다. 본 논문에서는 이러한 구니요시 작품의 독특한 미의식의 세계를 골계와 풍자의 세계로 규정하고 그의 기발한 상상력에 바탕한 우키요에의 자유로운 표현에 주목하여 그의 예술적 특질을 밝히고자 하였다. 그의 장난기 어린 유희와 트릭을 사용한 놀이그 림이나 풍자로서의 낙서화 그리고 요괴화들은, 그동안 일본의 미의식으로 널리 확산되 어 온 ‘와비(わび),사비(さび)’의 미학과는 달리, ‘雅’의 미라기 보다는 ‘俗’의 미를 대표 한다. 그의 작품세계는 논리나 이성으로 읽어내는 미의 세계라기 보다는 호기심과 놀 이감각으로 즐길 수 있는 유희적인 세계이기 때문이다. 그리고 그러한 그의 작품들은 民風敎化로서 의미를 가진다기 보다는 풍자적이고 해학적인 성격의 ‘골계미’를 잘 드러 내고 있다. 이러한 구니요시의 우키요에에 보이는 골계미는 근대서양 문화의 영향을 받으면서도 일본의 문화 속에 뿌리 깊게 남아 현재 일본의 만화나 애니메이션, 혹은 현 대일본화 등에서 서민 생활의 윤활유이자 지혜로서 여전히 전승되고 있다고 생각된다.

Until now, the most notable works in the ukiyoe genre have always been landscape paintings and paintings, which have been the main interests of artists belonging to the government. However, the ukiyoe genre, which was loved by ordinary people, did not only have these beautiful landscape and flower paintings, but there were countless different forms of paintings. Among them, various types of "play paintings" and "monster paintings" are especially attracting the attention of modern Japanese. Edo's "play paintings" are also rich in variety, including picture letters, collective paintings, and shadow paintings, and show that the Japanese of the Edo period indulged in various worlds of play through paintings. And Kuniyoshi Utagawa is the person who occupies an unrivaled position in these playful play paintings. He also had unique position in Japan's Uiyoe of monster, which was popular at the time, and his goblinization was loved by the people as a satirical painting because it contained criticism of the powerful, not just depicting the goblin dealt with in traditional literature. In this paper, I defined the unique world of aesthetic consciousness of Kuniyoshi's work as a world of humor and satire, and tried to reveal his artistic characteristics by paying attention to his ingenious imagination and free expression. I think his playful play paintings or monster paintings as satire reveal humor, one of the aesthetic categories, rather than having the meaning of edifying the people. And the humor shown in Kuniyoshi's ukiyoe remains deeply rooted in Japanese culture and is still handed down today as a lubricant and wisdom for people's lives in Japanese cartoons, animations, or modern Japanese paintings.

장언원은 서화동체론(書畵同體論)과 서화용필동법론(書畵用筆同法論)을 주장하 였다. 먼저 서화동체론의 의의는 두 가지 점에서 논할 수 있다. 첫째, 장언원 이전까지 회화를 기예적인 측면으로 보았던, 서화의 차등적 인식을 바로 잡기 위함이었다. 둘째, 서화동체론에는『주역』의 ‘태극음양론(太極陰陽論)’ 사상이 그 배경에 있다. 이에 서 화는 ‘태극(太極)’을 근원(根源)으로 한다는 점에서 서화동체의 ‘체(體)’는 ‘태극(太極)’ 임을 확인할 수 있다. 다음 ‘서화용필동법(書畵用筆同法)’의 의의도 두 가지로 논할 수 있다. 첫째, ‘서 화 용구’ 사용의 ‘상통성’을 알 수 있다. 둘째, 서화동체라는 것을 강조하기 위하여 창작 측면에서의 ‘서’와 ‘화’에 적용되는 ‘용필법’을 대등하게 일치시켰다. 구체적으로 서의 ‘일 필서(一筆書)’와 화의 ‘일필화(一筆畵)’가 추구하는 정신은 같다고 본다. 창작에 실현에 있어 그 정신은 ‘수기신(守其神)’, ‘전기일(專其一)’의 자세를 요구하고 있다. 조맹부의 ‘서화동원론(書畵同源論)’은 두 가지 의의가 있다. 첫째, 조맹부는 ‘고 의론(古意論)’을 통해 전통을 준수할 것을 강조하면서 ‘용필’의 ‘불변성’을 주장하는데, 이런 점을 서화의 관계에 적용하면 장언원의 ‘서화동체’에 관한 정신을 이어받았을 가 능성이 크다. 둘째, 조맹부가 ‘고의론’에 입각하여 강조한 ‘서의 용필을 화의 창작에 적 용하라[以書入畵]’는 ‘용필법’의 본질은『중용(中庸)』에서 제기하는 ‘중화(中和)’ 지향 의 미학이 담겨있다. 이상 두 사람이 제기한 서화인식의 관계성을 비교 고찰한 결과 당대 장언원이 행한 서화 논의는 최종적으로는 원대에 조맹부의 서화동원론으로 완결되었다. 이들 두 사람의 서화 논의에는 유가사상이 공통적으로 자리 잡고 있는 것을 확인할 수 있다. 특 히 서화의 동체, 동원은 표현하는 용어는 다르지만, 서화 모두 그 기원은 ‘태극’에서 나 왔다는 사실을 확인할 수 있다. 서와 화는 장르는 다르다고 해도 문인 사대부들이 추구하는 미의식을 표현하는 데 있어 대자연의 이치와 생동감을 표현해야 한다는 사유가 담겨있다. 서화 동체, 동원 을 거론하는 가장 핵심적인 것은 이런 사유에 의해 표현된 작품에 대자연의 이치와 생 동감을 표현해야 한다는 사유가 담겨있고 이에 서화 존재 근거로서 태극, 도와 같은 것 을 제시한다는 것을 확인할 수 있다. 본 논문은 이상과 같은 논의를 통해 왜 서화인식의 관계성에 대해 ‘동체’, ‘동원’ 이란 사유를 제기했는지를 밝힘과 동시에 그 같은 사유에서 창작에 임했을 때 지향하 고자 한 예술성과 미의식이 무엇인지를 밝혔다.

Zhāng Yàn Yuǎn advocated the Theory of SeoHwaDongChe and the Theory of SeoHwaYongPilDongBeop (書畵用筆同法: Calligraphy and painting are same in their ways of brushing). The Theory of SeoHwaDongChe is meaningful in two aspects: Zhāng Yàn Yuǎn tried to rectify the discriminative thoughts on painting that was regarded as a skill before his era, and the Theory of SeoHwaDongChe is based on the idea of the Theory of TaeGeukEumYang (太極陰陽: the Great Ultimate and Yin-Yang)’ of Book of Changes. Che of SeoHwaDongChe is identified as TaeGeuk as SeoHwa is originated from TaeGeuk. SeoHwaYongPilDongBeop is meaningful also in two aspects: Same tools are used for both Seo and Hwa, and the ways of brushing are same for both Seo and Hwa in terms of work creation. In particular, both Seo and Hwa go for same spirit as both they are based on IlPil (一筆: brushing once for a piece).The spirit for realization of creation requires the attitudes of SuGiShin (守其神: Looking after spirit) and JeonGiYil (專其 一: Closely concentrating). Zhào Mèng Fǔ’s Theory of SeoHwaDongWon is meaningful in two aspects: He emphasized the compliance with tradition through the Theory of GoEui (古意: Value of the past) to advocate invariability of YongPil (ways of brushing), which was likely to have taken over the thoughts of Zhāng Yàn Yuǎn’s Theory of SeoHwaDongChe in the aspect of relation between Seo and Hwa, and the essence of his Law of YongPil emphasized by him based on the Theory of GoEui, saying ‘Apply the way of brushing for Seo to Hwa [以書入畵]’ has the aesthetics toward Sino-cen trism suggested by Zhōngyōng. The results of this comparative study on the relation between the thoughts of Seo and Hwa advocated by Zhāng Yàn Yuǎn and Zhào Mèng Fǔ indicate that the discussion over Seo and Hwa led by Zhāng Yàn Yuǎn in Tang Dynasty was finally completed by Zhào Mèng Fǔ’s Theory of SeoHwaDongWon. In the discussion of Seo and Hwa led by Zhāng Yàn Yuǎn and Zhào Mèng Fǔ, Confucian thoughts lie in common. Their expressions for SeoHwa that were DongChe and DongWon are different from each other but both they identified that both Seo and Hwa were from TaeGeuk. Seo and Hwa are different in genre but both has commonly the thoughts that the reason and vitality of the great nature must be expressed to show the aesthetic sense sought for by literary noblemen. The core thoughts over SeoHwaDongChe and SeoHwaDongWon have the thoughts that every SeoHwa must express the reason and vitality of the great nature suggesting such thoughts as TaeGeuk and Tao as the base for existence of SeoHwa. Based on such discussion set forth above, this study has not only revealed why such thoughts as DongChe and DongWon were advocated on the thoughts of relation between Seo and Hwa but also what artistic value and aesthetic sense the literary noblemen sought for in the times of Zhāng Yàn Yuǎn and Zhào Mèng Fǔ.

추상예술의 가치는 자연물의 모방을 넘어 그 내재한 본질과 순수성을 드러내는 창작관에 있다고 말한다. 또한 미학적 측면에서 추상예술이 주목되는 점은 자연의 원리를 순수한 본질로서 상정하고 창작 주체의 심미의식과 이에 대한 철학적 사색을 드 러낸다는 점이다. 본고는 중국 미학 이론 가운데 ‘이소견대(以小見大)’ 사상에 담긴 철 학 · 미학적 의미를 살펴보고 이들이 어떠한 미적 언어를 통해 드러났는지 고찰하였다. 아울러 이 미학적 술어들을 현대추상미술 작품에 적용해 분석해봄으로써 동양 미학의 관점에서 새로운 작품분석 방법을 모색하고자 하였다. ‘작고 미세한 것으로 큰 것을 표현하는’ 특수한 창조방식을 지닌 이소견대 사상 은 중국 미학과 예술에서 중요한 관점 중의 하나로 언급된다. 이소견대 미적 사유는 작 은 것이 오히려 큰 것이며, 단순한 것 속에 무한히 펼쳐지는 경계가 존재한다는 역설적 인 메시지를 던진다. 아울러 중국 미학의 핵심적인 내용인 사물과 융합함으로써 ‘사물 과 조화롭게 어울리는 자연관’을 보여준다. 본고를 통해 이소견대 미의식에는 중국 미 학 전통의 ‘사의(寫意)’ 정신성과 예술에서 재료를 다루는 기교보다 고졸(古拙)하고 소 박한 것을 추구하는 자연미가 담겨 있다는 사실을 고찰하였다. 이러한 특징은 한국미 담론을 논하는 주요한 논제들을 함축하고 있다고 보이는데, 자연에 대한 동양예술의 광범위한 심미의식을 읽어낸다면 한국 전통미술의 특질과 현대추상미술 서술에 있어 풍부한 미학적 원천이 될 것이다. 이소견대의 미적 사유와 이에 따른 의경미(意境美)에 대한 탐문은 ‘사의’ 예술정 신과 추상성에 대한 미학적 이해의 지평을 넓히고 현대추상미술을 새롭게 읽어낼 수 있는 조형 언어를 모색하는 데 유의미하게 작용할 것이다. 추상미술이 시사하는 논지 는 바로 우리에게 예술을, 나아가 세계를 새로운 방식으로 바라보라는 메시지를 던진 다는 것이다. ‘이소견대’ 미의식을 통해 우리는 무엇보다 자유로운 관점에서 확장된 지 평으로 사물을 바라보게 될 것이다. 이로부터 창출된 고도의 추상성은 현재도 쉼 없이 새로운 의미를 생성하는 ‘과정’ 중에 있는 추상에 대한 다양한 현상 혹은 추상성의 본질 에 접근해가는 새로운 관점이 되리라고 생각한다.

This paper examines the thoughts of nature contained in the idea of “sees big things from small ones” among Chinese aesthetic theories, and examines what aesthetic language they were revealed through. In addition, by applying and analyzing these aesthetic predicates to modern abstract art works, we tried to find a new method of analyzing works from the perspective of oriental aesthetics. The idea of “Isogyeondae”(以小見大), which has a special creative method of “expressing the big thing with small and fine things” is mentioned as one of the important perspectives in Chinese aesthetics and art. The perspective of this aesthetic thinking conveys the paradoxical message that small things are rather large, and there are infinite boundaries in simple things. In addition, this idea shows a perspective that harmonizes harmoniously with nature, the core content of Chinese aesthetics. Through this paper, we examined the fact that the aesthetics of “Isogyeondae”(以小見大) contain the traditional spirituality of Chinese aesthetics and the natural beauty of pursuing simple things rather than the techniques of handling materials in art. “Isogyeondae”s(以小見大) aesthetic thoughts and exploration of them will broaden the horizon of aesthetic understanding of the unique artistic spirit and abstraction of Oriental art. It will also work meaningfully in seeking a formative language that can creatively read contemporary abstract art.

본고의 목적은 조선 후기(1700〜1850) 풍속화 중에서 도가적 풍류성이 깃든 풍속화의 미의식을 문학 이론서 『문심조룡(文心雕龍)』｢체성(體性)｣에서 추출하여 분석해 보는 데 있다. 동양문학 이론서에서 미학 용어를 추출하여 도가적 풍류성이 깃든 풍속화풍 회화의 미의식에 적용해 보는 것은 의미 있다고 본다. 『문심조룡』은 현학(玄學)이 성행하고 풍류정신의 개화(開化)기인 위진남북조 시대의 사조와 문예 관념을 깊이 반영하고 있다. 본고에서는 『문심조룡』｢체성｣ 8체 풍격 중에서 원오미(遠奧美), 현부미(顯附美), 번욕미(繁縟美), 장려미(壯麗美) 4가지 미의식을 도가적 풍류성이 깃든 풍속화에 적용시켜 보았다. 조선 후기에는 사대부 문인 화가뿐만 아니라 중인 계층의 화원 출신들도 도가적 삶을 이상향으로 추구했고 서민경제 활황과 여항 문화 발달, 신분 붕괴 등 시대적 배경은 풍속화의 성행을 주도하였다. 조선의 도가적 사유는 중국에서 유입된 도가․도교의 영향도 받았으나 고대로부터 전해온 우리만의 고유한 풍류도와도 관련이 있다. 조선의 사대부들은 세속에서 벗어나 잠시나마 자연을 벗하며 자유롭게 즐기고자 하는 마음을 그들만의 풍류로 표현하였다. 조선 후기에는 서민 문화도 활성화되어 신분별로 풍류 향유 방법은 다르지만 다양한 형태로 도가적 풍류를 즐겼다.

The purpose of this paper is to extract and analyze the aesthetic consciousness of genre paintings with the Taoist style Fengliugenre paintings in the late Joseon Dynasty (1700-1850) from the literary theory book Cheseong(體性) in Munsimjorong(文心雕龍). I think it is meaningful to extract aesthetic terms from the Oriental Literature Theory Book and apply them to the aesthetic consciousness of genre painting paintings that have a Taoist style. Munsim Joryong deeply reflects the thoughts and literary ideas of the Weijin Northern and Southern Dynasties period, when scholarship was prevalent and the enlightenment of the spirit of the arts was widespread. In this paper, among the eight styles of Cheseong(體性) in Munsimjorong(文心雕龍), four aesthetics of Wonomi(遠奧美), Hyeonbumi(顯附美), Beonyokmi(繁縟美), and Jangryeomi(壯麗美) were applied to genre paintings with the Taoist style Fengliu. In the late Joseon Dynasty, not only the literati painters but also the painters of the middle class pursued an ideal life, and the background of the times such as the economic boom of the common people, the development of Yeohang culture, and the collapse of status led to the prevalence of genre painting. The thought for Taoism was also influenced by Taoism and Taoism introduced from China, but it is also related to our own Pungryu-do that has been handed down since ancient times. The literary people of Joseon expressed their desire to escape from the world and enjoy nature for a while with their own Fengliu. In the late Joseon Dynasty, the culture of the common people was also activated, and although the methods of enjoying the arts vary by status, they enjoyed the bandwagon in various forms.

<耄耋圖>는 秋史金正喜의 작품 중에서 동물 그림으로 유일하다. 본 논문은 추 사 김정희의 <耄耋圖>를 禪家의 화두 <南泉斬猫>와 연계 지어 고찰하였다. 이러한 시 도는 추사가 편지나 詩句에서 禪家의 화두를 자유롭게 사용한 사례에 근거한 것이다. 당시에 추사는 풍양 趙씨, 안동 金씨 두 집안 정쟁의 희생양으로 9년간 (1840-1848) 제주 유배살이를 했다. 본 논문에서는 그런 추사의 입장이 東堂, 西堂 승려들의 다툼으로 희생당한 고양이 소재 <南泉斬猫> 내용과 부합되는 것으로 보았다. 처지가 부합된다는 것은 비유적 측면에서 매우 의미가 있다. 이러한 점을 토대로 하여 추사가 고양이 그림에 <南泉斬猫>의 억울한 희생의 의미를 담고 정쟁의 弊害에서 초탈 하고자 한 禪적 심미로 연계 지었다.

Among Chusa Kim Jeong-hee’s works, “Mojildo (耄耋圖)” is the only painting of animals. This paper investigated Chusa Kim Jeong-hee’s “Mojildo” in connection with “Nanquan Zhanmao (Nansen Cuts the Cat in Two, 南泉斬猫),” a topic of a Zen sect This attempt is based on the fact that Chusa’s freely used the topics of Zen sect in his letters or poetry. At the time, Chusa lived in exile in Jeju for nine years (1840-1848) as a scapegoat in the political strife between the two families of Pungyang Jo (趙) clan and Andong Kim (金) clan. This paper found that Chusa’s position can be matched to the cat that was sacrificed in the fight between the monks from Dongdang (東堂) and Seodang (西堂) from “南泉斬 猫.” The fact that his position is similar to that of the cat is quite significant as an analogy. Based on this idea, Chusa’s painting of the cat may incorporate the unfair sacrifice depicted in “南泉斬猫” and be connected to the Zen aesthetics that aimed to transcend from the harmful consequences of a political strife.

동아시아의 주요 사상인 음양론(陰陽論)에서 음양(陰陽)이란 구체적인 사물뿐 만이 아니라 추상을 거쳐 그 작용과 속성을 나타내는 한 쌍의 범주이자 자연 변화의 본 질을 설명하는 개념이며, 음양의 구조는 대대(對待)적 사유를 통해 설명할 수 있다. 본 고는 음양론에 나타난 대대적 사유의 내용과 특징이 한국 근현대 회화를 대표하는 장 욱진(張旭鎭, 1917~1990)의 회화에 나타나고 있음을 밝히고자 하였다. 따라서 음양 의 철학적 함의를 고찰하고, 이를 통해 장욱진의 예술세계와 회화를 분석하였다. 한국 근현대 회화는 미술 사조와 시대적인 상황에 영향을 받아 동양성의 일면이 강조되었다. 당시 화가들은 동양적 자연관에 주목하였고, 회화에서는 동양적 정체성을 지키려는 의지가 강하게 나타났다. 본고에서 주목한 장욱진은 일관적으로 자연이라는 소재에 대해 천착해왔으며, 자연과의 교감을 통해 그 현상을 이해하고자 했다. 더불어, 회화에서는 직접적 혹은 간접적으로 음(陰)과 양(陽)을 표현하고 의미하는 작품을 찾 아볼 수 있다. 동아시아의 철학에서 음양은 우주자연의 변화와 원리 및 자연의 변화, 인간의 모습과 다양한 삶에 적용된다. 이러한 논의를 바탕으로 본고는 음양론에 나타난 대대 적 사유와 이해를 통해 장욱진 회화에 나타난 음과 양의 표현과 음양론적 관점을 살펴 보았다. 또한 회화 상에 표현된 음과 양은 철학적 상징 혹은 도상의 역할로서의 상징적 인 해석에 그치는 것이 아니라, 창작자의 사유와 조형적 성찰을 통해 시공간을 초월하 는 원리로 작용할 수 있음을 제시하였다. 이와 같은 논의는 동아시아의 철학을 이해하 는 동시에 예술 창작의 사유이자 조형성, 표현 방식을 이해하는 핵심적인 관점이 될 수 있을 것이며, 한국 근현대 회화를 적절하게 분석하고 해석하는데 일조할 수 있을 것이다.

In Yin-Yang Theory, a major East Asian thought, Yin-Yang is a pair of categories that represent not only concrete objects but also their actions and properties through abstraction, and a concept that explains the nature of natural change. The structure of Yin-Yang can be explained by pondering a pair of opposite properties. This research paper aims to clarify that the details and characteristics of a pair of opposite properties in the Yin-Yang Theory shown in the paintings of Chang Ucchin (1917-1990), who represent Korean modern and contemporary paintings. Therefore, this study reviewed Yin-Yang’s philosophical implications and analyzed Chang Ucchin’s art world and paintings. Influenced by the art trend and the trends of the times, an aspect of orientalism was emphasized in Korean modern and contemporary paintings. At the time, painters paid attention to the oriental view of nature, with the will to preserve the oriental identity strongly manifested in paintings. Covered in this paper, Chang Ucchin consistently inquired into the subject of nature and strived to understand the phenomenon through communion with nature. In addition, some of his paintings directly or indirectly express and signify Yin and Yang. In East Asian philosophy, Yin-Yang is applied to the changes and principles of cosmic nature, the changes of nature, the human form, and various lives. Based on this discussion, this study probed into the Yin-Yang Theory perspective and the expression of Yin and Yang in Chang Ucchin’s paintings through the contemplation and understanding of a pair of opposite properties in Yin-Yang Theory. In addition, the study suggested that the Yin and Yang expressed in paintings could act as a principle transcending time and space through the artist’s thinking and formative reflection, not just a symbolic interpretation as a philosophical symbol or icon. Such discussions will be a key perspective to understanding the philosophy of East Asia and the thinking, formativeness, and expression of art creation and help properly analyze and interpret Korean modern and contemporary paintings.

이 연구는 18세기 조선의 문인이자 서예가 경산 이한진의 서예를 조명한 것이 다. 이한진에 대해서는 주로 문학 방면에서의 연구가 진행되어왔으며, 서예가로서의 성가(聲價)에 비해 서예사적 연구는 드물었다. 이 논문에서는 그가 남긴 유물을 통해 서예적 특징을 치밀하게 분석하고자 했다. 현재까지 그의 유묵은 전·예서만 확인되었 다. 남겨진 전·예서를 유형별로 분류하여 서예의 연원을 확인하고, 18세기 조선 서단 에서 그가 점하는 위치를 가늠하고자 하였다. 이한진의 생애와 교유관계는 그간 문학 방면에서 상당 부분 정리하였다. 그는 안동김씨 가문과의 혈연관계를 통해 교유관계를 형성하였고, 그의 스승인 김용겸을 통 해 많은 노론계 인사들과 교유하며 시·서·화·악을 즐기며 살았다. 현재까지 확인된 이한진의 유묵은 서첩류, 화제(합작), 현판, 금석문 등이 보인 다. 서체는 전·예서만 확인되었고, 이외 서체는 확인하기 어렵다. 문헌 기록을 통해 소 실되었거나 아직 발견되지 않은 유묵이 존재할 것이다, 이에 따라 경산의 전·예서의 특 징을 분석하였고 각 서체마다 세 가지의 특징을 도출하였다. 그의 전서는 이양빙의 옥저전류를 준수하였으며, 서풍을 준수하면서도 자기만의 서풍을 가미하여 작가의 면모를 보여주었다. 그는 소전류의 전서만이 아닌 고전 계열 또한 등한시하지 않았다. 고전의 자형을 온전히 사용하면서 소전의 자형을 고전의 서 풍으로 변화하여 적용한 사례도 확인할 수 있다. 그는 이양빙의 옥저전류 소전 외 그보 다 앞선 서가인 이인상의 비백전을 수용하였다. 이인상의 굵고 기백이 강한 전서는 이 한진에게 적극적으로 인식되었다. 이한진은 굵고 대자의 소전에 비백전을 구사하였다. 이한진은 이인상이 추구한 서풍을 수용하였고, 예술성을 살리기 위한 전서를 쓰기 위 해 고심한 흔적이 나타났다. 그의 예서는 당시 중국과의 활발한 교류로 다양한 한예법첩이 들어옴으로써 한 예를 접촉할 수 있는 기회가 많은 만큼 이한진도 한예를 수용한 흔적이 나타났다. 김수 증이 연행에서 구득해온 <조전비>의 특징과 <예기비>, <을령비>의 특징도 확인되었다. 그는 전서의 능했던 만큼 <하승비>의 자형 혹은 필획을 한비의 서풍을 혼용하여 자신 만의 서풍을 구사하였다. 그는 예서 자형에서 많은 변화를 추구하였는데 확인할 수 있 는 변화는 전서 자형의 예서화와 전서 필획의 활용이다. 이는 18세기 서가들에게 나타 나는 현상이며 이한진 전후 시대의 서가들에게도 다소 확인된다. 이 연구를 통해 경산 이한진의 생애와 서예를 고찰하였다. 그의 서예세계를 확 인하는 과정에서 18세기 서예사 전·예서에 대한 당대인의 가치기준은 물론, 자료 유입과 활용과정을 이해할 수 있었다. 한편 이한진의 서예사적 가치를 비교적 조선화한 이 전시기 전·예서의 양상과 북학의 영향으로 금석·고증적 태도를 띈 이후 시기 전·예서를 잇는 가교 지점에 있었다는 점에서 찾았다.

This study sheds light on the calligraphy of Gyeongsan Lee Han-jin, a Joseon writer and calligrapher in the 18th century. Regarding Lee Han-jin, research has been conducted mainly in the field of literature, and calligraphy historical research has been rare compared to the reputation as a calligrapher. In this paper, we tried to carefully analyze the calligraphic characteristics through the relics he left behind. So far, only Jeon-seo and Ye-seo have been identified. So far, only Jeon-seo and Ye-seo have been identified. By classifying the remaining Jeon-seo and Ye-seo by type, the origin of the calligraphy was confirmed, and the position he occupied in the late Joseon Dynasty in the 18th century was to be assessed. Lee Han-jin's life and relationship were largely summarized in literature. He had a blood relationship with the Andong Kim family, and through his teacher, Kim Yong-gyeom, he interacted with many Noron people and enjoyed poetry, calligraphy, painting, painting, and music. The posthumous works of Lee Han-jin, which have been identified so far, include bookshelf, picture titles (co-produced), signboard, and Geumseokmun. Only the jeonseo and yeseo have been confirmed, but other types are difficult to confirm. According to the fact that there will be works that have been lost or not yet discovered through literature records, the characteristics of Gyeongsan Jeonseo and Yeseo were analyzed and three characteristics were derived for each typeface. His jeonseo complied with Lee Yang-bing's Okjeo current, and while complied with the west wind, he showed the artist's aspect by adding his own style of writing. He did not neglect the classic series as well as the transcripts of small currents. It is also possible to confirm the case in which the shape of the sojeon was changed to the west wind of the classic while fully using the shape of the classic. In addition to Lee Yang-bing's Okjeo Current Submission, he accepted Lee In-sang's Bibaekjeon, an earlier book family. Lee in-sangthick and strong-spirited jeonseo was actively Accept by Lee Han-jin. Lee Han-jin was thick and used non-Baekjeon in the sojoen of Daeja.Lee Han-jin accepted the west wind pursued by Lee In-sang, and there were signs of struggling to write a jeonseo to revive artistry. His yeseo showed traces of Lee Han-jin's acceptance of Han-ye, as there were many opportunities to contact Han-ye due to active exchanges with China at the time. The characteristics of "Jojeonbi," which Kim Soo-jeung Bring in the yanjing and the characteristics of "Yegibi" and "Eulryeongbi" were also confirmed. As he was good at writing, he used his own style of writing by mixing the shape or stroke of "Ha Seung-bi." He pursued many changes in the type of yesoe, and the changes that can be confirmed are the use of the type of yeseo and jeonseo stroke. This is a phenomenon that appears in calligraphers in the 18th century, and is also somewhat confirmed by calligraphers in the post-Lee Han-jin period. Through this study, the life and calligraphy of Lee Han-jin in Gyeongsan were examined. In the process of confirming his calligraphy world, he was able to understand the import and utilization process of data as well as the standard of the value of the people of the time for calligraphy and art books in the 18th century. On the other hand, it was found in that it was at the bridge point connecting the jeon-seo and Ye-seo during the previous period, when Lee Han-jin's calligraphy historical values were relatively Joseon, and after taking a Geumseok and archaeological attitude due to the influence of Bukhak.

한국서예사는 삼국시대부터 통일신라, 고려, 조선 그리고 개화기를 거쳐 일제강 점기와 현대로 발전해 갔다. 시대에 따라 한국서예사에 대한 연구가 지속적으로 이루 어져 가고 있지만 일제강점기의 서예, 그 중에서도 한글서예에 대한 연구는 아직 미흡 한 실정이다. 하지만 한글 연구에 대한 필요성은 날로 더해가고 있다. 일제강점기는 일본제국주의에 의해 식민통치를 당한 35년간(1910-1945년)의 기간으로 전통미술과 신미술 모두를 식민지 체제 안에 두고 문화를 말살하려는 일본제 국주의와 나라를 잃은 상황에서도 민족문화를 계승하려는 민족의 정신적 그리고 현실 적인 항쟁이 일어나는 시기였다. 그럼에도 불구하고 한글은 독립운동의 일환으로서도 지속적으로 보급되었고 19세기 말 한글은 국문으로 격상되고 한국인의 문자생활에 전 면적으로 등장한다. 20세기 전반기에 한글의 서예화는 시작에 불과했으며 한자만으로 이루어져 왔 던 서예 문화의 관습과 언문이라는 이름으로 불리던 한글에 대한 폄하 의식 또한 쉽게 바뀌기는 어려웠으므로 서예는 한문을 중심으로 발전되었다고 볼 수 있다. 하지만 한 글은 서예술로의 작품화 이전에 한글 문헌 필사본과 간행본으로서 서민들의 다양한 서 체와 변화를 가지고 있었다. 고소설에서는 한글만을 사용한 필사본의 한글을 통해서는 정형화되지 않은 다양한 자형의 형태와 한글서예의 변화와 시도들에 대해서도 살펴볼 수 있다. 이는 한글서체가 목판본이나 필사본으로 간행되며 작품으로서의 서체로 완성 되어가고 있음을 보여준다. 한글서예는 필사만이 아닌 독립된 서예술로 승화하려는 노 력이 지속되었고 일제강점기는 한글서예뿐만이니라 문화가 전반적으로 침체된 시기 임 에도 불구하고 서예 교육의 체계화와 다양한 사설 교육기관과 협회의 창립, 공모전과 휘호의 시작으로 전문 서예가가 나타나는 시기이기도 했으며 현대까지 이어지는 공모 전 위주의 아카데미식 교육과 작가 발굴의 시작점이기도 하다. 일제강점기와 해방 후 현대까지 한국 서단의 중심축이 되는 서예가들은 국전을 통해 이어지고 있음을 알 수 있다. 일제강점기의 한글서예 동향과 특징 연구를 통해 한글서예 근대기의 시작을 열 어 일제강점기 한글서예를 다양한 시각으로 바라보고 발견할 수 있는 계기가 되기를 기대한다.

From the Three Kingdoms Period, Korean calligraphy history developed into Japanese colonial era and modern times through the Unified Silla, Goryeo, Joseon, and enlightenment periods. Research on Korean calligraphy history is continuously being conducted according to the times, but research on calligraphy in Japanese colonial era, especially Korean calligraphy, is still insufficient. However, the need for Hangeul research is increasing day by day. The Japanese colonial period (1910-1945) was a period of 35 years colonized by Japanese imperialism, which attempted to exterminate both traditional and new art in the colonial system and to inherit national culture despite the loss of the country, but Hangeul continued to spread as part of the independence movement. At the end of the 19th century, Hangeul was upgraded to the Korean language and appeared in the Korean writing world. In the first half of the 20th century, the calligraphy of Hangeul was only the beginning. The custom of calligraphy culture, which had been made up of only Chinese characters, and the name of the language, was called, and the sense of denigrating Hangeul was also difficult to change easily. Thus, calligraphy in the first half of the 20th century can be said to have developed around Chinese characters. However, before the work of calligraphy art, Hangeul was a publication of Korean literature and had various types and changes of ordinary people. Among the published books, the Ancient novel also examines the various types of shapes that are not formalized and the changes and attempts of Korean calligraphy through the Korean transcription of a manuscript using only Hangeul. This shows that when Korean fonts are published as woodblocks or manuscripts, they are being completed into fonts that are made into works. Although Korean calligraphy continued to become an independent calligraphy art, and Japanese colonial era was at a time when calligraphy education was systematized, various private educational institutions and associations were founded, and professional calligraphers appeared. From Japanese colonial era and liberation to modern times, calligraphers, who are the centerpiece of the western part of Korea, are leading to the national war. Through the study of the trends and characteristics of Korean calligraphy in Japanese colonial era, I tried to open the beginning of the modern era of Korean calligraphy. Through this study, we hope that it will be an opportunity to see and discover the Korean calligraphy of Japanese colonial era from various perspectives.

본 논문은 현대 사회에서 서예가 소통의 예술이 되는 방안으로 서예의 사회참여 적 특성에 중점을 두고 출발한다. 서예는 전통적으로 文人정신을 예술로 승화한 유학자의 사회참여예술로 분류할 수 있다. 사회참여예술은 사회적 존재로서의 개인이 예술을 매개로 사회와 상호작용하 는 실질적 행위로 이해할 수 있고, 작품을 창작하는 과정 자체가 사회적이라는 특징이 있다. 유학자는 현실의 문제에 민감하게 반응하며 세상을 향한 진퇴를 결정하였고, 혼 란한 정치적 상황을 맞이하여 잠시 자연에 은거하는 경우 ‘홀로 있음을 삼가는[愼其 獨]’ 修身을 중시하였다. 수신은 언제든지 사회로 나가 뜻을 펼치기 위해 준비하는 자 기 공부이므로 독서와 수양 가운데 행해지는 서예는 사회적 행위에 해당한다. 본 연구의 목표는 첫째, 유가의 仁義가 서예의 인성론적 기초임을 밝히는 것이 다. 이를 근거로 둘째, 禮樂사상의 同樂이 사회적 기능으로 작용했음을 논증하여 서예 가 사회 참여예술로서 성립하는 가능성을 모색하는 것이다. 이에 본 연구는 仁義에 근 거한 예악으로 함께 즐거움을 누리고 조화로운 세상을 제시한 유가적 관점에서 기초 작업을 수행할 것이다.

This paper starts with an emphasis on the social participatory characteristics of calligraphy as a way for calligraphy to become an art of communication in modern society. Calligraphy can be classified as the socially engaged art of Confucian scholars who have traditionally sublimated the spirit of literary people into art. Socially engaged art can be understood as a practical act in which an individual as a social being interacts with society through art, and the process of creating a work itself is social. The Confucian scholar reacted sensitively to the problems of reality and decided to advance and retreat toward the world. In addition, in the face of a chaotic political situation, it was important to develop in case of hiding in nature for a while. Calligraphy among reading and training is a social act because he prepared himself to go out into society at any time and spread his will. First, the goal of this study is to reveal that Confucianism's benevolence is the basis of personality theory of calligraphy. Based on this, second, it is to prove that the 同樂of the 禮樂idea served as a social function to explore the possibility that calligraphy can be established as a social participatory art. Therefore, this study will carry out basic work from a valuable perspective that presents a world of joy and harmony together with art music based on benevolence.

북한 평양의 대동강 주변의 樓亭현판들을 소재로 하는 본고는 한국의 3대 누각 을 중심으로 현판의 서예미를 고찰하는 연구의 一環으로, 평양 부벽루와 그 주변 현판 을 대상으로 하여 출발한 것이다. 고구려 552년(양원왕8)에 수도 방어의 목적으로 축 조된 평양성에 현재 보존되어있는 城門과 望樓, 성문의 門樓를 포함하여 누각에 걸린 현판들을 ‘樓亭현판’으로 통칭하고 있다. 평양 대동강 일대는 이념의 차이로 남·북한이 분단되어 있어, 현재 답사가 불가능한 지역이지만 6.25동란 이전까지 한반도의 역사와 문화를 공유하였고, 우리 선조들이 창출한 한국의 문화 예술이기에 관심이 더욱 고조 된다. 누정 현판의 연구범위는 <大同門> 2점과 練光亭의 <天下第一江山>, 그리고 <浮 碧樓>ㆍ<乙密臺>ㆍ<普通門> 등 6점이다. 작가의 학문이나 學書과정, 서예심미와 취향 이 뚜렷한 현판, 즉 양사언이 맑고 방일한 서풍을 書寫한 <大同門>, 청의 사신 주지번 이 음유미와 양강미를 겸하여 서사한 <天下第一江山>, 조광진이 장엄하고 전아하게 서 사한 <浮碧樓> 등 3점의 서예미를 규명하였다. 또 작가의 학문과 서예심미를 뚜렷이 알 수 없는 현판, 즉 박엽의 <大同門>, 노원상의 <乙密臺>, 작가 미상의 <普通門> 등 3 점은 조형적인 특징을 밝혀 그 서체미를 규명하였다. 대동강 주변의 누정 현판과 그 서예 예술은 옛 우리 선비문화의 숨결이 닿아 시 대적 양상과 함께 독특한 서예미를 띠고 있음을 알 수 있다. 또 고구려인들이 평양성을 축조한 목적과 시대적 상황, 대륙을 접하고 있는 반도의 지리적 조건 등으로, 평양이 국방상ㆍ교통상 중요한 위치에 있었던 것처럼, 서예 문화에도 수도를 방어하고 국방을 다지려는 굳센 장수의 위엄과 의기양양한 호기가 장엄하고 강직한 서체미로 표현되는 문화적 특성이 나타나고 있다. 본연구를 통하여, 부벽루의 현재 상황은 관리가 소홀하 면서 누각의 활용도나 대중의 관람이 일반적이지 못한 상황임을 알게 되었다. 이에 평 양 대동강 주변에 보존되어있는 樓亭현판들이 훌륭한 문화재임을 想起하고 북한 문화 유산의 인식과 관리를 提高해야 할 때이다. 따라서 북한의 문화유산과 예술품에 대한 상호교류와 융합에 관하여 지속적인 관심과 연구가 있어야 할 것이다.

In this paper, I investigated the signboards on the pavilions around the Daedonggang River in Pyeongyang, North Korea. It is one of the studies to examine the calligraphy beauty of the pavilion signboards centering on the three major pavilions in Korea. The target of this study is the signboards of Bubyeoknu and the pavilions around it in Pyeongyang. Pyeongyang Fortress, built to defend the capital in Goguryeo 552 (8th year of King Yangwon), has some pavilions such as watchtowers and gate towers, and the signboards hanging on these pavilions are collectively called Pavilion Signboards. Because of the division of Korea into North and South due to ideological differences, the Daedonggang River area in Pyeongyang is currently impossible to explore. However, the interest in this area is high because South and North Korea shared the history and culture of the Korean Peninsula until the 6.25 Korean War, and it is a Korean cultural art created by our ancestors. The scope of study on Pavilion Signboards is six signboards; two of <Daedongmun>, <Cheonhajeilgangsan> of Yeongwangjeong, <Bubyeoknu>, <Eulmildae>, and <Botongmun>. The writers are Yang Sa-eon, Zhu Zhifan, Jo Gwangjin, Park Yeop, and No Wonsang, and the writer of <Botongmun> is unknown. These signboards can be divided into those that show the artist's academic or studying process, calligraphic aesthetics, and taste, and those that do not. Through the former, I identified the artist's unique calligraphic beauty. <Daedongmun> reveals Yang Sa-eon's clear and indulgent calligraphic style. <天下第一江山> was written by Zhu Zhifan, an envoy of the Qing Dynasty, and shows calligraphic beauty that combines yin and yang. <浮碧樓> shows Jo Gwangjin's solemn and elegant calligraphic tendency. The latter are Park Yeop's <Dadongmun>, No Wonsang's <乙密臺>, and an unknown artist's <普通門>. Since the writer's academic and calligraphic aesthetics are not known for these three signboards, I examined the beauty of calligraphic script by investigating the formative characteristics of those signboards. I found that the pavilion signboards and their calligraphic art around the Daedonggang River had a unique beauty of calligraphy and calligraphic script along with the influence of the classical scholar culture and the aspects of the times. Just as the people of Goguryeo built Pyeongyang Castle to protect Pyeongyang, which is in an important position in terms of national defense and transportation, the calligraphic culture also reflects the dignity and triumphant spirit of a strong general to defend the capital and strengthen national defense and shows the cultural characteristics expressed in solemn and upright beauty of calligraphy. Through this study, I realized that the management of Bubyeoknu was negligent. They have not utilized the pavilion properly, and the general public has not been allowed to see it. Therefore, it is time to recall that the pavilion signboards preserved around the Daedonggang River in Pyeongyang are excellent cultural properties, and to raise awareness and management of North Korea’s cultural heritage. Thus, there should be continued interest and research on the mutual exchange and convergence of North Korea’s cultural heritage and artworks.

본 연구는 북한 음악서에 나타난 난계 박연의 전기와 음악적 업적에 관한 북한 학계의 평가를 연구한 것으로, 북한 음악학계에서 평가한 난계 박연의 위치를 재조명 하는 것에 목적이 있다. 북한연구자료는 국립국악원 북한음악자료실 소장 도서를 중심으로, 1958년부터 2015년까지 출판된 북한의 난계 박연에 관한 자료를 연대순으로 구분하였으며, 선행 연구들 당시 국내에 소개되지 않았던 신착 자료와 선행연구들의 사소한 오류 및 미진 한 점들을 주제별로 개괄하여 분석하였다. 또한, 난계 박연의 전기적 서술 내용을 분석 하고 우리와 동일하게 북한에서도 왕산악·우륵·박연을 ‘3대 악성’이라 칭하게 된 연원 을 살펴보았다. 마지막으로, 박연의 음악 업적에 관한 북한학계의 서술 중 ‘율관과 악 기 제작’, ‘정간보 창안’, ‘신정 아악 제정’ 부분을 비판적으로 검토하였다. 연구결과 난계 박연에 관한 전기 서술 및 음악 업적 기술은『조선왕조실록』, 『난계유고』, 『용재총화』, 『연려실기술』등 남북한 공통의 사료를 바탕으로 하고 있음에도, 그의 업적 평가와 결부하기 위하여 일부 과장이 섞여 있음을 확인하였다. 북 한은 박연을 악성으로 우러르고, 15세기 음악 유산인 악기 제작과 정간보 창안, 신악 제정을 주도했다고 높이 평가하고 있다. 전체적으로, 박연의 음악적 업적에 대한 평가 는 한국에서보다 북한에서 훨씬 더 후하게 나타났다. 이처럼 남북 간 난계 박연에 관한 역사적 평가의 차이가 있으므로, 이후에도 지속적인 관련 연구들이 진행되어 더욱 풍 부한 ‘난계 박연’ 연구 성과가 축적되길 기대한다.

The thesis is a follow-up study on 'North Korea's Nangye Park Yeon' which is to supplement and re-examine the evaluation of the North Korean academic community on the biographical and musical achievement of the Nangye Park Yeon. The North Korean research materials were chronologically classified from 1958 to 2015, and minor errors and deficiencies of the previous studies and new data that were not introduced at the time were summarized and analyzed. In addition, I analyzed the biographical description of Nangye Park Yeon and examined the origin of calling why Wang san-ak, Ureuk, and Park Yeon are called "The three greatest musicians" both in South and North Korean. Finally, out of the studies of the North Korean academic community on Park Yeon's musical achievements, a critical review was conducted comprehensively on the parts of "the production of Yulgwan(Ancient Pitch-pipe) or pitch pipes and musical instruments", "the invention of Jeongganbo(square notating system)", and "the creation of all the newly established court music(Sinjeong Aak)". The study confirmed that North Korean research includes some exaggerated content to apply to his achievement evaluation although the biographical description and the research evaluation on the musical achievement for Nangye Park Yeon are based on common historical materials in both North and South Korea such as the Annals of Joseon Dynasty also known as The Veritable Records of King Sejong(Joseon wangjo sillok), Writings of Nangye(Nan-gye yugo), Seong Hyeon’s Yongjae chonghwa and Yi Geung-ik’s Yeollyeosil gisul. North Korea respects Park Yeon as a musical master, and highly praises him for leading the production of musical instruments and the invention of jeongganbo, and the creation of all the newly established court music. However, this evaluation is quite different from that of South Korea and there is not enough evidence. Therefore, attention is focused on what direction North Korea will study Nangye Park Yeon in the future. I hope that related studies will be continued to accumulate research results.

색동은 전통적으로 어린이 복식에 활용되어 상징적인 의미와 염원을 담아 어린 이의 행복과 장수를 기원했다. 본 연구에서는 색동이 가진 아름다움을 살린 3-6세 여 아를 위한 한복 원피스 디자인을 기획하여, 일상에서 착용할 수 있는 어린이 생활한복 의 실용화에 기여하는데 있다. 연구의 방법은 문헌연구를 바탕으로 하여 디자인작업을 통해 색동을 아이템으로 Adobe Photoshop CS6와 Adobe Illustration CS6를 사용하여 작품의 도식화와 일러스트로 디자인을 제시하였다. 디자인의 주안점은 전통 한복의 여러 요소 중에서 색동이 가진 색의 멋에 주목 하여 색의 조화를 살린 3-6세 여아 생활한복 원피스 디자인을 개발하여 작품을 제작하 였다. 작품은 유아기 의복에 적합한 소재와 활동성, 독립적인 착의와 탈의, 안전성의 네 가지 요소를 고려하였으며, 형태는 상하의가 연결된 원피스로 제작하여 실물을 제 시하였다. 색동은 어린이의 귀여운 이미지와 천진함을 강조할 수 있는 매력적인 우리 고유의 문화적 아이템이라는 점과 색상에 원하는 분위기와 의미를 담아 옷으로 구현할 수 있었다는 점이다. 이러한 연구는 전통아이템인 색동을 어린이가 착용하는 한복 원 피스에 접목하여 현대복식에서의 활용도를 높이고자 하였다.

Saekdong has traditionally been used in children's clothing to pray for children's happiness and longevity with symbolic meaning and wishes. This study aims to contribute to the practical use of children's daily hanboks that can be worn in daily life by planning a daily hanbok dress design for 3-6 years old girls that utilizes the beauty of colored children. Saekdong is a unique color technique that represents the traditional Korean style and image, and has been widely used to promote Korea in globalization. Based on literature research, the research method presented designs as schematics and illustrations of works using Adobe Photoshop CS6 and Adobe Illustration CS6 as items of color movement through design work. The main focus of the design considered four factors: material and activity suitable for infant clothing, independent clothing and removal, and safety, and the shape was made into a dress connected to the top and bottom and presented the actual product. Saekdong is an attractive cultural item that can emphasize the cute image and innocence of children, and it was possible to implement it with clothes with the desired atmosphere and meaning in color. Accordingly, among the various elements of traditional hanbok, the work was produced by developing a one-piece design for a 3-6-year-old girl daily hanbok using the harmony of colors by paying attention to the beauty of the color of the color. This study attempted to increase the utilization of the traditional item, Saekdong, in modern dress by combining it with daily hanbok dresses worn by children.