Earticle

성해응은 그의 삶 속에서 가문 중심의 교유관계와 규장각 검서관 시절 정조의 영향을 주로 받았다. 조선의 사상과 문화의 다원화 속에서 가학적 서화 지향을 바탕으 로 주체적인 예술경계를 창출하였다. 古法에 바탕한 창신을 주장하고, 그림을 통한 道 를 구현 할 것을 강조하여 實心美를 더했으며, 서화 작품을 평가함에 있어서는 逸의 경 지를 높이 평가하였다. 이러한 사실에서 그를 단순히 예술취미에 의한 서화를 기록한 사람이 아니라 진정한 逸趣를 가진 인물로서의 서화비평가라고 할 수 있겠다. 성해응의 심학적 미의식을 고찰하기 위해 그가 직접적으로 양명학을 언급하고 있지는 않지만 「서화잡지」에서 그의 심미의식의 기저에 본래심의 역할을 강조한 心 學적 성향의 비평을 찾아 논의하고자 하였다, 양명학의 實心은 순수본심을 인식하여, 자연 심성에 따라 개성적이고 생명력 넘치는 다양성의 창조를 요구하는데, 그의 학문 적 성향과 인간에 대한 개혁적 의식이 담겨져 있는 「초사담헌」을 통해 그의 실심 ․ 심학적 미의식이 자연스럽게 드러나고 있다고 보았다. 또한 그의 산수유기에서 자연에 서의 性善에 대한 회복과 다가 올 좋은 세상에 자신의 도를 펼치는 天道를 품은 隱逸의 경향은 성해응의 일취적 심미의식이다. 아울러 그의 미의식 속에 심학적 사유를 밝히 기 위해 그와 함께 교유하였던 이들의 완상태도와 작품을 소장 여부와 기록을 통해 그 의 심학적 서화관 및 미의식을 찾았다. 이상의 연구를 종합하여 성해응의 서화인식에 있어 심학적 사유가 그의 심미의 식을 표출하는데 중요한 역할을 하고 있음을 알 수 있었다. 성해응의 학문관에 있어 심 학적 사유나 逸趣的심학미에 대한 고찰은 표면적으로는 드러나지 않았지만, 자신의 심을 유지하기 위해 隱逸을 추구하는 것에서 주체를 강조하는 심학적 미의식을 촉발시 켰다고 할 수 있다.

ContentsSeong Hae-eung was primarily influenced by his familial relationships and his time as a Gyujanggak inspector under King Jeongjo throughout his life. In the context of the diversification of thought and culture in Joseon, he created an autonomous artistic realm based on a family-oriented approach to painting and calligraphy. He advocated for innovation based on the old law (古法, go-beop), emphasized the realization of the Way (道, do) through painting, and added a sense of true beauty (實心美, sil-sim-mi). In his art critiques, he highly valued the realm of transcendence (逸, il). These facts position him not merely as a recorder of artistic hobbies but as a true critic imbued with a profound taste for leisure (逸趣, eel-chwi). To explore Seong Hae-eung’s yangmingian aesthetics consciousness, while he does not directly mention Yangmingism, his critique in “Seo-hwa-jap-zi (書畵雜識)” highlights the role of the original mind (本心, bon-sim) at the base of his aesthetic consciousness, suggesting a yangmingian tendency. The real mind (實心, sil-sim) of Yangmingism demands the recognition of the pure original mind, advocating for the creation of individuality and vitality in diversity, which aligns with his academic tendencies and reformist consciousness about humanity as naturally revealed in “Cho-sa-dan-heon (草榭談獻)”. Furthermore, his tendency toward hermit-like seclusion (隱逸, eun-il) as expressed in his records of mountains and waters (山水遊記, san-su-yu-gi) involve a return to the innate goodness (性善, seong-sun) in nature and an embrace of the Heavenly Way (天道, cheon-do) in anticipation of a better world, indicating his unique aesthetic consciousness. Furthermore, to elucidate the yangmingian philosophy within his aesthetic consciousness, the attitudes and possession records of artworks by those with whom he interacted were examined. This approach helped uncover Seong Hae-eung’s yangmingian perspective on painting and calligraphy as well as his aesthetic sensibilities. This study concludes that yangmingian thought plays a significant role in expressing Seong Hae-eung’s aesthetic consciousness within his recognition of art. In his scholarly perspective, although his contemplation of yangmingian reasoning and yangmingian aesthetics do not appear explicitly, his pursuit of hermit-like seclusion (隱逸, eun-il) to maintain his own mind catalyzed yangmingian aesthetic consciousness that emphasizes subjectivity.

본 논문은 한국연구재단의「남북문화 동질성회복을 위한 북한서예문화 현황 고 찰」에 대한 대과제 중에서 다섯 번째 소주제인「남북한 서예문화교류 현황분석 및 국 제관계에서 공동 대응방안 모색」이다.1) 남북한은 분단이후 교류가 크게 제한을 받아왔으나 1980년대 탈냉전시기 이후 에야 교류가 어느 정도 가능해졌다. 그런데 서예문화교류는 다른 분야에 비하여 절대 적으로 미흡하였다. 관련된 연구와 축적된 지식도 거의 없는 상태다. 이에 본 연구는 백지상태에서 북한과의 서예문화교류 현황자료를 추적·수집하는 것을 우선과제로 삼아 자료에 담긴 여러 의미를 도출하고자 하였다. 특히 남북한의 서 예문화교류와 관련하여 남북한이 공조·추진할 수 있는 전략적 과제도 탐색하고자 하 였다. 이를 통해 향후 남북한 서예유산교류와 관련된 종합적이고 체계적인 방안을 정 립해 나가는데 일조하고자 한다. 연구결과, 첫째, 북한의 서예문화교류에 대한 관심은 1980년대 후반 탈냉전 초 기시기이다. 이때 남북한 간의 서예문화교류는 주로 제3국(중국)을 통해서 자연스럽게 이루어졌다. 둘째, 2000년대 남북한 정상회담을 기점으로, 남북한 간 직접적인 서예문 화교류가 가능해졌다. 제 3국 이외에 한반도 권역 내에서 서예문화교류의 계기가 된 것이다. 셋째, 남북한·재외동포들이 모두 서예문화를 한민족 공동문화유산으로 인식하 고 있음이 확인되었다. 향후 남북한 서예문화교류에 귀한 근거로 작용할 것이다. 넷째, 남북한 서예문화교류는 정치·경제 등 다양한 분야의 교류와 밀접하게 얽 혀있어, 기타분야와 긴밀한 협력관계의 중요성이 확인되었다. 다섯째, 남북한 서예문화 교류 문호개방에 여성들과 민간단체의 역할이 크게 작용하였다. 여섯째, 재외동포가 남북한 서예문화교류에 있어 완충적 역할을 하였고, 이들의 서예작품에 남한풍이 많이 가미되어 향후 가교적 역할이 기대된다. 일곱째, 북한이 외화벌이 수단으로 활용하고 있는 ‘작품상품화’ 사업이 남북한 서예문화교류에 주요한 연결고리로 작용하였다. 이를 통해 북한 서예문화 수준을 가늠하는 잣대가 되었다. 여덟째, 국제적 여건 속에서 중국 동북공정에 대비하고, 통일에 대비한 남북한 평화협력과 화해정착의 수단으로 남북한이 ‘한글서예유산’을 세계유산으로 공동 등재하는 방안 등을 적극 고려할 필요성을 제 시하였다

This paper is the fifth sub-topic of the Korea Research Foundation's "A review of the status of North Korean calligraphy culture for the restoration of homogeneity of inter-Korean culture", "An analysis of the current status of calligraphy culture exchange between the two Koreas and the search for joint countermeasures in international relations" Since the division of the two Koreas, exchanges have been greatly restricted, but exchanges have become possible to some extent only after the post-Cold War period in the 1980s. However, calligraphy cultural exchanges were absolutely insufficient compared to other fields. There is little research and accumulated knowledge. Therefore, this study attempted to derive various meanings contained in the first task of tracking and collecting data on the current status of calligraphy culture exchanges with North Korea in a blank state. In particular, it attempted to explore strategic tasks that the two Koreas can cooperate and promote in relation to the exchange of calligraphy culture between the two Koreas. Through this, it was intended to help establish a comprehensive and systematic plan related to the exchange of calligraphy heritage between the two Koreas in the future. As a result of the study, first, North Korea's interest in the exchange of calligraphy culture was in the early days of the post-Cold War in the late 1980s. At this time, exchanges of calligraphy culture between the two Koreas were mainly carried out through third countries (China). Second, starting with the inter-Korean summit in the 2000s, direct exchange of calligraphy culture between the two Koreas became possible. In addition to the third countries, it became an opportunity for exchanges of calligraphy culture in the Korean Peninsula region. Third, it was confirmed that both South and North Korean Koreans and overseas Koreans recognize calligraphy culture as a common cultural heritage of the Korean people. It will serve as a valuable basis for the exchange of calligraphy culture between the two Koreas in the future. Fourth, the exchange of calligraphy culture between the two Koreas was closely intertwined with exchanges in various fields such as politics and economy, and the importance of close cooperative relations with other fields was confirmed. Fifth, the role of women and private organizations played a major role in the opening of the calligraphy culture exchange between the two Koreas. Sixth, overseas Koreans played a buffering role in the exchange of calligraphy culture between the two Koreas, and a lot of South Korean style was added to their calligraphy works, which is expected to play a bridging role in the future. Seventh, the 'commercialization of works' project, which North Korea is using as a means of earning foreign currency, served as a major link in the exchange of calligraphy culture between the two Koreas. Through this, it became a standard for measuring the level of North Korean calligraphy culture. Eighth, it was suggested that the two Koreas should actively consider ways to jointly register 'Korean Calligraphy Heritage' as a World Heritage as a means of peaceful cooperation and settlement between the two Koreas in preparation for the Northeast China process and unification in international conditions

이 연구는 일본의 우키요에가 서양화법을 수용하면서 일본 전래의 회화적 특징 들을 어떻게 변화시켜갔는지를 살펴보는 것으로，특히 화면 구도법에 주목하여 고찰하 고자 하는 연구이다. 서양 회화를 접한 18세기의 일본 우키요에 화가들은 장치를 사용 하여 투시도법을 엄격히 따랐던 메가네에（眼鏡繪）를 필두로 하여，투시원근법을 적극 적으로 도입하기 시작했다. 그러나 18세기 이후에 일본을 대표하는 우키요에 화가들의 구도법을 면밀히 검토해 보면，서양의 투시도법과는 상당히 차이가 있는，그래서 엄밀 한 의미에서는 ‘비투시도법’을 구사하고 있음을 알 수 있다. 우키요에의 변화와 발달 양상을 면밀히 살펴보면，초기 우키요에 작가들이 투 시원근법을 서양화법에 맞추어 정확히 사용하려고 노력한 데 반하여，에도 후기에는 투시원근법에서 서서히 벗어나 일본 특유의 원근법을 사용하기 시작했다. 이러한 일본 특유의 원근법이 지닌 특징은，풍경화에서 화면의 하단 3분의 1에 수평선을 배치하는 구성으로，공간을 내려다보는 부감법 대신 넓은 하늘을 올려다보는 서양화의 공간배치 를 수용한 것으로 보인다. 그러나 근대서양화법의 가장 큰 특징이라 할 수 있는 선원근 법은 배제시킴으로써，수평선에 두 개 이상의 소실점이 있는 독특한 투시법을 고수했 다. 이러한 우키요에의 구도법은 단지 회화에서 드러나는 작도법이라기보다는 그들 이 세상을 바라보는 세계관과도 직접 연결되는 것이라 생각된다. 즉，상•하나 대•소의 관계 등으로 원근을 나타내 온 일본인이，투시도법적 원근법을 익히는 것은，단순한 회 화 기술의 획득이 아니라，대상과 공간에 대한 내적 변화를 수반하는 것이기 때문이다

This study examines how Japanese ukiyo-e transformed the traditional Japanese pictorial features as it adopted Western painting techniques. In particular, the study focuses on the composition of the picture. In 18th-century Edo Japanese painting, artists who had come into contact with Western painting began to actively adopt perspective drawing, led by the use of devices to strictly follow the perspective drawing method in Megane-e （眼鏡糸會）.However, if you closely examine the composition methods of the ukiyo-e artists who represent Japan since the 18th century, you will find that they are quite different from Western perspective drawing, so in a strict sense they are using non-perspective drawing. Looking at the changes and developments in ukiyo-e, we can see that while the early ukiyo-e artists tried to use perspective accurately in accordance with Western painting methods, in the late Edo period they gradually began to move away from perspective and use a perspective unique to Japan. This characteristic of Japanese perspective, which is to place the horizon in the lower third of the picture in landscape paintings, seems to have been adopted from Western paintings, which place the sky high in the air instead of the bird's-eye view of looking down on the space. However, by omitting the linear perspective, which can be said to be the most distinctive feature of modern Western painting methods, the artist adhered to a unique perspective method with two or more vanishing points on the horizon. This composition method of ukiyo-e is not just a drawing technique that is revealed in paintings, but is also directly connected to the worldview they have of the world. In other words, for the Japanese, who have been expressing perspective through the relationship between the foreground and background, etc., learning perspective drawing is not just about acquiring painting skills, but also involves an internal change in the objects and space.

본 논문은 운수평(惲壽平)의 산수화에 담긴 노장사상의 수양 경계를 탐구하고, 그의 예술이 이를 시각적으로 어떻게 구현했는지 분석하는 것을 목표로 한다. 동양의 산수화는 자연과 인간의 관계를 철학적, 미학적 깊이를 통해 표현해 온 독특한 예술 장 르로, 예술가는 자연을 바라보는 내적 통찰과 철학적 깊이에 따라 다양한 경계를 형성 한다. 이러한 경계는 예술적 경계와 인생의 경계가 동일시되는 전통 동양 예술의 맥락 과도 깊이 연관되어 있다. 유가와 도가는 각기 다른 철학적 길을 걸어왔지만, 인생 수양을 예술의 중요한 요소로 삼았다는 점에서 공통점을 지닌다. 특히 장자는 ‘심재(心齋)’, ‘좌망(坐忘)’, ‘오 상아(吾喪我)’와 같은 수양을 통해 감각을 초월하고 본질적 인식에 도달하는 ‘물화(物 化: 도(道))’의 경지를 강조했다. 이러한 철학은 예술적 경험의 다층성을 형성하는 원 동력이 되었으며, 운수평의 산수화에서도 장자의 수양적 경지가 깊이 구현되어 나타난 다. 이에 본 논문에서는 장자의 철학적 사유를 바탕으로 운수평의 예술을 새롭게 조명하며, 수양의 경지에 따른 사물 관조 방식과 예술적 미의식의 발현을 탐구하고자 한다. 특히, 장자의 안명(安命)의 경계와 도(道)의 경계를 중심으로 그의 산수화에 담 긴 철학적 깊이와 미학적 구현 방식을 분석한다. 이를 통해 동양 미학의 핵심 개념인 수양 경계의 철학적 의미와 예술적 의의를 새롭게 밝히고, 운수평의 작품이 동양 예술 전반에 부여하는 심미적 가치를 구체적으로 논의하고자 한다.

This thesis aims to explore the cultivating boundary of Lao-Chuang thought shown in Yun Shouping’s landscape paintings, and also to analyze how visually his arts realized this philosophical thinking. The eastern landscape is the artistic genre that has expressed the relation between nature and human through the philosophical/aesthetic depth, so the artists form different boundaries according to the philosophical depth and inner insight viewing the nature. Such boundaries are closely connected to the context of eastern traditional arts in which the artistic boundary is identified with the boundary of life. Even though Confucianism and Taoism took each different philosophical path, they commonly regarded the cultivation of life as an important element of arts. Especially, Chuang-tzu emphasized the ‘state of mulhwa’ reaching the stage of essential cognition by transcending senses through the cultivation like 'empty state of mind', 'sitting position reaching the natural & peaceful state', and 'state of existence without self-consciousness or vanity'. This philosophy became driving force for forming the multilayer character of artistic experience, and Yun Shouping’s arts also shows Chuang-tzu’s cultivating state. The boundary of desolateness & coldness and the boundary of silence shown in Yun Shouping’s works, are closely related to the stage of cultivation presented by Chuang-tzu, which is led to the artistic stage experiencing Tao beyond senses. Yun Shouping’s landscape expresses the boundary showing the unity of ego and outside world as the ideal state by Chuang-tzu, which shows the aesthetic completion through the harmony of nature and human. This is similar to the aesthetic sense of sublimity and elegance mentioned by Kant, reflecting the importance of aesthetic experience aiming to achieve the psychological unity beyond sensory beauty. This study is significant as one of the first attempts aiming to explore the philosophical depth and cultivating boundary inherent in Yun Shouping’s landscape after exceeding the limit of previous studies on Yun Shouping mostly focusing on his flower-and-bird paintings. Through this process, this study aims to newly illuminate the philosophical meanings and artistic representation method of Chuang-tzu’s cultivating boundary as the key concept of eastern aesthetics, and also to concretely examine the aesthetic meanings of Yun Shouping’s works in the eastern arts.

본 연구는 高麗와 中國宋나라의 茶文化및 飮茶풍습 중 하나인 鬪茶에 담긴 문화적 함의를 탐구한 것이다. 고려와 송은 빈번한 교류를 통해 유사한 茶文化를 형성 하였고, 이 시기 송의 貢茶제도는 鬪茶의 발전을 촉진하여 일상적인 飮茶文化로 자리 잡았다. 鬪茶는 단순한 飮茶를 넘어 고아한 유희 활동으로 발전하여 당시 대중의 정신 적 향락을 충족시키며 茶文化의 전승과 발전을 이끌었다. 주목할 것은 鬪茶는 모든 과 정에서 ‘敬’의 마음가짐이 요구되며, 결과로는 湯色과 湯花에서 백색의 乳花로 나타난 다는 것이다. 즉 송대 성리학에서 제시하는 ‘持敬’의 마음가짐 및 자세와 더불어 유학자 들이 추구한 審美의식인 白色숭상이 茶文化에 나타났다. 이러한 고려와 송대 鬪茶의 飮茶事는 문인들이 추구하는 審美사상이 내포되어 茶畵로 구체화된다. 본 논문에서는 특히 송대 點茶의 飮茶事에서 백색 乳花위에 피어난 문인들이 지향한 審美의식이 반 영된 分茶를 茶碗에 그려진 문인의 茶畵, 이른바 ‘茶水之畵’로 해석될 수 있음을 밝히 고자 한다. 이러한 점에서 본 연구에서는 飮茶事가 그려진 다양한 茶畵와 송대 徽宗의 『大觀茶論』으로 상징되는 茶書및 〈文會圖〉라는 茶畵를 통해 문인들이 추구한 우 아한 茶文化적 함의를 도출할 수 있음을 확인하였다.

This study explores the cultural implications of Tucha(鬪茶:Tea Evaluation), one of the tea-drinking customs of Goryeo(高麗) and Chinese Song(宋) cultures. Goryeo and Song formed a similar Tea culture through frequent exchanges, and Song's Gongcha(貢茶:offer tea to one's country) system during this period promoted the development of Tucha and established itself as a culture of drinking everyday Tea. Tucha developed into an elegant play beyond just drinking Tea, satisfying the mental enjoyment of the general public at the time and leading the transmission and development of Tea culture. It should be noted that Tuca requires a mindset of '敬' in every process. The result is that Tea's water color(湯色) and Tea's water flowers(湯花) appear as white flower '乳花'. In other words, it appeared in the Tea culture that revered white, an aesthetic consciousness pursued by Confucian scholars, along with the mindset and attitude of '持敬' suggested by Song Dynasty Neo-Confucianism. This Goryeo and Songdae Tucha's Tea drinking life is embodied as a Tea picture, containing the aesthetic ideas pursued by writers. In this paper, in particular, I would like to clarify that Buncha (分茶), which reflects the aesthetic consciousness of writers who bloomed on white Tea flowers in Songdae Tea life, can be interpreted as chasujihwa(‘ 茶水之畵’) as a Tea painting of writers drawn on Tea cup(茶碗). In this regard, this study confirmed that the elegant Tea cultural implications pursued by writers can be derived through various Tea paintings depicting Tea life, Tea books symbolized by Songdae Hwijong's 『Daeguandaron』(『大觀茶論』), and Tea paintings called <Munhwido>(<文會圖>).

근대에 들어 일본 퇴계학은 내선일체에 동원되어 사상적으로 훼손되어 활용되어 온 부분도 있지만，동시에 양국 간 사상 교류에 이바지했던 점 역시 간과할 수 없다. 그 중 오스카 다이야（大塚退野，1678〜1750）의 사상에 기반해 큐슈를 중심으로 학문 을 발달시켰던 큐슈학파〔구마모토 실학파〕는 퇴계학을 발판삼아 정통 주자학을 흥기시 키고자 하였다. 특히 해당학파는 여러 주자학자들 가운데 퇴계의 학설이 주자의 본의 와 일치한다고 생각하여 그의 학문과 인격을 존숭함으로써 퇴계학을 발전시키고자 힘 썼다. 그 중에서 퇴계학의 본의에 따라 그 순수성을 찾고 이를 일본 사회에 적용하려 노력했던 요코이 쇼난（橫井小楠，1809〜1869）의 학문적 활동은 주목해 볼 만 하다. 한편 ‘시여기인（詩如其人）’이라고 정의되는 동양 전통 예술론은 작품과 인격을 일치시켜 표현함으로써 도덕적 인간의 배양이라는 이상을 추구해왔기 때문에 퇴계의 사상은 예술적 측면으로도 접근해 볼 수 있다. 전통적으로 유가의 문인들은 경서（經 書）를 통한 학문뿐 아니라 시（詩）를 통해 자신이 지향한 철학을 표현하고자 하였고， 이런 과정 안에서 자신을 수양하고자 하였다. 따라서 해당 학문의 사상적 진면목을 알 기 위해서는 그들의 철학뿐 아니라 시를 통해 표현한 예술관에 대해서도 함께 탐구해 볼 만 하다. 하지만 한일 양국에서 퇴계와 요코이 쇼난 시에 대한 개별적 연구는 시도되었지 만 이를 비교한 경우는 전무하다. 특히 근대 일본 사상사에서 퇴계학이 차지하는 비중 에 비해 해당 분야 발전에 중요한 역할을 담당한 요코이 쇼난에 관한 연구는 절대적으 로 부족한 실정이다. 비록 요코이 쇼난의 창작 시가 퇴계가 작성한 것처럼 많지는 않지 만, 쇼난 역시 왕성한 작품활동을 통해 자신의 사상을 전파하고자 하였다. 따라서 이들 의 시를 비교•분석하여 의미를 밝히고 이를 통해 예술적 차원의 의의를 검토해 본다면 그 자체로 연구의 가치가 있다고 볼 수 있다. 특히 한일 사상 교류의 중요한 역할을 담 당했던 퇴계와 요코이 쇼난의 시에 담긴 순수한 감성의 체득과 인성함양 등의 긍정적 인 요소들을 발굴해 낸다면 한일 양국의 문화교류 및 컨텐츠 개발에도 일정 부분 기여 할 수 있을 것이라 여겨진다.

In modern times, Japanese Toegye Study has been mobilized for the ideological integration of Japan and Korea, and has been used to the detriment of its ideology, but at the same time, it cannot be overlooked that it has contributed to the ideological exchange between the two countries. Among them, the Kyushu School （Kumamoto Jitsu-gaku ha）, which developed studies centered in Kyushu based on the ideas of Ohska Daiya（大塚退野），attempted to promote orthodox Confucianism using Toegye Study as a springboard.In particular, the school of thought that among the many Confucian scholars, Toegye's theory were in line with Zhu Xi（朱子）'s original intentions, and thus they tried to develop Toegye Study by respecting his scholarship and personality. Among them, the academic activities of Yokoi Shonan, who sought to find the purity of Toegye Study in accordance with its original intent and tried to apply it to Japanese society, are worth noting. The traditional Eastern art theory, defined as *poetry like its own person（ 詩如其人），， has pursued the ideal of cultivating a moral human being by expressing the work and personality in unison, so Toegye s thought can also be approached from an artistic perspective. Traditionally, Confucian scholars sought to express their own philosophy not only through learning from classics but also through poetry, and they sought to cultivate themselves through this process. Therefore, in order to understand the true ideological aspect of the discipline, it is worth exploring not only their philosophy but also their artistic view expressed through poetry. However, although individual studies on the poems of Toegye and Yokoi Shonan have been attempted in both Korea and Japan, there have been no cases of comparison.In particular, compared to the importance of Toegye Study in the history of modern Japanese thought, there is an absolute lack of research on Yokoi Shonan, who played a significant role in the development of the field.Although Yokoi Shonan's creative poetry is not as numerous as that of Toegye, Shonan also attempted to spread his ideas through his prolific writings. Therefore, comparing and analyzing their poems to elucidate their meaning and examine their artistic significance through this can be seen as having research value in itself.In particular, if we can discover the positive elements, such as the acquisition of pure emotions and the cultivation of character, contained in the poetry of Toegye and Yokoi Shonan, who played an important role in the ideological exchange between Korea and Japan, it is believed that we will be able to contribute to the cultural exchange and content development between Korea and Japan to some extent.

동아시아 미술은 탄생 시점부터 인간과 우주적 세계와 관계를 긴밀히 드러내었고, 그 중에 산수화는 특히 자연관의 변천 속에서 발전해 온 바 있다. 발생 초기 산수 화는 신비함과 영험함을 담보한 산의 이미지를 이용하여 궁궐과 사원을 장식하는데 사 용되었으나, 북송대에 이르러 도학적 사유와 결합하여 우주적 원리를 탐구하는 수단으 로 자리 잡았다. 더불어 문인들은 산수화가를 자처하며 산수를 바라보는 방법과 산수 로부터 포착할 수 있는 여러 질서들을 산수화론으로 정립하였고 더불어 자신들의 지적 권위를 확립하고자 했다. 이처럼 산수화와 산수화론에는 산을 중심으로 하는 시대의 생태관을 살펴볼 여러 단서가 있지만, 이들이 지금의 생태학적 논의와 유의미하게 연 결 지어 논의된 적은 없다. 본 논문은 당 중기부터 북송대 이르기까지의 산수화론에 나 타난 생태관을 분석하고, 이것이 동아시아 전통 미술 창작에 미친 영향을 탐구한다. 특 히 인간과 자연의 관계를 중심으로, 산수화가 단순한 산수풍경의 재현을 넘어 당시의 사회적 맥락에서의 자연에 대한 인간의 인식을 어떻게 반영하는지, 더 나아가 변화시 키는지를 고찰한다. 북송대 산수화론은 자연을 도학적 진리가 시각적으로 발현된 물상 으로 인식하며, 자연과 인간의 관계를 철학적, 예술적으로 통합하려 했다. 산수화의 구 도와 경물 배치는 도가 내재된 만물의 이치를 시각적으로 드러내는 규범으로 작동했으 며, 이는 산수를 인식하고 해석하는 방식을 규정했다. 이렇듯 산수화를 통해 산수화가 들은 단순히 유가적 우주관을 압축시켜 제시하는 것을 넘어 인간과 자연이 공존해야 한다는 생태관을 전하고 있다. 비록 문인들의 권위를 강화하는 수단으로 그 존재의 목 적이 있기는 했지만, 북송대 산수화론에 보이는 생태관은 산수화가들이 전면에 내세웠 던 도학의 이념을 현실의 삶에 대입한 결과로서, 현대 인류세 시대에 지속 가능한 공존 을 위한 방안을 마련하는 데 있어 철학적이며 역사적인 기반을 제공한다.

East Asian art, from its inception, has revealed a close relationship between humans and the world, with landscape painting, in particular, evolving through changing views of nature. In its early stages, landscape paintings were used to decorate palaces and temples, incorporating images of mountains that embodied spiritual power. However, by the Northern Song period, they became integrated with Confucian thought and established themselves as tools for exploring cosmic principles. Additionally, literati painters, positioning themselves as landscape artists, sought to assert their intellectual authority by formulating landscape painting theory that addressed how nature should be viewed and the various orders that could be captured through landscapes. Despite the fact that both landscape painting theory and the paintings themselves contain clues to the era’s ecological views centered around mountains, no meaningful connection has been made with contemporary ecological discussions. This paper analyzes the ecological views presented in landscape painting theories from the Tang to Northern Song periods, and explores how they influenced the creation of traditional East Asian art. Focusing particularly on the relationship between humans and nature, it examines how landscape painting, beyond merely representing mountains and waters, reflects and even transforms human perceptions of nature within the social context of the time. The landscape painting theory of the Northern Song period regarded nature as a visual manifestation of moral truths and sought to integrate the relationship between nature and humanity both philosophically and artistically. The composition and arrangement of elements in landscape paintings served as a normative means of visually revealing the principles of Confucianism inherent in all things, thus defining how landscapes were to be perceived and interpreted. Through landscape painting, painters conveyed an ecological view that goes beyond merely presenting Confucian cosmology, emphasizing the need for coexistence between humans and nature. Although it emerged to reinforce the authority of the literati, the ecological view evident in Northern Song landscape painting theory reflects a philosophical and historical foundation that provides a basis for sustainable coexistence in the Anthropocene era.

본 논문은 고암 이응노(顧菴李應魯, 1904-1989)의 문자추상에 나타난 광기정 신에 대하여 연구한 것이다. 광기(狂氣)는 철학과 예술의 차원에서 지향하는 뜻이 높 고, 감정의 자유로움과 창의적인 자유로움을 상징하는 중요한 개념이다. 유가(儒家)가 지향하는 중화(中和)의 강제된 기존의 틀에서 벗어나, 노장사상(老莊思想)에 기반으로 개인의 감성을 자유롭고 풍부하게 드러 낼 수 있는 원동력으로 작용하여 광기는 창의 성과 혁신의 원천이다. 이응노는 동양의 전통 서예와 문인화를 서양의 현대 미술과 융합하여 독창적인 문자추상을 창조한 한국의 세계적인 예술가이다. 이응노의 문자추상은 동양의 서화동 원론적 사유와 서양의 앵포르멜 요소를 결합하여 탄생했으며, 이러한 예술창작 경향에 는 예술의 동시대성과 동양 서예미학적 의미를 담고 있다. 이응노는 서예의 추상성과 한민족의 예술정신을 바탕으로 전통 서화를 현대적으로 재해석했고, 이런 예술창작 과 정에서 서화 예술의 장르와 동서양의 경계를 넘는 새로운 예술 세계를 구축하고자 했 다. 이응노는 전통의 법도와 규범에 얽매이지 않고, 시대와 지역의 경계에서 벗어난 탈법고(脫法古) 지향적 ‘광기(狂氣)’ 서화 예술 창적 정신으로 새로운 예술 세계를 창 조하고자 했다. 본 논문에서는 이런 점을 보다 구체적으로 이응노가 프랑스에서 수용 했던 앵포르멜 사조 또한 기존의 사조 법칙에서 벗어나 새로운 미술 사조를 구축하고 자 했던 점은 이응노가 추구한 서화예술정신 광기사유와 본질이 같다는 점을 확인했 다. 이응노만의 독창적 예술창작 경향에는 유가(儒家)의 중화(中和)와는 다른 탈중화 (脫中和) 창신(創新)의 미학을 추구하고자 한 예술창작 정신이 담겨 있는 것이다. 본 논문에서는 이러한 이응노의 예술창작 정신을 ‘괴(怪)’로 규정하였다. 또한 동양과 서양을 이분법적으로 보지 않고 동양 서화와 서양 미술을 접목을 시도하여 탄 생한 문자추상은 섞임을 추구하는 미학 정신인 ‘잡(雜)’으로 규명하였다. 결과적으로 본 논문은 이응노 문자추상의 서화동원론적 서예미학은 ‘광괴(狂怪)’와 ‘잡(雜)’의 예술 창작 정신이 표현된 것으로 해석하였다.

This paper is a study of the spirit of Madness (狂氣) as reflected in the Letter Abstraction of Goam Lee Ungno (顧菴李應魯, 1904–1989). Lee Ungno was a globally renowned Korean artist who fused the traditional Eastern arts of calligraphy and literati painting with Western contemporary art to create his original Letter Abstraction. His Letter Abstraction was born from the integration of Eastern philosophies grounded in The Same Origin of Calligraphy and Painting (書畫同源) and elements of Western informel. This artistic approach not only embodies contemporaneity but also incorporates profound aesthetic meanings derived from Eastern calligraphy. Lee Ungno reinterpreted the abstraction inherent in calligraphy by drawing upon the artistic spirit of the Korean people and their cultural traditions, modernizing traditional calligraphy and literati painting. Through this creative process, he sought to transcend the boundaries of genres and the divide between Eastern and Western artistic traditions to establish a unique and innovative artistic realm. Lee Ungno rejected the constraints of traditional norms and rules, instead pursuing a creative spirit of calligraphic art based on “脱法古” (talbeopgo, or escaping the old ways), marked by the "madness (狂氣)" of artistic innovation. This paper examines how Lee Ungno’s reception of the informel movement in France paralleled his calligraphic philosophy, as both aimed to break away from established conventions to forge new artistic directions. Lee's Letter Abstraction represents a unique fusion of Eastern The Same Origin of Calligraphy and Painting (書畫同源) philosophy and Western informel, resulting in a body of work that reflects contemporaneity and originality. His artistic approach is rooted in a creative spirit that pursued Taljunghwa (脫中和) aesthetics, moving beyond Confucian ideals of Junghwa (中和central harmony) to seek creative innovation. This paper defines this aspect of Lee’s artistic creation as "grotesque" (怪). Furthermore, Lee Ungno did not perceive Eastern and Western art in binary opposition. Instead, he sought to synthesize them, leading to the emergence of his Letter Abstraction, which embodies the aesthetic philosophy of "blending" (雜). Thus, this paper confirms that the calligraphy aesthetics in Lee's Letter Abstraction based on The Same Origin of Calligraphy and Painting (書畫同源) reflect his artistic spirit of Madness (狂怪) and blending(雜).

본 연구는 ‘동양화콘텐츠 캡스톤디자인’ 교과목 개발 내용을 담고 있다. ‘동양화 콘텐츠 캡스톤디자인’은 미술대학 학생들의 취·창업 교육을 위해 연구된 교과목이다. 이 교과목은 동양화전공 4학년에 한 학기 동안 개설되는 전공선택 과목이지만 동양화 전공자들과 미술대학 전체 학생들을 대상으로 한다. 연구 목적으로는 제4차 산업혁명 시대에 산업체가 필요로 하는 디자인 분야의 융합인재 양성 교육을 위해 이루어졌다. 교과목의 특징은 동양화창작품, 동양화콘텐츠, 디지털 기술, 학생들의 창의성과 재능이 융합하여 실용적, 미적 가치가 있는 동양적 디자인 제품 모델을 개발하기 위한 것이다. 연구된 ‘동양화콘텐츠 캡스톤디자인’ 교과목은 학생들에게 캡스톤디자인의 개념 과 사례, 디자인 제품들을 플립러닝 교육 방법을 적용하여 학습하게 하고, 팀을 구성하 여 기획, 수행, 분석까지 학생들이 자율적으로 운영하도록 설계하였다. 팀원들 간의 역 할 분담을 통해 협업 능력을 강화하고, 산업체 전문가의 조언을 통해 실무적 감각을 익히고, 시제품 개발을 하여 제품의 경제성과 디자인적 가치를 파악할 수 있도록 구성하 였다. 한국 미술계가 디자인과 순수예술 영역의 구분을 넘어 영상, 디지털, 설치, 음향 등의 영역과 융‧복합적 성격으로 진화해 나가는 시점에 동양의 정체성을 살린 이미지 와 디자인의 결합은 국제적으로도 경쟁력이 있다고 판단한다. 최근 캡스톤디자인 교과목이 다양하게 개발되고 있으나 아직도 전공 간 경계가 확실한 한국의 대학 교육 환경에서는 융합 교과목의 개발과 실행이 쉽지 않은 현실이 다. 본 연구는 순수미술 전공 학생들을 중심으로 창의적 캡스톤디자인 교과목 개발을 시도하다 보니 선행 연구된 사례가 없어 교안개발과 교과목 운영에 보완점이 많을 것 으로 본다. ‘동양화콘텐츠 캡스톤디자인’ 교과목을 통해 학생들은 동양미술의 정체성과 동양미의 가치를 재발견하고, 졸업 후 창작활동과 디자이너로 취·창업에도 도움이 되 기를 기대한다.

This research includes the development of the course "Oriental Painting Content Capstone Design." The "Oriental Painting Content Capstone Design" course is a subject developed with the aim of educating art university students for employment and entrepreneurship. The course is an elective subject for senior students majoring in Oriental painting, and it is offered over one semester. It targets not only Oriental painting majors but also students from the entire art university. The background of this research is to develop educational content that nurtures fusion talent in the design field, as required by industry during the Fourth Industrial Revolution. The distinctive feature of this course is the integration of creative works, Oriental painting content, digital technologies, and students' creativity and talents, with the goal of developing practical and aesthetically valuable East Asian design product models. In the researched "Oriental Painting Content Capstone Design" course, students learn about the concept and examples of capstone design, as well as design products, through a flipped learning method. They work in teams to autonomously plan, execute, and analyze. By dividing roles within the team, students enhance their ability to collaborate, and through advice from industry professionals, they develop a practical sense. By creating prototypes, they gain an understanding of the economic and design value of products. In the context of the evolving Korean art scene, which has moved beyond the boundaries of design and fine arts to incorporate fields such as video, digital, installation, and sound, the fusion of Eastern identity with images and design is considered internationally competitive. Recently, various capstone design courses have been developed, but in the current educational environment of Korean universities, where boundaries between majors remain clear, it is not easy to develop and implement interdisciplinary courses. This study is an attempt to develop a creative capstone design course primarily for fine arts students, and since there are no prior research examples, it is believed that there are many areas for improvement in lesson planning and course management. Through the "Oriental Painting Content Capstone Design" course, students are expected to rediscover the identity of East Asian art and the value of East Asian beauty, which will benefit their creative activities or future employment and entrepreneurship as designers after graduation.

본 논문은 초의선사의 시에 내재 된 주역 사상을 고찰하는데 그 목적이 있다. 주역과 차의 기원은 중국의 삼황(三皇) 시대까지 소급되고, 인간의 삶에 천지의 이치 가 적용된다는 周易원리는 茶문화와 깊은 관계를 맺고 있다. 이와 같은 사실에 기인하 여 본 논문에서는 한국의 다인중에서 가장 대표적인 초의선사의 시를 통해 주역의 중 정과 수신 사상을 살펴보았다. 초의의 동다송에 59~60구에는 한국의 차정신을 대표하는 중정(中正) 사상이 들어있다. 중정은 그 어원을 주역에서부터 찾을 수 있다. 주역에서의 중정은 괘사와 효 사의 자질, 위치의 상관관계와 적합성이지만 내용적인 면을 보면, 도덕적인 실천과 가 치 기준을 나타내기도 한다. 수택절(水澤節)괘를 보면 자신의 처신이 중정의 도를 얻 으면 과하거나 불급하지 않고 절제하며 잘 통할 수 있다. 초의는 또한 그의 시를 통해 차에 삿됨이 없으므로 그 성질이 군자와 같다고 했다. 그러므로 차를 마심으로써 수신 할 수 있고 도에 이를 수 있다는 것이다. 반복적이고 끊임없는 수신을 통해 사특한 마 음을 막고, 자신의 진실함을 보존하려는 괘인 중천건(重天乾)괘 ｢문언전(文言傳)｣과 함께 효사에서 말하는 수신에 초점을 맞춰 초의 시를 고찰하였다.

This study aims to examine The Thought of the Book of Changes implicit in Choi-eui(草衣)’s poems. The Book of Changes(I-ching, 周易) and the origins of tea traces back to China’s Three Emperor’s Era, and the rule of The Book of Changes that the sky and the ground’s rule applies to human life is deeply in relation with tea culture as well. This study examines ‘Equilibrium and Righteousness(中正)’ and ‘Self-cultivation(수 신)’ through the poems of Choi-eui, the most representative figure in Korean tea. There is the idea of ‘Equilibrium and Righteousness’ that represents Korean tea in the 59-60 stanzas of Choi-eui’s Dongdasong. The namesake of ‘Equilibrium and Righteousness’ can be traced from The Book of Changes. ‘Equilibrium and Righteousness’ in The Book of Changes is in accord with the relation of the Sentence of Hexagram and Lines’ capabilities and position but it also shows moral practices and value standards contextually speaking. As shown in Cheih(Limitation, 水 澤節), if the actions of oneself gains the virtue of Righteousness, it will not be excessive or lacking. Cho-eui also said that since there is no malice in tea, the features of tea is like the features of a Gunja(君子) through his poems. We can Self-cultivate and reach the truth(道) by drinking tea. The meaning of Self-cultivation in Ch’ien(The Creative, 重 天乾) that we should prevent malicious thoughts through continuous self-cultivation and should strive to preserve our truthfulness is shown in Cho-eui’s poems.

본 논문은 추사가 『阮堂全集』8권「雜識」에서 언급한 金翅劈海香象渡河(금시벽해향상도하)에 집중하여 AI와 함께 추사체 무게감에 관하여 미학적 탐구를 진행하 였다. 또한 백영일의 ‘글씨는 斤數가 있다’라는 말에 연결하여 무게감이 전달하는 미적 감흥을 ‘斤數美’로 표현하였다. 본 연구에서는 秋史金正喜(1786-1856)의 글씨를 AI가 내놓은 斤數美조건에 접목하고, 무게감이 전달하는 미적 감흥에 관하여 논지를 펼쳐보았다. AI는 斤數美에 관하여 작품의 주제, 구성, 필체, 색상, 그리고 전체적인 감정 표현에 따라 달라질 수 있다는 자료를 주었다. 그중에서도 필체는 굵고 힘찬 선, 불규 칙하거나 거친 필세, 비대칭적 구성, 여백을 사용한 무게감 표현에 대한 자료를 내놓았 다. 이 내용에 접목한 추사 작품은 지면상 한계를 고려하여 <잔서완석루>, <일로향실>, <불광>, <정좌묘용>, <대팽고회>, <백파선사비>, <진흥왕북수고경>, <죽로지실>, <무량 수각>, <판전> 등이다. 선별한 작품을 분석한 결과 무게감은 물론 청고, 고아한 아름다 움까지 전달하고 있었다. 결과적으로 추사가 말한 금시벽해향상도하(金翅劈海香象渡河)의 힘은 碑帖에 기 인한 기본 서법의 충실함과 개성에 기인하여 담아낼 수 있는 미학이라고 종합할 수 있겠다.

This study examines "Geumsi Byeokhae Hyangsang Doha" (金翅劈海香象渡 河), as referenced by Chusa Kim Jeong-hee in Volume 8, "Japji" (雜識) of The Collected Works of Wandang (阮堂全集), and explores the aesthetic perception of weight in Chusa-style calligraphy through AI-assisted analysis. Additionally, this study draws upon Baek Young-il’s assertion that “calligraphy possesses weight (斤數)” to conceptualize the aesthetic resonance of weight as Geun-Su-Mi (斤數美). This study applies the "Geun-Su-Mi" (斤數美) aesthetic criteria proposed by AI to the calligraphy of Chusa Kim Jeong-hee (1786–1856) and explores the aesthetic inspiration conveyed by the sense of weight in his works. AI-generated data suggests that Jinshu Beauty is influenced by multiple factors, including theme, composition, brush style, color, and overall emotional expression. Notably, AI emphasizes the importance of: Bold and vigorous strokes, Irregular or rough brush movements, Asymmetrical composition, and The use of negative space to enhance the perception of weight. Considering the constraints of this study, the analysis focuses on selected works by Chusa, including: Janseo Wanseokru (殘書頑石樓), Ilrohyangsil (一爐香室), Bulkwang (佛光), Jeongjwa Myoyong (靜坐妙用), Daepaeng Gohoe (大烹高會), Baekpa Seonsa-bi (白坡禪師碑), Jinhung Buksugo-gyeong (眞興北狩古竟), Jukro Jisil (竹爐之室), Muryangsugak (無 量壽閣), Panjeon (板殿). Ultimately, the power behind "Geumsi Byeokhae Hyangsang Doha" (金翅 劈海香象渡河), as expressed by Chusa, can be understood as an aesthetic principle that emerges from his rigorous adherence to fundamental stele-based calligraphic techniques (碑帖) combined with his distinctive artistic individuality.

이 연구는 중국의 『전등신화(剪燈新話)』 속 ｢모란등기(牡丹燈記)｣가 베트남과 일본에서 각각 ｢목면수전(木棉樹傳)｣, ｢모란등롱(牡丹燈籠)｣으로 번역ㆍ번안된 양상을 검토하고, 그 과정에서 형성된 ‘인귀교환(人鬼交驩)’ 서사를 중심으로 인간과 비인간의 관계를 분석한 결과이다. 중국의 ｢모란등기｣는 귀신뿐 아니라 인간 역시 초인간적 존 재에게 외면ㆍ징치당하는 존재로 그림으로써, 궁극적으로 인간 세계가 지닌 나약성과 폭력성을 폭로한다. 베트남의 ｢목면수전｣은 귀신을 직접 파괴하고 강에 유골을 버리는 등 비인간에 대하여 극단적 폭력을 가하는 인간의 폭압성을 노골화한다. 반면 일본의 ｢ 모란등롱｣은 결말에서 비교적 온화한 공양의 형태로써 귀신을 배제하기보다 예우를 다 하여 떠나보내려는 태도를 보여준다. 이처럼 세 작품은 각기 다른 방식으로 인간중심 적 사고가 초래한 폭력성과 비인간화 문제를 서사적으로 고발한다. 한편 한국 전기소 설 『금오신화』의 ｢만복사저포기｣는 ‘인귀교환’의 또 다른 양상을 제시한다는 점에서 인 간과 비인간 사이 소통의 가능성을 열어주는 중요한 작품이라 할 수 있다. 결론적으로 ｢모란등기｣ㆍ｢목면수전｣ㆍ｢모란등롱｣, 그리고 ｢만복사저포기｣는 인간과 비인간의 경계 를 흔들며, 그 경계를 통하여 현실 사회의 문제와 폭력성을 폭로한 작품들이라 할 수 있다.

This study examines how Moran-deunggi(牡丹燈記) from the Chinese work Jeondeung sinhwa(剪燈新話) was translated and adapted into Mocmyeonsujeon(木棉樹傳) in Vietnam and Moran-deunglong(牡丹燈籠) in Japan, and analyzes the relationship between human and nonhuman through the resulting ingwi(人鬼交驩) narratives. In the Chinese Moran-deunggi, not only ghosts but also humans face neglect and punishment at the hands of a transcendent being, thereby exposing the frailty and violence inherent in human society. In the Vietnamese Mocmyeonsujeon, humans resort to extreme acts of violence—such as destroying ghosts and throwing their remains into the river—thereby starkly revealing human brutality toward the nonhuman. By contrast, in the Japanese Moran-deunglong, the conclusion features a relatively gentle form of appeasement, suggesting a willingness to placate and send off ghosts rather than exclude them. Although each text approaches the issue differently, all three works critique the violence and dehumanization that arise from anthropocentric thinking. Meanwhile, in Korean vernacular fiction, Mamboksa jeopogi from Geum-o sinhwa offers yet another variation of the human–ghost relationship, highlighting the possibility of genuine communication between humans and nonhumans. Ultimately, Moran-deunggi, Mocmyeonsujeon, Moran-deunglong, and Mamboksa jeopogi unsettle the boundary between the human and the nonhuman and, in doing so, reveal the social injustices and structural violence embedded in contemporary society.